Genre: Hip Hop, Rap

Mit „Nie oder Jetzt“ gelang Döll der Befreiungsschlag: ein Debütalbum auf der Höhe seiner Zeit und für die Ewigkeit. So ehrlich und reflektiert, dass es schmerzt. Döll ist damit in den Top 15 gechartet, hat seine erste eigene Tour ausverkauft, sich freigespielt – und alles selbst in die Hand genommen. Der begnadete Live MC, dessen Reise gerade erst begonnen hat, vereint den Hunger eines Freshman mit der Technik eines Veteranen. Im Januar geht Döll auf Solotour.

Genre: Deathcore / Metal / Metalcore

Shadow of Intent was formed in 2014 as an internet-based project between vocalist Ben Duerr and instrumentalist Chris Wiseman. The band released their first EP called „Inferi Sententia“ on July 18, 2014 and continued writing more music for the album that would be called „Primordial“.

In 2015 the band started releasing more songs and followed up with full length album „Primordial“ on January 10, 2016 which rapidly started gaining traction on the internet. Over the next year the album „Reclaimer“ was written and the lineup changed gears adding members to perform in the music videos and eventually live shows.

The second studio album „Reclaimer“ was released independently in 2017, and to this day has amassed over ten million streams. The band then announced its debut performance which would sell out the Webster Underground in Hartford, CT. Shortly after, the band started going out on national tours with metal acts such as The Black Dahlia Murder, Whitechapel, Carnifex, Despised Icon, Oceano and Fleshgod Apocalypse. The band’s latest album „Melancholy“ was released in 2019, allowing the band to continue growing into a national headlining act, self-managed and independent from a label, represented by agent Nick Storch of Artist Group International and Maarten Janssen of Avocado Booking.

Genre: Pop

Wir schreiben das Jahr 2020. Die Popkultur ist zersplittert, diffus, wesentlich schnelllebiger als noch vor wenigen Jahren. Die Gitarre gilt unter Kids nicht mehr als das allercoolste Instrument. Und trotzdem gibt es sie: die Rebellen, die, die sich den Trends nicht unterwerfen und trotzdem nicht alt und abgehängt wirken. Hört man Matija, gibt so viel zu entdecken: Upbeat-Funk, Indie-Disko, ein verzweifeltes Liebeslied und nicht zuletzt der Blick zu den Veränderungen der Zeit.

Matija sind Ästheten, Perfektionisten, Freidenker, androgyne Dandys und Nerds. Und Matija sind vor allem eins: präsent auf Deutschlands Bühnen. 2019 war ein großartiges Jahr für das Münchner Trio: Eigene Tour mit ersten ausverkauften Konzerten, das erste Netflix Feature eines Songs in einer Serie, die erste Award Nominierung, Tour Support für die Kytes im Mai und dann noch unzählige Festival Gigs inkl. c/o pop, Dockville, Reeperbahn Festival, Nürnberg pop, Sound of the Forest & Waves Vienna.

Anfang 2021 melden sich Matija nun endlich live mit vier Headline Shows zurück.

Genre: Hip Hop / Rap

»Euer Pressetext, die perfekte Illusion..«..heißt es in der ersten Singleauskopplung ›Pussy‹, des am 02.11.2018 erscheinenden Albums ›Gaffa‹ der Argonautiks. Das nun zweite vollwertige Album in der Konstellation rund um Paul Uschta, Timmy Tales und Produzent Donnie Bombay bleibt seiner Linie treu. Aufgewachsen in einer Stadt, welche durch Charmlosigkeit und einen S-Bahnhof besticht, kommen die Argonautiks mit einem Boom-Bap verwurzelten, aus Samples und synthetischen Elementen bestehenden Soundbild um die Ecke, das wie eine Antwort auf diese angeblich alternative Szene wirkt. »Posen vor dem Spiegel, Pumpen, Fitness, Große Liebe, Muskeln riesig, doch den Mini-Schwanz dann wiederum verschwiegen. « Thematisch kommen die Argonautiks aus dem klassischen Battlerap, treffen aber inhaltlich oft einen wunden Punkt der Gesellschaft; Doppelmoral, Materialismus und Scheinwelten. Keineswegs verbittert, viel mehr ignorant, bodenständig und irgendwie auch ganz normal. ›Gaffa‹ erscheint auf 12“ coloured Vinyl in limitierter Auflage. ›Pussy‹, ›Dollars‹, ›Gaffa‹ & ›Wunderschöne Welt‹ erscheinen in limitierter Auflage jeweils auf 7“ Vinyl als Singles und sind ausschließlich im eigenen Shop erhältlich. Veröffentlicht wird ›Gaffa‹ über ›Alte Schule Records‹ in Zusammenarbeit mit ›Walk This Way Records‹.

Genre: Singer-Songwriter

„Soul für die Hip-Hop Generation“ (GQ Magazin)

Entdeckt von der amerikanischen Hip-Hop Institution The Roots, gewinnt Son Little mit seiner zeitlosen Soulmusik und einzigartigen Stimmfarbe weit über die Grenzen der Vereinigten Staaten immer mehr Fans. Im April 2020 kommt der Rhythm & Blues-Musiker mit seinem Ende Januar erscheinenden dritten Studioalbum „aloha“ nach Deutschland und wird am 04.04. in Hamburg, am 05.04. in Berlin sowie am 06.04. in Köln seine neue Musik live präsentieren.

2014 bringt der als Aaron Earl Livingston geborene Sänger seine erste EP „Things I Forgot“ auf den Markt. Ein Jahr später erscheint mit „Son Little“ das Debütalbum. Gleich mit diesem Longplayer wird Son Little zum neuen Hoffnungsträger für traditionsreiche Genres zwischen Soul, Rhythm & Blues und Hip-Hop. Sein Sound erschafft eine fabelhafte Symbiose zwischen dem Zeitgeist der 70er und der Moderne. Erst Kritikerliebling, avanciert die Platte zum Mainstream-Erfolg. Allein die Single „Lay Down“ wird innerhalb weniger Wochen über sieben Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Auch andere Musiker werden auf den Newcomer aufmerksam und bekennen sich als Fans. So hat Son Little die einmalige Chance Größen wie Kelis, Mumford & Sons und Leon Bridges auf ihren Tourneen zu begleiten.

2017 erscheint sein von der Szene gepriesenes zweites Album „New Magic“. Eine Scheibe mit sehr persönlichen Songs, die auffallend melancholisch klingen, aber den Zuhörer nie in die Tiefe ziehen. Der Sound ist minimalistischer und lässt den Klang seiner Stimme in noch schönerem Licht erstrahlen.

Auch als Produzent ist der Sohn eines Pastors und einer Lehrerin erfolgreich. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums bietet ihm US-Soul-Legende Mavis Staples an, ihre EP „Your Good Fortune“ (2015) zu produzieren. Mit der darin enthaltenen Single „See That My Grave Is Kept Clean“ wird er 2016 nicht nur bei den Grammys nominiert, sondern kann die Auszeichnung in der Kategorie „Best American Roots Performance“ auch nach Hause tragen.

Für Anfang 2020 hat Son Little sein neues, in gerade mal acht Tagen geschriebenes Album „aloha“ (31.01.) und Konzerte auf deutschem Boden angekündigt. Zwischen dem 4. und 6. April kann man sich in Hamburg, Berlin und Köln von seinen neuen Songs und der Magie des Future Souls verzaubern lassen.

Genre: Rap

Genre: Metal

For all those who have been longing for a way to express their innermost hidden fears, secrets, and desires – Of Virtue reaches out and hopes to be a voice in musical form. Using a combination of soaring melodies and heavy-hearted screams the band strives to welcome listeners attempting to answer a fundamental question: “What Defines You?”

Formed in Lansing, Michigan in 2009 with the concept of bringing positivity to their listeners, Of Virtue came out strong with their 2009 EP “To Breathe Again”. It was this which catapulted them into the ears of many of listeners eager for something new, something real. Knowing that they had captured the attention of a fan-base within an exhausted genre, their first full album, “Heartsounds” helped define a message of inspiring people across the globe to find their passion through Of Virtue’s music. The band followed in 2012 with “Learn/Love”, a limited release EP, which sold out immediately. In 2015, Of Virtue added more power to their sound via “Salvation”, an album which has grown to be a staple for the band’s sound. After introducing Tyler Ennis as the new vocalist in 2017, the band released a stand-alone single, “Ghost Town,” completely different from anything they’d done before. It was then when the band began their journey towards the new album, „What Defines You“.

Of Virtue continues touring constantly to bring its sound to as many people live as possible. They have performed all across the Continental U.S, traversing Europe, and recently touring Asia. They plan to keep bringing their music as far as their passports allow. The band has performed at several major heavy music festivals, domestically and abroad including Warped Tour, Cornerstone, JAMboree, Bled Fest, UK Tech Fest, Fajtfest, and Rockstadt Extreme. Hot Topic awarded them the Band Grant grand prize in 2010 on the Earn It Yourself tour which led to their addition to the Kevin Says Stage at Warped Tour Detroit in 2011. Of Virtue have built a reputation following their performances supporting artists such as Bring Me The Horizon, Of Mice and Men, Every Time I Die, The Ghost Inside, Architects, and many more.

Find them touring in support of their 2019 SharpTone Records debut album, „What Defines You“ now!

Genre: Brass Pop

Monobo Son feiert Geburtstag! Auf 10 bewegte Jahre kann die Band um Posaunist Manuel Winbeck nun zurückblicken. Viele Metamorphosen hat Monobo Son auf diesem Weg vollzogen – stilistisch und personell war und bleibt die Combo stets in Bewegung. Und dennoch ist es gelungen einen ganz unverwechselbaren Eigensound zu kreieren, der sich nicht an Genregrenzen hält, sondern diese liebevoll überschreitet und Elemente zusammenführt, die auf den ersten Blick so gar nicht zusammenpassen wollen.

Die Geschichte von Monobo Son ist nicht zuletzt auch eine Geschichte von Freundschaft. Hier haben sich fünf Musiker zusammengefunden, die stilistisch aus völlig verschiedenen Baustellen kommen, die sich menschlich aber soviel zu sagen haben, dass sich eine neue Ebene des musikalischen Austauschs auftut. Was sie eint, ist die bedingungslose Liebe zur Livemusik. Die Magie des Bühnenmoments wir zelebriert egal ob im verschwitzten Berliner Undergroundclub, im Jugendzentrum tief im Bayerischen Wald oder auf dem Stadtplatz von Wolgograd. Der Zauber der diesem Augenblick innewohnt, vermag es, Menschen zusammenzubringen, egal wo sie herkommen und welche Sprache sie sprechen, und darin sehen die fünf Männer, wenn man sie fragt, ihre höchste und ehrenvolle Aufgabe. Aber Monobo Son sind keine Nostalgiker, auch wenn man bei ihrer Musik gern die Augen schließt, und so manche Erinnerung hochkommt. Der Blick ist immer nach vorne gerichtet. Neue Herausforderungen stehen an, und pünktlich zum Jubiläum kommt ein brandneues Album („SuperSonic“ VÖ 05.02.21). In diesem Sinne: Auf die nächsten Zehn!

