Genre: Alternative / Indie-Rock

Neue Tournee-Ankündigungen sind in diesen Zeiten schon generell eine kleine Sensation; doch diese hier wäre es selbst unter völlig normalen Bedingungen: Mit The Luka State wird uns im September 2021 die derzeit vielleicht aufregendste, sicher aber meistdiskutierte Indierock-Band Großbritanniens für drei Live-Shows beehren! Im Gepäck habem sie neben ihren erfolgreichen Radio-Singles, die in England bereits als die Indierock-Hymnen einer neuen Generation gefeiert werden, auch alle Songs ihres Ende Januar 2020 veröffentlichten Debütalbums „Fall In Fall Out“, das bereits vor seinem Erscheinen hohe Wellen in den britischen Medien und sozialen Netzwerken schlägt.

Zwischen dem 14. und 16. September gastiert das Quartett aus Winsford/Cheshire, das aus seinen drei großen Einflüssen The Beatles, The Jam und The Clash eine zeitgemäße Form großer Indie-Grandezza geformt hat, für drei Clubshows in Berlin, Hamburg und Köln.

Seit dem überwältigenden Erfolg des britischen Garagerock, der mit Bands wie The Libertines, Kaiser Chiefs, Bloc Party und weiteren kurz nach dem Jahrtausendwechsel eine lange nicht erlebte Dringlichkeit und Frische in die englische Rockmusik pumpte und in der Folge zu dem Rocksound für das neue Millenium avancierte, ist es im UK-Indierock seltsam still geworden. Umso euphorischer und ungeduldiger begleiten die Fans und Fachmedien des Vereinten Königreichs jeden Winkelzug der satt rockenden Hoffnungsträger The Luka State, seit sich das Quartett 2012 zusammenfand.

Gleich die ersten aufgenommen Songs gerieten zu soliden Indierock-Smashern und fanden landesweit über Mundpropanda und ein enormes Live-Ethos nicht nur ungewöhnlich viel Radio-Airplay für einen ungesignten Newcomer, sondern auch immer mehr beinharte Fans – darunter nicht wenige vom Fach und aus der Branche. Zu den ersten Unterstützern gehörte auch der Produzent Sam Williams, der dem UK-Indierock mit der Entdeckung und Betreuung von Supergrass schon einmal frische Iumpulse und einen neuen Twist verliehen hatte. Und auch von The Luka State war er restlos überzeugt, seit er die Band in einem kleinen Club live erlebt hatte

Unter seiner Führung gelang The Luka State eine kleine Sensation: Mit „Matter of Time“, „30 Minute Break“ und „Rain“ veröffentlichte das Quartett ein Jahr der Gründung seine ersten drei Songs, die allesamt zu Indie-Hitsingles aufstiegen und der Band fast über Nacht Streamingraten in Millionenhöhe bescherten. Kaum erschienen, setzte auch der in England übliche Hype in den Fachgazetten ein; „Vulture Hound“ etwa bezeichnete sie als der „absolute Inbegriff des modernen Rock’n’Roll“.

Seither gesellten sich weitere Indierock-Glanztaten hinzu, teils als einzelne Singles und teils gebündelt in Form von zwei EPs; parallel tourte die Band jährlich quer durch Großbritannien und zunehemend auch in Mitteleuropa und Nordamerika. Die Aufnahmen zu einem kompletten Album hatten bei all dem Interesse oft das Nachsehen, und so gingen die beiden Jugendfreunde Conrad Ellis (Gesang, Gitarre) und Sam Bell (Bass), die bereits seit frühen Teenagertagen in verschiedenen Formationen zusammen Musik machen, sowie die für The Luka State rekrutierten Jake Barnabas (Schlagzeug) und Lewis Pusey (Gitarre) erst 2018 ins Studio, um ihren ersten Longplayer aufzunehmen.
Von jenem erwartet die Musikwelt nicht weniger als eine Renaissance des gesamten UK-Indierock; das Zeug dazu haben diese vier jungen Lads im Geiste der Mod-Kultur, wie auch ihre drei Deutschland-Shows im kommenden September unschwer belegen werden.

Genre: Indie

Gib mir Zeit, im Sommer ohne google.
Zum Ausdruck kommt, was zu kurz kommt.
Drei Instrumente und eine Geschichte reichen aus um mitzunehmen.
Es reicht zu streicheln oder zu scherzen wenn es darum geht zu berühren. Dreimalumalpha will aber anfassen und schütteln.
Ein bisschen zumindest.
So, dass man nicht vergessen will wenn man wieder geht, und nicht so, dass man sich leicht abklopfen kann.
Es ist wie mit einem Bett an einer Straße, das bequemste Bett, allerdings unverrückbar und nur an dieser Stelle zu benutzen.
Sie können sich zurücklehnen, sollten aber nicht vergessen.

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Support: Confirmation

Confirmation läutet den Sommer mit „Give It Up“ ein, einem Song, der aufruft, an sich selbst und einen Neuanfang zu glauben. Seine erste Single bei Motor Entertainment erscheint am 11. Juni 2021.

Als Sozialarbeiter bei der Obdachlosenhilfe in Berlin wurde der Alltag von Peter Milos aka Confirmation in Zeiten der Pandemie und den damit verbundenen Lockdowns deutlich hektischer. Durch das Chaos half ihm Musik, die Wochenenden im Studio brachten Licht in die dunklen Tage. Dabei kam ein Sound von purem Optimismus raus, erstaunlich nostalgisch und zeitgeistig zugleich.

“Als letzten Sommer die Ausgangsbeschränkungen gelockert wurden, habe ich es geschafft mich mit einem engen Freund für eine Motorradtour aus Berlin zu schleichen. Unterwegs konnte ich einige Dinge lösen, die mich seit Jahren belastet hatten. Als ich zurückkam, hatte ich die ganze Zeit diese Musik in meinem Kopf. Es war wie ein Soundtrack zu einem 80er Jahre Film, in dem gerade die Sonne aufgeht und die ganze Welt im Einklang scheint. Im Studio sprudelten die Songs dann nur so aus mir hinaus und ich hatte innerhalb weniger Minuten die erste Demo von „Give It Up“. Ich zeigte sie meinem Freund und Produzenten Niko und wir wussten beide, dass das die Richtung ist, in die wir gehen wollen und auch unser Weg, den Winter zu überstehen.”

Geboren in London als Sohn einer französischen Mutter und eines amerikanischen Vaters, blieb Milos nie lange an einen Ort, sondern lebte zwischen zwei Kontinenten: Von Paris ging es nach Montréal, LA, Philadelphia und nach London. Diese Instabilität stärkte seinen Wunsch nach etwas “Festem”, was ihn schließlich zur Musik und zur Sozialarbeit führte.

Auf der Suche nach musikalischer Inspiration zog er dann 2015 nach Berlin. Die erste Zeit war Milos dort stark bei seiner Arbeit in einer Unterkunft für Geflüchtete eingespannt. Als die Situation ruhiger wurde, half er bei verschiedenen Projekten als Live-Gitarrist aus, z. B. bei Sarah P. oder Losers. Schneller als er schauen konnte, musste er mit Terminen jonglieren, um seine Pflichten als Sozialarbeiter und die Tourdaten unter einen Hut zu bekommen. Er flog übers Wochenende nach England, um Support-Shows im Electric Ballroom zu spielen und eilte dann zurück nach Berlin, sodass er am Montagmorgen rechtzeitig wieder in der Arbeit war.

Irgendwann war es wieder an der Zeit, eigenes Material zu schreiben und eine zufällige Begegnung brachte ihn mit Niko Stoessl in Kontakt, der mit Größen wie Depeche Mode, David Gahan, Nina Persson und Crystal Castles arbeitete und Acts wie Moto Boy und Nihils produzierte. Die beiden wurden Freunde, was wiederum zu einer musikalischen Zusammenarbeit führte. Das Erarbeiten der Ideen von Confirmation mündete 2020 in der ersten gemeinsamen Veröffentlichung “Motorbike”.

Ihre musikalische Verbindung und Vision wuchs seitdem weiter, am 11.Juni erscheint nun „Give It Up“, der erste Release bei Motor Entertainment. Eine Synthie-geschmückte Pop-Hymne, die den Sommer 2021 mit Retro-Sounds in futuristischem Kontext einleitet. Es geht genauso darum, den kollektiven Struggle zu überwinden, wie darum, Spaß zu haben und das Licht am Ende des Tunnels zu sehen.

Peter Milos selbst beschreibt „Give It Up“ folgendermaßen: „Es ist so, als würde ich mir selbst sagen, wenn du das Ganze hier durchstehen willst, musst du dich aufraffen und etwas dafür tun. Aber nicht nur das. Mit diesem Song möchte ich auch dir sagen, dass du etwas ändern kannst, dass du schön bist und dass ich an jeden einzelnen von uns glaube.“

Genre: Alternative / Indie-Rock

Young Knives (die Brüder Henry Dartnall und The House of Lords) haben ihr neues Album Barbarians veröffentlicht. Ihr erstes Album seit sieben Jahren, nach der 2013 gefeierten Sick Octave. Barbarians ist ein Sprung in das klangliche und thematische Experimentieren einer Band, die es gleichermaßen liebt, zu verwirren und zu unterhalten. Geschrieben, aufgenommen und gemischt von Young Knives in ihrem Studio in der Nähe von Oxford, sagt Henry über Barbarians: “ We broke down all the barriers to creativity and made the most cathartic and noisy album of our career.”

Als die Brüder sich an das Buch des Philosophen John Gray aus dem Jahr 2002 wagten, wurden sie dazu inspiriert, sich in die gewalttätige, brutale Natur des Menschen einzuwählen.

Henry kommentiert:“As with every Young Knives album, me and House always need a good reason to make it. We often start with some high concept that we feel passionate about and use it like a framework to build lyrics and motifs around. As confirmed but self-aware nihilistic miserabilists we often have to dig our way out of a spiralling bleak world view that would make for a super depressing listen. This album is no different. But I think that’s the point of the records we make: how can we turn the worse aspects of humanity into something really fucking entertaining? Obviously there was a lot going on around the world at the time we were writing the record, with the rise of the alt-right and politics designed to divide us. All this fed into a sense that humans are always going to have this battle between our collective existence and the existence of the individual, some days we give and some days we take.
I read Straw Dogs after having put it off for years because of the hype. It’s something you can’t un-read. Its key point is that no matter what scientific progress we have made, what advances we have made in our understanding of how the universe works, we have not become better humans, we are no less barbaric. I just thought that it was such an undeniable point; we are obsessed with self and social improvement, but we don’t get any better as human beings. What if cruelty to others is just part of who we are? How do we live with that?”
In der Lead Single ‘Sheep Tick’ werden diese Fragen frontal angegangen. Henrys erster Text, „Cruelty, I let you back in / I’m wondering why“, gibt den Ton für ein beunruhigendes Zuhören an, begleitet von einem Video, das unangenehm und unerwartet ist. Henry sagt weiter: „Music videos are awful and we wanted to lean into that. The idea behind this one was to make a video that you couldn’t have pitched. We just started shooting without knowing what it was, our goal to make it as baffling and entertaining as possible. Weirdly, the great thing is that some of the video started to make sense with the song after we had finished it: House’s goblin character is the voice inside that tells you how worthless you are, and you have to make peace with him. Most of it doesn’t make any sense though.“

Genre: Indie-Rock / New Wave

Fünf Jahre nach dem Erstling “6” legt SJÖBLOM sein zweites Full-Length-Album “Demons” vor. Johan Sjöblom Eliot, bestens bekannt auch als Gründungsmitglied und einer von zwei Sängern der schwedischen Band THE EXPLODING BOY, präsentiert 10 brandneue Songs irgendwo zwischen energetischem Post Punk, leidenschaftlichem Wave und melodiösem Indie Pop.
Nicht nur die drei Vorabsingles “Tape”, “Brand New Life” and “Telephone”, sondern auch Soundjuwelen wie das tosende “The Storm” oder wie der herzschmelzende Titeltrack “Demons” zeigen einmal mehr Johan’s bestechende Songwriting-Qualitäten. Produzent Jon Bordon (Nicole Sabouné, Agent Side Grinder) hat das Material in den Stockholmer Joniverse Studios schließlich veredelt.

