Genre: Indie Pop

Die Liebe zum Leben, zur Welt liegt den Jungs im Blut. Geboren in Deutschland (als Söhne einer Tschechin und eines Australiers), verbrachten Jan und Josef ihre Jugend in Italien, gingen später nach Melbourne. Erst der Liebe wegen.
Dann startete dort ihre Musik-Karriere als „Amistat“.

Der Name bedeutet übrigens Freundschaft auf Katalanisch. Freunde, Brüder – Josef und Jan sind beides.
Sie sind sehr unterschiedlich, ergänzen sich aber stimmlich und in ihren Botschaften. Auch die Verbindung mit dem Publikum oder anderen Musikern ist es, die Amistat so sympathisch macht.
Und sie reflektieren offen, was sie erlebt und erreicht haben – und was nicht.

Live spürst du den Amistat-Zauber am stärksten. An der Seite der australischen Band „Sons of the East“ gaben Amistat 2019 innerhalb von acht Wochen 49 Konzerte in 15 Ländern. Die Musik von Amistat erinnert an eine moderne Version des Kult-Folk-Duos Simon and Garfunkel. Josef und Jan ließen sich besonders durch Künstler wie Ben Howard, Kings of Convenience oder Kodaline beeinflussen.

Mit ihrem Debütalbum Parley, veröffentlicht 2016, tourten sie durch Australien und Europa und erregtendabei derart die Aufmerksamkeit der Sängerin Tash Sultana oder der Band Sheppard, dass sie sofort deren Showseröffnen durften. Ihre kommende, fünfte EP ́ Still Alive ́ erscheint Ende diesen Jahres. „Still Alive “ ist Amistat‘s Tribut an die Welt und an die Liebe weiterzumachen und sich auch in schweren Zeiten an das gute zu erinnern . Die Brüder wollen Raum geben – zum Fühlen und um Kraft zu schöpfen.

Genre: Indie

BLOODHYPE sind eine Indie-Band aus Berlin: Elmar Weyland, Erik Laser, Matt Müller und Christopher Kohl. Der BLOODHYPE Plan war einfach: Mit Freunden Musik machen in einer WG in Friedrichshain, nachts Tracks auf Elmar Weylands Laptop aufnehmen, Debüt EP veröffentlichen, 2 Millionen Streams, Hype in Blogs von London bis Lissabon, von Paris bis Poznan. Aber war das wirklich der Plan? Keiner erinnert sich so wirklich…

Nach einem Sommer voller Festivals, Support Tourneen mit Taking Back Sunday und Blackout Problems sowie der ersten ausverkauften Headliner Tour, machen BLOODHYPE jetzt auf jeden Fall tatsächlich große Pläne: Nachdem Ende 2019 Hate Candidate veröffentlicht wurde, steht BLOODHYPEs neue Single Violent Heart jetzt in den Startlöchern. Ein schimmernder 80s Throwback mit modernem Twist – der perfekte Soundtrack zu einem High-School Film voller Selbstmitleid, Drama und gebrochenen Herzen. Mastermind und Frontmann Weyland holte sich für den Song Unterstützung von dem UK Produzenten John “P Nut” Harrison, der schon mit Amy Winehouse oder Alice Merton große Erfolge feiern konnte.

Im Sommer 2020 werden BLOODHYPE ihr lang erwartetes Debut Album Modern Eyes veröffentlichen. Eine Sammlung von Tracks, aufgenommen an den verschiedensten Orten in Berlin. Vom Hansa Studio bis zum fensterlosen Proberaum im Keller in Kreuzberg. Und auf der Tour zum Album im Herbst wird es alle natürlich Songs der Band zu hören geben.

Genre: Indie

Nach fünf Jahren Pause kündigt die Indie-Psych-Rock-Band The Besnard Lakes im September 2021 eine Europa-Tour an, die sie auch nach Deutschland führen wird.

Bereits 2001 gründeten das Ehepaar Jace Lasek und Olga Goreas in Montreal die Band. Nach fünf Alben (davon vier auf dem Jagjaguwar Label), zwei Polaris Prize Nominierungen, diversen Line-Up-Wechseln und vielen Tourneen durch Nordamerika und Europa, beschlossen sie 2017, ihre Band neu zu überdenken. Am 29. Januar 2021 veröffentlichen sie nun auf dem Londoner Label Full Time Hobby (Tunng, Micah P Hinson) mit „The Besnard Lakes Are The Last Of The Great Thunderstorm Warnings“ ihr neues 72-minütiges Opus. Das Album ist in die Teile „Near Death“, „Death“, „After Death“ und „Life“ unterteilt, ihr bislang kompromisslosestes Werk und erinnert an Spiritualized’s Lazer Guided Melodies oder sogar an Dark Side of the Moon. Willkommen zurück, Besnard Lakes!

Weitere Infos auf englisch:
The Besnard Lakes have passed through death and they’re here to tell the tale. Nearly five years after their last lightning-tinted volley, the magisterial Montreal psych-rock band have sworn off compromise, split with their long-standing label, and completed a searing, 72-minute suite about the darkness of dying and the light on the other side.
The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings is the group’s sixth album and the first in more than 15 years to be released away from a certain midwestern American indie record company. After 2016’s A Coliseum Complex Museum – which saw Jace Lasek and Olga Goreas attempting shorter, less sprawling songs – the Besnards and their label decided it was time to go their separate ways; with that decision came a question of whether to even continue the project at all. What use is a band with an instinct for long, tectonic tunes – rock songs with chthonic heft and ethereal grace, five or 10 or 18 minutes long? How do you sell that in an age of bite-sized streaming? How do you make it relevant?
„Who gives a shit!“ the Besnard Lakes realized. Ignited by their love for each other, for playing music together, the sextet found themselves unspooling the most uncompromising recording of their career. Despite all its grandeur, …The Last of the Great Thunderstorm Warnings honours the very essence of punk rock: the notion that a band need only be relevant to itself. At last the Besnard Lakes have crafted a continuous long-form suite: nine tracks that could be listened together as one, like Spiritualized’s Lazer Guided Melodies or even Dark Side of the Moon, overflowing with melody and harmony, drone and dazzle, the group’s own unique weather.

Here now, the Besnard Lakes finally dispensed with the two/three-year album cycle, taking all the time they needed to conceive, compose, record and mix their opus. Some of its songs were old, resurrected from demos cast aside years ago. Others were literally woodshedded in the cabanon behind Lasek and Goreas’s „Rigaud Ranch“ – invented and reinvented, relishing this rougher sound. Some of that distortion makes its way into the final mix: an incandescent crackle that had receded from the Besnards‘ more recent output.
Rightly – nay, definitively! – The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings is a double LP. „Near Death“ is the title of the first side. „Death,“ „After Death,“ and „Life“ follow next. It’s literally a journey into (and back from) the brink: the story of the Besnard Lakes‘ own odyssey but also a remembrance of others‘, especially the death of Lasek’s father in 2019. Being on your deathbed is perhaps the most psychedelic trip you can go on: in Lasek’s father’s case, he surfaced from a morphine dream to talk about „a window“ on his blanket, with „a carpenter inside, making intricate objects.“ That experience pervades the album, catching fire on the song „Christmas Can Wait“; elsewhere the band pays tribute to the late Mark Hollis and, on „The Father of Time Wakes Up,“ they mourn the death of Prince.

In these scorched and pitted times, as the world smoulders, there might be nothing less trendy than an hour-long psych-rock epic by a band of Canadian grandmasters. Then again, there might be nothing we need more. …The Last of the Great Thunderstorm Warnings is a bright-blazing requiem: nine tunes that are one tune and six musicians who make one band – unleashed and unconstrained, piercing and technicolour. At the end of the golden day, the Besnard Lakes are right where they should be.

Genre: Indie / Rock

Drama, Gefühl, Wucht und Melancholie: Kyles Tolone gießen das Lebensgefühl der „Generation Why?“ in dynamische und anspruchsvolle, zugleich aber auch kompakte und mitreißende Rockmusik. Geschult an Vorbildern wie Biffy Clyro, Kings Of Leon, Hundred Reasons oder den frühen Coldplay sind Kyles Tolone episch, ohne Progrock zu sein, hoch emotional, ohne Emo zu sein und straight auf den Punkt, ohne das Publikum zu unterfordern. Mit anderen Worten: Sie sind in der deutschen Rockwelt schon jetzt einzigartig. (Oliver Uschmann)

Nach ihrem 2019er Album „Low Spirits & Fireworks“ machen KYLES TOLONE im Herbst wieder das, was sie am besten können: quer durch Deutschland touren und mitreißende Shows spielen. Ihr Geheimrezept aus tiefgründigen Geschichten, eingängigen Melodien und britischen Röhrenamps lädt ein auf eine emotionale, sphärische Reise durch das bittersüße Chaos des Lebens.

DJ: Phil Haussmann (Apples In Space)

Genre: Indie / Guilty Pleasures

It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg. Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & naughties.

Genre: Country

Jesse Marchant stammt aus Montreal in Quebec. Im zarten Alter von sieben Jahren beginnt er mit dem Gitarrespielen. Seine ersten eigenen Songs nimmt er als Teenager im Haus seiner Eltern auf. Er zieht nach New York, wo er weitere Aufnahmen macht, die zu einem Plattenvertrag mit Partisan Records führen. Sein selbstfinanziertes Debüt „Not Even in July“ von 2008 erscheint dann regulär 2010. Ihm folgen 2012 „Stray Ashes“, 2014 „Jesse Marchant“ und 2018 schließlich „Illusion Of Love“. Er tourt mit Nathaniel Rateliff, Rogue Wave, Avi Buffalo und Sondre Lerche, steht mit anderen Singer-Songwritern auf der Bühne, darunter St. Vincent, Elvis Perkins und dem schwedischen Sänger The Tallest Man On Earth. Viele seiner Songs sind in amerikanischen TV-Serien wie ‚Grey’s Anatomy‘, ‚Parenthood‘, ‚Shameless‘, ‚The Blacklist‘, ‚Eyewitness‘, ‚Bones‘ und anderen zu hören. Sein Sound wird oft verglichen mit Jim James, Justin Vernon, Nick Drake, Neil Young und M. Ward. Kritiker beschreiben seine Musik als „einzigartige Mischung aus Tiefe und Emotion.”

Die Songs auf seinem am 25. Juni 2021 erscheinenden Album “Antelope Running” zeichnen ein Portrait eines Mannes, der gefühlvoll auf die eigene Vergangenheit zurückschaut. Diese zu akzeptieren und das Verlangen nach mehr sind miteinander verwoben und führen im Ergebnis zu einem Album, das nicht nur besser, sondern auch bedeutender und klarer ist als seine bisherigen Werke. Ein gutes Beispiel dafür ist der Titelsong, eine fast achtminütige Ode an einen geliebten Menschen, der an Joni Mitchells beste Zeiten erinnert. Der Songs beginnt mit Marchants Erinnerung an banale Details eines morgendlichen Laufs in Texas und endet in einer Art metaphysischer Offenbarung, als Antilopen neben seinem Auto laufen, während er durch das abendliche Wyoming fährt. Er denkt über den Tod und das Sterben nach und den Willen, dies nicht zu nah an sich heranzulassen: “I hope the night won’t fall too soon on you / I wish the same, that the night don’t come too soon for me.” Aber auch von Reue ist die Rede: “I should call you up and share these silly stories, like I never do”. Diese schwierigen Themen werden aber trotzdem mit einer fast komödiantischen Leichtigkeit vorgetragen, dass man sich unweigerlich an die alten Meister Leonard Cohen oder Bob Dylan erinnert fühlt. Mit derselben Geschicktheit verbindet Marchant klassische Liebesthemen mit beißender Kritik, wie zum Beispiel in “Century”, das einen glorreichen Tag seines Lebens beschreibt, bevor es direkt zu Sozialkritik übergeht: “I saw you scowling in the corner so I came on by / And again it would be your night to starve or feed / I said, I know you’ve been having it hard but I was hoping that for just tonight/ You could feel happy for me / All I wanted was this bright day alive without your sentiment dragging me down to your place / Wishful thinking”.