Genre: Alternative / Rock

Bereits Ende März verschob die Grammy-nominierte US-amerikanische Rockband Red ihre ursprünglich für April/Mai 2020 geplante Deutschland-Tournee in den Herbst. In Folge der andauernden Corona-Pandemie werden die Live-Termine erneut verschoben. Im neuen Tournee-Zeitraum, der nun für Februar 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Konzerte nachgeholt werden. Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit. Karten sind weiterhin im Vorverkauf erhältlich. (Ticketinfos und alle Termine weiter unten.)

Red beginnen 2002 mit ihren ersten Konzerten, beeinflusst wird das Quartett von Bands wie Linkin Park, Chevelle und Sevendust. Schon nach zwei Jahren erarbeiten sie sich mit zeitgenössischen Coverversionen christlich geprägter Songs einen guten Ruf in der Szene, weitere zwei Jahre später folgt 2006 der Plattenvertrag. Das Debüt „End Of Silence”, produziert von Rob Graves, erscheint im selben Jahr, sowohl die Single ‘Breathe Into Me’ als auch das Album erreichen Goldstatus (500.000 Einheiten) sowie Platz 194 der regulären Billboard- und Platz 7 der US-Christ-Charts. Red touren unter anderem mit Breaking Benjamin, Three Days Grace und Candlebox.

„End Of Silence” wird sogar 2007 in der Kategorie ‘Best Rock Or Rap Gospel Album’ für einen Grammy nominiert. Ein Blitzstart, wie er im Buche steht. Aber der Erfolg ist auch dem eigenwilligen Stil der Band geschuldet, die Nu Metal und Alternative Hardrock mit klassischen und orchestralen Elementen verbindet. Dabei schreit der Sound von Red nach visueller Umsetzung, was ihnen mit weiterem Erfolg immer mehr gelingt und zum Markenzeichen wird: Mit punktuellen Songüberleitungen in Erzählform und Pyrotechnik, die auf ihren späteren Arena-Touren die aufwendigen Graphic Novel-Videos unterstützen, bietet der Vierer eine Spektakel für alle Sinne. Das Ergebnis ist eine intensive, emotionale Verbindung mit ihrem weltweiten Publikum, das bisher über drei Millionen Red-Alben kaufte und für 350 Millionen Streams verantwortlich zeichnet. Bis 2009 hat die Band schon über 500 Konzerte gespielt, alle danach folgenden Red-Alben erreichen die Nr. 1 der Billboard US-Christian-Charts. Es folgen Touren mit Acts wie Breaking Benjamin, Pop Evil, Skillet, Saving Abel, Chevelle, Hinder, Buckcherry, Papa Roach, Puddle Of Mudd, P.O.D. und In Flames sowie Auftritte in den Late Night-Formaten von Conan O’Brien und Jay Leno. Insgesamt kommen Red in ihrer bisherigen Karriere auf mehr als 30 Nr. 1-Radiosingles in verschiedenen Formaten. Auf Facebook folgen ihnen über eine Million Menschen, auf Twitter über 100.000, bei Instagram haben sie knapp 90.000 Abonnenten, auf Spotify werden sie pro Monat über eine Million Mal abgerufen, ihr YouTube-Kanal hat über zehn Millionen Klicks und über 300.000 Abonnenten. Sie gewinnen sechsmal den GMA Dove Award, den Grammy für christliche Musik.

Michael Barnes (v, piano), Gitarrist Anthony Armstrong und sein eineiiger Zwillingsbruder Randy (b) bilden seit Beginn den Kern von Red, seit 2014 ist Drummer Dan Johnson festes Mitglied. Über ihren christlichen Hintergrund sagt Sänger Barnes: „Wir sind Christen, die in einer Band spielen. Wenn sich die Leute besser dabei fühlen, uns als christliche Band zu bezeichnen, nehmen wir das aber auch gerne an.“

Genre: Singer-Songwriter / Indie / Folk

Die norwegische Indie-Folk-Musikerin Siv Jakobsen ist zurück mit ihrem neuen Album ‚A Temporary Soothing‘. Die erste Single ‚Fear the Fear‘ greift zentrale Themen des Albums wie Angstgefühle und Veränderungen auf und soll laut Jacobsen vor allem Trost spenden: “Everything is temporary, but I hope this album can be a temporary soothing for it’s listeners, as it has been for me in creating it”. Mit ihrer EP ‚The Lingering‘ aus 2015 zog die Singer-Songwriterin erstmals die Aufmerksamkeit der Kritiker auf sich. Nachdem sie zwei Jahre durch Großbritannien und Europa tourte, betrat sie 2016 wieder das Studio, um ihr Debüt ‚The Nordic Mellow‘ aufzunehmen, welches ihr bis heute über 15 Millionen Streams einbrachte.

Genre: Folk / Rock / Singer-Songwriter

Seit fünfzehn Jahren ist Scott Matthews (bitte nicht zu verwechseln mit dem Australier Scott Matthew) bereits aktiv und konnte seitdem mit seiner geisterhaften, eindringlichen und hypnotischen Stimme viele Menschen in seinen Bann ziehen. Dies gelang ihm gleich mit seinem Debütalbum “Passing Stranger“ aus dem Jahre 2006. In den folgenden Jahren veröffentlichte Scott weitere fünf Studioalben, wunderbare Platten voller großer Songs, die bewegen und berühren. Seine von Folk und Jazz beeinflusste Musik erinnert an Nick Drake und John Martyn. Dass Scott Matthews in der Songwriter-Szene kein Unbekannter ist, beweisen Kollaborationen und Auftritte mit Künstlern wie Robert Plant, Rufus Wainwright oder den Foo Fighters.
Nun aber geht Scott wieder einmal neue musikalische Wege: auf seinem demnächst erscheinenden neuen Album wird er sein klangliches Spektrum erweitern um elektrische Gitarrenklänge und elektronische Rhythmen, und auch bei seinen Auftritten wird er dieses klangliche Konzept live umsetzen: “It will be one man and a guitar with a wave of electronica washing over me. I am fascinated by thought provoking sounds and how they totally immerse the listener and encourage them to dig a little deeper into their being. I think these songs will prick people’s ears up. They’ll keep people on their toes and hopefully their electronic grace will sweep them off their feet too.“

Genre: Singer-Songwriter

Geboren und aufgewachsen ist der Fingerstyle Gitarrist und Songwriter Christoffer Wadensten in der Kleinstadt Söderköping an der Ostküste Schwedens. Er hat die letzten paar Jahre unter dem Pseudonym Meadows die Welt bereist und mit seiner introspektiven, akustischen Musik zahlreiche Clubs und Wohnzimmer erfüllt und verzaubert. Seine Musik vereint Menschen, macht Fremde zu Freunden und Fans, die in seiner Musik Zuflucht und Vertrauen finden.

Seine erste EP „The Only Boy Awake“ wurde im Jahr 2016 durch das deutsche Label „What We Call Records“ veröffentlicht. Der Titeltrack wurde in die Netflix-Serie „Tote Mädchen lügen nicht“ („13 Reasons Why”) aufgenommen. Mittlerweile kann Meadows über 30 Millionen Streams vorweisen.

Der Titel von Meadows’ neuem Album – „The Emergency Album“ – ist inspiriert vom amerikanischem Lyriker Frank O’Hara. Es erzählt von der Fähigkeit einen Gefühlszustand während eines Notfalls zu fassen und spüren. Das Album markiert einen Wendepunkt in Wadenstens Leben und schafft Platz für einen neuen Zyklus in dessen Musik: Tiefsinnig, betrübt und wunderschön zugleich.

Hier ist nichts gesampelt oder programmiert. Die Arrangements reichen von schlichter Gitarre und Stimme hin zu tiefgehenden, detailverliebten Songs. Man könnte Wadensten als “Mad Professor” im Studio bezeichnen, der mit akustischen Instrumenten und analogen Synthesizern ein zeitlos schönes Endergebnis schafft.

Genre: Pop / Singer-Songwriter

2019 war ein turbulentes Jahr für HUGO HELMIG – sowohl musikalisch, als auch privat. Nach dem erfolgreichen Release seines Debütalbums „Juvenile“ stürzte der dänische Künstler in eine tiefe Krise, in der er sich selbst eine Pause von all dem Trubel verordnete und Hilfe suchte. Pünktlich zu seinem Comeback 2020 bekommt er eine weitere helfende Hand gereicht – von niemand geringerem als Dänemarks größtem Pop-Künstler Lukas Graham. Mit der gemeinsam geschriebenen Single „Sooner or Later“ kehrt HUGO HELMIG zu seiner gitarrengetriebenen Popmusik zurück – selbstbewusster, ausgeglichener und motivierter als je zuvor. Seine Anfang 2020 veröffentlichte EP „LULU Vol.1“ dokumentiert seine Ängste, Zweifel und offenen Fragen in der schwierigsten Zeit seines Lebens. Benannt nach dem Kosenamen, den seine Mutter ihm als Kind gab, ist es die persönlichste und gleichzeitig dunkelste Veröffentlichung seiner Künstlerkarriere.

Mit dem Release seiner ersten Single „Please Don’t Lie“ hat HUGO HELMIG die Musikszene komplett auf den Kopf gestellt: Nicht nur, dass der energetische Popsong in seinem Heimatland der meistgespielte Song des Jahres 2017 war, auch brachte er ihm zwei Gaffa Awards ein. Die Reaktionen in Deutschland waren ähnlich: Sowohl seine Debütsingle, als auch seine Single „Wild“ kletterten bis auf Platz 3 der offiziellen Airplay-Charts. Zwei Jahre nach seiner letzten Liveshow in Deutschland wird er 2021 mit neuer Musik auf Tour gehen.

Genre: Hip Hop / Rap

Social media star and rapper Fat Nick built an audience with his friend Kevin Pouya on their online The Nick and Pouya Show, posting freestyles and explicit comedic videos.

Born and raised in Miami, Florida, the dreadlocked son of Greek and Cuban parents dropped out of high school and started selling drugs. Once Pouya got involved with rap, Nick followed suit. They built an audience independently, releasing their own projects on the Internet and self-touring across America. Initially associated with SpaceGhostPurpp’s Raider Klan, the duo formed their own crew, Buffet Boys. After a series of singles, Nick released his debut, Fat Camp, in 2015. The mixtape featured the track „Foogba.“ The year after, he issued his sophomore effort and first LP, When the Lean Runs Out.