“Demons” wird auf CD in einem sechsseitigen Digipak, auf schwarzem Vinyl mit bedrucktem Inner Sleeve und auf allen digitalen Plattformen veröffentlicht.

Credit: CAA

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Genre: Alternative

Nach Support Slots für Yungblud und Don Broco sowie eigenen ausverkauften Headline Shows in UK, kommen die selbst ernannten Rock’n’Roll Ravers Noisy endlich nach Deutschland!

Genre: Folk

Genre: Singer-Songwriter

Beim Songslam Kreuzberg kämpfen sechs Singer/Songwriter mit selbstgeschriebener Musik in einem der renommiertesten Clubs der Stadt um die Gunst des Publikums und ballern euch durch die Aussicht auf Ruhm, Fame und Schnaps motiviert ihre Tracks in die Ohren.
Bis 2020 im Musik & Frieden zuhause, zieht die Show in der neuen Saison in den legendären Privatclub!
Sichere dir jetzt eins von wenigen Super Early Bird Tickets.

Du hast schon mal ein YouTube-Video von einem Musikinstrument gesehen oder sogar Musik studiert und willst mitmachen?
Anmeldung per Mail an [email protected]!

Aktuelles Line Up auf Facebook.

MC: Ortwin Bader-Iskraut & Samson

Photo: Sandrine And Michael

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Genre: Pop

Dagny kam buchstäblich aus dem Nichts und überwältigte die – insbesondere virtuelle – Welt mit ihrer Debüt-Single „Backbeat“ nahezu über Nacht. Nachdem der renommierte BBC-DJ Zane Lowe ihre Single in seiner „Beats 1“-Show vorgestellt hatte, sammelte Dagny innerhalb weniger Wochen mehr als neun Millionen Spotify-Plays ein, mittlerweile sind es rund 42 Millionen. Im Anschluss kultivierte die 30-jährige Norwegerin im Rahmen zahlloser Kooperationen ihre Erfahrung und Identität als Künstlerin, bevor sie im September 2016 mit ihrer Debüt-EP „Ultraviolet“ weithin begeisterte. Nun, vier Jahre und zahllose Kollaborationen später, erscheint mit „Strangers/Lovers“ endlich ihr lang erwartetes Debütalbum, digital in zwei Teilen: Die A-Seite ist seit Ende Mai erhältlich, die B-Seite folgt am 02. Oktober. Im kommenden Jahr geht Dagny mit ihrer Band auf Tournee und wird zwischen dem 17. und 22. April auch drei Deutschland-Shows in München, Berlin und Hamburg spielen.

Dagny Norvoll Sandvik hatte bei genauerer Betrachtung geradezu perfekte Startbedingungen, um zu dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin zu werden, die man nun in ihr findet. Da ist zum einen ihre Herkunft, das kleine Städtchen Tromsø im Norden Norwegens: Abseits von allen großen Szenen konnte dort ihr ganz individueller Ansatz an Songwriting und Gesang reifen. Zum anderen konnte sie dabei auf intensive familiäre Unterstützung und Hilfe bauen, da ihre Eltern beide ebenfalls Profimusiker sind. So entwickelte sie einen ganz eigenen Stil: euphorisch und fröhlich, aber dennoch tiefgründig und insbesondere in der gesamten Klangästhetik innovativ. So sprechen Eingeweihte der norwegischen Musikszene bereits seit 2012 davon, dass sich in Dagny ein kommender Star des handgemachten Female-Pop findet; erst recht, nachdem die junge Künstlerin auf Konzerten im Vorprogramm von Stars wie Elton John und Bryan Adams auftrat.

Über die nationalen Grenzen hinaus verbreiterte sich die Wahrnehmung ihres ebenso überraschenden wie eingängigen Sounds aber erst nach ihrem Umzug nach London, wo sich ihre Musik noch einmal grundlegend veränderte: Weg von der reinen Folk-Musik und hin zu postmodernen Pop-Entwürfen und elektrischer Band-Verstärkung. Erreicht hatte sie diese Transformation durch verschiedene Kooperationen mit Londoner Musikern und Produzenten. Bei einer Solchen mit Sam McCarthy entstand aus einer Jamsession heraus dann der Song, der sie unmittelbar in den sozialen Netzwerken bekannt machte: „Backbeat“. Ein Lied, das den unheimlich seltenen Spagat schafft, leicht und fröhlich und gleichzeitig enorm nachhaltig und wertvoll zu sein. Seither landeten zahlreiche Songs von ihr in den norwegischen Singlecharts und konnten über 30 Millionen Spotify-Plays erreichen, darunter „Love You Like That“ oder „Somebody“ aus ihrem ersten Album „Strangers/Lovers“.

Parallel ging Dagny viele Kollaborationen ein, darunter mit Steve Aoki, Børns, Kohib, The Wombats oder dem EDM-Duo Seeb, deren Single „Drink About“ bis auf Platz 2 der norwegischen Charts stieg und aktuell bei über 105 Millionen Spotify-Plays steht. Auch für ihr in Los Angeles und London aufgenommenes Debüt-Album nahm sie wieder zahlreiche Angebote zu Zusammenarbeiten an, um ihren Sound weiterzuentwickeln. Unter den Kollaborateuren, mit denen sie arbeitete, finden sich namhafte Songwriter und Produzenten wie Tommy English (Børns, Tigertown, Ladyhawke), Dave Bassett (Elle King, Fitz and the Tantrums), Mattman & Robin (Tove Lo, Ellie Goulding, Taylor Swift) und Justin Tranter (Selena Gomez, Justin Bieber). Entsprechend vielseitig und teils überraschend fallen die Songs auf „Strangers/Lovers“ aus, die jedoch von einer bedeutenden Klammer zusammengehalten werden: Dagnys überragender Stimme, von deren Präsenz und Eindrücklichkeit man automatisch in den Bann gezogen wird. Davon kann man sich im Rahmen ihrer drei Live-Shows im April 2021 in München, Berlin und Hamburg ein weiteres Mal überzeugen.

Die Singer-Songwriterin aus Nashville kündigt internationale Tournee an.

Genre: Singer Songwriter / Country / Pop

Frankfurt, 26. Juli 2021 – Ingrid Andress kündigte heute ihre internationale Headliner-Tour The Feeling Things an, die diesen Herbst in Boston beginnt und mehrere Stationen in den USA und Europa macht. Neben zwei Auftritten in Deutschland in Berlin (31.01.) und Hamburg (01.02.) sind Auftritte in Irland, Nord-Irland, Schottland, England, Frankreich, Niederlande, Dänemark und Schweden geplant bevor sie in Oslo, Norwegen, endet. Die Feeling Things Tour ist die erste Headliner-Tour des aufstrebenden Nashville-Stars seit ihrer US- und Europa-Tour 2019 und gibt Andress die Möglichkeit, ihr GRAMMY-nominiertes Debütalbum Lady Like live zu präsentieren.
Ab Mittwoch, dem 28. Juli 2021 – 10:00 Uhr bieten die Ticketanbieter CTS Eventim und MyTicket Presales an. Der allgemeine Vorverkauf für die Auftritte in Deutschland beginnt am Donnerstag, dem 29. Juli 2021 – 10.00 Uhr. Tickets sind unter www.myticket.de sowie telefonisch unter 01806 – 777 111 (20 Ct./Anruf – Mobilfunkpreise max. 60 Ct./Anruf) und bei den bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.
„Ich freue mich sehr, mein Debütalbum Lady Like auf die Bühne zu bringen und diese Songs zu performen, die in den letzten Jahren ein so großer Teil meines Lebens waren“, sagte Andress. „Noch wichtiger ist, ich kann es kaum erwarten, all die Fans zu sehen, die ich in den letzten 18 Monaten vermisst habe. Als Songwriter ist die menschliche Verbindung mit der wichtigste Teil des gesamten Tourerlebnis, also freue ich mich wirklich darauf.“
Billboard bezeichnete Ingrid Andress jüngst als „ein Aushängeschild für moderne weibliche Komplexität“. In diesem Jahr erhielt die bei Warner Music Nashville / Atlantic Records unter Vertrag stehende Künstlerin drei GRAMMY-Nominierungen und war die einzige Country-Künstlerin, die es mit einer Nominierung als „Best New Artist“ in eine der „Big Four“-Kategorien schaffte. Damit löste sie gleichzeitig Miranda Lambert als meistnominierte Country-Künstlerin des Jahres ab. Die vierfache ACM-Award-Nominierte und zweifache CMA-Nominierte hat jeden Song auf ihrem Debütalbum Lady Like mitgeschrieben und mitproduziert. Auf dem Album befinden sich ihre zweifach US-Platin-zertifizierte #1-Debüt-Single „More Hearts Than Mine“ sowie ihre Single „Lady Like“, die derzeit die Country-Radio-Charts erobert.
Darüber hinaus erhielt die 2020 für die CMA, ACM und CMT Music Awards nominierte Sängerin sowohl bei den MusicRow-Awards als auch bei den NSAI’s Nashville Songwriter-Awards die Auszeichnung „Song of the Year“. Zudem war sie die erste weibliche Country-Künstlerin, die es in das Up Next-Programm von Apple Music schaffte. Für den Kurzfilm „A Lady Like That“, der Einblicke in das Leben des aufstrebenden Stars gewährt, kollaborierte Andress zuletzt mit Amazon Music.
Mit über 600 Millionen globalen Streams wurde der Künstlerin seitens der Medien große Anerkennung zuteil – darunter von The New York Times, NPR, HUFFPOST, Entertainment Weekly, ELLE, Teen Vogue, WWD, PAPER und Wonderland, um nur einige zu nennen. Darüber hinaus ist Andress in mehreren US-TV-Shows aufgetreten, darunter ELLEN, The Late Show with Stephen Colbert, The Late Late Show with James Corden, Jimmy Kimmel Live!, TODAY, Late Night with Seth Meyers, The 54th Annual CMA Awards, The 2020 CMT Music Awards und 2021 CMT Music Awards.
Die versierte Sängerin und Songwriterin hat bereits Songs für Künstler:innen wie Charli XCX, Bebe Rexha, Dove Cameron und FLETCHER geschrieben. Keith Urban lud Andress ein ihn auf ausgewählten Terminen seiner Tour zu begleiten. Im Herbst dieses Jahres wird sie sich erneut Dan + Shay im Rahmen ihrer fortgesetzten Arena-Tour anschließen.

