Trevor Sensor: Neue Folk-Poesie zwischen Bob Dylan, Tom Waits & Bon Iver!

Genre: Folk, Singer-Songwriter

Trevor Sensors Inspirationsquellen für seinen extrem berührenden Folk sind so vielseitig wie tiefschürfend, doch sie alle haben eines gemein: Sie gehören zum großen Kanon der gehobenen Intellektualität und Kunst. Musikalisch ein spannendes Amalgam aus Traditionalisten wie Bob Dylan, Tom Waits und Woodie Guthrie im Wechselspiel mit jungen Ausnahme-Songwritern wie Bon Iver, Sufjan Stevens und Conor Oberst. Es sind neben seinen einnehmenden Songs aber vor allem seine höchst reflektierten, tiefgründigen Texte, gesungen von einer Stimme, die in ihrer brüchigen Wahrhaftigkeit sofort unter die Haut geht. Bereits seine im März 2016 veröffentlichte Debüt-EP „Texas Girls and Jesus Christ“ ließ die US-amerikanische Songwriter-Szene aufmerken. Nun, mit seinem unlängst veröffentlichten ersten Album „Andy Warhol’s Dream“, wird sich Trevor Sensor daran machen, die ganze Welt mit seiner Musik gewordenen, postmodernen Straßenpoesie zu verzaubern. Eine erste Gelegenheit, seine aufrichtigen Lieder live zu erleben, wird es zwischen dem 25. und 27. September geben, wenn er zwei Konzerte in Berlin und Köln spielen wird.

Trevor Sensors Debütalbum „Andy Warhol’s Dream“ ist ein perfekter Beweis für die These, dass handgemachte Musik genau dann am intensivsten und authentischsten gerät, wenn der Künstler sein Werk mit einer gewissen ungeplanten Beiläufigkeit kreiert. Denn der 23-Jährige mit den wilden Locken hatte den Gedanken an eine professionelle Musikkarriere bereits aufgegeben. Seit seiner Teenagerzeit hatte er in zahllosen Formationen gespielt, sich dabei durch Punk, Alternative Rock, Post-Hardcore und Indie gearbeitet, sich immer wieder aufgerieben an „der Ambitionslosigkeit meiner Bandkollegen und der Oberflächlichkeit der gesamten Musikbranche“ – und vor etwa drei Jahren eigentlich entschieden, dass er die Musik zugunsten von Literatur aufgibt. Er wollte stattdessen Lyriker und Romanautor werden. Zu diesem Zweck nahm er ein Studium der Philosophie und Englischen Literatur an der Universität in Pella/Iowa auf und vergrub sich ganz in den Schriften seiner Lieblingsautoren zwischen Sören Kierkegaard, Marcel Proust, Henry Miller und Dave Eggers.

Als ein paar Kommilitonen Wind von seiner musikalischen Vergangenheit bekamen – und zudem die Gelegenheit, einige seiner zu dem Zeitpunkt mehr als 70 fertigen Songs zu hören – zwangen sie Trevor Sensor regelrecht, in Bars und bei Open Mic-Nächten aufzutreten. Bei einem dieser Abende hörte ihn zufällig Dave Keuning, der Gitarrist der berühmten The Killers, der ihn davon überzeugte, doch wenigstens ein paar dieser Songs aufzunehmen. Die dabei entstandene EP „Texas Girls and Jesus Christ“ geriet zu einem atemberaubend intensiven, lyrisch extraordinär prägnanten Sittenbild seiner ehemaligen Heimat, der Gegend um Sterling/Illinois etwa 100 Meilen westlich von Chicago – einst eine prosperierende Metropole der Stahlindustrie, mittlerweile eine dieser trostlosen Gegenden des sogenannten „Rust Belt“, wo die weitreichende Arbeitslosigkeit nur noch von der generellen Perspektivlosigkeit ihrer verbliebenen Bewohner übertroffen wird.