Photocredit: Kai Hendrik Schroeder

Facebook

Genre: Pop

Tilman Pörzgen kommt das erste Mal auf eigene Tour und damit bestimmt auch in deine Nähe.

Schon in den Kinderschuhen begeisterte er mit seinem Gesang, spielte Klavier als auch Gitarre und entdeckte ebenso früh seine Begabung für das Schauspiel. Nach ersten Erfahrungen am Theater landet Tilman seit 2013 Rollen in verschiedenen Fernseh- und Kinoproduktionen.

Mit der Hauptrolle im Kinoerfolg „Bibi und Tina: Mädchen gegen Jungs“ schaffte er 2016 den großen Durchburch.

Musikalische Meilensteine setzte Tilman auf dem Soundtrack zu „Bibi und Tina“ und mit Duetten auf den Erfolgsalben von LINA, die er als Gastmusiker und Solist auf ihren Touren begleitete.

Im März 2019 veröffentlichte er seine EP „Auftakt“. Exakt ein Jahr später folgt nun die neue EP, die auch die eigene Tour im Herbt betitelt: Legenden der Leichtigkeit!

Genre: Electro-Pop / Pop / Singer-Songwriter

Liebe, Trennung, Zweifel und Self-Empowerment – FRANZI HARMSEN macht Electro- Pop, der direkt ins Herz geht. Emotionale Texte auf tanzbaren Beats, denn Gegensätze ziehen sich an: Das weiß auch FRANZI HARMSEN, die für eine neue Generation von jungen, tiefgründigen und ehrlichen Singer-Songwriterinnen steht.

Ihre Debütsingle „Vielleicht ist nicht genug“ führt vom Herzen direkt auf die Tanzfläche. Mit ihrer zweiten Single „Dein Shirt“ knüpft sie nahtlos an dieses Feeling an und setzt auf catchy Summer-Vibes in Kombination mit ihrer elektrisierenden Stimme. Thema: Eine aufregende Liebesbeziehung, deren Status noch nicht klar definiert scheint. Der Song entstand beim ersten gemeinsamen Writing mit ihrem Produzenten Pascal „Kalli“ Reinhardt (u.a. LENA, Nico Santos, Alma).

Mit Lyrics aus dem Leben will FRANZI HARMSEN vor allem eines erreichen – die Menschen berühren: „Mir ist es wichtig, dass in meinen Songs alles authentisch bleibt. Ich bin kein Fan davon, mit riesigen Metaphern oder Umschreibungen zu arbeiten. Vielmehr bringe ich lieber alles auf den Punkt.“ Nachdem sie im Jahr 2019 als Support-Act für Moritz Garth und Glasperlenspiel ihr erstes eigenes Set spielte, wird sie 2021 mit weiteren energetischen Electro-Popsongs aus ihrem Debütalbum ihre erste große Headliner-Tour antreten.

Genre: Pop / Singer-Songwriter

Jon Bryant ist ein kanadischer Singer-Songwriter, der den größten Teil seines Lebens in Halifax, Nova Scotia verbracht hat. Vor einiger Zeit ist er von Seattle nach Vancouver gezogen, wo es ihm anfangs schwer fiel Anschluss zu finden. Durch einen Bekannten ist er einer mysteriösen Gruppierung beigetreten, doch auch schnell wieder ausgetreten. Auf einer gewissen Art und Weise interessiert an der Thematik, was es bedeutet Teil eines “Cults“ zu sein, begann er, seine Eindrücke in Songs umzuwandeln.

Daraus ist sein neues Album “Cult Classics“ entstanden, das 2019 auf dem Label Nettwerk erschien. Das Album umfasst 13 Songs, dessen Sound man am besten als Dream-Folk beschreiben kann. Hierzulande fand man Singles (wie bspw. “Paradise“) in zahlreichen Spotify-Playlisten. Die perfekte Musik für Roadtrips, lange Spaziergänge oder Konzerte mit Wohnzimmeratmosphäre. Letzteres wird im April umgesetzt, wenn Jon Bryant im Rahmen von drei exklusiven Clubshows seine neuen Songs live in Hamburg, Berlin und München vorstellen wird.

Genre: Folk

Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.

Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.

Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.

Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.

Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.

Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.

Genre: Klezmer

„Eine einsame Tuba gibt den Beat vor und stellt eines sofort klar: #Dobranotch sind auch im einundzwanzigsten Jahr ihres Bestehens kein bißchen leiser geworden. Die Kapelle aus Russland mischt einen selbstbewussten Sound aus Klezmer, Balkan, Gypsy und scheut selbst vor #Rammstein nicht zurück. Die sehr gelungene Unplugged Version des Rammstein-Klassikers „Du hast“ hat sich zum Dauerbrenner entwickelt, auch auf dem neuen Album ist sie mit dabei, energiegeladen, fröhlich und aberwitzig virtuos. Gesungen wird auf Russisch oder Jiddisch, meistens aber auf eijeijei. Was man nicht versteht, das hört man sich zurecht. Manchmal flüstert einem die Fantasie das Wörtchen „Wodka-Bude“ ins Ohr, die ist bei dieser Musik sicher nicht weit. “ (Für die Jury: Imke Turner / https://schallplattenkritik.de)

Genre: Deutschpop-Rock

ANTIHELD, ursprünglich eine Band von der Stuttgarter Straße. Von heut auf morgen findet man sich plötzlich im richtig dicken Major Business wieder, schießt beide Alben in die Charts, spielt auf Southside, Hurricane und co, spielt Touren mit ausverkauften Shows, um dann keine 3 Jahre später mit allem zu brechen und sich zu erinnern, wo man eigentlich herkommt. Um mit „disturbia“ ein Album zu schreiben, dass es so in der deutschsprachigen Welt bisher noch nicht gab.

Der erste Eindruck der Plattenfirma „Arising Empire“ skeptisch, nahezu kritisch. Zu wenig Pop, zu wenig Radio. Der zweite Eindruck; Zitat: „Das kann das Album des Jahres werden.“

Man kennt diese Entwicklung von vielen Bands. Man strotzt vor Credibility und schreibt seine Musik nicht für die Geld-machende-anti-Kunst-Industrie. Dann merkt man, dass es immer schwerer wird den Kühlschrank voll zu machen und springt mit dem Kopf voraus in die inhaltslose, austauschbare Radio-Landschaft. Den fünf Stuttgartern erging es ähnlich, nur eben anders herum.

Nachdem die Band mit dem ersten großen Major-Deal so unverhofft wie heftig in das Haifischbecken krachte, folgte mit dem 2. Album „Goldener Schuss“ und dem damit verbundenen Labelwechsel zu Arising Empire eine erste musikalische Emanzipation. Raus aus der Welt voller Einheits-Pop, hin zu einem Album, für das es noch keine vordefinierten Zielgruppen gibt. Die Lyrics deep & bitter, der Sound nicht der einer klassisch deutschen Rockband. Ein Mix aus Highly Suspect & Thrice, mit ein bisschen Grunge, Punk und Rap-Attitüde.

Ende 2020 bringen ANTIHELD ihr drittes und bisher wichtigstes Album. Ein Album wie ein Film von Scorsese -düster, geschrieben auf Weißwein in der Isolation einer Pandemie. Das politische Bullauge der in Privilegien lebenden mit Blick auf das Elend scheinbar unendlich weit entfernter Menschen, die Selbstreflexion des menschlichen Versagens, das Ersticken der Ängste im exzessiven Rausch, die Abrechnung mit der Kirche, die Auseinandersetzung mit dem Tod des eigenen Managers, bis hin zur Hoffnung auf Gretas vermeintliche Rettung der Welt und unser längst überfälliges Umdenken. Belanglose Popmusik ist tot.

Genre: Indie-Rock

Nachdem The Academic ihre, ursprünglich für März und April 2020 geplante, Deutschland- Tour kürzlich aufgrund der aktuellen Situation in den Herbst dieses Jahres verlegen mussten, wird die Tour nun ein weiteres Mal verschoben. Nachholtermine konnten für das Frühjahr 2021 gefunden werden und wir freuen uns, The Academic im kommenden März bei uns auf den Bühnen begrüßen zu dürfen.
Alle bereits erworbenen Tickets behalten für die Nachholtermine ihre Gültigkeit.

The Academic sind auf dem Weg. Irlands poppigster Indie-Export macht sich mit neuen Stücken auf Tour, um mit diesen Hook-gesättigten Tracks unsere Herzen zu erobern. Im Juni erschien „Superlike“, ein zündendes Liebeslied und im September folgte mit dem leicht verhallten „Aftertaste“ ein zweiter Vorgeschmack auf hoffentlich mehr. Sänger und Gitarrist Craig Fitzgerald, Schlagzeuger Dean Gavin und die Brüder Matthew und Stephen Murtagh an Gitarre und Bass haben einmal mehr das richtige Rezept gefunden, ihre Lieder mit großer Geste zu präsentieren. Das Quartett kennt sich schon aus früher Jugend und ist zusammen in der Kleinstadt Mullingar, Grafschaft Westmeath, in den irischen Midlands aufgewachsen. Also ziemlich genau da, wo einem nichts bleibt außer selbst Musik zu machen, wenn man etwas Aufregendes erleben will. Und so träumten sich die vier Jungs mit ihren Songs in eine strahlendere Zukunft. Wobei sie eigentlich nichts gegen das ländliche Irland haben. Es ist schließlich ihre Heimat.
Aber die große Welt da draußen erobert man eben nicht in Gummistiefeln, sondern viel eher mit bestechend schöner Musik. Nach einigen Auftritten und ersten Singles erschien im Januar 2018 das Debütalbum „Tales From The Backseat“, auf dem sie all diese Perlen bündelten und noch ein paar neu geschriebene Tracks dazu packten. Dieser poppige Rock, der an die Twenty One Pilots, Circa Waves oder auch The Kooks mahnte, ist unglaublich catchy, steckte aber noch voll adoleszenter Lyrics. Jetzt, ein paar Jährchen älter und reifer, ist die Band textlich wie musikalisch gewachsen und überrascht mit cooler Ernsthaftigkeit und schärferen Produktionen, ohne an jugendlicher Lockerheit zu verlieren. The Academic, das darf man getrost konstatieren, sind gewachsen und noch besser geworden. Im Frühjahr kommen sie mit ihren neuen Songs zu uns auf Tour.