Genre: Blues / Funk / Rock’n’Roll

Neal Francis hat mit seinen 30 Jahren schon mehrere Leben gelebt. Der in Chicago geborene Musiker wird von den Medien aber nicht nur deswegen gefeiert, seine Musik steht im Vordergrund. Craig Charles (BBC Radio 6) findet, er sei die „Reinkarnation von Allen Toussaint“, der Radiosender KCRW erinnert ihn an Leon Russel, Dr. John und JJ Cale, die Winnipeg Free Press sieht ihn als „Künstler, auf den man absolut achten“ solle und Cincinnati CityBeat spricht von „klassischem Funk, Soul und R&B“.

„Ich möchte einfach in allem ehrlich sein, von meinen musikalischen Einflüssen bis zu meiner Geschichte“, erklärt Neal Francis. Denn nach jahrelangem Drogenkonsum hat er sich selbst wieder befreit, die Musik als Therapie genutzt: Die erinnert an die längst vergangene Blütezeit des R&B, macht aber nicht Halt vor neuen Einflüssen. Da gibt es eine tiefe Verbindung zwischen den Sounds seiner Kindheit (Dr. John) und weiteren Vorbildern wie Allen Toussaint und Leon Russell, dem Pubrock der Rolling Stones, dem Gospel Soul von Billy Preston und der Roots-Musik von The Band.

Geboren wird er als Neal Francis O’Hara, als 18-jähriges Piano-Wunderkind tourt er mit Muddy Waters’ Sohn durch Europa und mit diversen Bands durch die USA. 2012 steigt er bei der populären Instrumental Funk-Band The Heard ein. Mit ihm als kreativem Kopf werden The Heard zu einer nationalen Größe, man tourt mit The New Mastersounds und The Revivalists. Aber mit dem steigenden Erfolg sinkt Neal Francis immer mehr in die Abhängigkeit. So wird er 2015 gefeuert, aus seinem Apartment geworfen und steht kurz vor dem Ende. Nach einem alkoholbedingten Anfall, bei dem er sich schwer verletzt, erkennt er die Notwendigkeit einer Reha an.

Die lange Reise von Krankenhausbett zu einer Solokarriere ist weder vorhersehbar noch einfach; ein steiniger Weg mit allem, was dazu gehört. Aber seine kreative Energie treibt ihn an und er kann sich aus der Falle befreien. „Das Trinken hat meine Musik irgendwie gehemmt, sie zurückgehalten. Erst nachdem ich nicht mehr getrunken habe, kam alles heraus, was in mir steckt.“

Er stellt ein profundes Team zusammen, um seine Ideen zu verwirklichen: Bassist Mike Starr (The Heard) und Drummer PJ Howard (The Revivalists, The Heard). Er engagiert den Produzenten Sergio Rios (Orgone, Cee Lo Green, Alicia Keys) und finanziert Studiozeit im Killion Sound in Los Angeles für die Aufnahmen. „In diesem Raum habe ich gelernt, meinen Instinkten zu vertrauen“, erinnert er sich. Das dabei herausgekommene Material spiegelt die gesamte Historie der Meister aus seligen Rock- und Soul-Zeiten.

Neal Francis beendet die Aufnahmen für sein Debüt „Changes” im Februar 2018 in Los Angeles, die folgenden Monate gehören den Overdubs, die er in Chicago mit Engineer Mike Novak aufnimmt, der auch schon für die Demos verantwortlich zeichnet.

Danach geht es auf Tour. Nach dem Vertrag mit Paradigm Talent Agency, spielt Neal Francis seine erste US-Tour als Solokünstler mit den Australiern The Cat Empire. Die Resultate auf ihn und sein Debüt lassen aufhorchen, zahlreiche Radiosender wie KEXP, KCRW’s The Morning Becomes Eclectic, Lightning 100, The Current and BBC Radio 6 unterstützen ihn dabei. Neal Francis und seine vier Mann starke Band treten sogar auf dem New Orleans Jazz & Heritage Festival auf, teilen sich die Bühne mit The Meters und anderen Legenden. 2019 geht er allein auf Tour mit Black Pumas, Steel Pulse, Lee Fields & The Expressions, Dumpstaphunk und anderen. Neal Francis hat auch nicht vor, seine Tournee zu beenden, er möchte die Musik zu den Leuten bringen. „Ich tue dies, um den Antrieb in mir zu befriedigen, aber auch, um den Gaben, die mir in die Wiege gelegt wurden, gerecht zu werden. Und das alles mache ich aus immenser Dankbarkeit.”

Genre: Indie

In der Londoner Musikszene ist Matt Maltese längst kein Unbekannter mehr. Sein Debüt „Bad Contestant“ sicherte ihm vor drei Jahren den Status als talentierter Ausnahmekünstler. Der Nachfolger „Krystal“ setzte den Erfolg des Erstlingswerks schließlich ein Jahr später fort. Nun überzeugt der Brite mit kanadischen Wurzeln mit seiner jüngst veröffentlichten Single „You Deserve An Oscar“, mit der er Album Nummer drei ankündigt. „Good Morning It’s Now Tomorrow“ heißt die neue Platte, die am 8. Oktober 2021 erscheinen soll und jetzt schon als das bislang authentischste Werk des Sängers betitelt wird. Es sei ein Album voller Romantik. Ein Album über das Grübeln über die Liebe und die Zukunft sowie der Suche nach etwas Größerem als dem normalen Leben.

“We all put on a brave face in this life, and this is a song for everyone who still carries on despite the misery and chaos. The greatest actors aren’t in Hollywood – they’re the people walking by you on the street, pretending everything’s ok“, so der Musiker über „You Deserve An Oscar“. Der Song sei eine Ode an die Selbstachtung, bei der humorvolle Selbstverachtung auf tiefe Aufrichtigkeit trifft. Letztere soll uns daran erinnern, ein wenig sanfter zu uns selbst und den Menschen um uns herum zu sein. „The song is both sincerely congratulatory and self-deprecating about the movie-esque roles we all play in everyday life by just pretending things are ok when they’re not. We all act to a certain extent I suppose, and this is kind of a hug of appreciation for those that do it so convincingly“.

Seit Beginn seiner Karriere präsentiert der 23-Jährige qualitativ hochwertiges Songwriting und singt uns mit seiner sachten Stimme ein wenig mehr Mut und Zuversicht zu. “No matter how many people are dying and how much tragedy there is, society still moves forwards. I wanted to reflect on that and talk about how a lot of everyday life is about making peace with that powerlessness“, sagt er und präsentiert sich in Zeiten der Pandemie reflektierter als je zuvor. Immer darauf bedacht, diese Welt mit seiner Musik ein wenig besser zu machen.
Im Februar 2022 dürfen wir Matt Maltese dann live auf der Bühne erleben, wenn er für zwei Konzerte nach Berlin und Hamburg kommt.

Mit seinem zeitlosen Blue Soul hat das Projekt Tiflis Transit in den letzten Jahren aufhorchen lassen. Die Band um Fabian Till agiert dabei stets so zeitlos, dass auch eine nochmalige Verschiebung der ursprünglich für 2020 geplanten Tournee in das Jahr 2022 bei den Konzerten selbst kaum auffallen dürfte. Wegen der anhaltenden Corona-Pandemie und einer fehlenden Planungssicherheit wird dieser große Zeitsprung in der Konzertplanung leider notwendig. Da vereinzelt stattfindende Streaming-Konzerte die Live-Energie des Quartetts nur schwerlich transportieren werden können, wird an der Idee von echten Livekonzerten mit Publikum festgehalten. Im Februar 2022 wird die Band dann hoffentlich endlich wieder auf der Bühne stehen und bestimmt auch den einen oder anderen neuen Song zum Besten geben. Bereits gekaufte Tickets behalten für die neuen Termine ihre Gültigkeit.

Genre: Indie

„A Dim Daze“ heißt das zweite Extended Play von Tiflis Transit, das am 13. November 2020 bei Listenrecords erschienen ist. Anschließend an den Ende 2018 erschienenen, hochgelobten Erstling “Mondaene Dysfunction” trägt die Song-Kollektion erneut die charakteristischen Merkmale des Projekts um Fabian Till.

Der Sound oszilliert zwischen Studioband-Motown Soul und angejazztem Analog-Pop, bleibt aber nach wie vor eines: Blue Soul, der sich mit großer Spielfreude zwischen Traurigkeit und Groovyness schlängelt. Blue Soul, so blau wie der Himmel, Ozean und sämtliche Onkels und Tanten beim letzten Familientreffen zusammen.

Allgegenwärtig ist dieser Schleier, der die Songs durchweht – eine gewisse schummrige Benommenheit, a dim daze eben. Dieses Grundrauschen skandalisiert das Nicht-Durchdringen: Diskurse, die nicht geführt werden, weil sie zu bestimmten Entscheidern nicht durchdringen. Und deshalb nicht verstanden, geschweige denn gelöst werden, nach Jahrtausenden des Fehlverhaltens. Um das Schweigen zur falschen Zeit rotiert die Stimme von Fabian Till in allen irgend möglichen Stimmlagen. Frei nach dem Grundsatz Singen ist silber und besser geht immer.

In phyischer Form gibt es “A Dim Daze” als eine Art “Split”-Album der besonderen Sorte: Auf der A-Seite tummeln sich die aktuellen Songs, „A Dim Daze“, auf der B-Seite finden sich jene von „Mondaene Dysfunction“, die 2017 durch ein analoges Tape-Recording ihre Ewigkeit fanden. Bisher waren sie nicht als Tonträger erhältlich.

Songs von Tiflis Transit liefen und laufen bei Radiosendern wie radioeins, FluxFM und EgoFM auf Rotation. Live waren sie u.a. bereits auf dem alinae lumr, WattEnSchlick, der c/o Pop sowie im Vorprogramm von Fenster und Buck Meek (Big Thief) zu hören.