D. James Goodwin (Bob Weir, Kevin Morby, Bonny Light Horseman) hat zum dritten Mal zusammen mit Marchant produziert und auch einige Parts des Albums mit eingespielt. Die beiden schaffen es wieder einmal, einen Stil zu kreieren, der schwierig zu definieren ist. Es gibt Passagen, die an Mingus erinnern (“Antelope Running”), andere wieder an Joy Division (“Far Away”/”Heartache”) oder an Neil Young (“Hatchet Of Destiny”). Erstaunlicherweise passt diese Klang-Collage aber sehr gut zusammen, denn die Songs fügen sich trotz ihrer Unterschiede perfekt ineinander. Man kann das Album je nach Bedarf laut hören oder im Hintergrund laufen lassen, man wird immer wieder etwas finden, das einen aufhorchen lässt. Das liegt natürlich auch an Marchants markanter Stimme: Sein Bariton ist tief und klar, während er sich trotzdem mehr Freiheiten als sonst gönnt. Aber auch die Instrumentierung überrascht an einigen Stellen: Die Klarinetten-Arrangements von Stuart Bogie (Arcade Fire, Antibalas, Fela!) übernehmen ab und zu die Songs in einer wunderschönen Art, dass man ihnen einfach zuhören muss.

Aber auch Marchants langjähriger Drummer Jason Lawrence und Bassist Logan Coale (Taylor Swift, The National, Now Ensemble) trugen ihren Teil zu den gelungenen Aufnahmen bei, die größtenteils live im September 2020 in Goodwin’s Isokon Studio in Woodstock/New York stattfanden.

Mit “Antelope Running” ist Jesse Marchant ein Album gelungen, das ihm hoffentlich bald die Anerkennung zukommen lässt, die der in New York lebende Kanadier längst verdient hat.

Berlin, es darf wieder getanzt werden!

Genre: Post-Punk / Britpop / New Wave / Indie / Hamburger Schule

Kreuzgut.Disko ist zurück und das gleich mit einer Riesenüberraschung.
Am 1. Oktober wird die „Kreuzgut Compilation“ auf Vinyl erscheinen und das muss natürlich so richtig gefeiert werden. Deswegen wird es am darauffolgenden Tag, dem 2. Oktober, eine Record Release Party im Privatclub Berlin geben. Wir freuen uns mit euch dieses Herzensprojekt zu feiern. Natürlich wie immer mit Post-Punk, Britpop und Indie. Mehr Infos zu der Compilation, Gewinnspiel und andere tolle Neuigkeiten gibt es ab 18.09. auf Facebook und Instagram. Bist du dabei?

#kreuzgutcompilation #kgd001

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Genre: Hip Hop / Rap

Die Show muss ersatzlos abgesagt werden. Hier das offizielle Statement:

Due to the on-going pandemic we are forced to cancel the upcoming The Cool Quest tour. Playing this tour would not be fair to either the band nor the audience. The Cool Quest is a one of a kind live band with high energy and the aim to make everyone dance and party. Unfortunately, during these times we are unable to provide a safe space to do so. We are working on new dates for the next year and will keep you updated. Already purchased tickets can be returned at the respective ticket provider.“

THE COOL QUEST, ist DIE BAND aus Holland. Sie spielten mehr als 500 Shows in ihrem Heimatland. Radios in Holland, Deutschland und Österreich spielen jeden ihrer energetischen Songs rauf und runter. Ihre Energie ist unbeschreiblich. Egal wo sie spielen, unabhängig von Bühne und Alter ihres Publikums, keiner steht still. Sie heißen THE COOL QUEST, weil das Live Erlebnis mit Ihnen wirklich ein Erlebnis ist. Der Körper und Geist wird freigesetzt und der QUEST kann starten.

Mit ihrer GOOD LIFE TOUR waren Sie in Deutschland, Österreich, Schweiz aber auch in Osteuropa unterwegs.
Festivals weltweit wollen nur eins: IHR PUBLIKUM ZU THE COOL QUEST abgehen sehen. So spielten Sie in den letzten drei Jahren Festivals wie: Reeperbahn Festival, ESNS Norderschlaag, Tallinn Music Week, MS Dockville, Kaltern Pop Festival, Trivago Festival uvm.

Ihre geheime Rezeptur ist: Eine Verbindung zwischen dem Sound der 90er, der goldenen Zeit des Hip Hops und den Drive der Popmusik.

Im nächsten Jahr schlagen THE COOL QUEST ein neues Kapitel auf – THE NEXT EPISODE!

Die Band um den Frontmann Vincent Bergsma, kommt nun mit doppelter weiblicher Kraft und zwar am Bass und am Schlagzeug. Die Gitarre spielt, der wohl unglaublichste Gitarrist Hollands und die Keys ein Visionär, den man nicht aufhalten kann, wenn er richtig mit seiner Improvisation beginnt.

Diese fantastischen Fünf werden Euch mit ihren neuen Tunes umhauen, denn diese werden Euch nicht nur zum Springen und Tanzen animieren, ihre neuen Songs werden auch eure Seele berühren.

Seid schnell, traut Euch! Dieser Quest wird euer Leben verändern.

Genre: Alternative, Metal

Das norwegische Metal-Trio Jørn Kaarstad (Gesang, Gitarre), Bård Linga (Bass) und Olav Dowkes (Schlagzeug) findet 2013 zusammen. Nach den EPs „The Great Northern Roadkill“ (2014) und „War On Everything“ (2015) sowie dem 2017er Debütalbum „Divide & Conquer“, das unter anderem einen Platz auf der begehrten „Best of the Year“-Liste vom ‚Metal Hammer‘ findet, werden Bokassa von den Göttern gesalbt: Metallica-Mitbegründer und -Schlagzeuger Lars Ulrich tauft sie „meine neue Lieblingsband“ und lädt sie ein, die Europa-Etappe der ‚Worldwired Tour‘ 2019 zusammen mit Ghost zu eröffnen. Zwischen dem 1. Mai und dem 25. August 2019 sind die Drei europaweit mit Metallica in den größten Stadien unterwegs. Im Gepäck haben sie dann ihren zweiten Langspieler „Crimson Riders“, ein hochexplosiver Molotow-Cocktail aus Punk, Hardcore, Metal und Rock, dessen neun Songs die Heldentaten von verrückten Kulten, macht-gierigen Grenzschutzagenten, biertrunkenen Antihelden und einem unsterblichen, weltraumreisenden Piraten, beschreiben.

„Auf unserer ersten Platte haben wir versucht, alle Hooks herunterzuspielen, weil jeder in Norwegen damals dieses seltsame Spiel für das Radio machte und wir nicht wie jeder andere klingen wollten“, gibt Jørn zu. „Diesmal entwickelte sich der Klang von selbst. Es wird melodischer. Wir schrieben die schnellsten und härtesten Songs, die wir je gemacht haben, und die poppigsten. Es ist wirklich vielfältig geworden und kann nicht in eine Schublade gesteckt werden.“ Im Sommer 2018 verstecken sich Bokassa mit dem Co- Produzenten Yngve Anderson [Blood Command] im Keller des Brygga Studios und verbringen eine Woche damit, dieses Werk in Form zu schnitzen. Zwischen „Bier trinken und streiten“ tauchen sie „wie Vampire“ mit einem Rammbock aus alkohol-getränkter Brillanz auf. Die erste Single „Mouthbreathers Inc..“ galoppiert stabil los: „Der Song ist aus der Perspektive eines Diktators oder eines Kultführers geschrieben und was ihm durch den Kopf geht, wenn der Thron zerfällt“, sagt Jørn. „Der lyrische Inhalt des Songs sind die Gedanken dieses Menschen.“ Für das ‚Rock Hard‘ ist das zweite Album eins, das „keinen 08/15-Sound abliefert, sondern einen Stilmix kreiert, der ziemlich schwer zu beschreiben ist. Nach mehreren Durchgängen kann man den Eindruck bekommen, hier interpretieren drei Visionäre, wie der Metal sich in die Moderne retten kann, ohne zu kopieren.“

Mit dem gerade entstehenden dritten Album wechseln Bokassa auch zum österreichischen Kult-Label Napalm Records, worauf die Band sehr froh ist:
“Wir freuen uns riesig darüber und sind stolz, einen Deal bei Napalm Records unterschrieben zu haben. Wir können es kaum erwarten, der Welt unsere neue Musik zu präsentieren und denken, dass Napalm perfekt zu unserer unheiligen Mischung aller tollen Sachen in Rock, Punk und Metal passt.“
Das noch unbetitelte Album soll zeitnah zur Tour erscheinen.

Genre: Singer-Songwriter

Josh Rouse und Vetiver haben sich beide vor geraumer Zeit dem Folk-Pop verschrieben und mit ihren musikalischen Projekten und Veröf f entlichungen internationale Erf olge gefeiert. Nun haben die beiden Musiker beschlossen, im Herbst 2021 gemeinsam auf Tour zu gehen. Anfang Oktober kommen sie für zwei Konzerte nach Hamburg und Berlin.

Was aus den Federn von Josh Rouse und Andy Cabic, alias Vetiver, stammt, sind melancholische Folksongs – empathisch und eindringlich.
Der in Nebraska geborene Josh Rouse gab sein Debüt im Jahr 1998 in Nashville, wo er sein erstes Album „Dressed Like Nebraska“ aufnahm. Nach der Veröffentlichung des Erstlingswerkes ging es für Josh Rouse auf ausgedehnte Tour. Zwei Jahre später brachte er auf dem nachfolgenden Album „Home“ den Song „Directions“ hervor, den der amerikanische Regisseur Cameron Crowe in seinem Film „Vanilla Sky“ verwendete. Sein bahnbrechendes Album „1972“ veröffentlichte Josh Rouse im Jahr 2003 und spielte damit auf sein Geburtsjahr an, ebenso wie auf die 70er, in denen er musikalisch vor allem von den „warmen Klängen der damaligen Alben“ angezogen wurde.

Von solchen warmen Klängen sind auch die Alben des Singer-Songwriters seit jeher geprägt. Josh Rouses Musik zu genießen, ist nicht schwer. Seine Songs präsentieren sich einem mit offenem Herzen und überzeugen durch eine in gewisser Weise angeborene Intelligenz. Jede Liedzeile steckt voller Details, sowohl musikalisch als auch textlich. Seinem Stil bleibt der Folk-Musiker dabei treu. „Ich war schon immer von einem anderen Musikstil fasziniert. Aber so experimentierfreudig ich auch war, am Ende sind es immer meine Stimme und die melodische Sensibilität, die die Dinge zusammenhalten“, erzählt Josh Rouse.