Die Reaktionen des US-amerikanischen Feuilletons waren bombastisch; sofort sprach man von einem neuen Dylan mit der lyrischen Sprengkraft eines Jack Kerouac oder T.C. Boyle. Es schien nun unausweichlich, dass Trevor Sensor weiter arbeitet als Musiker. In Zusammenarbeit mit dem Foxygen-Kopf Jonathan Rado und dem Produzenten Richard Swift (Damien Jurado, The Lemon Twigs) sowie den Musikern von Whitney als Backing Band entstand in den legendären Electrical Audio Studios von Steve Albini nun sein erstes Album „Andy Warhol’s Dream“. Auch diese Platte verfolgt lyrisch einen roten Faden, versetzt sie doch Warhols einst ausgerufenen Slogan der „15 Minutes of Fame“ in die postmoderne Welt von Casting-Shows, sozialen Netzwerken und der Manie penetranter Selbstdarstellung. Mit Trevor Sensor erreicht den Hörer also nicht nur ein neuer brillanter Songwriter, sondern ein Poet und Philosoph mit einer Stimme, die man definitiv nicht vergisst.

Genre: Americana / Garage Rock / Singer-Songwriter

Die frühere Frontfrau des Garage Pop-Duos The Ettes Coco Hames ist mittlerweile solo unterwegs. Auf ihrem im März erschienenen Solo-Debüt verbindet Frau Hames aufs Vortrefflichste Americana und Garage Pop zu einer anschmiegsamen Gesamtkomposition. Das Album wurde stilecht in Nashville von Andrija Tokic produziert.

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Die Double Headliner Show im September im Privatclub teilt sich Coco Hames mit The Harpoonist & The Axe Murder.

Der Zwei Mann-Blues Rock der Kanadier klingt genauso authentisch wie frisch. Als Support-Acts unterstützten The Harpoonist&The Axe Murder so unterschiedliche Künstler wie Dr.Dog oder die Wüstenrocker von Tinariwen. Handgemachter Blues ist eben eine Sprache, die fast jeder versteht. Mit einem Sack voller Harmonikas, E-Gitarren und Fußpercussion machen sie sich auf den Weg in den Privatclub.

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Genre: Pop

Im September mit ihrem Debutalbum auf Tour

Genre: Indie Pop

„Mt. Wolf sound like [t]he fully-extrapolated physical hybrid of all the thoughts of love, pain, beauty and fear that otherwise only exist in your head.“ (Metro)

Nach einem Jahr Auszeit haben sich Mt. Wolf letztes Jahr mit einer neuen EP zurückgemeldet und betreten seither mit Sänger und Gitarrist Sebastian Fox, Gitarrist Stevie McMinn und Schlagzeuger Alex Mitchell als Trio die Bühnen.
Die kunstvoll miteinander verwobenen elektronischen und akustischen Elemente und der mehrschichtige Sound mit langen Melodiebögen, die so charakteristisch für Mt. Wolf sind, treffen einen immer wieder mit epischer Wucht. Nicht umsonst wird das Dark Electronic Indie Pop-Trio aus London mit Größen wie Sigur Rós, Mogwai und London Grammar verglichen.

Über die letzten 18 Monate hinweg ist ihre Fanbase stetig angewachsen. Ausverkaufte Kon- zerte, erfolgreiche Auftritte auf dem Great Escape Festival Brighton und dem SXSW in Austin, hunderttausende wöchentliche Spotifyhörer und Radiosupport in den USA, im UK und in Australien sprechen für sich.

Mt. Wolf sind endlich zurück – und das mit voller Power und ihrem Debütalbum „Aetherlight“ (VÖ 26.05.17 | CRC Music) im Gepäck. Dieses Mal wird sie nichts und niemand stoppen.

Im Herbst zurück in Deutschland

Genre: Alternative / Indie / Rock

Im ersten Satz eines Pressetextes auf das schulterlange wie knallrote Haupthaar des Frontmanns Matt Thomson hinzuweisen wäre wohl oberflächlich und würde die Musik der Amazons degradieren. Wäre die Musik der vier Briten aus Reading jedoch eine Frisur, dann sähe sie genauso aus – auffällig, nach vorne preschend, ein bisschen Indie, aber dennoch perfekt zum Headbangen geeignet.

The Amazons machten erstmals mit ihrem Demo “Something In The Water“ auf Soundcloud auf sich aufmerksam und lösten damit prompt sowas wie einen kleinen Hype aus. 2015 durften sie dann gleich mal als Support Act mit The Kooks auf Tour gehen. Rage Against The Machine, Nirvana oder Led Zeppelin nennen die vier Anfang 20jährigen Briten Thomson, Chris, Eliott und Joe als ihre maßgebenden Einflüsse und so mutet auch ihre ganz eigene Musik recht heavy und laut an.