Genre: Folk / Soul

A Montreal-born Grenadian-Canadian, Kaia Kater grew up between two worlds: her family’s deep ties to folk music and the years she spent soaking up Appalachian music in West Virginia. Her old-time banjo-picking skills, deft arrangements, and songwriting abilities have landed her in the spotlight in North America and the UK, garnering critical acclaim from outlets such as NPR, CBC Radio, Rolling Stone, BBC Music, and No Depression

Kaia started her career early, crafting her first EP Old Soul (2013) when she was just out of high school. Since then, she’s gone on to release two more albums, Sorrow Bound (2015) and Nine Pin (2016). Her second album wove between hard-hitting songs touching on social issues like the Black Lives Matter movement (“Rising Down”) and more personal narratives speaking to life and love in the digital age (“Saint Elizabeth”). Nine Pin won a Canadian Folk Music Award, a Stingray Rising Star Award and sent Kaia on an 18-month touring journey from Ireland to Iowa, including stops at The Kennedy Center, Hillside Festival and London’s O2 Shepherd’s Bush. For her third album, Grenades (October 2018, Folkways/acronym Records), she took a decidedly different direction, choosing to lean into a wider array of sounds and styles, in order to convey a wider array of emotions and topics, most notably her paternal ancestry. Grenades was nominated for a 2019 JUNO award for Contemporary Roots Album of the Year and long-listed for the Polaris Music Prize.

„…plaintive, mesmerizing…writes and performs with the skill of a folk-circuit veteran…“ -Rolling Stone
„Where bluegrass meets Nina Simone“ – The Guardian

Genre: Singer Songwriter / Indie / Folk

Mit dem Ausklingen des einleitenden Crescendos breitet sich eine atmosphärische Klanglandschaft aus, über der eine Stimme liegt, so in sich ruhend und körperhaft präsent, dass sie genauso gut im eigenen Kopf singen könnte. Gleich von den ersten Takten weg entpuppt sich Christian Kjellvanders neues Soloalbum also als das, was man eine große Platte nennt. Die sieben Songs bauen sich sachte auf, mäandern, nehmen unerwartete Kurven, pausieren sogar dann und wann, um einen Blick über die eigene Schulter zu wagen. Vier von ihnen enden weit jenseits, einer knapp vor der Sieben-Minuten-Marke.

Man mag es kaum glauben, aber dieser Sound, dessen Dynamik von Beinahe-Stille bis zu zügellos expressivem Breitwand-Format reicht, wurde von einer minimalen Dreierbesetzung in einem Stockholmer Kellerstudio in größtenteils live eingespielt:
– Per Nordmark am Schlagzeug

– Pelle Anderson an Fender Rhodes, Prophet 5 und Korg Prologue
– Christian Kjellvander: Stimme, Gitarren und was immer ihm sonst in die Hände fiel.

Dieses Trio traf sich im Mai 2020, als sich bekanntlich ganz Europa im strikten Lockdown befand. Ganz Europa außer Schweden. Aber Kjellvander behauptet zurecht, dass die Arbeit im Studio immer auch eine Form der Selbstisolation mit sich bringt: „Wenn ich nicht auf Tour bin, bin ich in einer Art von Lockdown. Ich lebte acht Jahre auf dem Land, in einer umgebauten Kapelle mitten im Nirgendwo.“

Allerdings ist About Love And Loving Again das Album, auf dem Christian Kjellvander sich von jener alten Kapelle draußen in der schwedischen Wildnis verabschiedet, wo in den vergangenen Jahren so viel von seiner Musik geschrieben und aufgenommen wurde: Jener „Baptist Lodge“, die dem Eröffnungssong ihren Titel leiht. “Meanwhile at the Baptist Lodge there is new paint on an old Dodge,” singt Kjellvander da, “Once it goes east it ain’t ever coming back.” In einer seiner Kernzeilen kombiniert der allegorische Text das Bild des archetypischen amerikanischen Autos mit einer Fahrt an die äußersten Ränder von Schweden: “I drove down to the southernmost beach in our country”

“Ich dachte nie, dass das in meinen Texten unterschwellig zum Vorschein kommen würde“, sagt Kjellvander, “aber nachdem ich in den USA aufgewachsen und dann nach Schweden gezogen war, fühlte ich mich für viele, viele Jahre wie ein Einwanderer. Erst nach ungefähr zwanzig Jahren wurde es mir bewusst: ‚Warte mal, ich hab Kinder hier, ich wohne nun wirklich hier, das ist mein Leben.‘ Als in den späten Neunzigern das ganze Americana-Ding angesagt war, gehörte ich natürlich zu dieser Szene. Aber ich habe mich weiterbewegt, und meine Musik ist heute in Schweden oder grundsätzlich in Europa angesiedelt.”

“Cultural Spain”, den formal am dichtesten durchkomponierten und -arrangierten Song des Albums, vollendete Kjellvander unter dem Eindruck einer rasenden Fahrt über den halben alten Kontinent, von Spanien bis zurück in die skandinavische Heimat, kurz bevor die Länder, die er dabei passierte, ihre Grenzen schlossen. Wie in vielen Songs auf diesem Album, strotzt der halb abstrakte Text nur so vor komplexer Beziehungsthemen: “I heard women talk about other women / I’d just slipped into one of those men / I’d swallowed her sorrows / Because I knew how to use them”

Man braucht kein indiskreter Promi-Schnüffler zu sein, um zu erraten, dass viele der in About Love and Loving Again verarbeiteten Geschichten autobiographischen Ursprungs sind. Tatsächlich ist jene Göttin, die im Eröffnungssong dem Meer entsteigt (“out of the water and straight into my family”) keine geringere als die schwedische Sängerin Frida Hyvönen, die auch auf “Cultural Spain” Backing Vocals beisteuert und das Coverfoto eines sich im Halblicht im Bett räkelnden Christian geschossen hat.

Indessen spielen Zeilen wie “Love turns to past and past turns to fiction / And the happiness is the first thing we forget” aus “Actually Country Gentle” offensichtlich auf das Ende von Kjellvanders 13-jähriger Ehe an. Aber sie werden für alle, die ähnliche Lebenserfahrungen durchgemacht haben, “when trouble fell in love with itself” (aus “Trouble”) vertraut, schmerzlich und tröstlich zugleich klingen. Denn Christian Kjellvander beschreibt hier eine Welt, die viel größer ist als sein privates Ich. Und doch: “Da liegt eine Verwundbarkeit drin, das ist mir jetzt klar geworden. Wenn man mitten drin ist und einfach schreibt, gelangt man schließlich an den Punkt, wo es Momente der Klarheit gibt, die Sinn ergeben und einen bewegen. Und sobald man diesen Bereich wieder verlassen hat, fühlt sich das ziemlich nackt an. Ich habe immer über Dinge geschrieben, die mir am Herzen liegen, aber diese Platte ist eine besondere. Sie ist sehr offen. Das ist, worauf ich es anlegte. Ich wollte wahrhaftig und verwundbar sein.”

Der möglicherweise verstörendste Moment, angekündigt vom seltenen Auftritt einer verzerrten Gitarre, ereignete sich in „No Grace“, einem Song, der tief in den Kindheitserinnerungen des Autors gräbt. “I thought back to that time I was spit in the face by my own mom / Or when my father broke my nose / And the whole family had to wait until he was in good enough shape.”

Ganz am Ende des Albums entlässt Kjellvander die Hörer mit “Process of Pyoneers”, einem Song, der eine kleine Brise Ironie und eine quasi-spirituelle Offenbarung bereit hält: “I’ll play a new rock’n’roll guitar and find God eventually / But every god is a chance / Every god is only a dream / But maybe every god is not just an idea.“ Als ein Künstler der auf der Suche nach neuen Wegen “ständig unter verschiedene Steine guckt” (sein letztes Album nahm er spontan mit einer schwedischen Jazz-Band auf), hat Christian Kjellvander gelernt, sich mehr auf seinen Instinkt als die Intention zu verlassen. “Ich versuche meist meiner Lust zu folgen. In der Musik muss es immer Lust geben“, sagt er, „Alle große Kunst ist letztendlich nur die Sicht einer Person auf die Dinge und sollte nicht als mehr als das betrachtet werden. Je älter ich werde, desto mehr vertraue ich darauf. Fühlt es sich für mich gut an? Fühle ich, dass es etwas sagt, das ich nicht schon einmal gehört habe? Gut, dann machen wir von hier aus weiter.”

Robert Rotifer, Canterbury, Juli 2020

Genre: Alternative Rock, Americana

Curse Of Lono’s cinematic blend of harmony-laden Americana and gothic alt-rock has earned them two Top 10 albums in the Official UK Americana Charts in eleven months and saw them receive the prestigious Bob Harris Emerging Artist Award at the 2019 UK Americana Awards in January.

Curse Of Lono, who formed in London in 2015, are Felix Bechtolsheimer (vocals, guitar), Joe Hazell (lead guitar and vocals), Dani Ruiz Hernandez (keys and vocals), Charis Anderson (bass and vocals) and Neil Findlay (drums).

The five-piece has toured extensively in the UK and around Europe, both as a headline act and as support to artists like Steve Earle, Samantha Fish, Chuck Prophet, Southside Johnny & The Asbury Jukes, David Ramirez and Alabama 3. The band made their US debut at the SXSW Music Festival in March this year and returned to the US in September for performances at AmericanaFest and at the Rhythm & Roots Reunion Festival in Bristol, TN. They will be heading out on a 10-date UK headline tour in October.

Curse Of Lono were the subject of the short documentary ‘Somewhere In Their Heads’ (2018), which won Best Short Documentary at numerous international film festivals, including the LA Edge Film Awards, the Hollywood Sun Awards, the Changing Face International Film Festival in Sydney, the Oniros Film Festival in Rome, Feel The Reel International Film Festival in Glasgow, the Mindfield Film Festival in New Mexico, The New Renaissance Film Festival in Amsterdam and the Calcutta International Cult Film Festival in India.

The band have released three albums and one EP and they are currently working on their next studio album, which will be recorded at the beginning of next year.

16-jähriger Sänger verzückt mit erstaunlich reifem Pop

Genre: Pop

Isaac Dunbar tauchte 2018 erstmals auf der Streaming-Plattform Soundcloud auf – und sammelt seither wöchentlich viele Tausend neue Fans ein. Mit seinen – nicht nur angesichts seines Alters von 16 Jahren – außerordentlich klugen und kompositorisch versierten Pop-Songs gilt er vielen Teenagern als ein bemerkenswertes Vorbild, was man bereits in jungen Jahren als Künstler erreichen kann. Doch nicht nur seine Fähigkeiten als Songwriter, Texter und Produzent sind überaus beachtlich – nicht weniger begeistert seine Stimme, die ohne jedes fachliche Training ein kristallklares Falsett beherrscht und über eine breite Palette an Stimmungen zwischen Ironie und Dunkelheit, Lebensfreude und Gelassenheit verfügt. Nach einigen Songs und Videos veröffentlichte er im vergangenen Sommer mit „balloons don’t float here“ seine erste EP mit acht Eigenkompositionen, von denen insbesondere „ferrari“ mit fast zwei Millionen Views allein auf YouTube heraussticht. Um seiner globalen Fangemeinde näher kommen zu können, macht sich Isaac Dunbar nun auf, auch die Konzertbühnen zu erobern. Seine exklusive erste Deutschland-Show steht für den 07. Mai in der Berliner Kantine am Berghain an.