Das musikalische Wesen von Andy Cabic, alias Vetiver, ist hingegen vielseitig. Wenn der aus Virginia stammende Musiker nicht gerade wieder einen seiner melancholischen Folk-Rock-Diamanten in seinem Studio in Nordkalifornien schleift, lässt er Tanzflächen mit House-DJ-Sets zum Leben erwachen. Eben dieses musikalische Facettenreichtum färbt nun auch sein aktuelles Album „Up On High“. Das Herzstück jedes dieser zehn Songs ist Andy Cabics sanfte und zärtliche Stimme. Komponiert habe er das Werk auf seiner Akustikgitarre, da dies in Momenten der Inspiration das am einfachsten zu erreichende Instrument sei. Das Grundgerüst des neuen Albums entstand bei einer gemeinsamen Bandsession auf dem Boden im Haus eines Freundes in der Wüste Kaliforniens. Und so gelang Vetiver wieder ein intimes und gefühlvolles Werk, bei dem man die Leidenschaft für das gemeinsame Musizieren mindestens genauso deutlich heraushört, wie man Josh Rouse und Vetiver die Freude am gemeinsamen Spielen auf der Bühne anmerkt.

Im Oktober nächsten Jahres dürfen wir die beiden Singer-Songwriter bei uns in Hamburg und Berlin begrüßen.

Genre: Alternative Pop

Es geht nichts über die Bindung zwischen Geschwistern, und diese besondere Bindung ist Kern von Sinplus. Die Schweizer Brüder Gabriel und Ivan Broggini wuchsen in einer musikalischen Familie auf, und lernten schon früh die ersten Instrumente zu spielen. Sie erkannten schnell ihre Liebe zu dreckigen Basslines, stampfenden Rhythmen und ansteckenden Melodien. Ihre ersten Aufnahmen entstanden ganz Oldschool im Keller, wo sie auch ihre erste Platte selbst produzierten.
Angetrieben vom Wunsch ihre Musik in die Öffentlichkeit zu bringen, arbeiteten die beiden mit verschiedenen Produzenten auf der ganzen Welt zusammen und spielten sämtliche Gigs, von kleinen Bars bis hin zu Arenen und großen Festivals wie dem Isle Of Wight (UK) und Moon & Stars (CH).
Als Independent Duo erhielten die Broggini-Brüder mehrere Auszeichnungen und Nominierungen, darunter einen MTV Europe Music Award. Die Ballade „You and I“ mit der kalifornischen Sängerin und Songwriter Mickey Shiloh, sowie der Soundtrack, den sie für die European Gymnastics Championship schrieben ging in ihrem Heimatland Gold. 2011 hatten Sinplus die Ehre, die Schweiz beim Eurovision Song Contest zu vertreten und bei internationalen Acts wie RoxeXe als Support auf Tour dabei zu sein.
Im Laufe der Zeit nahm ihre Musik mehr Pop-Einflüsse auf, blieben aber gleichzeitig der Rockmusik treu. Bei der Veröffentlichung ihres letzten Albums „This Is What We Are“ sind Sinplus einen ganz neuen, musikalischen Weg eingeschlagen. Sie begaben sich auf die Spuren ihrer Wurzeln und verpackten diese Einflüsse in ihre Musik. 2019 beschloss das Duo, nach Kalifornien zu gehen, um dort die Rock-Atmosphäre der Westküste aufzusaugen und diese in ihre neuen Songs einzubringen. In Nashville arbeiteten sie schließlich mit dem Grammy-nominierten Produzenten J.T. Daly zusammen und produzierten mit ihm neue Songs.
Diese neuen Eindrücke und die Zeit in der USA brachten einen brandneuen Sinplus-Sound. Die beiden Brüder kreierten ihre eigene Mischung aus Alternative Rock, Gitarren-Hooks und Break-Beats mit dem festen Willen, Teil einer Rock n Roll Revolution zu sein. Im Mai 2020 veröffentlichten sie die Single „Escape“, die den Beginn einer neuen Ära der band markieren sollte, gefolgt von der der EP „It’s Not About Being Good“. Am 7. Mai brachte die Band das mit Spannung erwartete neue Album „Break The Rules“ heraus: „Das ist das erste Album, das wir aufgenommen haben, das genau so klingt, wie wir es von Anfang an wollten: Rock and Roll.“
Im Herbst 2021 dürfen wir uns auf drei Shows in Deutschland freuen, wo wir erstmals das neue Album live auf der Bühne hören dürfen. Tickets gibt es bei Eventim und TixforGigs!

Genre: Indie Pop

Wer sich mitnehmen lässt von den Songtexten und den Vibes, der spürt die Kraft dahinter und versteht die Verbundenheit. Mit der Natur, mit allen Menschen und mit sich selbst. Der spürt die Gänsehaut, die Freiheit und natürlich die fetten Bässe.

Die Hamburger Band Guacáyo feiert Toleranz und Authentizität. Guacáyos Songs bewegen das Publikum innerlich und äußerlich. Verbundenheit und Bässe sind spürbar und bei Themen wie dem Umweltschutz oder dem „Unshaming“ von Körperbehaarung bleibt niemand unberührt. Musikalisch bedienen Guacáyo dabei keine Schubladen: Einflüsse aus Reggae, Dub und Hip-Hop münden in einen frechen Indie-Pop-Sound. Während Sophies unverwechselbare Stimme über den farbenfrohen Beats erklingt, groovt die Menge und singt mit. Die quirlige 29-Jährige wirkt auf der Bühne sehnsüchtig oder provozierend, als weise Wegbegleiterin oder wütende Amazone. „Sag aus vollem Herzen Nein!“, ruft sie ins aufmerksame Publikum und kündigt damit den nächsten Song „Lady“ an. Es ist ein Aufruf zum „Nein“ zur Norm und zum „Ja“ zu sich selbst. „Nein!“, schallt es durch den Club und im Publikum herrscht Gänsehautstimmung.

Die im Mai erscheinende 7-Track-EP „Lemonade“ erzählt vom Kampf gegen die eigene emotionale Realität, von Selbstliebe, von dem wilden inneren Kind, das keine Lust mehr auf Lockdown hat und von der finalen, kraftvollen Erkenntnis, nichts kontrollieren zu können, außer der eigenen Einstellung. Ganz nach dem Motto: „When life gives you lemons, make lemonade.“ Weniger anzeigen

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Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo

Einlass geimpft oder genesen! Keine Masken!

Seit 2000 jagte die Soul Explosion wie ein Tornado aus Vinyl Schallplatten durch die Clubs der Stadt…… bis Corona die Soul Explosion für eineinhalb Jahre in den Pandemieschlaf schickte. Nach zwei Outdoor Veranstaltungen im Festsaal Kreuzberg geht es jetzt endlich wieder im Privatclub weiter! Wir freuen uns wie verrückt!

Der Berliner Dj King Dynamite wird seine hochexplosiven Scheiben der goldenen funky soul Ära zwischen 1966 und ’76 auf die Turntables werfen und mit deep funk und boogaloo den typischen und legendären Sound der Soul Explosion in den Club bringen. Aus mehr oder weniger unbekannten, wiedergefundenen und seltenen Scheiben, meist 45s, bastelt King Dynamite ein Set, daß dem Publikum regelmäßig die Tanzbeine verknotet und den Tanzschweiß über die zuckenden Körper rinnen lässt.

Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.

Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.

„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.

Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!

Liebe Gäste,
für euren Besuch im Privatclub gelten aktuell immer noch Corona-bedingt folgende Auflagen:
2G: Impfnachweis (vorzugsweise CovPass) oder Genesungsnachweis
Kontaktdaten: Luca App, Corona Warn-App oder per Formular
Dafür aber kein Abstand und keine Masken.

Genre: World Music

Der Geiger, Produzent und Songwriter Alex Stolze hat sich mittlerweile einen starken Ruf für seine einzigartige Musik erworben. Er wechselt nahtlos zwischen modernen klassischen Instrumentierungen, einfühlsamer Electronica und unkonventionellen Popsongs und schafft es dabei, auf Basis seiner 5-saitigen Violine einen durchgehend konsistenten Sound zu kreieren.

Nahöstliche Skalen erzeugen eine betörende Klanglandschaft, komplexe Polyrhythmen und ungewöhnliche Taktarten werden zu süchtig machenden, tanzbaren grooves und mitreissenden Songs.

Alex Stolze’s Arbeit mit dem Elektro-Trio Bodi Bill, der Avantgardeband Dictaphone sowie sein Wirken als Gründer und Kopf von Nonostar Records, auf dem auch Anne Müller , Ben Osborn und Field Kit bereits veröffentlicht haben, sorgen darüber hinaus immer wieder für internationales Aufsehen.
Mit seinem zweiten Album Kinship Stories , welches am 4.12.2020 erschienen ist, belebt Alex Stolze seine einzigartige Mischung aus Electronica, alternativem KammerPop und moderner Klassik neu. Die elf Tracks verleihen seinem Sound eine neue Ebene musikalischer Helligkeit und lyrischen Optimismus‘.
Infektiöse Beats und eingängige Hooks kontrastieren mit der dunklen Stille seines Debüts „ Outermost Edge“ und bringen seine Kompositionen – und ihre zugrunde liegende politische Botschaft – noch deutlicher ans Licht.
Nach zahlreichen Touren, die ihn seit 2017 u. a. in die Elbphilharmonie Hamburg und viel nach England führten, kommt er nun 2021 gemeinsam mit Ben Osborn auf Tour , der ihn an Piano und Elektronik unterstützt.

Ben Osborn

Ben Osborn is a composer, poet and multi-instrumentalist. Already known as a composer for theatre and film and a lyricist and librettist, 2019 saw the release of his debut album Letters from the Border.

Channelling Leonard Cohen-esque balladry, Ben draws also from electronica, folk and 20th century art music. Ethereal string sections rise and fade, Björk-like beats skitter, Erik Satie piano chords drift into view: in less capable hands it might sound miscellaneous, but he weaves his disparate influences into textural tapestries that sound like nobody but him.

Ben’s highly acclaimed debut album Letters from the Border was the result of an extraordinary musical partnership with producer and violinist Alex Stolze. The album was created in two months at the remote Nonostar Studio on the German-Polish border

Photo by Laura Martinova

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The name ​Field Kit​ will sound familiar to anyone who knows anything about electroacoustic sounds and experimentation. It is the name of a workstation: a technical multi-instrument which receives radio signals and alternating voltages with which all kinds of noises and signals can be produced, outputted and controlled. A beautiful name for an instrument, at once abstract and pragmatic, it’s also a perfect name for the musical collective of ​Hannah von Hübbenet​.

For ​Field Kit​’s self-titled debut album on Nonostar Records, Hübbenet is working with the composer, pianist and producer ​John Gürtler​. Their approach is fluid, playful, experimental and yet unpretentious. Classically trained – both studied at the Universität der Künste Berlin – both have a curiosity that goes beyond the classical. Increasingly uninterested by the narrow structures of classical music, both went on to study film composition at the Filmakademie Baden-Württemberg. There, they became friends and collaborators – quickly discovering a shared love of sonic manipulation instead of musical formalism; a shared drive to disturb, confuse and alienate both tone and emotion. Both are now successful and award-winning film composers.

Field Kit​ experiments using guidelines and restrictions to give a framework in which anything and everything can happen: from generating vibrations within the piano to playing tubas backwards or building robotic drummers. Improvisations on particular themes, sounds, references or restrictions, creating unexpected harmonies of object and idea.

Genre: Singer-Songwriter

„Soul für die Hip-Hop Generation“ (GQ Magazin)

Entdeckt von der amerikanischen Hip-Hop Institution The Roots, gewinnt Son Little mit seiner zeitlosen Soulmusik und einzigartigen Stimmfarbe weit über die Grenzen der Vereinigten Staaten immer mehr Fans. Im April 2020 kommt der Rhythm & Blues-Musiker mit seinem Ende Januar erscheinenden dritten Studioalbum „aloha“ nach Deutschland und wird am 04.04. in Hamburg, am 05.04. in Berlin sowie am 06.04. in Köln seine neue Musik live präsentieren.