Mit ihren aktuellen Singles „Little Something“ und „Black Magic“ haben The Amazons bereits beweisen können, wo die Reise hingehen soll und dass sich der losgetreten Hype wohl noch länger halten wird. “Little Something represents the darkest and heaviest place we’ve pushed our music to,” sagt Frontmann Matt Thomson. “It’s a predatory lyric based around the hunt for an obsession that’s out of reach, and then in the darkness and failure of reaching it, finding yourself becoming something you’re not.” “Black Magic” kommt größer aber auch verspielter daher, wobei der unnachgiebige, rhythmische Antrieb sich unvermindert fortsetzt und sich das Gitarrenmotiv von Beginn an in die Synapsen unserer Hirnwindungen dreht, während der Frontmann Matt Thomson seinem bereits beeindruckendem Stimmumfang ein geschicktes Falsetto hinzufügt.

Aber auch die Fachpresse und Medienwelt hält große Stücke auf The Amazons: „officially the most hotlytipped guitar band of year“. BBC Sound Poll 2017, Best Breakthrough Act bei den Q Awards, MTV’s Brand New For 2017, Apple Music’s New Artists 2017, Deezer’s Pick For 2017 – sie alle glauben an die Zukunft dieser jungen Gitarrenband aus UK. Wir auch!

Genre: Disco / 70s Soul

Marvellous people!

Wir möchten euch gerne wieder einladen zu Hysteric Disco am 29.9. ab 23h.

We play Disco, 70s Soul,High Energy and a smattering of House.

This time we´ve got fabulous Inger from 45°Degrees, all female DJ Collective from Hamburg as guest DJ – we are so very looking forward to welcoming her!!!! Here´s a little introduction:

Since a very early age i’ve been collecting records of nearly all genres .I started djing in the early 90s.For the last 20 years i focussed more on soul and disco music of the 70s.I work as a bartender in several bars in St Pauli, and as a deep tagger for the music industry.I’m djing with the 45 degrees all-female- dj-collective and the delicious biscuits dj-team spinning modern soul,, disco, funk & x-over from the 70s.!

DJs: Polly Jones , Super Zach Tom P and Inger, 45°Degrees, Hamburg

Genre: Indie / Pop

Geboren 1991 auf den Färöer Inseln, entdeckte Konni Kass schnell ihre Leidenschaft für Musik. Nachdem sie eine Ausbildung zur Jazz-Sängerin am Skurups Folkhögskola in Schweden absolvierte, wurde sie an der Universität von Kopenhagen zum Medizinstudium zugelassen. Nach zwei Jahren an der Hochschule brauchte sie aber dringend eine Pause vom universitären Alltag und zog zurück auf die Färöer Inseln, um sich vollkommen auf die Musik zu konzentrieren – daher gründete sie im Frühling 2015 die Band Konni Kass mit Torleik Mortensen, Knút Háberg Eysturstein und Per Ingvaldur Højgaard Petersen. Jeder Musiker brachte sein gewisses Etwas mit in die Gruppe, und als sie begannen, zusammen Musik zu machen, entstand daraus ein ganz eigener Stil und Sound.

Diese magische Verbindung inspirierte Kass, neue Musik zu schreiben, die mit dem Sound der Band harmonierte. So entstanden einige Songs erst spät in der Nacht im Proberaum bei zahllosen Jams. Das Ergebnis dieses kreativen Prozesses sind unter anderem die Songs auf ihrem Debut-Album „Haphe“, die innerhalb weniger Monate nach der Band-Gründung entstanden sind. Gemeinsam mit dem prominenten färöischen Künstler und Produzenten Benjamin Petersen arrangierte die Band ihre Songs und erschuf ihr eigenes Universum. Sie wird von dieser einzigartigen, weiblichen Stimme angetrieben, kraftvoll und doch am Rande der Zerbrechlichkeit, die eine Symbiose mit den Synthesizern und Effekten eingeht, im Duett mit dem Saxofon die Akzente setzt, die balladesken Klangkonstruktionen unterstreicht. Sie wird aber auch gerne mal lauter und poppiger, wie im ersten Hit, der den durchaus passenden Titel „Sounds“ trägt. Wenig glattgebügelt und mit einzigartigen Melodien drückt Konni Kass ihren Stempel auf die elektronische Musikszene und überrascht dabei auch mit ungewöhnlichen Elementen. Es ist Jazz, Soul, Elektro, Pop und vor allem Nordisch.