„einer der Überraschungscoups dieses Jahr“ – JMC Magazin

„Vom Gehörgang ins Herz und dann zurück zum Verstand – so bewegend kann Musik aus Deutschland klingen“ – E1nenhabichnoch

„Die Band flirtet zwischen viel DIY-Pop und lässigen Gitarren mit dem Soul. Klarer Fall für die Kategorie ‚Im Auge behalten‘“ – That New Music Blog

„Durch den zurückhaltenden Einsatz von Schlagzeug und Synthesizer erzeugen Tiflis Transit einen rauen und ungeschliffenen Sound, der mit seiner Melodik an Künstler wie Timber Timbre erinnert“ – The Postie

Photocredit: Laura-Lynn Petrick

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Genre: Indie

Alexandra Savior kommt mit neuen Songs zurück nach Deutschland! Ihre für Mai 2020 geplante Tournee musste aufgrund der aktuellen Umstände mehrmals verschoben werden. Dafür wird sie nun neben ihren ursprünglich geplanten Konzerten Berlin und Köln noch zwei Zusatzshows in Hamburg und München spielen.

Wer die musikalischen Klänge der Retro-Seligkeit einer Lana del Rey liebt, wird sich auch vom besonderen Gesang Alexandra Saviors verführen lassen. Mit 14 Jahren entdeckt die junge Amerikanerin ihre Leidenschaft zum Songwriting und findet ein Ventil, mit dem schwierigen Alltag ihres Teenager-Lebens in Portland klarzukommen.

Knapp drei Jahre später veröffentlicht sie auf ihrem YouTube-Kanal eine Coverversion des Angus & Julia Stones Hit „Big Jet Plane“ und gewinnt damit die Aufmerksamkeit von Prominenten wie Linda Perry, Courtney Love oder Alex Turner von den Arctic Monkeys. Letzterer ist es dann auch, der Alexandra Savior bei ihrem Debütalbum „Belladonna of Sadness“ (2017) unterstützt und es produziert, ihren Songs und der Platte eine Struktur gibt, sowie ihren selbstgeschriebenen Texten den letzten Feinschliff verpasst.

Bereits „Belladonna of Sadness“ strotzt vor Nostalgie-Pop und kreiert Bilder von Sehnsucht, Herzschmerz und jeder Menge Leidenschaft. Die Platte mit ihren elf Songs sorgt international für erste Aufmerksamkeit und beschert ihr Vergleiche zu Stars wie Lana del Rey oder Fiona Apple. Schon bei diesem Album entwirft Alexandra Savior das Plattencover und dreht die Videos zu ihren Singles selbst. Sie beschreibt ihre Musik als „feminist angst horror film feel“ – und genau das ist es.

Mit einem melancholischen und gleichzeitig desorientierten Ausdruck blickt uns Alexandra Savior auf dem Cover ihres im Januar letzten Jahres erschienenen Albums „The Archer“ an. Der Longplayer schreit förmlich nach Unabhängigkeit und strahlt wie das Debütalbum angemessen pompös im dunklen Retro-Pop-Gewand, statt im Einheitsbrei zu versinken.

Im Februar 2022 kommt Alexandra Savior wieder nach Europa und wird vier exklusive Konzerte in Deutschland geben. Erlebt die Künstlerin mit ihrer einzigartigen Stimme am 04. Februar im Privatclub Berlin, am 05. Februar im Kölner Artheater, am 27. Februar in der Münchner Milla, sowie am 28. Februar im Nochtspeicher Hamburg

Genre: Indie

Nach einigen Re-Releases und der Single „Denk Nicht“ im letzten Jahr veröffentlichen VERANDA MUSIC Ende Oktober beim Label STAATSAKT ihr neues, fünftes und erstmals deutschsprachiges Album „Unter Einfluss“ (angelehnt an John Cassavetes‘ „A Woman Under the Influence“). Produziert wurde das meiste wie immer in Eigenregie. Einige der neuen Songs stammen noch aus der Zusammenarbeit mit Tobias Gruben, dem in diesem Jahr mit dem Film „Die Liebe frisst das Leben“ ein Denkmal gesetzt wurde. Darunter das Duett „Moni“ mit Pola Lia Schulten. Zwei weitere Stücke entstanden in Zusammenarbeit mit dem Keyboarder und Produzenten Vredeber Albrecht (Blumfeld, Commercial Breakup). Abgespeckte, rohe Steely Dan spielen Manfred Krug oder Aldous Harding trifft Udo Lindenberg. Textlich sind das „Hymnen der Herzlichkeit, in denen neue Helden neue Horizonte erobern“, so der Romancier Jan Brandt.

Die Band, die laut Kritik „das poetische Genie Joni Mitchells, das Lakonische Donald Fagens, die reflektierte Melancholie John Lennons, die Grandezza David Bowies und die intellektuell-spinnerte Didaktik Syd Barrets” bzw. „Tindersticks auf E“, „Heroinrock und Bossa Nova“, „arrangiert von Göttern“ vereint, hat in den letzten Jahren nur ein paar handverlesene Einzelshows gespielt. Jetzt also endlich wieder live: „This is a very good band.“ (Robert Wyatt) „Und wenn Veranda Music spielt, werden wir nie wieder fehlen.” (DIE WELT)

Genre: Alternative Rock

In early 2019 vocalist Jesse Barnett (Stick to Your Guns) partnered with Sergie Loobkoff (Samiam/ Knapsack/ Racquet Club), Ian Smith (Racquet Club) and drummer Jared Shavelson (BoySetsFire/ Mariachi El Bronx/ Seal) aiming to pen the perfect melodic post-hardcore song. This resulted in their debut self-titled album in July 2020 on Other People Records produced by Beau Burchell (Saosin).

In October they released a theme song for the canned water company (Liquid Death) on War Records/Other People Records followed by the single, “Working Class Suicide Pact” in December followed by their latest, “And For A Moment I Don’t Wanna Die” the following September. This latest single will appear on a split 7” with Iron Chic early 2022. They are currently working on their sophomore album, again with producer Beau Burchell, that will be out in Spring 2022.

Genre: Pop

Ms Nina kommt für eine exklusive Show nach Berlin!

Genre: Hip Hop / Latin

Bereits im Februar dürfen sich die Fans der gebürtigen Argentinierin freuen. Ihr Style beweget sich zwischen Hiphop, Reggaeton, Cumbia und Dembow. Lyrisch geht’s um Themen wie Freiheit, Toleranz und Feminismus wo sie kein Blatt vor dem Mund nimmt.
2017 konnte sie Platz 1. in Spanien auf Spotify mit ihrer Single „Tu Sicaria“ sichern. Später wurde der Release für die Netflix-Serie „ELITE“ verwendet und erreichte über 105 Mio. Streams auf Spotify. Für Fans von Rosalia, Nathy Peluso und Princess Nokia.
Am 8. Februar kommt Ms Nina samt neuer Musik im Rahmen ihrer ersten Europa Tournee in den Berliner Privatclub. Tickets sind ab sofort auf Eventim.de erhältlich!

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Genre: Indie

Vier Jahre lang hat die Musikwelt nichts mehr von Choir Boy aus Salt Lake City gehört. Doch jetzt ist die Band endlich wieder zurück und hat sogar ein ganzes neues Album im Gepäck. Am 08. Mai 2020 erschien ihre zweite Platte „Gathering Swans“, die den unverwechselbaren Sound der Musiker weiterausbaut. Hier trifft pure Nostalgie auf verträumten Indie-Pop, der nicht mehr aus dem Kopf geht.

Genre: Metal, Power-Metal

Achtzehn Monate war es ruhig um SERIOUS BLACK, eine vergleichsweise lange Zeit für eine Band, die seit ihrer Gründung 2015 maximal ein Jahr bis zur Veröffentlichung eines neuen Albums verstreichen ließ. Wer nun allerdings vermutet, die Powermetaller hätten sich auf ihren Lorbeeren ausgeruht und auf der faulen Haut gelegen, wird Anfang 2020 eines besseren belehrt: SERIOUS BLACK sind zurück! Mit einem Paukenschlag und einer Killerscheibe namens „Suite 226“ im Gepäck. Nach drei erfolgreichen Alben und über 120 weltweit gespielten Konzerten, haben sie die verdiente Auszeit dazu genutzt, neue Konzepte zu entwerfen, an frischem Material zu feilen, und, so ganz nebenbei, auch noch ein eigenes Studio zu bauen. Bassist Mario verkündet stolz: “Das Warten hat nun ein Ende, wir sind frisch und ausgeruht zurück. Vor allem sind wir aber hungrig, auf die Bühne zurückzukehren.“ Was die Band sicherlich bei der Tour mit Hammerfall und auf der Headliner Tour im Herbst 2020 unter Beweiss stellen wird.

Nachdem sich 2013 bei Gitarrist Roland Grapow und Basser Mario Lochert die Idee manifestiert, eine sechsköpfige Melodic Metal Band zu gründen, ist es nur eine Frage der Zeit, dass sich die Truppe von Vollblutmusikern, die sich ihre Sporen bis dahin bei FIREWIND, RHAPSODY, TAD MOROSE, EDENBRIDGE, VISION OF ATLANTIS und DREAMSCAPE verdient haben, in der Melodic Metalscene etabliert.

2015 veröffentlichen die deutsch-amerikanische All-Star-Band ihr Debut „As Daylight Breaks“, das sogar einen Charteinstieg verzeichnen kann, und absolvieren anschließend ihre erste Headliner-Tour. Die Fans sind begeistert, die Musikpresse ebenso, es folgen drei weitere erfolgreiche Alben, unter anderem mit Liveaufnahmen und der Unplugged-Version „First Light“, nach der sich die Band 2017 in die Kreativpause verabschiedet.

2020 ist es nun endlich wieder soweit, SERIOUS BLACK präsentiert das mit Spannung erwartete vierte Studioalbum „Suite 226“. Und das wird die Herzen der Powermetalgemeinde höher schlagen lassen. Im Gegensatz zu „Mirrorworld“ und „Magic“, bei denen es weitaus rockiger zur Sache geht, findet man auf „Suite 226“ wieder mehr treibende Gitarren, eingängige Hooks und Riffings, so wie man es von „As Daylight Breaks“ kennt. Wagte man sich mit „Magic“ das erste Mal an ein Konzeptalbum, bei dem es um die Story des mysteriösen Mr. Nightmist, einer Hexe und einer Menge Magie geht, wird auf „Suite 226“ die Geschichte eines geistig verwirrten Mannes thematisiert, der zwischen seiner Traumwelt, Realität und dem Bösen hin und her gerissen ist. Im wahren Leben wird der Protagonist seit vielen Jahren in einer feuchten, kalten Gummizelle gefangen gehalten, die die Nummer 226 trägt, die unmenschlichen Zustände in der alten Psychiatrie haben in längst in den Wahnsinn getrieben. In seiner Phantasie hingegen ist er der mächtige Herrscher, der in seinem feudalen Schloss, umgeben von Kurtisanen, gutem Essen und Wein, lebt und über ein unbesiegbares Heer befiehlt. Taumelnd zwischen Illusion und Wirklichkeit gerät er immer weiter in den Sog des Wahnsinns, sein Leben wird zu einem Ritt durch das Fegefeuer, begleitet von Dämonen, Panikzuständen und Verfolgungswahn. Auch musikalisch nimmt die Band den Hörer mit auf diese Reise zwischen Himmel und Hölle, „Suite 226“ ist der perfekte Soundtrack für den Trip zum Ort der Verdammnis. Unbarmherzige Riffs treffen auf eingängige Melodien, angetrieben wird das Ganze von einer manischen Rhythmussektion, die hochkarätigen, entfesselten Vocals von Sänger Urban Breed steuern die nötige Portion Irrsinn bei. Nach dem Hören des Albums darf man sich die Frage stellen, was tatsächlich Fiktion, was Realität ist. Und wer weiß, vielleicht vernehmt ihr auch diese leisen Stimmen im Kopf. Sagt nicht, wir hätten euch nicht gewarnt!