2014 bringt der als Aaron Earl Livingston geborene Sänger seine erste EP „Things I Forgot“ auf den Markt. Ein Jahr später erscheint mit „Son Little“ das Debütalbum. Gleich mit diesem Longplayer wird Son Little zum neuen Hoffnungsträger für traditionsreiche Genres zwischen Soul, Rhythm & Blues und Hip-Hop. Sein Sound erschafft eine fabelhafte Symbiose zwischen dem Zeitgeist der 70er und der Moderne. Erst Kritikerliebling, avanciert die Platte zum Mainstream-Erfolg. Allein die Single „Lay Down“ wird innerhalb weniger Wochen über sieben Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Auch andere Musiker werden auf den Newcomer aufmerksam und bekennen sich als Fans. So hat Son Little die einmalige Chance Größen wie Kelis, Mumford & Sons und Leon Bridges auf ihren Tourneen zu begleiten.

2017 erscheint sein von der Szene gepriesenes zweites Album „New Magic“. Eine Scheibe mit sehr persönlichen Songs, die auffallend melancholisch klingen, aber den Zuhörer nie in die Tiefe ziehen. Der Sound ist minimalistischer und lässt den Klang seiner Stimme in noch schönerem Licht erstrahlen.

Auch als Produzent ist der Sohn eines Pastors und einer Lehrerin erfolgreich. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums bietet ihm US-Soul-Legende Mavis Staples an, ihre EP „Your Good Fortune“ (2015) zu produzieren. Mit der darin enthaltenen Single „See That My Grave Is Kept Clean“ wird er 2016 nicht nur bei den Grammys nominiert, sondern kann die Auszeichnung in der Kategorie „Best American Roots Performance“ auch nach Hause tragen.

Für Anfang 2020 hat Son Little sein neues, in gerade mal acht Tagen geschriebenes Album „aloha“ (31.01.) und Konzerte auf deutschem Boden angekündigt. Zwischen dem 4. und 6. April kann man sich in Hamburg, Berlin und Köln von seinen neuen Songs und der Magie des Future Souls verzaubern lassen.

Genre: Pop

Wir schreiben das Jahr 2020. Die Popkultur ist zersplittert, diffus, wesentlich schnelllebiger als noch vor wenigen Jahren. Die Gitarre gilt unter Kids nicht mehr als das allercoolste Instrument. Und trotzdem gibt es sie: die Rebellen, die, die sich den Trends nicht unterwerfen und trotzdem nicht alt und abgehängt wirken. Hört man Matija, gibt so viel zu entdecken: Upbeat-Funk, Indie-Disko, ein verzweifeltes Liebeslied und nicht zuletzt der Blick zu den Veränderungen der Zeit.

Matija sind Ästheten, Perfektionisten, Freidenker, androgyne Dandys und Nerds. Und Matija sind vor allem eins: präsent auf Deutschlands Bühnen. 2019 war ein großartiges Jahr für das Münchner Trio: Eigene Tour mit ersten ausverkauften Konzerten, das erste Netflix Feature eines Songs in einer Serie, die erste Award Nominierung, Tour Support für die Kytes im Mai und dann noch unzählige Festival Gigs inkl. c/o pop, Dockville, Reeperbahn Festival, Nürnberg pop, Sound of the Forest & Waves Vienna.

Anfang 2021 melden sich Matija nun endlich live mit vier Headline Shows zurück.

Photocredit: Kai Hendrik Schroeder

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Genre: Pop

Tilman Pörzgen kommt das erste Mal auf eigene Tour und damit bestimmt auch in deine Nähe.

Schon in den Kinderschuhen begeisterte er mit seinem Gesang, spielte Klavier als auch Gitarre und entdeckte ebenso früh seine Begabung für das Schauspiel. Nach ersten Erfahrungen am Theater landet Tilman seit 2013 Rollen in verschiedenen Fernseh- und Kinoproduktionen.

Mit der Hauptrolle im Kinoerfolg „Bibi und Tina: Mädchen gegen Jungs“ schaffte er 2016 den großen Durchburch.

Musikalische Meilensteine setzte Tilman auf dem Soundtrack zu „Bibi und Tina“ und mit Duetten auf den Erfolgsalben von LINA, die er als Gastmusiker und Solist auf ihren Touren begleitete.

Im März 2019 veröffentlichte er seine EP „Auftakt“. Exakt ein Jahr später folgt nun die neue EP, die auch die eigene Tour im Herbt betitelt: Legenden der Leichtigkeit!

Hier kommt die "endlich wieder feiern" Ausgabe der Take Me Out Berlin!

Genre: Indie Rock, Indie Pop

Find english version below.

Zwischen 2000 und 2010 erschienen gefühlt im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, Arcade Fire, den Thermals und Interpol und und und … Für viele war das die beste Zeit des Indie-Rock. Und die feiern wir diesen Abend!

Freut Euch auf Musik von z. B. Arcade Fire – Arctic Monkeys – The Ark – Art Brut – Babyshambles – Beat!Beat!Beat! – Beirut – Black Kids – Bloc Party – Blood Red Shoes – Bombay Bicycle Club – Bonaparte – Boy Kill Boy – The Bravery – Cage the Elephant – Chikinki – Cold War Kids – The Coral – The Courteeners – The Cribs – Crystal Castles – CSS – The Dead 60s – Death from Above 1979 – Die Sterne – Dirty Pretty Things – Does It Offend You, Yeah? – Dogs – The Dresden Dolls – The Drums – Editors – Eight Legs – Elefant – The Fashion – The Films – Florence & The Machine – Foals – Franz Ferdinand – Friska Viljor – Frittenbude – The Futureheads – Good Shoes – Goose – Hard-Fi – Hot Chip – Hot Hot Heat – Hund Am Strand – Interpol – The Jakpot – Jamie T – Johnossi – Justice – Kaiser Chiefs – Kasabian – Kate Nash – Kilians – The Kills – Kings Of Leon – Klaxons – The Kooks – Ladyhawke – Ladytron – Le Tigre – The Libertines – Little Man Tate – Los Campesinos! – The Maccabees – Mando Diao – Maxïmo Park – Metric – Metronomy – Milburn – Miyagi – Modest Mouse- Moneybrother – The National – Okkervil River – The Organ – The Pains of Being Pure at Heart – Patrick Wolf – Pete & The Pirates – The Pigeon Detectives – The Postal Service – Radio 4 – The Rakes – The Rapture – The Robocop Kraus – Rooney – Shout Out Louds – The Shins – Silver Jews – Sons and Daughters – Soulwax – The Sounds – Spoon – Stars – The Streets – The Strokes – The Subways – The Sunshine Underground- Tapes ’n Tapes – The Teenagers – Those Dancing Days – The Thermals – Tocotronic – Tokyo Police Club – Tomte – TV on the Radio – Two Door Cinema Club – The Von Bondies – Vampire Weekend – Voxtrot – We Are Scientists – We Have Band – White Lies – The White Stripes – The Whitest Boy Alive – The Wombats – Yeah Yeah Yeahs – The xx – Zoot Woman …

Mehr Infos inkl. Spotify-Listen auf https://www.eavo.de/takemeout/

Und keine Sorge: Neben Indie-Rock aus 2000 bis 2010 hat auch der ein oder andere Indie-Klassiker genauso Platz im Set wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indie-Bands.

Take Me Out findet inzwischen in über 16 Städten im Dreieck zwischen Berlin, Hannover und München statt.

Liebe Gäste,
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Between 2000 and 2010 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.

But don‘t worry: Other than indierock from 2000 to 2010, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.

Find Spotify play lists under https://www.eavo.de/takemeout/

Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Munich, Leipzig etc.

Website Facebook

Genre: Alternative / Indie-Rock

Tigress are a British rock band from Chelmsford, England. Formed in September 2015, the band consists of vocalist Katy Jackson, guitarists Tom Harrison and Sean Bishop, bassist Jack Divey and drummer Josh Coombes. The band are currently signed to LAB Records where they released their debut EP Human on 13 November 2015, follow up EP Like It Is on 12 May 2017 and 2018 EP Who Cares. All three releases were met with much acclaim across a number of major and independent music publications.

TIGRESS released their debut EP Human on 13 November 2015. It was co-produced by You Me at Six guitarist Max Helyer and John Mitchell at Outhouse Studios in Reading and mixed by Romesh Dodangoda. The band’s first show was performing at the Vans Warped Tour UK kick-off party at the Brooklyn Bowl in London on 14 September 2015. This was followed by a UK tour with Metro Station and a slot at the Vans Warped Tour UK at Alexandra Palace, London on 18 October 2015.

In support of the Human EP release, 2016 saw TIGRESS go out on a short headline tour in June which included a sold out show in the band’s hometown of Chelmsford. The band also played with Alvarez Kings and Fort Hope. In late 2016, the band went into Middle Farm Studios to record their Like It Is EP with Peter Miles.

In March 2017 the band went on a UK and mainland Europe tour with Counterfeit. They were joined by Decade in mainland Europe and Faux in the UK. Prior to the Counterfeit support tour, TIGRESS played Seaway’s headline London show in February. They were joined by The Gospel Youth and WSTR. On 12 May 2017, the band released the Like It Is EP. This was followed by a set at The Great Escape Festival in Brighton, performing with Green Day at British Summer Time in Hyde Park and a tour of Russia and Eastern Europe with Billy Talent. In October 2017, TIGRESS showcased at BBC Music Introducing hosts Amplify, supported The One Hundred in London and performed at 2Q Festival in Lincoln.

February 2018 saw TIGRESS open for Japan’s Man With A Mission in London, followed by an appearance at Spring Break Festival in Poland on the 21st April. The band supported InMe in May, which was followed by the release of their third EP Who Cares. June saw the band perform on the Avalanche Stage at Download Festival. Towards the end of the year the band opened for The Xcerts and Skindred.

TIGRESS receive regular radio play from BBC Radio 1, BBC Introducing, Kerrang! Radio, Radio X, Triple J in Australia and have seen press coverage from Kerrang! Magazine, Rock Sound, Upset, The Metro and Alternative Press.

«We Invented Paris» setzen an zur letzten Fahrt.

Genre: Indie-Pop

Im Jubiläums- und Abschiedsjahr 2020 wird nochmals gebührend aufgefahren, um gemeinsam mit euch die letzten 10 Jahre zu feiern. Auf ihrer «Tour d‘ Aurevoir», die mittlerweile zehnte Headliner Tour des Kollektivs um den Schweizer Sänger und Songschreiber Flavian Graber, wird es ein Best of der letzten vier Alben, sowie einige neue Songs zum ersten und letzten Mal live zu hören geben.

Wer’s verpasst, hat’s verpasst. Tickets sind ab dem 6. Dezember 2019 erhältlich.

We Invented Paris ist bekannt dafür unkonventionelle Wege zu gehen. So starteten sie ihre Karriere mit einer Couchsurfing-Tour durch die Wohnzimmer Europas (https://bit.ly/2R9Csej), spielten 30 Konzerte an einem Tag (Speedgigs), Verkauften WIP-Aktien für die Crowdfunding Kampagne des zweiten Album, spielten mit der Catastrophe-Disco-Bar-Box® (Eine mobile Disco mit Soundsystem, Nebelmaschine, Trashlights und Cocktailbar https://bit.ly/2ODkMpG ) Pop-Up Konzerte und setzten sich schon sehr früh mit dem Thema Green Touring auseinander.