Innerhalb kürzester Zeit eroberte die Band ihre Heimat im Sturm und war schnell auch international gefragt. Bereits im Januar war Konni Kass bei uns, im September kehren die Färinger zurück, um den zweiten Teil ihrer Tour zu spielen.

Genre: Pop

James Taylor-Watts hatte sein Bühnendebüt bereits mit zehn Jahren – als Drummer der Wedding Band seines Vaters. Seitdem ist viel passiert: James hat seine zartwarme Gesangsstimme entdeckt, mit zwölf einen eigenen YouTube-Channel gestartet, auf dem er Cover-Songs spielte, sein Songwriting-Talent geschult und seinen Namen in das etwas handlichere James TW geändert.

Der große Karriere-Kick kam, als der kanadische Superstar Shawn Mendes ihn auf Twitter lobpries. Seine Singles „When You Love Someone“ und „Ex“ zeigten dann, dass James TW auch die richtigen Songs für den großen Durchbruch hat. Erstere steht kurz vor der magischen Grenzen von 100 Millionen Spotify-Streams. Das sind alles sind gute Gründe, sich James TW noch einmal in entspannter Club-Atmosphäre anzuschauen, bevor er dann todsicher mit seinem stetig wachsenden, jungen Publikum in größere Hallen umziehen wird.

Genre: Jamaican Oldies - Original Vinyl - Authentic Soundsystem

Line Up:

Tiny T (London)
Midnight Drifters
The Rhythm Ruler

Inspiriert von der jamaikanischen Musikkultur der 60er Jahre wird bei dieser Party Ska, Rocksteady und Reggae ausschließlich von originalen Platten über das eigene, „Maratone Long Distance HiFi“ genannte Soundsystem gespielt.

Die Crew hinter dem Soundsystem steht schon seit vielen Jahren für hochkarätige Veranstaltungen dieser Art, viele international renommierte Künstler und „Selector“ genannte DJs dieser Musik, die noch deutlich vor dem kommerziellen Erfolg von Bob Marley entstand, haben über das Maratone Soundsystem schon ihre Schätze präsentiert und die Tanzflächen diverser Clubs zum Beben gebracht. Dem Soundsystem selbst kommt dabei eine wichtige Rolle zu: Optik und Klang sind unverwechselbar sowie perfekt auf die Wiedergabe dieser jamaikanischen Oldies ausgelegt.

Beim ersten Maratone Rocksteady Club im Privatclub steht mit dem Londoner Tiny T nun ein alter Bekannter hinter den Plattenspielern. Vor mehr als vier Jahren spielte er im Grünen Salon für die Maratone Crew und ihre zahlreich erschienen Gäste, außerdem dürfte er vielen Rocksteady-Enthusiasten durch seinen Sieg beim Hamburger „King of Kings Revival Clash“ in Erinnerung geblieben sein. Er bringt nicht nur eine Kiste voll tanzbarer Raritäten und 1a Entertainment am Mikrophon mit nach Berlin, sondern auch ein gewaltiges Stück Soundsystemgeschichte. Die Liebe zur Musik und einen Teil seiner Platten hat er von seinem Vater und Onkel übernommen, diese wiederum betrieben auf Jamaika und später in London das „Mighty Cloudburst Soundsystem“ und entdeckten mit „Jah Shaka“ einen der heute prominentesten Dub- und Reggae-DJs Englands.

„Behind The Shadow Drops“ ist das neue Soloprojekt von MONO-Gitarrist und Komponisten Takaakira „Taka“ Goto.

Genre: Ambient / TripHop

Das in 2016 gegründete Projekt stellt den ersten Versuch seiner Karriere dar, Elemente aus Ambient, TripHop und anderen minimalistischen Elemente zu einer dunklen musikalischen Welt zu verbinden. Parallelen zur Filmmusik sind dabei schnell hergestellt. Drums sowie Percussion auf dem Album wurden von John McEntire (Tortoise, The Sea And The Cake) geschaffen, welcher ebenfalls das Album gemischt hat. Helen Money hat diverse Cello-Stimmen beigesteuert, welche man schon aus verschiedenen Kooperationen mit Mono kennt.