Sicher: Es ist heutzutage nichts Außergewöhnliches mehr, dass teils sehr junge Menschen ihre Liebe zur Musik entdecken, in ihrem Kinderzimmer Songs aufnehmen und sie im Internet hochladen. Einige wenige entwickeln sich im Anschluss zu einem Online-Phänomen, das sich über Blogs und die sozialen Plattformen immer weiterverbreitet. Doch selbst unter diesen oft erstaunlich talentierten Youngstern sticht der 16-jährige Isaac Dunbar aus Barnstable/Massachusetts heraus. Denn anders als viele seiner Alterskollegen hat er seine Fans nicht nur mit berührenden, sensiblen Akustik-Coverversionen seiner persönlichen Lieblingssongs anderer Künstler gefunden; von Anbeginn hat Isaac Dunbar stattdessen fast ausschließlich Eigenkompositionen vorgestellt, die von einer persönlichen Reife und künstlerischen Klasse zeugen, die für sein Alter höchst ungewöhnlich ist.

Dabei, so sagte er in einem Interview mit BHSinsight, fühlte es sich für ihn so an, als sei es nun wirklich an der Zeit, mit seiner Musik zu reüssieren: Immerhin schrieb er seinen ersten Song bereits im Alter von neun, parallel begann er damit, sich zu einem Crack in der Handhabung des Musikprogramms Logic Pro X auszubilden. Als er sich sodann Ende 2018 dazu entschloss, mit seinen Kompositionen an die Öffentlichkeit zu gehen, blickte er aus seiner Sicht bereits auf mehr als sechs Jahre kontinuierliche Arbeit als Songwriter, Sänger und Produzent.

Den endgültigen Anschub, sich mit seinen oft sehr persönlichen Songs hinaus in die Welt zu trauen, erhielt er durch den überwältigenden Erfolg von Billie Eilish: „Sie war ebenfalls 15 Jahre alt, als ihre internationale Karriere abhob. Da dachte ich mir: Das kann ich auch.“ Und tatsächlich: Er kann es. Die acht Songs von „balloons don’t float here“ zeugen von einer seltenen künstlerischen Vielseitigkeit sowie von einem für einen so jungen Künstler beachtlichen Mut, seinen ganz eigenen Weg zu gehen. Bestes Beispiel ist etwa die Single „mime“: Wohl kein zweiter Teenager käme auf die verrückte Idee, eine seiner ersten Singles im 3/4-Walzertakt anzulegen und als ein markantes Instrument ausgerechnet ein Akkordeon einzusetzen. Doch gerade diese Unverwechselbarkeit macht Isaac Dunbar zu einem der größten Nachwuchstalente, das man in den letzten Jahren erlebt hat.

Photocredit: ICM

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Alice in Chains Sänger auf Solo-Tour

Genre: Alternative Rock / Hard Rock / Metal

Normalerweise ist William DuVall als Gitarrist und Sänger von Alice in Chains bekannt, nun aber kommt er mit seinem Solodebüt „One Alone“ für drei intime Clubshows nach Deutschland. Am 07.04. im Club Volta, Köln, am 19.04. im Privatclub, Berlin sowie am 20.04. im Nochtspeicher, Hamburg wird der US-Amerikaner sein Publikum mit der Akustikgitarre und seiner markanten Stimme begeistern.

William DuVall blickt auf eine ereignisreiche Karriere zurück. Bereits in den frühen 80er Jahren spielt der gebürtiger Washingtoner in verschiedenen Hardcore-Bands. Während seiner Zeit in Atlanta gründet er 1983 Neon Christ, trägt Texte und Gitarren zu den Alben bei. Wenig später zieht es ihn nach Los Angeles, er wird für kurze Zeit Teil der legendären kalifornischen Gruppe Bl’ast und gründet ´87 The Final Offering. Ende der Achtziger Jahre erwirbt er einen Abschluss in Philosophie an der Georgia State University, zehn Jahre später geht er mit Comes With The Fall auf Tour und bringt deren Alben und EPs auf seinem eigenen Label DVL Recordings auf den Markt.

Obwohl DuVall nie der ganz große kommerzielle Durchbruch gelingt, erspielt er sich mit seinem eigenen Sound die Gunst seiner Fans und Kollegen. 2006 geht es für ihn in einen neuen Lebensabschnitt. Es braucht nur eine einzige Probe, in der William den Song „Love, Hate, Love“ singt und Alice in Chains sind überzeugt. Seitdem ist er gemeinsam mit Jerry Cantrell sowohl im Studio als auch auf der Bühne verantwortlich für Gesang und Gitarren. Die Band geht auf ausgedehnte Tourneen, veröffentlichen gemeinsam drei Alben.

Bei all dem Erfolg, den es mit Alice in Chains zu feiern gibt, fehlte DuVall bis jetzt in seiner Vita eigentlich nur noch eine Sache – eine Soloplatte. Diesen langersehnten Traum hat er sich nun erfüllt. Auf seinem Solodebüt „One Alone“ zeigt sich William DuVall von einer ganz anderen Seite. All die harten Riffs und Rhythmen sind weg. Was übrig bleibt ist Gesang, eine Akustikgitarre und elf fantastische Songs über das Leben. Vorgetragen von einer Stimme, die berührt.

Passend dazu geht William DuVall im Frühjahr 2020 auf Tour. Zwischen dem 7. und 20. April wird er in Köln, Berlin und Hamburg diese intimen Momente erstmals mit seinem Publikum teilen.

Genre: Alternative / Progressive-Rock / Rock

In Folge der andauernden Corona-Pandemie, müssen die für Oktober 2020 geplanten Auftritte der Psychedelic-Rock Band Mother’s Cake verschoben werden.

Im neuen Tour-Zeitraum, der für März/April 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Deutschland-Konzerte wie folgt nachgeholt werden: am 22. März 2021 in München im Strom, am 23. März 2021 in Frankfurt im Nachtleben, am 24. März 2021 in Köln im Blue Shell, am 27. März 2021in Hamburg im headCRASH, am 28. März 2021 in Berlin im Privatclub (verlegt vom Cassiopeia), am 29. März 2021 in Dresden im Beatpol, am 31. März 2021 in Bochum im Rockpalast und am 1. April 2021 in Stuttgart im Universum.

Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit.

Es gibt für die deutschen Fans eine weitere gute Nachricht, denn die Österreicher erweitern ihre Deutschland-Tournee 2021 um eine Zusatzshow am 25. März 2021 in Hannover (Lux). Tickets sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Infos weiter unten im Text.)

Das international phänomenale Psych-Rock-Trio Mother’s Cake gibt sich auch auf ihrem fünften Album passend: sky high, far out und trotzdem erdig. Über ein Jahr vorbereitet, an mehreren 72-Stunden-Sessions inkl. Schlafentzug produziert, konzentrieren sich Mother’s Cake in den zwölf neuen Tracks von „CYBERFUNK!“ auf das Wesentliche: sie bündeln ihre roughe Live-Energie zu einem dynamisch dichten und immer wieder überraschenden Album, das nach Vintage-Wahnsinn klingt und voll in den Moment passt. „CYBERFUNK“ erscheint am 18. September 2020. (Label/Vertrieb: Membran/Membran)

Genre: Alternative, Indie

Palace Winter melden sich nach über zwei Jahren mit neuer Musik und Tournee zurück. Die Band um den australischen Songwriter Carl Coleman und den dänischen Songwriter und Produzenten Caspar Hesselager wird am 23. Oktober 2020 ihr drittes Album ›…Keep Dreaming, Buddy‹ via Tambourhinoceros veröffentlichen.

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Genre: Pop

«Spirit»: So heisst das neue Album von Patric Scott, das im Herbst 2019 erschienen ist und gleich auf Platz 12 der Schweizer Albumcharts einstieg.

Vom ersten bis zum letzten Ton zelebriert Patric Scott nun auf seinem neuen Album «Spirit» seine Liebe zu grossen Gesten – und den Geist des Soul. Scott illustriert die musikalische Vielfalt dieses allzu oft allzu leichtfertig verwendeten Stil-Begriffs mit unglaublicher Leidenschaft und eben auch ganz viel Seele. Es sind Songs wie «I´ve My Love To Keep Me Warm» mit seinem unüberhörbar jazzigen Einschlag, «Catching Snowfakes» in bester Songwirter-Tradition, «Golden» mit seinem Hauch eisiger Coolness oder die energetische Tanznummer « A Million Dreams» geschrieben mit Rose Ann Dimalanta, die den Rahmen abstecken. Patric Scott lotet auf «Spirit», getrieben von enormer Spielfreude, den ganzen Facettenreichtum des Soul aus. Er traut sich, zu experimentieren – ohne aber je Gefahr zu laufen, sich an diesem womöglich grossartigsten aller musikalischen Genres zu vergreifen. Zu gross ist sein Respekt vor den Grössen der Branche. Grössen übrigens, mit denen Patric Scott absolut auf Augenhöhe mithalten kann, wie die A-Capella-Nummer «All Around The Globe» eindrücklich demonstriert, die er zusammen mit den New Yorker Branchen-Superstars Naturally 7 eingesungen hat.

Mit Songs wie «Every Little Thing», «Redemption» oder dem federleichten ««Giving You Back»» lässt Patric Scott die Leichtigkeit von Pop, die Melancholie von Balladen und die Power moderner urbaner Beats zu einem neuen Ganzen zusammenfliessen. Eine Zeit der Liebe und des Friedens, die dieses Jahr musikalisch umrahmt wird von zwei Dingen: Patric Scotts enorm ausdrucksstarker und charakteristischer Stimme, und der Leidenschaft, dem sprichwörtlichen Spirit, mit welchem er seine Songs interpretiert. So bleibt der Soul als Überbegriff, der Patric Scott und seinem neuen Album «Spirit» am ehesten gerecht wird – und den das Multitalent mit viel Liebe und Leidenschaft in seiner ganzen Tiefe und Weite nur zu gerne auslotet mit seinem musikalischen Schaffen.