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Genre: Singer-Songwriter

Zuletzt konnte man den kanadischen Virtuosen an der Slide-Gitarre vor zwei Jahren mit The Bros Landreth in Deutschland live erleben, nun kündigt Ariel Posen für Februar 2022 seine Rückkehr auf die deutschen Bühnen mit Auftritten in Köln (11.2.), Berlin (12.2.) und Hamburg (13.02.) an. Karten für die drei Konzerte sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Termine und Ticketinfos weiter unten.)

Ariel Posens Musik nimmt den Raum zwischen den Genres ein. Es ist ein sehr rootsiger Sound, der zu seinen Einflüssen nickt – Heartland Rock & Roll, elektrifizierter Americana, blue-eyed Soul, R & B, Beatles-inspirierter Pop -, während er sich weiter vorwärts bewegt und Posen in ein Territorium drängt, das einzigartig für ihn ist. Mit seinem aktuellen Soloalbum „Headway“ nimmt der Songwriter und Virtuose an der Slide-Gitarre eine Bestandsaufnahme seines persönlichen und musikalischen Fortschritts vor.

Als lebenslanger Musiker gibt es nur wenige Rollen, die Ariel Posen nicht gespielt hat. Obwohl Posen in Winnipeg geboren wurde, verbrachte er einen Großteil seiner Kindheit auf Reisen und reiste mit seinen Musikereltern von Show zu Show. Mit 9 Jahren begann er Gitarre zu spielen und startete eine Karriere, in der er schließlich für seine eigenen Auftritte um die Welt reiste, darunter auch Shows als Mitglied der mit dem Juno Award ausgezeichneten Roots-Rock-Band The Bros. Landreth.

Einige Zeit später begann Posen an einem eigenen Album zu arbeiten und verfolgte seine neuen Songs in demselben Studio, in dem seine Eltern einst ihre Alben aufgenommen hatten. Das 2018 veröffentlichte Album „How Long“ markiert Posens lang erwartetes Solo-Debüt und zeigt nicht nur seine Fähigkeiten als Instrumentalist, sondern auch seine Talente als vielseitiger Songwriter.

Wenn „How Long“ seine Einführung in die Welt der Roots-Musik gewesen wäre, dann wäre sein neues am 5. März via Manitoba Film & Music erschienenes Werk „Headway“ etwas anderes: eine scharf definierte Momentaufnahme eines Musikers, der seinen Sound wirklich kristallisiert hat. Wie der Titel schon sagt, dreht sich bei „Headway“ alles um Wachstum. Ariel Posen, der bereits als Frontmann, Multiinstrumentalist und Produzent gefeiert wurde, erreicht mit seinem zweiten Album eine neue Bestmarke – ein Album, das vor allem das Songwriting in den Vordergrund stellt und den Fortschritt eines lebenslangen Musikers zeigt, der sich noch mitten in einer Aufwärtsbewegung befindet.

“he comes across like a laidback Springsteen, building an anthemic groove.” – Rolling Stone

“Ariel Posen is guitar’s man for all seasons – he’s got the songs and the voice but he’s also a stellar slide guitarist with a gutsy, expressively melodic style”– Guitarist Magazine UK

“Posen is a rare breed of guitar player. He has managed to meld a keen sense of theory and half a centuries worth of influences into a unique style that is all his own.” – Reverb.com

Genre: Pop

Seit ihrem 2018er-Debüt „Heatwave“ erklimmt das Indie-Pop-Sextett (bestehend aus Sofia D’Angelo, Julian Kaufman, Charlie Kilgore, Layla Ku, Emma Lee and Jamee Lockard) die Karriereleiter des Musikbusiness Schritt für Schritt. Was als einmaliges Projekt begann, legte den Grundstein für etwas, wovon Michelle nicht zu träumen vermochten. Nun ist es Realität: In der New Yorker Szene sind sie gefeierte Newcomer – der Geheimtipp der New Yorker Teen-Music-Szene. Ihre sonnigen Sommer-Hymnen präsentieren sie in Form von verträumten Popmelodien mit ein wenig Jazz und R&B.Dabei zeigen die Musiker*innen trotz ihres jungen Alters, wie sehr sie mit der Großstadt New York verbunden sind. In der Musik der Band schwingt immer eine gehörige Portion der Heimatstadt mit.“I feel a very strong connection between my keyboards and the city. I have a keyboard called the Juno Six and to me that just sounds like New York City. I feel like I’m connecting with New York because the synth is so strongly grounded there“, so Julian Kaufman über sein Instrument. Darüber hinaus verfolgen Michelle mit ihrem Schaffen eine deutliche Botschaft: “We want to foster a really inclusive community that is free of hate and calls out injustices. We just want to share our ideals with our listeners and spread positivity“, so Jamee Lockard. Tiefgründige Lyrics verpackt das Kollektiv seither in beschwingte Melodien, die einen zum Tanzen auffordern und das Leben ein wenig unbeschwerter machen. Zusammen mit der neuen Single „Syncopate“ wurde nun die „After Dinner We Talk Dreams Europe Tour 2022“ angekündigt, im Rahmen derer die Band im Februar nächsten Jahres auch ein exklusives Konzert im Berliner Privatclub spielen wird.

Anna Erhard (Berlin)

Genre: Pop / Folk

Mit ihrer tollen Band präsentiert Anna Erhard ihr Debut Album Short Cut und die neue Single I Wish (Okt 2021). Leicht melancholische und dennoch grundentspannte Popsongs, minimal arrangiert und mit maximaler Ohrwurm Wirkung, die vom Verlassen(werden), (Welt-) Flucht und Übergangsphasen im Leben handeln.

Erhard hat mit Short Cut ein Ohrwurm Album geschrieben, welches 2021 auf den Plattentellern und in den Playlists Berliner Musikkennerinnen im Endlosloop lief, und medial viel gelobt wurde. Leicht melancholisch und dennoch grundentspannt berichtet sie darin von turbulenten Zeiten und von Veränderung: leichte Popsongs über das Verlassen(werden), (Welt-) Flucht und Übergangsphasen in ihrem Leben. Die Songs werden von ihrem eindringlichen Flüstergesang und reduziertem Bass-, Gitarren- und Schlagzeugspiel getragen, schnörkellos und lässig, man hört kein Ton zuviel. Das alles klingt wunderbar warm und kraftvoll, was nicht zuletzt der fantastischen Produktion von Pola Roy (Wir sind Helden) zu verdanken ist. Mit ihrem Debut Album Short Cut und ihrer neuen Single I Wish (Okt 2021) wird Anna Erhard am 15. Februar im Privatclub live zu erleben sein.

Auf ihrer Single «I Wish» vertont sie ihre tagebuchartige Aufzeichnung weiter. «I wish you were closer, I wish you were near me, I don’t want to know that my wishing won’t heal me» singt Erhard, unverkennbar trägt ihre Stimme durch das in sich ruhende Soundgewand. Produziert wurde die Single wieder von Pola Roy in Berlin. „Den Song habe ich an einem Morgen geschrieben und ihn kurz darauf im Studio vorgespielt. Pola hat sich an die Drums gesetzt und der erste Take war’s auch schon.“ Die Wahlberlinerin hatte ihr Debut mitten in der Pandemie veröffentlicht, Konzerte waren keine möglich. Viel Zeit also, um an neuer Musik zu schreiben, aber auch viel Zeit, um dieses verrückte Pandemiejahr aufzusaugen und zu verarbeiten:

«I wish you would drive to mine
and cry that the world’s sick
you should stay all night
until we’ve healed it

but instead
I’m still on my back
My neighbours can see
I’m having dinner in bed»

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Meimuna (Schweiz)

Die Musikerin Cyrielle Formaz lotet mit authentischer Stimme und eher düsteren (französischen) Texten die Schnittstelle zwischen Folk und experimentellem Pop aus.

Courage heisst Meimunas neue EP und ist von ebendiesem Gefühl geprägt. Dem Mut, sich vor sich selbst zu offenbaren, ein intimes Geständnis zu wagen, die eigene Zerbrechlichkeit und Zweifel und Fehler anzunehmen. Der Courage, zu gehen, aufzugeben, loszulassen, sich für frischen Wind zu öffnen. Cyrielle Formaz, Autorin, Komponistin und Interpretin, präsentiert fünf Stücke auf «Courage», welche unterschiedlicher kaum sein könnten. Vereint werden diese von ihrer charakteristischen Stimme und Lyrics mit dramatisch-düsterem Unterton. Dabei setzt sie auf wundervolle Art und Weise auf die Kraft der Stille und verzichtet auf den ganz grossen Ausbruch. Stattdessen ziehen sich Musik und Text in den entscheidenden Moment eher zurück und überlassen vieles der Fantasie der Hörerschaft. Das diese Rezeptur aufgeht ist nicht zuletzt den tollen, bildlichen Texten und der grossartigen Produktion geschuldet, die «Courage» zu einem ergreifend-intimen und doch gewaltig-vielschichtigen Minialbum machen

Genre: R&B / Soul

Children of Zeus ist ein Soul-Projekt, bestehend aus zwei der angesehensten Künstler Manchesters, Konny Kon & Tyler Daley. Konny Kon ist ein DJ, MC und Beatmaker, der vor allem als ein Drittel von Broke’N’English an der Seite seiner Kollegen DRS und Strategy aus Manchester bekannt ist. Tyler Daley, auch bekannt als Hoodman, hat sich vom angesehenen MC und Schauspieler zu einem der gefragtesten Soulsänger der letzten Zeit entwickelt. Er stellt seine Stimme und seine Texte für Musik von Goldie, LSB, Caron Wheeler von Soul II Soul, Lenzman, Lisa Mafia, Bugsy Malone und anderen zur Verfügung.

Die Reise von Children of Zeus begann mit der gemeinsamen Liebe zu Piratensendern im Manchester der 90er Jahre, wo sie von Hip Hop, R&B und Street Soul über Lovers Rock bis zu Dancehall, Garage und Bassmusik alles hörten. Es folgten Jahrzehnte des Auftretens, Schaffens und der Zusammenarbeit in verschiedenen Formen. Nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Travel Light“ 2018 – u.a. von BBC zum Album of the Year gekürt – verbrachten Tyler Daley und Konny Kon die nächsten zwei Jahre damit, ausgiebig durch Großbritannien, Europa, Australien und Südafrika zu touren.