(Kleine Notiz am Rande: Die BBC hat in ihrem vielbeachteten Artikel über Coldplays Tour Verzicht wegen CO2 Emission https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-50490700 als Quelle ebendiese Studie beigezogen (Siehe Kuchendiagramm), die am Beispiel von WIP erarbeitet wurde. http://www.greentouring.net/ )

Mit Indie-Hits wie «Iceberg», «Mont Blanc» oder «Polar Bears» prägten sie die 2010er Jahre wie fast keine andere Schweizer Band in Deutschland.

Photo: Stefan Tschumi

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Sam Himself

Der in Brooklyn wohnhafte Schweizer Indie-Künstler Sam Himself veröffentlichte am 29. Mai seine lang erwartete neue EP „Slow Drugs“ zusammen mit dem Fokus-Track „Like a Friend“. Ausserdem wurde er vom Schweizer Nationalradio zum SRF Best Talent im Juni gekürt.

Sam’s neustes Werk stellt eine stilistische Weiterentwicklung von seinen früheren, stärker bandbasierten Aufnahmen dar. Vermehrte Tourneen und Auftritte als Solo-Act haben neue Songs inspiriert, die gleich gut funktionieren, wenn Sam alleine auf der Bühne steht oder vor einer vollen Band. Für die Fünf-Track-EP versammelte Sam Himself wiederum Josh Werner (Bass – Iggy Pop; CocoRosie) und Parker Kindred (Schlagzeug – Jeff Buckley; ANOHNI) im Studio unter der Leitung des Produzenten Daniel Schlett (The War on Drugs, DIIV, Amen Dunes), Sam’s langjährigem kreativen Partner und „zweiten Beatle“. Die Lead-Single der EP, „Slow Drugs“, hat Sam bereits mehrere Editorial- Playlist-Features eingebracht und das dazugehörige Video hat bisher 125’000-Aufrufe bei Vevo generiert.

Über den EP Fokus Track „Like a Friend“ sagt Sam folgendes:
„‚Like a Friend‘ handelt vom Abschliessen mit einer Ära der eigenen Geschichte, von der Einsicht, dass ein zentrales Selbstbild nichts mehr taugt. Um damit klarzukommen, braucht’s eine kurze Feuerpause zwischen all den inneren Fraktionen, die sich sonst ständig gegenseitig bekriegen. Das Lied ist also ein Appell an die Versöhnung mit sich selbst.“

Das Musikvideo zu „Like a Friend“ konzipierte Sam abermals gemeinsam mit Regisseur Stefan Tschumi, welcher bereits für die Realisierung des „Slow Drugs“ Videos zuständig war. Das neue Video schafft bewusst einen Gegenpol zum Clip zu „Slow Drugs“, der in den Walliser Alpen gedreht wurde. Letzterer ist eine Odyssee durch die karge Pracht der Schweizer Berge; „Like a Friend“ nimmt seine Zuschauer mit auf eine Reise ans Ende einer langen Nacht tief im Zwielicht des Zürcher Vergnügungsviertels. Als Gast-Star macht Sam’s kleiner Bruder im Video sein Leinwanddebüt. Zu diesem besonderen Anlass hat sich das Jungtalent extra die Haare gefärbt, was für staunende Gesichter sorgte unter den vereinzelten Gestalten, die während des frühabendlichen Drehs der blonden Brüder bereits unterwegs waren.

Nur wenige Wochen nach dem letzten Drehtag im März 2020 folgte der Schweizweite Coronavirus-Lockdown. Sam war zum dem Zeitpunkt auf Tournee mit Anna Rossinelli, die Konzerte wurden jedoch wegen der Corona-Krise auf den Herbst verschoben. Zurzeit ist Sam in seiner Heimatstadt Basel in einem Airbnb untergekommen, bis er wieder in seine Wahlheimat New York zurückkehren kann.

Genre: Indie-Pop

Der deutschsprachige Indie-Pop von Fullax ist ein Puzzle aus Synthie-Sounds, Gitarren, Gedichten und Beats – tanzbar, elektronisch, schnell, jung und seiner Zeit ein bisschen voraus. Eskapistische Pop-Hymnen, geschrieben in der nordhessischen Provinz. Mit „Hawaii“ erschien im Oktober 2017 die erste Studio-EP der Band, produziert in Zusammenarbeit mit Tom Hessler. Die Songs von Fullax erzählen mit ihren eigenwilligen, starken Texten von Freundschaft, Liebe und Weltschmerz. Immer gerade genauso schön und pathetisch, dass es fast ein bisschen wehtut. In ihrem eigenen kleinen Studio arbeitet das passionierte DIY-Duo das vergangene Jahr an seinem Longplayer-Debüt „Dann Dann Dann“, welches im Mai 2020 auf dem Hamburger
Label ferryhouse erscheint.

Be there or be square!

Genre: Brass Pop

Monobo Son feiert Geburtstag! Auf 10 bewegte Jahre kann die Band um Posaunist Manuel Winbeck nun zurückblicken. Viele Metamorphosen hat Monobo Son auf diesem Weg vollzogen – stilistisch und personell war und bleibt die Combo stets in Bewegung. Und dennoch ist es gelungen einen ganz unverwechselbaren Eigensound zu kreieren, der sich nicht an Genregrenzen hält, sondern diese liebevoll überschreitet und Elemente zusammenführt, die auf den ersten Blick so gar nicht zusammenpassen wollen.

Die Geschichte von Monobo Son ist nicht zuletzt auch eine Geschichte von Freundschaft. Hier haben sich fünf Musiker zusammengefunden, die stilistisch aus völlig verschiedenen Baustellen kommen, die sich menschlich aber soviel zu sagen haben, dass sich eine neue Ebene des musikalischen Austauschs auftut. Was sie eint, ist die bedingungslose Liebe zur Livemusik. Die Magie des Bühnenmoments wir zelebriert egal ob im verschwitzten Berliner Undergroundclub, im Jugendzentrum tief im Bayerischen Wald oder auf dem Stadtplatz von Wolgograd. Der Zauber der diesem Augenblick innewohnt, vermag es, Menschen zusammenzubringen, egal wo sie herkommen und welche Sprache sie sprechen, und darin sehen die fünf Männer, wenn man sie fragt, ihre höchste und ehrenvolle Aufgabe. Aber Monobo Son sind keine Nostalgiker, auch wenn man bei ihrer Musik gern die Augen schließt, und so manche Erinnerung hochkommt. Der Blick ist immer nach vorne gerichtet. Neue Herausforderungen stehen an, und pünktlich zum Jubiläum kommt ein brandneues Album („SuperSonic“ VÖ 05.02.21). In diesem Sinne: Auf die nächsten Zehn!

Die Cumbia, der meist getanzte Rhythmus Lateinamerikas, in Berlin!

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots

Unsere Psychedelic Cumbia Party ist eine musikalische Reise von den Ursprüngen der Cumbia durch den ganzen Kontinent, abgerundet mit Salsa und anderen Tropical Vibes. Sie vereint auf unvergleichliche Weise die rhythmischen Klänge Lateinamerikas mit den modernen Electronic Beats der Großstadt.

Kommt und tanzt und feiert das Leben auf Berlins Nr.1 Latin Cumbia Party!

Liebe Gäste,
für euren Besuch im Privatclub gelten aktuell immer noch Corona-bedingt folgende Auflagen:
2G: Impfnachweis (vorzugsweise CovPass) oder Genesungsnachweis
Kontaktdaten: Luca App, Corona Warn-App oder per Formular
Dafür aber kein Abstand und keine Masken.

Genre: Alternative Rock

In Folge der andauernden Corona-Pandemie verschieben die britischen Alternative Rocker Thousand Thoughts alle für September 2020 geplanten Auftritte in Deutschland in den Herbst 2021.
Im neuen Tour-Zeitraum, der für Oktober 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Termine wie folgt nachgeholt werden: am 23.10.2021 in Berlin im Privatclub, am 25.10.2021 in Köln im MTC, am 26.10.2021 in Wiesbaden im Kesselhaus, am 27.10.2021 in München im Backstage Club. Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit.

Hier das Statement der Band:
„The safety of yourselves, your loved ones, our team, our loved ones and ourselves come first. As excited as we are to finally play outside the UK, and as much as we’ve tried our best and held on to this for as long as possible, we have made the decision to postpone our German tour dates to October 2021.All purchased tickets remain valid.
We are truly sorry and will see you soon, but everyones health comes first. We hope you understand. Stay safe; look after yourselves and the people around you! We love you guys.“

Gegründet werden Thousand Thoughts in Enfield im Norden Londons. Ethan Smith (v), Will Fox (g), Matt Morrell (b) und Drummer Adam Field schreiben sich von Beginn an einen entfesselnden Sound auf ihre Fahnen, der Elemente des Nu Metal mit Alternative Rock verbindet, verflochten mit Texten über Tragödien und Verlust. Im Januar 2017 spielen sie ihren ersten Gig und werden kurz darauf von dem britischen Label Marshall Records unter Vertrag genommen, in Nord- und Südamerika von Better Noise Music vertrieben.

100% Indie Eclectic Pop Hiphop & Electronica Approved!

Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop

Expect amongst others:
Arctic Monkeys Tame Impala Lizzo Foals Major Lazer The Strokes Disclosure Arcade Fire Kendrick Lamar Die Antwoord MIA Black Keys Confidence Man Drake Idles San Cisco Two Door Cinema Club Mura Masa Fontaines DC The Killers Billie Eilish Krystal Clear Flume Calvin Harris Franz Ferdinand Kings of Leon Fisher Phoenix Slaves The Weeknd M83 Alt-J Macklemore LCD Soundsystem Lykke Li Portugal the man The Vaccines Crystal Fighters Amyl and the Sniffers Hot Chip Kakkmaddafakka Purple Disco Machine Years & Years Chvrches Azealia Banks Ed Sheeran Gorillaz Asap Rocky Twenty One Pilots MIA Bloc Party Sofi Tukker Metronomy Black Lips Daft Punk MGMT Vince Staples Roosevelt Vance Joy Interpol Grimes Queens of the Stoneage Ariel Pink Migos The XX Florence & The Machine The Libertines The Naked & Famous The Kooks Icona Pop The Drums Yeah Yeah Yeahs Darwin Deez The Knife Jamie T Vampire Weekend Empire of the Sun Bombay Bicycle Club The Ting Tings Ramones Babyshambles Foster the People Moderat The Wombats La Roux Django Django Justice Whitest Boy Alive Mumford & Sons Taylor Swift The Cure Santigold Courtney Barnett Miles Kane the Chainsmokers Spoon Jain Kasabian Desiigner Nirvana Warpaint Iggy Pop Le Tigre The Growlers

Always want to be part of the Free Entry Elite? Put yourself on Going for KAH Incrowd Socialites Berlin and you receive a notification as soon as a new event is online.

Genre: Hip Hop, Rap

Mit „Nie oder Jetzt“ gelang Döll der Befreiungsschlag: ein Debütalbum auf der Höhe seiner Zeit und für die Ewigkeit. So ehrlich und reflektiert, dass es schmerzt. Döll ist damit in den Top 15 gechartet, hat seine erste eigene Tour ausverkauft, sich freigespielt – und alles selbst in die Hand genommen. Der begnadete Live MC, dessen Reise gerade erst begonnen hat, vereint den Hunger eines Freshman mit der Technik eines Veteranen. Im Januar geht Döll auf Solotour.