Patric Scott hat sich während fast 20 Jahren an renommierten Instituten in Österreich, Deutschland und den USA in Cellospiel, Piano, Gesang und Schauspiel ausbilden lassen. Während früher auf grosse Musical-Bühnen mit seiner Präsenz begeisterte und beispielsweise mit Roman Polanski arbeiten durfte, schuftete er hinter den Kulissen mit viel Fleiss an seiner Karriere als Soulpop-Musiker. Augenfällig war über all die Jahre Patric Scotts unvergleichliches Gespür für grosse Stimmen. So hat er zuletzt Rose Ann Dimalanta gearbeitet, die unter anderem mit der New Power Generation von Prince grosse Erfolge feierte, oder eben für sein aktuelles Album mit Naturally 7. Davor waren es Grössen wie Marcus Scott von Tower of Power, Juliette Schoppmann oder Shoshana Bean.

Genre: Singer-Songwriter

Native Young is Yannick Meyer along with a rotating collection of African talent that he uses to perform his uplifting ‚Kasi pop‘ soundtrack to youth and beauty.

Describing the live show as a “constantly evolving tapestry of culture, emotion and melody” – Yannick and his band are blurring lines and breaking cultural barriers through his own distinct brand of alt pop. In 2015 the project attracted the interest of UK indie label PIAS, who helped this independent artist gain support from BBC radio and Triple J in Australia. 2016 saw the live band performing at prestigious international festivals like Lake of Stars in Malawi, Les Escales in France and an opening slot at Fusion festival Germany. A year later Native Young’s debut LP ‚Kings‘ won a SAMA (South African Music Award) for Best Alternative Album. Music is that ephemeral expression that seems to connect us all and It’s this sentiment that boldly shines in the raw and colourful tale of Native Young.

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Genre: Alternative Rock

Stockholm, Sweden’s best kept secret Normandie have today released the stunning single/video ‚Jericho‘ (via Easy Life)- the band’s first new music in 2 years since the ‚White Flag‘ album which celebrates over 24 Million Global streams to date. We all have our secrets. Whether we’re ready to face them or not, each and every one of us has something buried deep down inside that we desperately keep hidden away from the prying, judging eyes of the rest of the world. But sometimes those secrets become so powerful that they can no longer stay buried, festering and gnawing at our souls so much that they can stop us from living life to the fullest. He didn’t realise it until recently, but singer Philip Strand was harbouring one such secret for the longest time.

Not anymore. Now, the Normandie singer is ready to open up and share his true story for the first time, and the band’s propulsive, incendiary new single ‚Jericho‘ represents the first chapter in that tale. “When we first wrote Jericho I was actually singing about something else,” he begins. “It was originally about a relationship where the other person was very cold hearted and they didn’t really give away any emotions but it became increasingly clear that something else was driving the song.“

“Writing became like a therapy session for me, all of a sudden,” he explains, “I felt like there was something deeper I wanted to touch on. I wanted to touch base and just really go into this emotion. Something was driving me down there, into myself. So I made a conscious decision to write about my personal experiences for the first time. I felt like it was time. I went back and I switched some words around so that the entire meaning of the song shifted. It’s became about breaking down the old to give way and form something completely new…”

Genre: Indie / Psychedelic Pop

Lemonwood sind Paul Piesker (Bass), Salomon Bosse (Schlagzeug) und Justus Maaz (Gesang, Gitarre, Keyboards), sowie live Alexander Schulz (Gitarre), allesamt geboren und lebend in Berlin. Die Musik beschreiben sie selbst schlicht als Psychedelic Pop, es lassen sich aber Bezüge zu Shoegaze, Neo Psychedlic, Krautrock, Madchester, Americana und 60s Rock‘n‘Roll ausmachen. Die Songs sind melodiös und eingängig, dabei oft mit Überlänge und mantrahaft in viel Hall und Echo getaucht. Der Songwriter und Produzent Justus verarbeitet Themen wie Sehnsucht, Verlust, Suche und Hoffnung, aber auch philosophische Ideen und spirituelle Wahrnehmung. Während live eine Wall of Sound vor allem durch konventionelle Rockinstrumente errichtet wird, wurdefür das Album „Home“ auch mit Produktionstechniken, orchestralen Flächen und Loops experimentiert und damit versucht, ein cinematisches und „psychoaktives“ Gesamtwerk zuschaffen. Ihr Debutalbum „HOME“ erscheint am 25. September 2020.

Photocredit: Alexander Wurm

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Genre: Indie / Rock

Ihr neues Album „Little Did They Know“ präsentiert die 4-köpfige Live-Band live auf Tour.

Zwei Musiker treffen sich in einer Bar. Open-Mic-Session, ein paar Bier. Tom trifft Evan Beltran, der als „The Strangest“ von sich reden macht. „Gleiche Wellenlänge“ beschreibt nur annähernd, was dann passiert, die beiden sind musikalisch ein perfect match. Ihre kulturgeschichtlichen Idole sind die gleichen, sie haben die gleichen Ambitionen. Der mexikanische Gitarrist und der britisch-deutsche Songwriter entscheiden an Ort und Stelle, dass sie ab sofort als „TOM ALLAN & THE STRANGEST“ weiter machen. Tom hat die Songs, Evan die Licks, die Attitüde, den rauen Gitarren-Sound. Sie sind einfach zwei Typen gegen den Rest der Welt, Freunde mehr als Kollegen, in Leder gekleidet, mit Gitarren, großartigen Songs und einer Tugend bewaffnet, die in der heutigen Rock-Musik schmerzlich vermisst wird: Ehrlichkeit.

Nach ihrem Debütalbum „Dear Boy“ ist „Little Did They Know“ nun ihre nächste Evolutionsstufe. Erstmals gemeinsam geschrieben und live auf analogem Tape in den Clouds Hill Studios aufgenommen, jenem künstlerischem Refugium also, in dem auch Pete Doherty ein- und ausgeht, ging es Tom und Evan nicht um Perfektionismus, makellose Musikalität oder einen möglichst klaren Sound. Stattdessen haben sie ein Album aufgenommen, dessen Live-Sound dich von den Füßen holt, deine Ohren klingeln und deinen Körper kribbeln lässt. „Diese Musik ist dafür gemacht, live gespielt zu werden“, sagt Tom mit absoluter Gewissheit. Evan sieht es natürlich genauso: „Die Energie einer Live-Show bestimmt diese Musik. Es wird nicht besser als auf einer Bühne.“

Photocredit: Holly Whitaker

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Genre: Indie

Happyness aus London kommen nach ihrem beeindruckenden Auftritt beim Reeperbahn Festival 2019 nun endlich nach dem Corona bedingt abgesagten Konzert im Oktober 2020 im April 2021 nach Berlin zurück.

Happyness sind immer im Wandel. Die Band rund um Gründungsmitglieder Jonny Allan und Ash Kenazi hat seit ihren Anfängen im Jahr 2013 nicht nur mehrere LPs veröffentlicht, sondern ihrer Kreativität auch in anderen Projekten, etwa Ash Kenazi’s legendäre Drag-Veranstaltungen in Südlondon, Ausdruck verliehen. In ihrer Musik bringen sie diese Einflüsse zusammen und heraus kommt ihre eigene Interpretation von lo-fi alt-rock mit Anleihen an Yo La Tengo und Grandaddy und einer tollen Live-Energie – Elliot Smith meets Pavement in Drag. Nach „Weird Little Birthday“ und „Write In“ kommt am 1. Mai 2020 die dritte LP „Floatr“ auf Moshi Moshi / PIAS raus.

Photo credit: Daniel Harris

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Genre: Alternative / Reggae

Wenn sich eine Band direkt nach einem Festivalbesuch gründet, ist es fast logisch, dass Ihr Sound auf die großen Bühnen abzielt.

Die vier Mitglieder von Will And The People trafen sich 2010 auf dem legendären Glastonbury Festival und legten kurz darauf richtig los: Ihren eklektischen Sound, der irgendwo zwischen Reggae, Ska, Rock, Folk und Punk angesiedelt ist, schliffen sie auf unzähligen Konzerten so lange rund, bis er sichergestellt war, dass jede und jeder im Publikum komplett abgeholt wurden. So wurden ihre Shows schon bald zu inklusiven Happenings, bei denen wirklich alle mit offenen Armen empfangen wurden.

Noch im ersten Jahr ihres Bestehens veröffentlichte das Quartett die ersten Singles, bevor 2012 ihr selbstbetiteltes Debütalbum folgte. Nachdem Will and the People damit besonders in den Niederlanden großen Erfolg hatten, tourte die Band unablässig durch das Vereinigte Königreich, Europa und Australien, spielte große Festivals wie Lowlands und Pinkpop. Mit ›Friends‹ (2013) und ›Whistleblower‹ (2014) legten sie neben einem Dutzend Singles zwei weitere Alben nach.

Ihre 2019 veröffentlichte 13. Single ›Gigantic‹ liefert einen Vorgeschmack auf das vierte Album, das 2020 erscheinen soll.

Genre: Indie

Mit ihrer neuen Single „La Hata Vitoye“ schlagen The Bland aus Schweden ein neues spannendes Kapitel auf. Sie kreieren einen Sound, der in seiner Verspieltheit und Neuartigkeit überrascht. In der fiktiven Welt von „La Hata Vitoye“ trifft ihr bewährter Indie-Pop auf Latin-Vibes und strotzt vor tanzbarer Energie.

Axel Öberg, Sänger und Songwriter der Band sagt: „Als wir im Februar auf Deutschlandtour waren, hörten wir von den ersten Corona-Fällen. In den kommenden Monaten beobachtete ich als praktizierender Arzt, wie die soziale Isolation den Menschen schadet. Mit „La Hata Vitoye“ wollen wir den Versuch unternehmen, das Leben wieder anders zu betrachten. Wir wollen zusammenrücken und ein positives Lebensgefühl teilen.“ The Bland erfinden mit „La Hata Vitoye“ eine Geschichte, die im 13. Jahrhundert beginnt. Sie kreieren Figuren und schreiben Geschichten über sie. Alles beginnt in einer kleinen Bar an der Küste – ein Ort, an dem reisende Entertainer nach langen Touren Zuflucht suchen. Ein Juwel, von dem jeder Geschichten erzählt – Geschichten, die zu gut klingen, um im echten Leben zu existieren.

„La Hata Vitoye“ hat seine eigene Kultur. Jeder Charakter, den es in die Stadt zieht, bringt etwas Neues mit und sowie die Welt davon erfährt, entwickeln sich historische Ereignisse.
Auch die eigene Bandgeschichte begann ähnlich romantisch.

Die beiden Songwriter Axel Öberg und Anton Torstensson trafen sich als Teenager auf Reisen in Neuseeland. Nachdem sie sich musikalisch ineinander verliebt hatten, beschlossen die Freunde, gemeinsam die Straßen und Clubs der Welt zu bereisen. Über die Jahre sind zahlreiche Songs entstanden, die in ihrem Studio „Röda Paradise“, einer roten Holzhütte im Süden Stockholms, aufgenommen wurden. Die fünfköpfige Band spielte jüngst ihre größte Tournee mit Konzerten in ganz Europa und wurde zu wegweisenden Showcases wie dem Reeperbahnfestival in Hamburg eingeladen. Ihre wilden Live-Shows, bei denen sie Abend für Abend ein hingerissenes Publikum hinterlassen, werden auch von den Medien hochgelobt.