Aufgrund von Corona konnten sie sich viel Zeit für den zweiten Longplayer „Balance“ (2021) nehmen: 50 Minuten klassisch-britische Soulmusik, die Hip-Hop, Neo-Soul, Gospel und R&B umfasst. Die Albumproduktion nahmen Children of Zeus größtenteils selbst vor. Aber auch Grammy-Gewinner Beat Butcha, u.a. Produzent für Jay Z, Beyonce und Nipsey Hussle, hatte seine Hände im Spiel, sowie Produzent Cay Caleb.

Children of Zeus touren ab Herbst 2021 mit dem neuen Album durch Europa und kommen im Februar 2022 für fünf Termine nach Deutschland. Ein großartiges Soul-Spektakel für die Hip-Hop-Generation!

Genre: Folk Rock / Indie

„In Heaven“ heißt das neue und bereits achte Studioalbum von Strand of Oaks, welches am 1. Oktober 2021 veröffentlicht werden wird. Tim Showalter, wie Strand of Oaks mit amtlichen Namen heißt, reflektiert darin über ganz grundsätzliche Themen wie Liebe, Verlust und Erleuchtung. Er verarbeitet eigene Trauer in tiefgründigen Songs, die aber getränkt sind von Hoffnung, Freude und neu gefundener Stärke.

„’In Heaven’ was created with so much love and my greatest hope is that it connects with people and provides a momentary space for reflection, joy, catharsis and whatever else someone might be looking for in their life. Music is magic and I feel like the luckiest person in the world that I’m allowed to share it.” (Strand of Oaks).
Das Album wurde im Oktober 2020 in Los Angeles aufgenommen, mit einer großartigen Bandbesetzung: zusätzlich zu Tim Showalter an Gitarren/Gesang und Kevin Ratterman am Schlagzeug sind zu hören Carl Broemel und Bo Koster von My Morning Jacket (Gitarre und Keyboards) sowie Cedric LeMoyne (Alanis Morrissette, Remy Zero) am Bass und Scott Moore an der Violine, dazu als Special Guest auf dem Song „Easter“ noch James Iha (The Smashing Pumpkins). „In Heaven“ ist der Nachfolger des 2019 erschienenen Albums „Eraserland“, das nicht nur von NPR Music zu einem der Top-Alben des Jahres gekürt wurde. Auch Pitchfork kommentierte damals: “The result is a cosmic tour-de-force, soars in both its booming and hushed moments, a testament to the skills of this lockstep outfit. These seasoned players navigate Showalter’s emotional cosmos with equal parts professionalism and empathy.”

Genre: Indie / Rock

Photo: Daniel Dorsa

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Adult Mom gehen im Frühjahr 2022 auf Tour und spielen insgesamt vier Shows in Berlin, Hamburg, München und Köln! Mit im Gepäck hat die Indie-Pop Band ihr neues Album „Driver“.

Genre: Indie Pop

Ursprünglich begann Adult Mom 2012 als Solo-Projekt von Stevie Knipe in einem Studentenwohnheim. Mittlerweile ist Adult Mom ein Bandprojekt mit den befreundeten Musikern Olivia Battel und Allegra Eidinger. Am 5. März veröffentlichte die Indie-Pop Band ihr drittes Studioalbum “Driver” und kündigte gleichzeitig eine Tour inklusive vier Shows in Deutschland an. Die 10 Songs auf „Driver“ sind geprägt von 00’s Pop-Rock Gitarren und Stevie’s Goming-Of-Age Lyrics und liefern damit den perfekten Soundtrack zu einer queeren Rom-Com.

Obwohl Adult Mom mittlerweile ein Bandprojekt ist, steht Stevie Knipe weiterhin im Mittelpunkt der Band. Stevie identifiziert sich als gender-queer / non-binär – also weder als Mann noch als Frau (Pronomen: they / their). Stevies Lyrics handeln von Liebe, Freundschaft, Romantik, Identität und der allzeit gegenwärtigen Frage: Was Nun?

Die Frage nach dem „was nun?“ beantworten uns Adult Mom hoffentlich im März 2022, wenn sie ihren sehnsüchtigen Indie-Pop Sound in Berlin, Hamburg, München und Köln auf die Bühne bringen.

Genre: Pop

Vor drei Jahren erschien das erste Album von Wyvern Lingo und mit diesem sanften Knall haben sich Saoirse Duane, Karen Cowley und Caoimhe Barry mit ihrem unverwechselbaren Sound in die Herzen gespielt. Die drei Irinnen glänzen durch ihre souligen Stimmen, die großartigen Vokalharmonien und ihre perfekte Mischung aus Pop, RnB und Classic Rock. Man spürt in der Präzision, dass das Trio schon seit der Jugend gemeinsam spielt und singt. Jetzt ernten Wyvern Lingo den Lohn dafür und für ihre dynamischen Auftritte. Zwei Jahre lang tourten sie durch Europa, machten Festivals unsicher oder traten im Vorprogramm von Größen wie Grace Jones, Hozier oder Unknown Mortal Orchestra auf, bevor sie sich zeitweise in Berlin niederließen und an ihrem Nachfolgeralbum „Awake You Lie“ arbeiteten. Für SWR2 und BR2 war es jeweils die Platte der Woche und die Irish Times nannte es „einen Leuchtturm für alle von uns, die sich verloren fühlen auf der weiten See“. Die Songs sind poppig, seelenvoll, cool wo es sein muss und ekstatisch. Auch wenn die drei Frauen, die sich seit früher Jugend kennen, immer betonen, dass sie gerne Thin Lizzy, Led Zeppelin, Joni Mitchell, Fleetwood Mac, Fleet Foxes und Simon & Garfunkel hören – die wahren Vorbilder liegen doch, wenn man den ausgefuchsten und wohlarrangierten Harmoniegesang hört, deutlich und ohne Übertreibung bei Destiny’s Child oder TLC. Und weil die überbordende Kreativität von Wyvern Lingo einfach raus muss, erscheint Ende November eine erweiterte Version der neuen Platte mit 22 Tracks. Die drei Damen waren ja schon für eine kleine und sehr feine Akustik-Tour bei uns unterwegs – im kommenden Februar werden sie nach Deutschland zurückkehren und ihre Songs auf der großen Bühne live präsentieren.

Genre: Singer-Songwriter

Josh Rouse und Vetiver haben sich beide vor geraumer Zeit dem Folk-Pop verschrieben und mit ihren musikalischen Projekten und Veröf f entlichungen internationale Erf olge gefeiert. Nun haben die beiden Musiker beschlossen, im Herbst 2021 gemeinsam auf Tour zu gehen. Anfang Oktober kommen sie für zwei Konzerte nach Hamburg und Berlin.

Was aus den Federn von Josh Rouse und Andy Cabic, alias Vetiver, stammt, sind melancholische Folksongs – empathisch und eindringlich.
Der in Nebraska geborene Josh Rouse gab sein Debüt im Jahr 1998 in Nashville, wo er sein erstes Album „Dressed Like Nebraska“ aufnahm. Nach der Veröffentlichung des Erstlingswerkes ging es für Josh Rouse auf ausgedehnte Tour. Zwei Jahre später brachte er auf dem nachfolgenden Album „Home“ den Song „Directions“ hervor, den der amerikanische Regisseur Cameron Crowe in seinem Film „Vanilla Sky“ verwendete. Sein bahnbrechendes Album „1972“ veröffentlichte Josh Rouse im Jahr 2003 und spielte damit auf sein Geburtsjahr an, ebenso wie auf die 70er, in denen er musikalisch vor allem von den „warmen Klängen der damaligen Alben“ angezogen wurde.

Von solchen warmen Klängen sind auch die Alben des Singer-Songwriters seit jeher geprägt. Josh Rouses Musik zu genießen, ist nicht schwer. Seine Songs präsentieren sich einem mit offenem Herzen und überzeugen durch eine in gewisser Weise angeborene Intelligenz. Jede Liedzeile steckt voller Details, sowohl musikalisch als auch textlich. Seinem Stil bleibt der Folk-Musiker dabei treu. „Ich war schon immer von einem anderen Musikstil fasziniert. Aber so experimentierfreudig ich auch war, am Ende sind es immer meine Stimme und die melodische Sensibilität, die die Dinge zusammenhalten“, erzählt Josh Rouse.

Das musikalische Wesen von Andy Cabic, alias Vetiver, ist hingegen vielseitig. Wenn der aus Virginia stammende Musiker nicht gerade wieder einen seiner melancholischen Folk-Rock-Diamanten in seinem Studio in Nordkalifornien schleift, lässt er Tanzflächen mit House-DJ-Sets zum Leben erwachen. Eben dieses musikalische Facettenreichtum färbt nun auch sein aktuelles Album „Up On High“. Das Herzstück jedes dieser zehn Songs ist Andy Cabics sanfte und zärtliche Stimme. Komponiert habe er das Werk auf seiner Akustikgitarre, da dies in Momenten der Inspiration das am einfachsten zu erreichende Instrument sei. Das Grundgerüst des neuen Albums entstand bei einer gemeinsamen Bandsession auf dem Boden im Haus eines Freundes in der Wüste Kaliforniens. Und so gelang Vetiver wieder ein intimes und gefühlvolles Werk, bei dem man die Leidenschaft für das gemeinsame Musizieren mindestens genauso deutlich heraushört, wie man Josh Rouse und Vetiver die Freude am gemeinsamen Spielen auf der Bühne anmerkt.

Im Oktober nächsten Jahres dürfen wir die beiden Singer-Songwriter bei uns in Hamburg und Berlin begrüßen.

Genre: Alternative Rock

Nach langem Warten ist es nun endlich so weit: Die US-amerikanische Band THE DANGEROUS SUMMER kehrt im Frühjahr 2022 für fünf exklusive Konzerte nach Deutschland zurück.

2006 in Ellicott City, Maryland (USA) gegründet, sind THE DANGEROUS SUMMER mit sechs veröffentlichten Alben und gemeinsamen Auftritten mit Alternative-Rock-Größen wie The Faim, Our Last Night, State Champs und Simple Plan mittlerweile dem „Geheimtipp-Status“ entwachsen. Doch seitdem die Band, deren Name auf dem gleichnamigen Buch von Ernest Hemingway beruht, zuletzt in Deutschland gespielt hat, ist einige Zeit vergangen – um genau zu sein, sogar über drei Jahre! Umso größer dürfte die Freude der hiesigen Fans nun sein: Vom 23.02.–27.02.2022 wird THE DANGEROUS SUMMER im Rahmen von fünf Terminen quer durch die Republik touren. Dann werden Sänger AJ Perdomo und Gitarrist Matt Kennedy nicht nur die Songs der bisher veröffentlichten Alben, sondern auch das ein oder andere neue Stück dabeihaben. Diese veröffentlichen THE DANGEROUS SUMMER seit 2020 übrigens in Eigenregie unter dem Independent Label „Molly Water Music“.

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Genre: Alternative / Rap

Der in Kalifornien lebende Rapper und Produzent Lund geht Anfang 2022 auf Deutschlandtour!