Genre: Indie

Aufgemerkt, Afficionados: Am 16.06. erscheint Michael Naus Debüt-Nachfolger Some Twist (beim tollen UK-Indie Full Time Hobby), und was uns dort erwartet, fühlt sich an wie eine Frühlingsbrise unter Van Dyke Parks Hawaiihemd. Michael Naus Songwriting ist unprätentiös, lose-gestrickt und pendelt professionell zwischen Halftime-lazyness und absoluter Entschleunigung. Und so ist Some Twist eine Kollektion brillianter Pop-Skizzen, bei denen immer irgendein Detail minimal nicht stimmt: mal ist die Brass-Section leicht out of tune, dann stolpert das Piano in der Hallkammer über die Rimshot – doch immer ist es Naus Stimme, die das Ganze maximalst entstresst zusammenhält. Nau denkt seine Songs von der Akustikgitarre aus und überträgt sie dann auf ein ausgetüfteltes Homerecording-Szenario, wegen dem Pitchfork ihn schon in der Rock’n’Roll Underdogs Hall of Fame sieht. Doch in Wirklichkeit spielt Nau einfach nur den wärmsten Folk-Pop mit den längsten Traditionslinien und der höchstmöglichen Gegenwärtigkeit.

Anfang Oktober stellt Michael Nau mit Band sein neues Werk das erste Mal in Deutschland vor.

Genre: Reggae / Dancehall

Nachdem der legendäre Bohannon Soul Club letztes Jahr für immer schliessen musste, hat „Double Trouble“ nun mit dem Privatclub ein neues würdiges Zuhause gefunden!

Der musikalische Schwerpunkt dieser Veranstaltung ist jamaikanische Musik von alt bis neu, von Alton Ellis über Alkaline bis zu Ziggy Marley. Jeweils 2 DJs legen hier ihre Lieblingstunes auf.

Genre: Indie

Nachdem vor Kurzem bereits mit “Boyish” ein neuer Track von Hippo Campus veröffentlicht wurde, kündigt das Quartett aus Minnesota nun sein Debütalbum “landmark” für den 24.02.2017 via Transgressive Records an. Zusammen mit Produzent BJ Burton (Bon Iver, Francis & The Lights) entstanden 13 Tracks über Liebe und Verlust, Familie und Freundschaft, Hoffnung und Selbstzweifel – eine wahre Coming Of Age-Platte für Hippo Campus. Im Oktober holen wir Hippo Campus für eine exklusive Show nach Berlin in den Privatclub!

Genre: Pop

LOUKA, die es vor zwei Jahren nach Berlin-Wedding verschlug, hat eine dieser Stimmen, die man nur einmal zu hören braucht — und danach nie wieder vergisst. Sie singt ihre eigenen, beobachtenden Texte in deutscher Sprache, vor allem aber ist ihre Phrasierung, ist ihr Vortrag einzigartig. Gebettet in minimalistische Pop-Arrangements mit wirkungsvollen Beats, funky-minimalistischen Gitarren-Licks und eigenwilligen Synth-Melodien, hören wir eine junge Künstlerin singen, die nicht nur weiß, wohin ihr Weg sie führen wird, sondern die auch ihre ganz eigene Art gefunden hat, wiedererkennbar zu bleiben.

LOUKA ist ein Glücksfall in der deutschsprachigen Popmusik. In den zwölf Songs ihres Debütalbums singt sie über Begegnungen, Liebe, Trennungen, Freundschaften, Identitätsfindung und Erlebnisse im wunderbaren Königreich der Träume. Über sich selbst sagt sie: „Ich gehe oft ins Theater, lese viel, gehe auch ins Kino —ich extrahiere aus all diesen popkulturellen Momenten meine ganz eigenen Texte, die mit unserer ganz sparsamen, in ausgewählten Momenten freilich schier explodierenden Musik zusammengehen.“

LOUKA ist eine Sollbruchstelle im Spielbetrieb des Pop, eine clevere und zugleich verspielte Beobachterin der Zeit und der Emotionen, sie ist eine Sängerin, die wir ab sofort nicht mehr dem Blickfeld unserer Radare entwischen lassen dürfen.