Genre: Pop, Singer-Songwriter

Nach seiner erfolgreichen Europatournee in 2020 in dessen Rahmen Christopher fünfmal in Deutschland auftrat, kündigt der begnadete Sänger nun eine exklusive Deutschlandtournee für April nächsten Jahres an. Erst kürzlich veröffentlichte der Däne seine neue Single „Leap Of Faith”. Der Song handelt von all den Entscheidungen, die wir im Leben treffen müssen, und wie wir am Ende mit ihnen umgehen. Es ist Christophers zweite Single in diesem Jahr und folgt auf „Ghost“, die im Januar erschien und sich für mehrere Wochen auf #1 der dänischen Airplay Charts hielt. Auch hierzulande stellte der Künstler seine neue Single bereits vor. Er war u.a. im ZDR Morgenmagazin zu Gast, wo er eine akustische Version des Songs präsentierte. Zudem stellte er sich auf YouTube den Fitness-Challenges von Pamela Reif, mit der er verschiedene Workouts passend zu seinen Songs durchführte.

Christopher über „Leap of Faith“: „Leap Of Faith“ ist ein Song, den ich schreiben musste. Es ist der Song, in dem ich mich hauptsächlich dazu ermutige, Risiken einzugehen und Veränderungen in meinem Leben herbeizuführen. Es ist der ultimative Fortschrittssong und ein Song über all die Entscheidungen, die du in deinem Leben treffen musst und die große Verantwortung, die sich in dich hineinschleicht, je älter du wirst.

Eins ist klar, auf seiner Deutschlandtour im nächsten Jahr wird Christopher einige neue Songs im Gepäck haben, die er mit seiner Band live präsentieren wird. Tickets gibt es ab sofort.

Genre: Folk / Pop / Indie

Zwischen dunklem Folk, Pop, Chanson und einer ganz wunderbaren Poesie bewegt sich das Duo von Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri. Mit Akkordeon, Gitarren und anderen zauberhaften Instrumenten sowie zwei außerordentlichen Stimmen, bringen Poems for Laila die ganze Breite menschlicher Abgründe auf die Bühne. Bodenlose Traurigkeit, blanker Zynismus, höchste Freude, emotionale Wagnisse, Experimente und immer mit dieser hoffnungsvollen Melancholie. Wenn Poems for Laila die Bühne betreten, erinnern sie an andere große Paare wie Hazlewood & Sinatra oder Gainsbourgh & Birkin.

Mit genau der gleichen Gelassenheit und Tiefe ziehen sie die Zuhörer in ihren Bann.

DARK TIMBER Das neue Album von Poems for Laila wurde in einer Jurte im Havelland aufgenommen. In absoluter Abgeschiedenheit, in einem Wald mit wirklich schwarzen Nächten, umgeben von Zeltwänden aus Holz, Filz und Wolle entstanden 12 mystische Songperlen mit größter Intensität und ungreifbarer, dunkler Atmosphäre und dennoch spürbarem Lebensgefühl.

DARK TIMBER ist neu. Auch, weil hier erstmals beide, Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri, Songs geschrieben haben. Ein gelungenes Gemeinschaftswerk.

Photo: Sandrine And Michael

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Genre: Pop

Dagny kam buchstäblich aus dem Nichts und überwältigte die – insbesondere virtuelle – Welt mit ihrer Debüt-Single „Backbeat“ nahezu über Nacht. Nachdem der renommierte BBC-DJ Zane Lowe ihre Single in seiner „Beats 1“-Show vorgestellt hatte, sammelte Dagny innerhalb weniger Wochen mehr als neun Millionen Spotify-Plays ein, mittlerweile sind es rund 42 Millionen. Im Anschluss kultivierte die 30-jährige Norwegerin im Rahmen zahlloser Kooperationen ihre Erfahrung und Identität als Künstlerin, bevor sie im September 2016 mit ihrer Debüt-EP „Ultraviolet“ weithin begeisterte. Nun, vier Jahre und zahllose Kollaborationen später, erscheint mit „Strangers/Lovers“ endlich ihr lang erwartetes Debütalbum, digital in zwei Teilen: Die A-Seite ist seit Ende Mai erhältlich, die B-Seite folgt am 02. Oktober. Im kommenden Jahr geht Dagny mit ihrer Band auf Tournee und wird zwischen dem 17. und 22. April auch drei Deutschland-Shows in München, Berlin und Hamburg spielen.

Dagny Norvoll Sandvik hatte bei genauerer Betrachtung geradezu perfekte Startbedingungen, um zu dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin zu werden, die man nun in ihr findet. Da ist zum einen ihre Herkunft, das kleine Städtchen Tromsø im Norden Norwegens: Abseits von allen großen Szenen konnte dort ihr ganz individueller Ansatz an Songwriting und Gesang reifen. Zum anderen konnte sie dabei auf intensive familiäre Unterstützung und Hilfe bauen, da ihre Eltern beide ebenfalls Profimusiker sind. So entwickelte sie einen ganz eigenen Stil: euphorisch und fröhlich, aber dennoch tiefgründig und insbesondere in der gesamten Klangästhetik innovativ. So sprechen Eingeweihte der norwegischen Musikszene bereits seit 2012 davon, dass sich in Dagny ein kommender Star des handgemachten Female-Pop findet; erst recht, nachdem die junge Künstlerin auf Konzerten im Vorprogramm von Stars wie Elton John und Bryan Adams auftrat.

Über die nationalen Grenzen hinaus verbreiterte sich die Wahrnehmung ihres ebenso überraschenden wie eingängigen Sounds aber erst nach ihrem Umzug nach London, wo sich ihre Musik noch einmal grundlegend veränderte: Weg von der reinen Folk-Musik und hin zu postmodernen Pop-Entwürfen und elektrischer Band-Verstärkung. Erreicht hatte sie diese Transformation durch verschiedene Kooperationen mit Londoner Musikern und Produzenten. Bei einer Solchen mit Sam McCarthy entstand aus einer Jamsession heraus dann der Song, der sie unmittelbar in den sozialen Netzwerken bekannt machte: „Backbeat“. Ein Lied, das den unheimlich seltenen Spagat schafft, leicht und fröhlich und gleichzeitig enorm nachhaltig und wertvoll zu sein. Seither landeten zahlreiche Songs von ihr in den norwegischen Singlecharts und konnten über 30 Millionen Spotify-Plays erreichen, darunter „Love You Like That“ oder „Somebody“ aus ihrem ersten Album „Strangers/Lovers“.

Parallel ging Dagny viele Kollaborationen ein, darunter mit Steve Aoki, Børns, Kohib, The Wombats oder dem EDM-Duo Seeb, deren Single „Drink About“ bis auf Platz 2 der norwegischen Charts stieg und aktuell bei über 105 Millionen Spotify-Plays steht. Auch für ihr in Los Angeles und London aufgenommenes Debüt-Album nahm sie wieder zahlreiche Angebote zu Zusammenarbeiten an, um ihren Sound weiterzuentwickeln. Unter den Kollaborateuren, mit denen sie arbeitete, finden sich namhafte Songwriter und Produzenten wie Tommy English (Børns, Tigertown, Ladyhawke), Dave Bassett (Elle King, Fitz and the Tantrums), Mattman & Robin (Tove Lo, Ellie Goulding, Taylor Swift) und Justin Tranter (Selena Gomez, Justin Bieber). Entsprechend vielseitig und teils überraschend fallen die Songs auf „Strangers/Lovers“ aus, die jedoch von einer bedeutenden Klammer zusammengehalten werden: Dagnys überragender Stimme, von deren Präsenz und Eindrücklichkeit man automatisch in den Bann gezogen wird. Davon kann man sich im Rahmen ihrer drei Live-Shows im April 2021 in München, Berlin und Hamburg ein weiteres Mal überzeugen.

Genre: Pop

Seit seinen frühen Jugendtagen ist FELIX RÄUBER von allen Formen des Musik-Machens und der damit verbundenen Möglichkeit, Gefühlen ihren freien Lauf zu lassen, besessen. Mit 13 Jahren gründete er im Keller des Elternhauses seine erste Band – der spätere No1 Hit-Indie Pop-Stern „Polarkreis 18“. Das erste Studioalbum (2007) führte die Band mit Frontmann Räuber durch ganz Europa, direkt hinein ins internationale Showbusiness mit 150 Konzerten im Jahr. Gold- und Platin-Awards sowie eine Echo-Nominierung folgten und die Single „Allein, Allein“ wurde zu einem der erfolgreichsten deutschsprachigen Songs aller Zeiten und avancierte zum Welthit.

Mit „AUTSIDER“ (eine begriffliche Verschmelzung von Autismus & Outsider) vervollständigt er im Frühjahr 2021 die EP-Trilogie, bei dem er sich mit einem neuen thematischen Feld auseinandersetzt, in dem Stigmata behandelt werden, die Menschen in unserer Gesellschaft als Außenseiter platziert. Ausgehend von seiner eigenen Biographie, seiner Kindheit in der DDR und der Musik als Fluchtmöglichkeit, erzählt Felix die Geschichte eines Autisten stellvertretend für den „Außenseiter“. Nach dem Titeltrack „Autsider“ folgen mit Songs wie „Empty Space“ weitere Randfiguren und Randthemen, in denen Felix einen Alkoholiker & einen Immigranten beschreibt und so ein vielfältiges Bild von Details zeichnet, die außerhalb des Zentrums unserer täglichen Beobachtung liegen.

Aufbauend auf seine mit über 3 Millionen Streams aktuellen Wiederveröffentlichung seines Hit-Klassikers „Allein Allein“, sowie der jüngsten Platzierung des Titels „Après Minuit (feat. Schlindwein)“ in der Emmy-nominierten ABC- & Netflix-Serie „How to get away with murder“, setzt er auf „AUTSIDER“ verstärkt auf gesellschaftspolitische Themen und kombiniert sie wie gewohnt mit seinem eigenen Stil des „Cinematic Pop“, mit einer Mischung aus Neoklassik, Elektronik und Pop sowie epischen Musikvideos. Von Felix selbst produziert und einer Vielzahl an Gastmusikern und Instrumentalisten angereichert, schließt er damit die 3 teilige Solo-EP Serie ab, die allesamt die Suche nach der eigenen Identität verbindet.