Genre: Alternative Rock

Stockholm, Sweden’s best kept secret Normandie have today released the stunning single/video ‚Jericho‘ (via Easy Life)- the band’s first new music in 2 years since the ‚White Flag‘ album which celebrates over 24 Million Global streams to date. We all have our secrets. Whether we’re ready to face them or not, each and every one of us has something buried deep down inside that we desperately keep hidden away from the prying, judging eyes of the rest of the world. But sometimes those secrets become so powerful that they can no longer stay buried, festering and gnawing at our souls so much that they can stop us from living life to the fullest. He didn’t realise it until recently, but singer Philip Strand was harbouring one such secret for the longest time.

Not anymore. Now, the Normandie singer is ready to open up and share his true story for the first time, and the band’s propulsive, incendiary new single ‚Jericho‘ represents the first chapter in that tale. “When we first wrote Jericho I was actually singing about something else,” he begins. “It was originally about a relationship where the other person was very cold hearted and they didn’t really give away any emotions but it became increasingly clear that something else was driving the song.“

“Writing became like a therapy session for me, all of a sudden,” he explains, “I felt like there was something deeper I wanted to touch on. I wanted to touch base and just really go into this emotion. Something was driving me down there, into myself. So I made a conscious decision to write about my personal experiences for the first time. I felt like it was time. I went back and I switched some words around so that the entire meaning of the song shifted. It’s became about breaking down the old to give way and form something completely new…”

Genre: Folk

„Everything’s Shifting“. Alles verändert sich. Im Falle von Madison Violet hat sich einiges zum Guten verändert. Fakt ist, in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren sind Madison Violet längst zu einer festen Größe in der internationalen Musikszene avanciert und gelten neben Tegan and Sara als das wohl populärste kanadische Duo. Nach einigen Jahren des musikalischen Experimentierens und der stilistischen Neujustierung kehren die beiden Sängerinnen und Multi-Instrumentalisten Brenley MacEachern und Lisa MacIsaac nun zu alter Stärke und zu ihrem musikalischen Markenzeichen zurück: Das neue Studioalbum „Everything’s Shifting“ bietet exzellent produzierten Folk-Pop mit den gewohnt beeindruckenden Gesangsharmonien, gediegenen Gitarrenklängen, betörenden Melodien und authentisch-aufwühlenden Songtexten. Das neue Album enthält denn auch zahlreiche herzerwärmende Balladen, die im stilistischen Umfeld von Americana und Indie-Folk, Country und Pop angesiedelt sind. Auch wenn die Melodien Wärme und Zuversicht ausstrahlen, erweisen sich Madison Violet in den Songtexten als sehr nachdenklich.

Genre: Indie / Rock

Critics have declared Lauren Ruth Ward as a cross between Janis Joplin, Florence Welch and Courtney Barnett. And while the consumer compass inside of us grasps at these to feel safe, comparisons donʼt feel just when trying to describe such a singular presence as Lauren. Her debut album „Well, Hell“ garnered accolades from NYLON, Noisey, Consequence of Sound, the Los Angeles Times, Indie Shuffle and more. With a growing reputation for stealing the show.

Now, having falling in love with the process of recording to tape, she is set to record her next album with LA producer/guru in the making, Matt Linesch. Talent met in equal parts with work ethic and a prolific writing process that she shares with guitar wizard Eduardo Rivera.

Genre: Folk

Shaped by the two oceans on the shores of South Africa, JPson has ridden the wave of life to Europe and defined a musical style that can best be described as „Fresh Folk“. Music that let’s you open up to the groove of the moment, whilst forgetting the troubles of daily life.

Having taught himself to play the guitar on the beaches of Cape Town, South Africa, JPson spent his youth surfing the Atlantic Ocean and exploring vast musical territory, yielding his very own sunbaked infusion of Folk & Roots music. Through his lyrics JPson shares the essence of life that drives him around the world and the lessons he learns whilst traveling. Not only is his music incredibly uplifting but his rhythms and beats will get you grooving in a festive and unifying spirit, bound to inspire reflection and new connection.

JPson left South Africa right after school to go discover his European roots inheritated from his Swiss father. What seemed like a 10- month joy trip away from home turned into a 10-year journey around Europe, which JP refers to as his University of life. Through his travels he realised on a regular basis how he would constantly find peace within lyrics and melodies. Even though the life of a wary traveler can sometimes be extremely tiring, he would often gather warmth and support from the music he listened to and find guidance in the music he created.

Guidance that taught him how to open up, to be happy and live life to the fullest as it is a wonderful gift that should be cherished with every single breath.
Since 2017 JPson has released 3 EPs (Coming Home, Children of the Light and A Whole New Road), performed over 150 shows in Europe supporting acts such as Bukahara, Sean Koch, Will and the People, Jon and Roy and Current Swell, including his own sold out headline shows, toped the Submit Hub TOP 50 FOLK CHARTS, reached #36 with his single “A Whole New Road” on the German College airplay charts including features by major German radio stations such as SWR3, and accumulated over 1.5 million streams on Spotify without a debut album or any label support. JPson is now ready to share his 4th independent EP release “Wolves at War” with the world which will be out in September 2021.

Genre: Pop

Als Tochter einer Chinesin und eines Jamaikaners, aufgewachsen in der kleinen englischen Gemeinde Kings Langley, spielte die Frage nach der eigenen Identität für Sarah Faith Griffith alias GRIFF schon immer eine große Rolle. „Als ich jünger war, hatte ich oft das Gefühl, irgendwo im Mittelfeld zu stehen und nirgends so richtig dazuzugehören. Je älter ich werde, besonders in dem vergangenen Jahr während des Lockdowns, habe ich mir sehr viel Zeit dafür genommen, um über meine Identität nachzudenken“, erzählt die Musikerin.

Auch die Black-Lives-Matter-Bewegung ließ die Musikerin sich selbst hinterfragen: Inwiefern betrifft mich das? Wie kann ich mich damit identifizieren? „Ich wusste immer, dass ich aus der Menge herausstach. Aber das gab mir schließlich ein gutes Gefühl, um anders zu sein – speziell auch mit meiner Musik.“

Dieses Streben nach Unabhängigkeit brachte Griffs Karriere erst richtig ins Rollen. Ihre musikalischen Anfänge fand die Musikerin bereits im Alter von 11 Jahren, als sie sich autodidaktisch das Aufnehmen und Produzieren von Songs beibrachte. Musik war für sie das willkommene Ventil, um ihre Emotionen zu verarbeiten, wenn sich das Leben gerade wieder hart anfühlte.

Ihr Debüt gab Griff vorletztes Jahr mit der Single „Mirror Talk“, einem ehrlichen Song über das Überwinden von Ängsten und das Bedürfnis, sich mit sich selbst zu versöhnen. Der Titel sei ein bittersüßer Heartbreak-Song mit einer gesunden Portion Melodramatik. Unpoliert und nachdenklich widmet sich die 19-Jährige in ihrer Musik den Themen, die sie beschäftigen.

Mit Griff hat die Popwelt ein weiteres Multitalent für sich gewonnen: Neben ihrem Dasein als Sängerin und Produzentin, macht sich die junge Künstlerin aktuell auch im Modebusiness einen Namen, indem sie ihre glamourösen Bühnenoutfits selbst schneidert. Es ist unumstritten: Griff ist auf dem besten Weg, ein Superstar zu werden. Die Karriereleiter klettert die Britin stets hinauf. Zuletzt veröffentlichte sie die beiden Singles „One Foot In Front Of The Other“ und „Black Hole“, eine düstere Pop-Hymne über das moderne Leben als Teenager, welches sie so herrlich unverblümt in ihren Songs verpackt.

Photocredit: Jantina Talsma

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Genre: Pop

Der Singer-Songwriter Simon de Wit, besser bekannt als Blanks,hat es geschafft, wovon viele in seiner Generation träumen: Er nutzt YouTube, um seine Musik in der Welt zu verbreiten und baut sich so in Rekordzeit eine internationale Fangemeinde auf. Im Mai nächsten Jahreskommt der gebürtige Niederländer nunmehrfür drei exklusive Konzerte nach Hamburg, Berlin und Köln.

Bereits mit zehn Jahren beginnt Blanks Gitarre zu spielen, nur fünf Jahre später veröffentlicht er die Resultateauf seinem YouTube-Kanal „Music by Blanks“. Mittlerweile hat der 23-Jährige auf dieser Plattformmehr als eine Million Abonnenten und über eine 47 Million Aufrufe.

In Blanks steckt jede Menge Kreativität, die der junge Niederländer perfekt in seinen Songs und Videos bündelt. Dabei geht er auch gerne mal gewagte Wege: Für seinen YouTube-Kanal ruft erdie „One Hour Song Challenge“, ein interaktives Format, bei dem seine Fans entscheiden, welchen Top 40-Song er innerhalb von 60 Minuten von Grund auf neu schreiben soll, und #StyleSwap ins Leben. In dieser Kategorie covert Blanks die weltweit größten Hits wie Post Malones „Better Now“ oder Drakes „In My Feelings“ in feinster 80er Jahre-Manier inklusive passendem Video.

Nach seiner Debüt-Single „Don’t Stop“, die Blanks im Februar 2019 selbst veröffentlicht, erscheint im Sommer mit „Wave“ sein zweiter Song. Das Besondere: „Wave“ ist nicht auf klassische Art und Weise entstanden, sondern ein Ergebnis seiner abstimmungsfreudigen Instagram-Community.

Blanks überlässtseinen Fans jegliche Entscheidungen im Entstehungsprozess des Songs. In seinen Instagram-Stories urteilensie darüber, ob der Song traurig oder fröhlich sein, mit Klavier oder Gitarre eingespielt und welches Tempo er haben soll. Das Ergebnis ist ein Sommer-Popsong, der allein beim Streaming-AnbieterSpotify eine Million Klicks holt. Und auch die Nachfolge-Single „Higher“ (2019) entsteht in so einem riesigen Online-Gruppenprojekt.

Genre: Rock

Es gibt diese Gitarrenriffs, die nur zwei Reaktionen zulassen: Faust geballt in die Luft strecken, oder die Hände hinter dem Rücken verschränken und in ein imaginäres Mikro singen, das knapp über der Nasenspitze hängt. Meist findet man sie auf diversen Albumklassikern aus England, die alle schon ihr 25. Jubiläum hinter sich haben. Aber immer nur in Nostalgie suhlen? Das kann es doch auch nicht sein! Dachten sich auch Christian Buhl (Vocals / Rhythmusgitarre), Günes Kocak (Lead Gitarre / Vocals), Erik Jensen (Bass), Claus Nielsen (Drums / Percussions) – und gründeten Dead Star Talk. Alle vier waren in den Nullerjahren in der Gitarrenmusikszene Kopenhagens aktiv – und alle vier vermissten genau diesen Sound, der sie einst mit Rockmusik angefixt hatte. Melodiebesoffene Gitarren, wuchtige Drums, ein Bass wie die starke Schulter des Nebenmanns an der Theke – und, ja verdammt, auch eine gesunde Mischung Pathos! Wie gut das aufgeht und wie frisch das klingen kann, beweist zum Beispiel die erste Single-Auskopplung „Love Leash“: Die Drums preschen voran, die Gitarren lassen an Manchester’s finest denken, oder an all die tollen Bands des Poptones Labels, die nie so groß wurden, wie sie es verdient hätten. Und dann der Gesang von Christian Buhl, der genau dieses charakteristische Raspeln in der Kehle hören lässt, das noch immer die Karriere der Gallaghers tragen kann. Ein guter Gegenpool dazu ist das Titelstück des Albums „Too Many Too Much“, ein Melodietaumel zwischen 60s, 90s und Jetztzeit, den auch Teenage Fanclub goutieren würden.