Indem er Gitarrenakkorde, 808-Drums, flinke Reime, eindringliche Melodien und schräge Beats miteinander verknüpfte, sprengte Lund Genre-Grenzen und baute sich seine eigene Welt. Die Fähigkeit des Künstlers, zwischen Hip-Hop, Pop und Alternative zu springen, bescherte ihm eine weltweite Fangemeinde sowie eine halbe Milliarde Streams und Views auf den bekannten Streaming Kanälen.

Aufgewachsen etwa 65 Meilen von Los Angeles entfernt in Moreno Valley, entwickelte Lund schon als kleines Kind eine ausgeprägte musikalische Perspektive. Als Sohn von Eltern im Highschool-Alter lebte er bei seinen Großeltern väterlicherseits, während seine Mutter mit Drogen kämpfte und sein Vater mit schweren psychischen Problemen zu kämpfen hatte. Lunds Großvater brachte ihm das Gitarrespielen bei, als er gerade sechs Jahre alt war. Zur gleichen Zeit hörte er alles von den Red Hot Chili Peppers, Radiohead und Coldplay bis hin zu N.W.A. und Gravediggaz. Er spielte während der gesamten Mittelstufe Trompete und nahm sogar an der Marching Band und dem Orchester teil. Die Entdeckung von Ableton erweiterte seinen klanglichen Horizont weiter. In der elften Klasse begann er, seine eigenen Produktionen zu erstellen und Vocals aufzunehmen. In seinem Heimstudio entwickelte er alles von Grund auf neu und gestaltete die Produktion, die Instrumentierung und den Gesang.

2016 veröffentlichte Lund „Broken“. Langsam aber sicher erlangte der Song eine unglaubliche Popularität. Mit seiner luftigen Gitarre, dem echoartigen Trap-Beat und den kathartischen Melodien generierte „Broken“ bisher unglaubliche 250 Millionen Spotify-Streams. Die rohe Herangehensweise des Tracks fand sofort Anklang. Außerdem startete er 2020 seine allererste Tournee, die in ganz Nordamerika ausverkaufte Shows zur Folge hatte. Anfang 2022 dürfen sich dann auch seine Deutschlandfans auf Luns erste Live-Shows in Berlin, Hamburg und München freuen!

Genre: Singer-Songwriter

Hi friends, Better Days are coming, I can feel it.

Join me and my band as we venture out onto the road again early next year, singing and playing our hearts out for you as we travel from city to city.

I miss touring in Europe so much and can’t wait to come back and see you all when all of this awfulness is behind us.

See you soon, Nick

Genre: Singer-Songwriter

Intim, ergreifend, authentisch und tiefgründig: Meadows gibt sein Innenleben preis. Manchmal düster, manchmal hoffnungsvoll, aber immer voller Leben und Emotionen. Geboren und aufgewachsen ist der Fingerstyle Gitarrist und Songwriter Christoffer Wadensten in der Kleinstadt Söderköping an der Ostküste Schwedens. Er hat die letzten paar Jahre unter dem Pseudonym Meadows die Welt bereist und mit seiner introspektiven, akustischen Musik zahlreiche Clubs und Wohnzimmer erfüllt und verzaubert. Seine Musik vereint Menschen, macht Fremde zu Freunden und Fans, die in seiner Musik Zuflucht und Vertrauen finden.

Seine erste EP „The Only Boy Awake“ wurde im Jahr 2016 durch das deutsche Label „What We Call Records“ veröffentlicht. Der Titeltrack wurde in die Netflix-Serie „Tote Mädchen lügen nicht“ („13 Reasons Why”) aufgenommen. Mittlerweile kann Meadows über 30 Millionen Streams vorweisen.

Der Titel von Meadows’ neuem Album – „The Emergency Album“ – ist inspiriert vom amerikanischem Lyriker Frank O’Hara. Es erzählt von der Fähigkeit einen Gefühlszustand während eines Notfalls zu fassen und spüren. Das Album markiert einen Wendepunkt in Wadenstens Leben und schafft Platz für einen neuen Zyklus in dessen Musik: Tiefsinnig, betrübt und wunderschön zugleich.

Photo credit: Daniel Harris

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Genre: Alternative / Reggae

Wenn sich eine Band direkt nach einem Festivalbesuch gründet, ist es fast logisch, dass Ihr Sound auf die großen Bühnen abzielt.

Die vier Mitglieder von Will And The People trafen sich 2010 auf dem legendären Glastonbury Festival und legten kurz darauf richtig los: Ihren eklektischen Sound, der irgendwo zwischen Reggae, Ska, Rock, Folk und Punk angesiedelt ist, schliffen sie auf unzähligen Konzerten so lange rund, bis er sichergestellt war, dass jede und jeder im Publikum komplett abgeholt wurden. So wurden ihre Shows schon bald zu inklusiven Happenings, bei denen wirklich alle mit offenen Armen empfangen wurden.

Noch im ersten Jahr ihres Bestehens veröffentlichte das Quartett die ersten Singles, bevor 2012 ihr selbstbetiteltes Debütalbum folgte. Nachdem Will and the People damit besonders in den Niederlanden großen Erfolg hatten, tourte die Band unablässig durch das Vereinigte Königreich, Europa und Australien, spielte große Festivals wie Lowlands und Pinkpop. Mit ›Friends‹ (2013) und ›Whistleblower‹ (2014) legten sie neben einem Dutzend Singles zwei weitere Alben nach.

Ihre 2019 veröffentlichte 13. Single ›Gigantic‹ liefert einen Vorgeschmack auf das vierte Album, das 2020 erscheinen soll.

Genre: Metal / Metalcore

The Oklahoma Kid gehören definitiv zu den spannendsten Entdeckungen der letzten Jahre! Die Band steht für mitreißenden Modern Metal, der eine Brücke zwischen instrumentaler Finesse und energiegeladener Rhythmik schlägt. Seit ihrer Gründung im Jahr 2012 hat sich die deutsche Band bestehend aus David J. Burtscher, Fred Stölzel, Robert Elfenbein, Tomm Brümmer und Andreas Reinhard kontinuierlich weiterentwickelt und mittlerweile fest in der nationalen Metalszene etabliert.

Es folgten Shows mit Szenegrößen wie Stick To Your Guns, Carnifex, Evergreen Terrace und Hatebreed, auf denen The Oklahoma Kid mit ihrer passionierten und explosiven Performance die Massen begeistern konnten.

Ob live oder auf Platte – The Oklahoma Kid sind schon längst kein Geheimtipp mehr und stellen sich der Herausforderung, die Szene mit ihrem unverkennbaren Sound aufzumischen!

Genre: Kinderkonzert

Deniz & Ove – das sind die beiden Hamburger Musiker Deniz Jaspersen und Ove Thomsen.

Auf ihrem gemeinsamen Album „Bällebad“ bilden sie lebensnah den Alltag von Kindern ab: Es geht ums Kranksein (»Fieber«: Montag und auch Dienstag lag ich flach, Mittwoch wurd‘ ich erst am Abend wach, Papa sagt so wie die Dinge stehen, kann ich Freitag wieder in die Schule gehen – Da wurd‘ mir plötzlich wieder heiß, ich male mich mit Kreide bleich, das Thermometer angeföhnt, und dabei furchtbar gestöhnt), um Patchworkfamilien (»Bunter Teppich«: Wir sind laut und wir sind viele, wir sind ein bunter Teppich, eine Familie) oder ums Krümeln (»Krümelkind«: Ich bin erst dann zufrieden, wenn alle Krümel auf dem Boden liegen). Der Sound ist analog zu den Texten mal rockig, mal etwas ruhiger – aber immer mit Ohrwurmgarantie. Die 14 Songs aus der Feder der beiden erfolgreichen Songschreiber und Indiemusiker haben das Potenzial, auch bei Eltern (heimlich) auf dem Plattenteller zu landen. Das ist gegenwärtige Kindermusik mit pfiffigen Texten für die ganze Familie: witzig, groovy, clever! Die Kinderlieder von Deniz & Ove sorgen auch LIVE für richtig gute Laune und sind so bunt wie ein Bällebad.

Genre: Indie / Pop

Genre: Pop

Vor ein paar Jahren noch war Billie Marten nach eigener Aussage deutlich ängstlicher beim Schreiben ihrer Songs. Sie versteckte sich förmlich hinter ihrer Musik und kümmerte sich sehr um das, was andere Menschen von ihr hielten. Diese jugendliche Unsicherheit legt die 22-Jährige nun endgültig ab. Im Jahr 2016 debütierte die Sängerin mit „Writing Of Blues And Yellows“, einer von Kritikern gefeierten Tagebuchaufzeichnung. Im Jahr darauf zog Billie nach London, wo sie drei Jahre später an ihrem Nachfolger „Feeding Seahorses By Hand“ arbeitete, welches als „sanftes und zurückhaltendes Meisterwerk“ betitelt wurde.

„Flora Fauna“ heißt nun das dritte Studioalbum, das die englische Singer/Songwriterin im Mai dieses Jahres der Öffentlichkeit vorstellte. Ein Album, das selbstbewusst ihre Geschichte des persönlichen Wachstums erzählt. Dabei zeigt sich die Künstlerin, aufgewachsen um die Yorkshire Dales, stark mit der Natur verbunden. „The name Flora Fauna is like a green bath for my eyes“, erzählt sie. „If the album was a painting, it would look like flora and fauna to me, it encompasses every organism, every corner of Earth, a feeling of total abundance “. Basierend auf dem minimalistischen akustischen Folk, mit dem sich Billie in den vergangenen Jahren einen Namen gemacht hat, präsentiert sie hier eine atemberaubende Sammlung von Songs, die sie reifer als jemals zuvor und mit starkem Rückgrat strahlen lässt.

Genre: Folk

Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.

Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.

Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.

Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.

Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.

Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.

Genre: Indie / Pop

Mit einem Look irgendwo zwischen Adam Ant und Prince und einem Sound, der schimmernden Pop, Alternative Rock und Electric-Folk verbindet, stürmte der Singer/Songwriter Charles Costa aus London mit seinem von Kritikern gefeierten Debüt „Love Blood“ 2012 die Bühnen. Kurz zuvor gewann er den renommierten „International Songwriter of the Year“ Award.

Nach einer ausgedehnten internationalen Tour veröffentlichte er 2016 sein zweites Album „Gamble for a Rose“, welches von Marcus Mumford produziert wurde. Costa kehrte zurück zu seinen Folk-Wurzeln, während sein Sound eine moderne Note behielt. 2020 arbeitet Costa mit Matthew Wilder zusammen – es entstand das dritte Studioalbum „Out of my Mind“. Das Album ist ein Selbstgeständnis seines Kampfes für psychische Gesundheit und erforscht die Kernthemen „Liebe, Einsamkeit, Sex und Selbstmord“, während der Sound von roher Energie und Emotionen getragen wird. Sein neuer Sound kann durchaus überraschen, denn er zieht einen unerwartet in den Bann. Costa sprengt damit mutig die Grenzen seines künstlerischen Schaffens.