Genre: Folk / Indie

Bands share a whole lot more than just music. They encounter and endure life’s ups, downs, and everything in between as a collective. Along the way, band members grow individually and collectively. Following a year highlighted by 150-plus shows, ​Wild Rivers transpose personal experiences into relatable anthems woven from strands of folk, indie, rock, pop, country, and beyond. Their 2020 EP, ​Songs To Break Up To [Nettwerk], brings Wild Rivers—​Khalid Yassein [guitar, vocals, keys],​Devan Glover [vocals, bass],​Andrew Oliver [lead guitar, bass], and​Julien La​ferrière [​drums]—​closer as it also draws listeners in.
“The EP was very personal for me specifically, but building it out with the band was a big step for all of us as friends,” says Khalid. “I spend 95% of my time with my bandmates. We’re a family, so we go through everything together. It’s autobiographical, but the group saw the vision and were empathetic. It went from a singular experience to everyone serving the vision tonally and musically.”

Since the release of their self-titled 2016 debut, Wild Rivers consistently progressed towards this point. As of 2019, their total streams surpassed 100 million and counting. 2018’s Eighty-Eight EP garnered acclaim courtesy of ​Rolling Stone Country ​ , ​PopMatters ​ , ​Earmilk ​ , ​No Depression ​ , and more. Additionally, the band packed shows across North America and beyond, touring alongside The Paper Kites, Donavan Woods, and Jake Bugg, to name a few.

In the midst of a 2018 road marathon, Khalid faced the dissolution of a long-term relationship, so he poured his heartbreak into the music.

“When we began writing, the songs that spoke to us all were centered around the breakup,” he says. “We decided to lean into the theme and make the EP an exploration of the topic, what the different sides of a breakup are, and what the feelings are. These include the good and the bad, the acceptance and the sadness, and the new freedom. We wanted to write a collection of songs covering the spectrum of what you feel going through the end of a relationship.”

In order to do so, the group retreated to Nashville, TN in October 2019, working out of Creative Workshop with producer Skylar Wilson (Rayland Baxter; Justin Townes Earle; Joshua Hedley). In the studio, they expanded their sonic palette by further incorporating synths, guitar effects, gang vocals, and choral harmonies.

“In the past, we’ve mainly recorded in Toronto,” says Devan. “We could just hop into the studio whenever. In Nashville, we only had a limited amount of time, so we got locked in and focused on the end goal as a team. We were all staying together, so we were living and breathing the EP the whole time—which was awesome.”

“Our philosophy was to take risks and do something different,” Khalid elaborates. “The whole ethos really helped in making decisions and guiding what we did. If we felt unsure, different, or vulnerable, we always chased that feeling.”

By chasing it, Wild Rivers uncovered five undeniable tunes led by the first single “Thinking ‘Bout Love.” Clean guitar and a steady beat reverberate amidst a heartfelt vocal volley between Khalid and Devan. Wistful recollections of an old flame give way to gospel-style harmonies as Devan soulfully sings, ​“I’m just thinking ‘bout love ​ .​”
“When you’re talking about breaking up or after it’s over, one person will think practically like, ‘We shouldn’t be together on paper. These are all of the reasons this relationship doesn’t make sense’ ​ ,” Khalid goes on. “It’s the rational side of deciding whether or not you want the relationship. Then, there’s my side, which is romantic and naïve. I think,​‘Nothing matters, if we have love and our relationship is good ​ .​’ That’s the only future I’m thinking about. One partner thinks about the logistical hurdles; the other thinks about love. It’s the hopeless romantic versus the cold rational adult.”

On the follow-up “Kinda Feels Alright,” soft strumming and delicate percussion offset candid admissions from Khalid such as, ​“Last year baby, I was checking in. Now, I’m crashing.”
“One night, I went out on the town with my friend, got drunk, had a bunch of laughs, totally relaxed, and just experienced this amazing feeling,” he recalls. “I wasn’t sad about anything. I stopped thinking about the split. When I was walking home, something made me think of my ex, and all of these feelings came back. It turned on a dime. I realized I couldn’t focus on it anymore. I needed to get closure and get back to my life.”

Elsewhere on the EP, drum machines anchor the poignantly playful “Small Talk” as a piano that once belonged to Ray Charles rings out on the bold ballad “Do or Die.” Now, as the band bring Songs To Break Up To on the road, they’ll contribute $1 from every ticket sold to Voices of Our City Choir—a San Diego-based charity working to amend the housing crisis.
By opening up on ​Songs To Break Up To ​ , Wild Rivers ultimately connect like never before.
“We want to validate people’s feelings,” Khalid leaves off. “It’s okay to be sad; it’s okay to be happy. There’s no right way to handle something like heartache, but you can talk about it with your friends. We try to show that.”

“In this collection, there’s something for everybody,” Devan concludes. “The songs span different genres and vibes. We hope there’s something that can connect with you in terms of the music and the message.”

Genre: Folk

“It’s not Americana or alt anything, it’s really just soulful folk music,” Ben Harper says of Best of Luck, the new album by Christopher Paul Stelling, which he produced.

Harper and Stelling met a few years back when the Grammy award winning musician- producer invited Stelling to open a series of shows. “Ben gave me a true gift back then,” Stelling says. “I’d been on the road for a long time and he put me onstage in front of his fans. He took me to the Beacon, The Ryman, Massey Hall, all these legendary rooms. Just to see that what I could do would even translate in spaces like that was revelatory.”

Harper says he instantly recognized a kindred spirit in Stelling’s virtuosic finger picking and soulful delivery. “It was like finding a John Fahey or Leo Kottke that was a really great singer,” he explains.

The recording of Best Of Luck culminated on a rainy night in Los Angeles, but the whole thing really began back in North Carolina. Stelling calls Asheville home, though he has been in a state of near constant motion for years. Leaving Florida while young to roam and perfect his craft, he made stops in Colorado, Boston, Seattle, New York and even- tually North Carolina – all interspersed with relentless touring – hundreds of perfor- mances a year, in bars, coffee houses, nightclubs and theaters.

“The lifestyle of constant touring was gaining on me,” Stelling says. “And then I was back home, and in the abrupt silence, there was a clarity. The fumes of hubris I had been running on for years were all but gone and my relationship with my environment and myself had turned toxic. I was scared but resolved to persevere. On Christmas Day, after a few false starts, I gave up drinking and decided to take a look at myself.”

And then, as if following some greater cosmic narrative, an email arrived that New Year’s Day. It was Harper asking if he would be interested in making a record in Los An- geles. “I had never worked with a producer before,” Stelling says. “I had always con- trolled everything; it was how I had survived. But I needed a mentor and a friend; I was too far from shore.“

Stelling accepted an artist’s residency at the Stetson Kennedy House outside of Jack- sonville Florida to prepare. Kennedy had been a folklorist and comrade of Woody Guth- rie and Zora Neale Hurston. Woody stayed there for extended periods as well. “I moved into this little house in a North Florida swamp just an hour from where I was born and raised,” Stelling says. “And I proceeded to freak out. It was the first time I’d just sat still for years. Mostly, I took inventory of myself. But I left feeling like I’d found a thread. After that, I would send Ben demos. He would respond with encouragement and tell me to keep digging, so I’d keep digging. Looking back, the whole process was the medicine I needed.”

Best Of Luck is a supremely accessible and finely crafted record that deftly merges gen- res. Harper, who has previously produced records by Mavis Staples, Rickie Lee Jones, The Blind Boys of Alabama and others, recruited an all-star rhythm section with Jimmy Paxson (Stevie Nicks, Dixie Chicks) on drums and upright bass player Mike Valerio (Randy Newman, LA Philharmonic) to lend a versatility and finesse. “I really believe this record is the intersection where folk and soul meet,” Harper says.

The album’s title, Best Of Luck, mirrored perfectly the emotional landscape in which it was created. “Depending on how you say it, it can either be a blessing or a dismissal,” Stelling says. “And that was exactly the point I was coming to with myself, my career as an artist, as a friend and as a person.”

The first track, “Have To Do For Now” is a haunting evocation of a moment between an unexamined past and an uncertain future. The guitar refrain evokes a beautiful sense of wistfulness about the past. “It’s a song about the fear of losing memories and the relief of letting them go,” Stelling explains. “It was written in one sitting. A flood of memories moving back to when I was very young and I fell from a tree house and split my head open. I’d never really processed that trauma but it’s one of my earliest and most visceral memories. I can’t help but wonder how that day and others like it have influenced my life.”

The sonic simplicity of “Lucky Stars” reveals a richness of melody and emotionality. “It’s part love song, part lullaby,” Stelling says of the track, “with a gentle touch from the band and Ben’s haunting lap steel matching my guitar in the instrumental section, addi- tional vocals by my partner. It’s about gratitude and the mysteries of the universe. Even to just be here and marvel at it all is enough for me most times. Even if it’s meaningless, it’s beautiful.”

Throughout the record, discontent and self-doubt are transformed into messages of re- silience and hope. “Trouble Don’t Follow Me” captures this perfectly, with an upbeat al- most anthemic rhythm and soulful, gospel-tinged vocals. “It comes as no surprise to me that one of my most optimistic songs could be written in the most difficult hour,” Stelling says. “When all I needed was a little hope and a song I could play night after night and not get tired of. Something that captured the basic recipe for endurance. A song about marching on, a warning to anything that might stand in your way, and needing to feel strong for the people around you, so you can inspire them to do the same.”

There is an uninhibited defiance to “Until I Die,” a revved up folk-blues featuring a beau- tifully raw guitar and beat. “This song is a kaleidoscope in the hall of mirrors, a psyche- delic rant,” Stelling says. “One thing is for certain amidst the chaos and uncertainty, and that is having someone to love and who loves you back is unrivaled.”

When Harper talks about his admiration for Stelling, he refers to his family’s legendary folk music store, filled with instruments and a fluid merging of styles and genres. “When I listen to Chris, I hear my grandparent’s store in Claremont,” Harper says. “He’s carry- ing on that tradition. A guy that can play any instrument from any country and play it with real feeling. He crosses genres but manages to respect them; he is a folk singer with an unusual soulfulness. He understands where this music comes from and why it’s remains so essential. Of all the record’s I have produced, this is one I’m most proud of.”

For his part, Stelling says, “This record was about learning to trust the people around me. If anything, after years of closely guarded decision-making I’m delighted by the re- sults of this collaboration. This record has an undeniable sense of clarity. The songs are lean but never feel incomplete. Ben knew how to coax me out of my well-worn comfort zones, how to move fast and spontaneously and put me on the spot, and how to retreat and give me space to process things. People who know me have said they hear a lot more of me in this album than anything before. Realizing I couldn’t heal the world, I started to heal myself, and I couldn’t be more pleased by how that sounds.”

Photo: Marc Shelly

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Genre: Indie, Pop, Singer-Songwriter