Selbst eine unpeinliche Feuerzeug-Hymne ist ihnen geglückt. Die heißt „It’s You, Euphoria“ und beschreibt vielleicht, was diese Band dazu gebracht hat, seit Bandgründung bei einem Weihnachtsdinner in Kopenhagen 2019 bis jetzt ein komplettes Album mit zehn starken Songs aufzunehmen. Vor allem Hauptsongwriter Christian Buhl nutzte den Stillstand der Pandemie, um sich mit größtmöglicher Euphorie in sein zuletzt arg verschmähtes Talent zu werfen und schrieb 45 Songs in 12 Monaten. Dead Star Talk ist dabei aber weit mehr als ein reines Buddy Projekt – was auch daran liegt, dass sie einen der bekanntesten Rockproduzenten der Welt für ihr Albumdebüt gewinnen konnten. Flemming Rasmussen, der für die Produktion von „One“ einen Grammy bekam und die ersten drei Metallica-Alben produzierte, lud Dead Star Talk in sein Kopenhagener Studio und verpasste den live eingespielten Songs eine kraftvolle Produktion, die an den richtigen Stellen schiebt und an anderen die Melodien funkeln lässt. Er ist voll des Lobes für Dead Star Talk: „Trotz meiner langjährigen Erfahrung passiert es eher selten, dass ich einer Band begegne, die von einer solch authentischen Liebe für starke Rocksongs getrieben wird. Die Gitarrenmusik von heute wird vor allem von Hipster-, Jazz- und Metal- Produktionen geprägt – deshalb ist es großartig, Dead Star Talks Attitüde, ihre Energie und ihr Talent für diese großen Singalong-Refrains zu spüren. Genau das ist mir seit den 90ern etwas zu kurz gekommen.“ Ob Dead Star Talk diese Lobeshymne einlösen können? Das werden sie in den kommenden Monaten nach und nach beweisen und noch in diesem Jahr diverse Singles und schließlich ihr Debüt veröffentlichen.

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George Hennessey

Es sind die ganz großen Namen, die einem in den Sinn kommen, wenn man die neue EP des Songwriters aus Süd-London zum ersten Mal hört: Das Titelstück „Purified“ hat diesen zurückgelehnten Oasis-Swag, der sich vor allem in ihren Überballaden wie „Champagne Supernova“ oder „Live Forever“ voll entfaltete. „Soul Destroyed“ hat den Glamour und die Wucht von 1975, wenn sie im Rockmodus sind. Und „Jekyll & Hyde“ klingt nach angepunkten The Verve und Richard Ashcroft im Rempelmodus.

Es ist kein Zufall, dass es zu den genannten großen Namen klare Verbindungen im Leben des 28jährigen Songwriters gibt. Oasis haben George Hennessy in seiner Jugend gezeigt, dass es ok ist, Balladen zu singen. Eigentlich kam George von der härteren Gangart, feierte AC/DCs „Back in Black“, sah als erste Live-Band in seinem Leben die Rolling Stones, hörte auch mal den frühen Eminem – und dann waren da ja noch die Reunion-Konzerte der Sex Pistols, zu denen er mit 15 seinen Vater begleitete. Aber dann saß George im Mathe-Unterricht plötzlich neben einem Hardcore-Oasis-Fan, der ihn langsam aber hartnäckig überzeugte. Schließlich erinnerte sich George daran, wie sein Vater immer deren Album „(What’s the Story) Morning Glory“ hörte: „Dank meines Vaters und dank meines Mathe-Kumpels wurde ich mit Noels Musik angefixt. Und die weckte in mir den Wunsch, selbst Songs zu schreiben.“

Es dauerte dann trotzdem noch eine ganze Weile, bis George seine Musik teilte. Der Grund, so George: „Unsicherheit“. Und: „Ich kämpfte damals mit vielen Problemen. Ich war ein exzessiver Trinker, fuhr schnell aus der Haut, prügelte mich oft, wurde festgenommen. Durch dieses zerstörerische Verhalten verlor ich einige sehr gute Freunde und Beziehungen. Im Frühjahr 2018 war ich völlig am Boden und wusste: Jetzt muss was passieren. Da hatte ich die Erleuchtung: Ich will Musik machen! Scheiß auf die Drogen, scheiß auf den Suff – ich setze jetzt alles auf die Musik.“

Nur wenige Monate später holte er sich Inspiration bei einem seiner persönlichen Helden. George klingelte im September 2018 einfach mal bei: Richard Ashcroft, dem ehemaligen Frontguru von The Verve. „Er hat tatsächlich aufgemacht“, erzählt George und zeigt sich noch immer erstaunt über diese Begegnung. „Richard trug natürlich Sonnenbrille und fragte: ‚Allright mate, was kann ich für dich tun?‘ Er hat mir dann auf der Straße zwanzig Minuten lang einen Haufen sehr guter Ratschläge gegeben. Er sagte am Ende zu mir: ‚Du hast den Look, du hast die richtige Energie, du bist entschlossen – mach so weiter und arbeite hart.‘“

Was Ashcroft da noch nicht wusste, aber es anscheinend ahnte: George Hennessy hat auch die richtigen Songs, um weiterzumachen. Auf „Purified“ hat er vier davon versammelt – produziert von Jamie Ellis, der dann die Brücke zu The 1975 schlägt, bei denen Ellis in deren Anfangszeiten für einige Songs am Mischpult saß. Der Opener „Jekyll & Hyde“ schleudert einen mit voller Wucht in Georges Leben: „Ich schrieb den Song in den letzten Monaten meines Suff-Alptraums, als ich bereits spürte, dass ich mein Leben vor die Wand fahre, wenn ich so weitermache. Es geht um die Erkenntnis, dass Alkohol und Drogen dir eben nichts Gutes tun. Und dass es schwer ist, davon loszukommen, weil sie ja auch im sozialen Leben eine große Rolle spielen.“ Das darauffolgende, ebenfalls sehr schnelle, rockige „Soul Destroyed“ spinnt seine Geschichte weiter und mischt eindeutige Grunge-Anleihen in den sonst so britischen Sound. „Als ich trocken war, hatte ich dann all diese Abende mit meinen alten Freunden, die weiterhin besoffen und high waren – ‚chewing on my ear, sniffing all your gear’ singe ich da – und mich ab einem gewissen Punkt fürchterlich langweilten. Damit muss man erstmal klarkommen.“ Das Titel- und Herzstück „Purified“ ist dann die große britische Trennungsballade, aufgenommen „als es mir nach einer Trennung total beschissen ging und ich einen Weg finden musste, weiterzumachen.“ Der emotionale und musikalisch schlüssige Schlusspunkt der EP ist dann das fast optimistische „Chasing Tomorrow“. Ein Lied, so George, „darüber, einen Freund zu haben, der dir hilft, der dir zeigt, dass er für dich da ist, sich kümmert, dich mit Liebe und Unterstützung durch harte Zeiten bringt.“

Mit seiner Musik, den zahlreichen Auftritten, die er inzwischen absolviert hat und mit den weisen Worten des Richard Ashcroft im Ohr hat George Hennessy nun auch das nötige Selbstbewusstsein, um voll durchzustarten: „Ich werde alles für meine Karriere tun, was ich kann“, verspricht er. „Ich möchte, dass so viele Menschen wie möglich meine Musik hören. Ich will richtig große Shows spielen.“ Könnte klappen, wenn er weiterhin Songs wie diese vier raushaut.

Genre: Indie / Folk

Seit ihrem gefeierten Debüt Dark Holler Pop 2013 begeistert das Quartett aus North Carolina mit fein geschichteten Gesangsharmonien und einer spielerischeren Fusion von traditionellen Appalachen-String Sounds ihrer Heimat sowie modernen Indie-Elementen. Eine nahezu telepathische musikalische Verbindung, die das Publikum fasziniert und ihre Live-Show zu kinetischen Ereignissen werden lässt. Im Rahmen einer Reihe von Konzerten in Europa Ende des Jahres planen Mipso auch Auftritte in Berlin (9.11.), Köln (10.11.) und Hamburg (12.11.)

Genre: Singer-Songwriter

Beim Songslam Kreuzberg kämpfen sechs Singer/Songwriter mit selbstgeschriebener Musik in einem der renommiertesten Clubs der Stadt um die Gunst des Publikums und ballern euch durch die Aussicht auf Ruhm, Fame und Schnaps motiviert ihre Tracks in die Ohren.
Bis 2020 im Musik & Frieden zuhause, zieht die Show in der neuen Saison in den legendären Privatclub!
Sichere dir jetzt eins von wenigen Early Bird Tickets.

Du hast schon mal ein YouTube-Video von einem Musikinstrument gesehen oder sogar Musik studiert und willst mitmachen?
Anmeldung per Mail an [email protected]!

Aktuelles Line Up auf Facebook.

MC: Ortwin Bader-Iskraut & Samson

Doc Schoko endlich wieder in voller Bandstärke in Berlin! Dazu stellen die Berliner Indierocker Riches of the Poor ihr Debutalbum vor.

Genre: Indie-Rock

Erstaunlich melodieverliebt kommt die fünfte Doc Schoko- LP „Skulpturen für die Flaschenpost“ daher. Weitestgehend tiefenentspannt, einen Hauch von Tropicalia und Exotica an Bord, steuern die neuen Songs eher Richtung Lofi- Psychedelic- Pop als zum Röhren -verliebten Garagenbeat früherer Platten; es ist komplexer und filigraner geworden im Arrangement und erinnert in Momenten an Songgeschichten von Serge Gainsbourg oder Baxter Dury in der Heimstudio-Version.

In den Texten geht es gewohnt wortgewaltig, bildreich und voller Untiefen zu. Zwischen Alltags- und Phantasielandschaften knapp und präzise skizziert, bleibt viel Platz für die Geschichten an der eigenen Substanz; die Chance, Wut und Melancholie, Spielfreude und Humor in jene positive Energieform umzubündeln, die wir Musik nennen; Knoten zu lösen, neue Perspektiven zu entdecken.

Im Privatclub präsentiert der Wahlberliner vom Ruhrgebiet das neue Album erstmals in voller Bandstärke.

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Auf ihrem herzzerreißend ehrlichen Debütalbum “The Long Way Down” (2020, Crocodile Tears) beweisen die Berliner Indierocker RICHES OF THE POOR ein Gespür für melodische Melancholie. Schwebende Shoegaze Gitarren verschmelzen mit rockigen Drums in erlösenden Songs für gebrochene Herzen.

“A robust and open sound – inviting and inventive – that is sure to captivate the listener.” (Analogue Trash)

“Highly recommended to indie rockers everywhere.” (Indie Rock Guru)

Auf ihrem herzzerreißend ehrlichen Debütalbum “The Long Way Down” (2020, Crocodile Tears) beweisen die Berliner Indierocker RICHES OF THE POOR ein Gespür für melodische Melancholie. Schwebende Shoegaze Gitarren verschmelzen mit rockigen Drums in erlösenden Songs für gebrochene Herzen.