Im Sommer 2021 startete Charles für „Regenerate UK“ den Feelgood Jog und lief in dem Zuge 40 Marathons in 40 Tagen. Nach jedem Lauf spielte er noch eine Show. Nun ist es fünf Jahre her, seit wir King Charles auf den Bühnen Europas erleben durften – im März 2022 ist er mit gesamter Band unterwegs!

“They say the freaks shall inherit the earth, and it will be King Charles who was ordained by god to rule over them” – Clash Magazine, April 2020

Genre: Hip Hop / Rap

„Mäd Löve“, das jüngste Mädness-Album nach 15 Karrierejahren, dreht sich um Beziehungen – zu Menschen, zur Gesellschaft, zu Gewohnheiten. Es ist privat, intim und manchmal egozentrisch im besten Sinn. Trotzdem geht es nicht darum, sich um Verantwortung zu drücken. Mädness spielt mit Spannungen und Ambivalenz und trifft uns genau deshalb so unmittelbar, weil er mit seinen eigenen Widersprüchen Frieden schließt. Konsum und Enthaltsamkeit. Selbst- und Nächstenliebe. Positionierung und Eskapismus.

Die Empathie und Gelassenheit, die „Mäd Löve“ ausmachen, finden ihre klangliche Entsprechung in einem warmen, weit offenen Sound, der mal klingt wie eine große Soul-Kapelle, mal wie ein winziges Kammerorchester, mal wie verschleppter, moderner Boom Bap. Detailverliebte Arrangements prägen ein kompaktes, homogenes Album, das auf der Bühne nicht minder souverän umgesetzt wird. Mädness-Konzerte leben von einer ganz unmittelbaren Energie, die man sonst nirgends fühlt – diese Energie ist „Mäd Löve“.

Genre: Alternative, Rock, Bluesrock

Es sind tatsächlich nur zwei Musiker, Félix Matschulat (Voc. / Guit) und JM Pelatan (Bass/ Machines / Samples), die seit ein paar Jahren sehr schnörkelosen Rock und überbordenden Blues mit einer riesen Portion Energie auf die Bühne bringen. Mit ihrem ganz eigenständigen Sound, der irgendwie entfernt an die The Black Keys erinnert, aber an sich auf eine besondere Art frisch und neu klingt, was man diesem Musikgenre eigentlich gar nicht mehr zugetraut hätte. Nach weit über 200 Konzerten, diversen Newcomer-Auszeichnungen, unglaublich ästhetischen Videos, bringen sie nun im November 2021 ihre vierte Platte “Factory” raus und stellen diese dann auch dem deutschen Publikum vor.

Genre: Electroclash / Pop / Punk

Die Gang mit dem familienunfreundlichsten Namen im Popbetrieb veröffentlicht das vierte Album. „Gefühle“ macht das Leben im Plattenbau beautiful again, empowert das Verkacken, erzählt von Panikattacken und verweist Männer auf ihren Platz (Hobelbank).

Nichts gegen Katzengold, Kaugummiautoamten-Grillz, Strasssteinen auf der Beißschiene… aber was soll darüber hinaus das Anbeten von teurem Bling-Bling in der prekären Popszene? Den Crackhuren ist das jedenfalls zu blöd. Sie werten lieber die eigene Realität auf, singen mit Lower-Class-Bewusstsein und ehrlicher Freude: „Ich bin zurück in der Gosse“.

The TCHIK – wie man sie aus Platz- und Schamgründen auch schreiben kann – das sind Lulu, Doreen, Kristin, Ilay und das ist eine auf allen Ebenen außergewöhnliche Band.
13 Jahre Showbiz übersteht man eben nur, wenn man’s wirklich miteinander ernst meint. Mit leichtem Gepäck und emotionaler Distanz ist bei dieser Band niemandem geholfen. „Wir lieben uns übertrieben“, sagt Lulu und meint es auch genauso.

Jetzt erscheint mit „Gefühle“ das vierte Album – unter eigener Regie, aus eigener Kraft, 13 Superhits. Diese Superhits wollen raus in die Welt und präsentiert werden.
Wir sehen uns auf der „Gefühlefühlefühle – Tour ‘22“ – und mit jenen Pussycat Dolls auf Tabak, Zucker und Hartz klingt das einfach nur wie eine Verheißung. Danke dafür!

Genre: Singer Songwriter / Indie / Folk

Mit dem Ausklingen des einleitenden Crescendos breitet sich eine atmosphärische Klanglandschaft aus, über der eine Stimme liegt, so in sich ruhend und körperhaft präsent, dass sie genauso gut im eigenen Kopf singen könnte. Gleich von den ersten Takten weg entpuppt sich Christian Kjellvanders neues Soloalbum also als das, was man eine große Platte nennt. Die sieben Songs bauen sich sachte auf, mäandern, nehmen unerwartete Kurven, pausieren sogar dann und wann, um einen Blick über die eigene Schulter zu wagen. Vier von ihnen enden weit jenseits, einer knapp vor der Sieben-Minuten-Marke.

Man mag es kaum glauben, aber dieser Sound, dessen Dynamik von Beinahe-Stille bis zu zügellos expressivem Breitwand-Format reicht, wurde von einer minimalen Dreierbesetzung in einem Stockholmer Kellerstudio in größtenteils live eingespielt:
– Per Nordmark am Schlagzeug

– Pelle Anderson an Fender Rhodes, Prophet 5 und Korg Prologue
– Christian Kjellvander: Stimme, Gitarren und was immer ihm sonst in die Hände fiel.

Dieses Trio traf sich im Mai 2020, als sich bekanntlich ganz Europa im strikten Lockdown befand. Ganz Europa außer Schweden. Aber Kjellvander behauptet zurecht, dass die Arbeit im Studio immer auch eine Form der Selbstisolation mit sich bringt: „Wenn ich nicht auf Tour bin, bin ich in einer Art von Lockdown. Ich lebte acht Jahre auf dem Land, in einer umgebauten Kapelle mitten im Nirgendwo.“

Allerdings ist About Love And Loving Again das Album, auf dem Christian Kjellvander sich von jener alten Kapelle draußen in der schwedischen Wildnis verabschiedet, wo in den vergangenen Jahren so viel von seiner Musik geschrieben und aufgenommen wurde: Jener „Baptist Lodge“, die dem Eröffnungssong ihren Titel leiht. “Meanwhile at the Baptist Lodge there is new paint on an old Dodge,” singt Kjellvander da, “Once it goes east it ain’t ever coming back.” In einer seiner Kernzeilen kombiniert der allegorische Text das Bild des archetypischen amerikanischen Autos mit einer Fahrt an die äußersten Ränder von Schweden: “I drove down to the southernmost beach in our country”

“Ich dachte nie, dass das in meinen Texten unterschwellig zum Vorschein kommen würde“, sagt Kjellvander, “aber nachdem ich in den USA aufgewachsen und dann nach Schweden gezogen war, fühlte ich mich für viele, viele Jahre wie ein Einwanderer. Erst nach ungefähr zwanzig Jahren wurde es mir bewusst: ‚Warte mal, ich hab Kinder hier, ich wohne nun wirklich hier, das ist mein Leben.‘ Als in den späten Neunzigern das ganze Americana-Ding angesagt war, gehörte ich natürlich zu dieser Szene. Aber ich habe mich weiterbewegt, und meine Musik ist heute in Schweden oder grundsätzlich in Europa angesiedelt.”

“Cultural Spain”, den formal am dichtesten durchkomponierten und -arrangierten Song des Albums, vollendete Kjellvander unter dem Eindruck einer rasenden Fahrt über den halben alten Kontinent, von Spanien bis zurück in die skandinavische Heimat, kurz bevor die Länder, die er dabei passierte, ihre Grenzen schlossen. Wie in vielen Songs auf diesem Album, strotzt der halb abstrakte Text nur so vor komplexer Beziehungsthemen: “I heard women talk about other women / I’d just slipped into one of those men / I’d swallowed her sorrows / Because I knew how to use them”

Man braucht kein indiskreter Promi-Schnüffler zu sein, um zu erraten, dass viele der in About Love and Loving Again verarbeiteten Geschichten autobiographischen Ursprungs sind. Tatsächlich ist jene Göttin, die im Eröffnungssong dem Meer entsteigt (“out of the water and straight into my family”) keine geringere als die schwedische Sängerin Frida Hyvönen, die auch auf “Cultural Spain” Backing Vocals beisteuert und das Coverfoto eines sich im Halblicht im Bett räkelnden Christian geschossen hat.

Indessen spielen Zeilen wie “Love turns to past and past turns to fiction / And the happiness is the first thing we forget” aus “Actually Country Gentle” offensichtlich auf das Ende von Kjellvanders 13-jähriger Ehe an. Aber sie werden für alle, die ähnliche Lebenserfahrungen durchgemacht haben, “when trouble fell in love with itself” (aus “Trouble”) vertraut, schmerzlich und tröstlich zugleich klingen. Denn Christian Kjellvander beschreibt hier eine Welt, die viel größer ist als sein privates Ich. Und doch: “Da liegt eine Verwundbarkeit drin, das ist mir jetzt klar geworden. Wenn man mitten drin ist und einfach schreibt, gelangt man schließlich an den Punkt, wo es Momente der Klarheit gibt, die Sinn ergeben und einen bewegen. Und sobald man diesen Bereich wieder verlassen hat, fühlt sich das ziemlich nackt an. Ich habe immer über Dinge geschrieben, die mir am Herzen liegen, aber diese Platte ist eine besondere. Sie ist sehr offen. Das ist, worauf ich es anlegte. Ich wollte wahrhaftig und verwundbar sein.”

Der möglicherweise verstörendste Moment, angekündigt vom seltenen Auftritt einer verzerrten Gitarre, ereignete sich in „No Grace“, einem Song, der tief in den Kindheitserinnerungen des Autors gräbt. “I thought back to that time I was spit in the face by my own mom / Or when my father broke my nose / And the whole family had to wait until he was in good enough shape.”

Ganz am Ende des Albums entlässt Kjellvander die Hörer mit “Process of Pyoneers”, einem Song, der eine kleine Brise Ironie und eine quasi-spirituelle Offenbarung bereit hält: “I’ll play a new rock’n’roll guitar and find God eventually / But every god is a chance / Every god is only a dream / But maybe every god is not just an idea.“ Als ein Künstler der auf der Suche nach neuen Wegen “ständig unter verschiedene Steine guckt” (sein letztes Album nahm er spontan mit einer schwedischen Jazz-Band auf), hat Christian Kjellvander gelernt, sich mehr auf seinen Instinkt als die Intention zu verlassen. “Ich versuche meist meiner Lust zu folgen. In der Musik muss es immer Lust geben“, sagt er, „Alle große Kunst ist letztendlich nur die Sicht einer Person auf die Dinge und sollte nicht als mehr als das betrachtet werden. Je älter ich werde, desto mehr vertraue ich darauf. Fühlt es sich für mich gut an? Fühle ich, dass es etwas sagt, das ich nicht schon einmal gehört habe? Gut, dann machen wir von hier aus weiter.”

Robert Rotifer, Canterbury, Juli 2020