Genre: Alternative Pop

Leichtfüßig spannt June Cocó ein weites Klang-Spektrum jenseits der Genre-Grenzen. Zwischen Dreampop und Alternative-Anleihen, Latenight-Blues und Electronica bewegen sich die mitreißenden Songs ihres Debütalbums „The Road“, die flirren wie das Glitzern, das entsteht, wenn Sonnenstrahlen auf regennassen Asphalt treffen. Mit ihrer einzigartigen Stimme und Präsenz umhüllt sie ein gewisser Zauber, der schon zu Barpiano—Zeiten George Clooney oder jüngst Udo Lindenberg auf dem Sessel kleben lies. Egal ob solo oder mit ihrer fantastischen Band: June Cocó begeistert.

Aktuell arbeitet die Wahl-Leipzigerin am zweiten Studio-Album das 2018 veröffentlicht werden soll. Die mit der Band selbst produzierten Songs führten zur Zusammenarbeit mit Gordon Raphael (The Strokes, Regina Spektor) und Michael Vajna (MALKY).

Eine 360° Solo-Tour führt June Cocó 2017 durch Metropolen in Europa. Gemeinsam mit dem Filmemacher Dino Weisz werden die Performance-Konzerte mit der 360° Kamera festgehalten und via LIVE-Stream online übertragen. Die ersten Stationen sind im September Amsterdam, Brüssel und Paris. Auf der Solo-Tour und mit der Band im Herbst 2017 hat June ihre frisch gepresste Solo-EP „Back To The Start“ mit im Gepäck.

Genre: Singer-Songwriter

Wer Musik ernst nimmt, muss sie groß meinen. Der Musiker darf keine Angst haben vor mächtigen Worten, er muss etwas wollen, das bedeutender ist als er selbst, und deshalb ist es auch so richtig, dass Fayzen auf die Frage, wieso er im Alter von 15 Jahren mit der Musik angefangen hat, antwortet: „Ich wollte etwas Wahres machen. Und klar, die Welt verändern wollt’ ich schon auch.“

Ende der 90er. Die Welt verändern, das geht jetzt eigentlich nur mit einem Musikgenre. Fayzen schließt sich einer Hamburger Rap-Crew an. Zuvor hatte er jahrelang Texte für sich selbst geschrieben, Lyrik vor allem, er hatte versucht, sich das Leben schreibend begreiflich zu machen, ohne dabei schon ein Produkt vor Augen zu haben. Als er Torch, Freundeskreis und Curse zum ersten Mal hört, ahnt er, dass auch seine Texte Musik werden könnten. Und dass sie es auf diese Weise vielleicht in die Ohren, Köpfe, wenn es gut läuft sogar Seelen von Menschen schaffen.
Fayzen, damals 17, schreibt fortan wie ein Besessener auf Beats. Es ist schneller, klarer, gesellschaftskritischer Rap, von dem er in den folgenden Jahren 20.000 selbstproduzierte Mixtapes in den Straßen seiner Hamburger Heimat verkauft. Einen Großteil des Geldes schenkt er seinen Eltern. Als Dankeschön für eine unbeschwerte Kindheit, die sie ihm trotz Flucht aus dem Iran ermöglichten. Aber auch als Beweis, dass der unkonventionelle Weg des Künstlers der richtige für ihn ist: Schaut, euer Junge schafft das.
Und eigentlich aber zieht es den Jungen da schon wieder weiter. Denn so romantisch die Geschichte vom Straßenmusiker auch ist, Fayzen will auf die großen Bühnen und von dort gehört werden. Also bastelt er an einem Demo, bringt sich selbst Gitarre und Klavierspiel bei, arbeitet Tag und Nacht an Texten, denn immer noch kommt Fayzens Musik vom Wort.
Doch umso klarer ihm wird, welche Geschichten er erzählen will, desto unklarer ist auf einmal ihr Sound. Er probiert viel aus, schmeißt den Großteil wieder weg, das Demo wird und wird nicht fertig, er lässt trotzdem nicht davon ab – und das ist ja auch eine Wahrheit der Kunst: Die Suche nach ihr auszuhalten, ist oft schon der halbe Weg.