“A robust and open sound – inviting and inventive – that is sure to captivate the listener.” (Analogue Trash)

“Highly recommended to indie rockers everywhere.” (Indie Rock Guru)

Genre: Alternative, Indie

Palace Winter melden sich nach über zwei Jahren mit neuer Musik und Tournee zurück. Die Band um den australischen Songwriter Carl Coleman und den dänischen Songwriter und Produzenten Caspar Hesselager wird am 23. Oktober 2020 ihr drittes Album ›…Keep Dreaming, Buddy‹ via Tambourhinoceros veröffentlichen.

Genre: Indie, Folk

Platon Karataev, named after a Leo Tolstoy character, was formed in 2016. With their music, the Hungarian indie quartet wanders around the core of existence, seeking answers through paradoxes, contemplating on questions by observing elements on an atomic level or viewing them from an astronomical perspective. After For Her’s (2017) instant success the band gradually moved away from their acoustic sound to a more broader one. Atoms (2020), with a heavier instrumentation, focuses on speaking about the most universal but on the most personal level with catharsis being a key element of the album. The upcoming new record (Nov 2021) will continue diving into the collective subconscious and will be followed by the band’s first Europe tour. In the past four years Platon Karataev not only gained attention on a local level but was recognized internationally, too with more than 5 million streams on Spotify mostly from the USA, the UK, and Germany. Besides three different German tours the band already performed at major festivals like Sziget, Reeperbahn, Zandari Festa Seoul, Moscow Music Week, and Liverpool Sound City.

Genre: Alternative / Rock

The rock heavyweights from Hastings stamped their name firmly onto the hide of the UK rock scene in 2019. Peddling a unique mixture of explosive riffs, bone-crushing live shows, and ear worming melodies of the duel-lead vocals and guitar.

Renowned for their live ferocious live shows, on stage is where Kid Kapichi really come alive. Fronted by Jack Wilson & Ben Beetham (joint lead guitar/vocals), with the other half of their ear-shattering sound emanating from George Macdonald (drums) & Eddie Lewis (bass). Having shared the stage with the likes of Frank Carter & The Rattlesnakes, Fidlar and Slaves; Kid Kapichi’s name is hot on the lips of the UK live music circuit.

Storming into 2019 with the aptly named titled track, ‘2019’ is a reflection of the current state of social and political affairs, and its impact on a voiceless generation. ‘2019’ was the first song to gain traction across the airwaves. Subsequent singles ‘Glitterati’ and ‘Death Dips’ received strong support Jack Saunders Indie Show and plays from Annie Mac, Steve Lamacq, Huw Stephens, Phil Taggart, Tom Robinson and more. ‘Glitterati’ was BBC Radio 1’s ‘Hottest Record in the World’ and ‘Death Dips’ featured on the BBC Radio 1 playlist.

With momentum building, Kid Kapichi dropped their hotly anticipated EP ‘Sugar Tax’ in July 2019. In the latter part of the year, the band made their mark at Reading & Leeds Festivals, sold out headline shows in London and Brighton, and toured Europe with Frank Carter & The Rattlesnakes in the autumn.

The Hastings-four-piece show no signs of slowing down, with a busy touring schedule which includes a UK and European Tour in spring 2020 and a series of festivals to be announced.

Genre: Deutsch-Pop, Singer-Songwriter

Ein Jahr nach dem Erfolg seiner EP-Kampagne kommt vom Berliner Produzent, Sänger und Songwriter BRUNKE mit 4 Wänden endlich neue Musik für die Fans. Nachdem BRUNKE 2018/19 monatlich einen neuen Song mitsamt Video veröffentlicht und so seine Community auf die persönliche Reise „Richtung Ich“ mitgenommen hat, wurde es ruhiger um ihn. Anstatt weiter nach vorne zu gehen, blieb er einmal stehen um inne zu haltend und Vergangenes zu reflektieren.

Machmal braucht es Zeit um neue kreative Impulse zu bekommen. Doch was hat sich geändert? Alle Jahre wieder die selben Geschichten, die selben Gesichter, die selben Versprechen und das sich stets wiederholende Gefühlskarussell. Irgendwie wurde doch auch schon alles erzählt. BRUNKE hat sich bewusst das letzte Jahr in seinem Heim-Studio eingeschlossen. Vier weißen Wänden wurden so zum ganz eigen Kosmos seiner Kreativität. Was dabei raus kam, waren die Ideen und Empfindungen, die durch die blanken Wände reflektiert und direkt aufgenommen wurden. Seine neue Musik schlägt für deutschsprachige Musik dabei neue Wege ein. Irgendwo zwischen eingängigen Pop und alternativen Klängen liegt die Ästhetik seines Sound-Verständnisses. Selten hat Popmusik aus Deutschland so natürlich international geklungen ohne gewollt zu wirken. Vielmehr hört man ihre ungefilterten Aussagen direkt heraus ohne dass sie sich hinter künstlichen Mauern aus Poesie und Image verstecken würden. Direkt, auch wenn es weh tut.

Im Herbst 2020 geht es dann auch endlich wieder auf die Bretter, die die Welt bedeuten ALLE JAHRE WIEDER – TOUR 2020. Der junge Songwriter, Multiinstrumentalist und Producer nimmt seine Band dabei wieder mit auf Tour.

Genre: Folk / Soul

A Montreal-born Grenadian-Canadian, Kaia Kater grew up between two worlds: her family’s deep ties to folk music and the years she spent soaking up Appalachian music in West Virginia. Her old-time banjo-picking skills, deft arrangements, and songwriting abilities have landed her in the spotlight in North America and the UK, garnering critical acclaim from outlets such as NPR, CBC Radio, Rolling Stone, BBC Music, and No Depression

Kaia started her career early, crafting her first EP Old Soul (2013) when she was just out of high school. Since then, she’s gone on to release two more albums, Sorrow Bound (2015) and Nine Pin (2016). Her second album wove between hard-hitting songs touching on social issues like the Black Lives Matter movement (“Rising Down”) and more personal narratives speaking to life and love in the digital age (“Saint Elizabeth”). Nine Pin won a Canadian Folk Music Award, a Stingray Rising Star Award and sent Kaia on an 18-month touring journey from Ireland to Iowa, including stops at The Kennedy Center, Hillside Festival and London’s O2 Shepherd’s Bush. For her third album, Grenades (October 2018, Folkways/acronym Records), she took a decidedly different direction, choosing to lean into a wider array of sounds and styles, in order to convey a wider array of emotions and topics, most notably her paternal ancestry. Grenades was nominated for a 2019 JUNO award for Contemporary Roots Album of the Year and long-listed for the Polaris Music Prize.

„…plaintive, mesmerizing…writes and performs with the skill of a folk-circuit veteran…“ -Rolling Stone
„Where bluegrass meets Nina Simone“ – The Guardian

Genre: Neue deutsche Kindermusik

herrH ist da! – Das KinderMitmachKonzert für die ganze Familie!

herrH alias Simon Horn ist Kinderheld aus Berufung, oder besser gesagt, ein Familiensoundtrack auf zwei Beinen. Er versteht die Welt der Kinder und Familien, kann diese in Worte fassen, dazu Töne finden und in mitreißende Songs verwandeln und gilt als Mitbegründer der Neuen Deutschen Kindermusik: zeitgemäß und kindgerecht!

Seine Musik hat in vielen Familien mittlerweile ihren ganz festen Platz. Ob im Kinderzimmer, im Auto, auf einem Konzert oder wo man sonst noch gemeinsam Musik hört – herrH ist festes Familienmitglied. Seine Geschichten lassen Kinderaugen leuchten und bringen Eltern zum Schmunzeln. Seine Beats sind druckvoll und vielfältig: Gekonnt mischt er von Elektro, Pop, Rock, Funk und HipHop alles was in die Beine geht und Herzen bewegt. Seinen Stil könnte man „modern“ oder „am Puls der Zeit“ nennen, aber wenn man die Kinder fragt, dann ist herrH einfach nur „in“ und „cool“.

Energiegeladen, mitreißend & authentisch: Von der ersten Sekunde an besteht auf seinen über 200 KinderMitmachKonzerten pro Jahr die höchste Ansteckungsgefahr, wenn er mit seiner Neuen Deutschen Kindermusik loslegt! Der Name ist dabei Programm: von der Ostsee bis zu den Alpen wird gesungen, gesprungen, getanzt, geklatscht, gelacht und kräftig Vollgas gegeben.

Mit jeder Menge preisgekrönter Ohrwürmer bewegt er kleine und große Tanzbeine und lässt Herzen schneller schlagen. Jedes Konzert wird dabei zu einem einmaligen Erlebnis und zu einer Riesenparty mit “Kuscheltier-Stagedive” und hat alles, was zu einem ordentlichen Konzertbesuch – für einige kleine Menschen ist es das erste Konzert – dazugehört: Ein einmaliges KinderMitmachKonzert für die ganze Familie – Autogramme, Selfies und ein „High 5“ nach dem Konzert inbegriffen!

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Genre: Pop / Singer-Songwriter

Ist das nicht der von „Cordula Grün“, dem Überraschungshit des Jahres 2018. Ist er! Dieser Song hat dem sympathischen Wiener (zurecht) die deutsch-österreichischen Chartspitzen und einen tollen Karrierestart eröffnet. Doch nein, es ist bei weitem nicht der einzige starke Song auf seinem Debüt-Album „Von Mädchen und Farben“, das seit letztem Jahr erhältlich ist und das er am liebsten live präsentiert.

Vor seinem Durchbruch studierte Josh. Instrumental- und Gesangspädagogik, brach das Studium jedoch ab und arbeitete anschließend in der IT-Branche. Unter seinem bürgerlichem Name Johannes Sumpich veröffentlichte er 2014 seine erste Single, 2016 folgte mit „Kein Sommer für einen allein“ (ein Duett mit Kathi Kallauch) der Radio-Wien-Sommerhit 2016.

Der große Durchbruch aber folgte 2018 mit „Cordula Grün“ unter dem Künstlernamen „Josh.“ – nur echt mit Punkt hinter dem Namen! Die Zahlen sprechen für sich: Nummer eins auf iTunes, Radio-Powerplay, mehr als 35 Millionen Video Views auf YouTube, über 29 Millionen Streams auf Spotify.

Nicht schlecht für jemanden, der im Interview verrät: „In meinem Leben gibt es keine Cordula Grün. Ich saß im Tonstudio, arbeitete gerade an einem anderen Song, war unzufrieden. Ich dachte mir: ‚Eigentlich will ich was über Farben und Mädchen schreiben.‘ Also nahm ich mir Stift und Zettel und schrieb die erste Farbe und den ersten Frauennamen auf, der mir in den Sinn kamen. Cordula Grün war geboren.“ Es folgten ausverkaufte Konzerte, Platin-Status, und die Auszeichnung mit dem Amadeus Austrian Music Award 2019 für den „Song des Jahres“ in Österreich sowie Gold-Status in Deutschland.

Nach eigener Aussage ist die Bühne sein „eigentliches Zuhause“. Dass man sich bei seinen Konzerten aber auf jeden Song in seiner Setlist freuen darf, beweisen die Folgesingle „Vielleicht“ sowie die neue Single-Version von „Reden“ und das emotionale Duett mit der österreichischen Singer-Songwriterin Ina Regen „Weil ich’s nicht weiß“.

Die Zeit bis zum neuen Album überbrückt Josh. mit seiner Eskalation-Tour durch Österreich und Auftritten bei Festival- und Einzel-Shows in Deutschland. Und egal ob auf Platte oder Live: Bei Josh. können wir uns immer auf eine gehörige Portion Wiener Schmäh, witzige Texte und jede Menge Rock’n’Roll freuen. Eskalation eben!