So ist es auch dieses Mal. Durch Zufall lernt Fayzen einen Musikmanager des Major-Labels Universal kennen – und plötzlich fließen die Dinge wieder. Er bekommt einen Vertrag, 2013 erscheint sein Album „Meer“. Den Hip Hop hört man dort immer noch heraus, aber die meisten Titel sind weicher, stiller, Singersongwriter-Pop ohne Worthülsen und Instant-Gute-Laune-Lyrics. Fayzen singt von der Sehnsucht nach Zuhause und der Kraft des Fernwehs, er gibt dem Kummer einen Namen und der Hoffnung einen Sound. „Und Reim für Reim öffne ich mein Herz mit jedem Wort / Als ich’s das letzte Mal da draußen tat, da ging mein Mädchen fort“, heißt es in „Paradies“, und kaum je zuvor wurde Liebeskummer schlichter und größer besungen.

Aber obwohl er von sich singt, ist es nicht nur die eigene Gefühlswelt, die Fayzen beschreibt. Innensicht – oft die beste, weil aufrichtigste Projektionsfläche dessen, was in der Welt passiert. „Statt dass ich draußen Steine auf die Polizei schmeiß / Schmeiß ich sie hier drinnen auf die eigene Feigheit“ heißt es da einmal. Der heute 32-Jährige schreibt über sein Unvermögen, den Ungerechtigkeiten der Welt die Stirn zu bieten, und er tut dies angenehmerweise ohne Zeigefingerduktus – und wenn doch mal, erdet er die Weltretter-Pose sofort wieder mit Sonntagnachmittagslethargie. Auf das große Wachrüttler-Plädoyer („Ey du, wir müssen auf die Straße / Weil die da unsere Intelligenz verspotten / Kannst du noch zusehen / Wie eine Hand voll Typen unsere Welt verzocken“) wird im Refrain ein müdes „Und der Wasserhahn tropft / Und der Wasserhahn tropft / Ich könnte den mal zudrehen / Doch kein Bock“. Soundtrack für eine Gesellschaft, die sich durchaus politisch engagiert – aber eben lieber per Online-Petitionen als bei Freiluft-Demos.

Am 21. April erscheint nun Fayzens neues Album „Gerne allein“. Noch immer, das hört man sofort, sind ihm die Dinge nicht egal – und vielleicht ist das überhaupt das größte Wagnis des Künstlers Fayzen: dass er mit dem Pop-Prinzip der Oberflächlichkeit bricht. Dass er die Welt mit seiner Musik unterhalten, aber auch ernst und dafür in Kauf nehmen will, die Menschen zu beanspruchen. Nicht mit Forderungen, sondern mit einem unverstellten Blick ins eigene Innere. „Am Anfang der Produktion standen für mich ganz viele Fragen. Warum hat sich meine Exfreundin von mir getrennt? Warum ist mein Opa gestorben? Also: Wie geht man mit dem Verlassenwerden um? Was ist eigentlich meine Aufgabe? Gibt es Gott? Bin ich schuldig? Wie ist das eigentlich, wenn ich alleine dadurch, dass ich Sachen konsumiere, eine Weltordnung fördere, die ich in großen Teilen ablehne? Und ist es moralisch okay, wenn ich trotzdem glücklich bin? Was ist Wahrheit? Und wie komme ich ihr näher?“

Mit der Arbeit am Album ging er auf die Reise nach Antworten. Und genau wie bei jedem anderen, war dabei auch Fayzens Bewusstsein eine Mischung aus Außen und Innen, aus Vergangenem, Gegenwart und Hoffnung. Da ist der Vater, der mit 17 Jahren und 20 Mark in der Tasche aus dem Iran nach Deutschland kam, sein Abi nachholte, studierte, der drei, vier Jobs gleichzeitig machte und nach der Silvesternacht 2015 trotzdem überlegte, das Land wieder zu verlassen, weil er Angst hatte, die Stimmung gegen Zuwanderer könnte gefährlich kippen. Da ist seine Mutter, die den Vater am Telefon kennenlernte, die sich in eine Stimme verliebte und einen Heiratsantrag annahm, ohne genau zu wissen, wie das Land sein würde, in das sie geht, und deren Mut mit dem Glück einer noch immer sehr nahen Ehe belohnt wurde, auf das Fayzen staunend und stolz schaut. Und aus dem sich für den Sohn aber auch eine ganz andere Fallhöhe ergibt. Solch eine Liebe beobachtet zu haben und dann verlassen zu werden, dann zu erfahren, dass die Freundin das gemeinsame Baby abgetrieben hat, dann nicht zu wissen, wohin einen das Leben treibt – ist vielleicht nicht doppelt hart, aber zumindest sofort als Verlust spürbar; und Fayzen singt auf so rührende Weise davon, dass es den Zuhörer ans Herz fasst.

Genre: Disco / Boogie / Leftfield Beats / Raps / Afro

Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Jeden ersten Freitag im Monat im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das, worauf wir gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hit-Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer Acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!

Genre: Folk Pop

PAULA & KAROL tauchten vor einigen Jahren auf den polnischen Folkpopbühnen auf und eroberten das Land. Paula, polnisch-kanadische Soziologin, traf Karol, den Warschauer Musiker. Gemeinsam begannen sie Musik auf Englisch zu schreiben, Konzerte an Straßenecken und in Hinterhöfen zu spielen. Schnell wurden sie zu Pionieren der nun immer schneller wachsenden Indiepopszene Polens. Über die Jahre versammelten sie um sich die wundervolle Mischung an Warschauer Musikern, die sie als Band auf hunderten Shows begleiteten, in Polen aber auch immer öfter im Ausland.

Ihre Alben produzieren sie mal gemeinsam in ihren Wohnzimmern, mal mit dem Grammy-nominierten Producer Ryan Hadlock. Im Sound spiegelt sich ihre Attitüde wider: DIY und doch Detailverliebtheit, herzerwärmende Texte und Melodien mit Ohrwurmpotenzial – balancierend an der Grenze zwischen Pop, Folk und Punk. Ihre Liveshows machten die Band bald bekannt, warm und emotional, grenzwandelnd am Psychedelischen singen sie über das Leben ihrer Generation, ihre Songs so persönlich wie nur eben möglich.

Genre: Good Vibes Music / Hip Hop / RnB / Disco

Get On Your Dancing Shoes. You Sexy Little Swine.

Genre: Alternative / Electronic

Fans der belgischen Indieband Balthazar sind womöglich schon mit Co-Frontman Jinte Deprez’s neuem Solo-Projekt bekannt. Unter dem Pseudonym J. Bernardt erforscht Deprez neue musikalische Gefilde aus atmosphärischen Synthesizerbeats, die sich einer Reihe Einflüsse erfreuen: Ob inspiriert durch die Liebe seines Vaters zu Kraftwerk oder durch die zarten Popseiten seiner eigenen musikalischen Entdeckungen, J. Bernardt repräsentiert den Beginn einer aufregenden Reise für Deprez.

Jeglicher Launen einer Band beraubt, existiert J. Bernardt mit seinem verführerischen Groove ganz eigenständig. Verpackt in warmen, gefühlvollen Vocals und gar anderer musikalischer Umgebung, kann er in völlig anderen Maßstäben als gewohnt beurteilt werden.

Multi-Instrumentalist Deprez spielte erst im Juni diesen Jahres ein exklusives Konzert in Berlin und diverse Festivaltermine und kehrt schon im Herbst zurück nach Deutschland – mit dabei sein Debütalbum „Running Days“ (VÖ 16.06.17 | Play It Again Sam).

Genre: Acoustic Indie-Rock

Ewert und seine drei Bandkollegen sind mit einer neuen EP zurück. Heißen wird die Platte „Tied For A Lifetime“ und erscheint im Oktober 2017. Mit dem European Border Breakers Award ausgezeichnet, wurden Frontmann Ewert Sundja, Gitarrist Erki Pärnoja, Drummer Kristjan Kallas und Bassist Ivo Etti dank ihres letzten Albums „Good Man Down“ international zu einer festen Größe bei Fans und Kritikern.

Es war eine bisher große Reise für die vier aus einem kleinen estnischen Dorf stammenden Musiker. Angefangen in kleinen Clubs rund um die Welt, reichte es nach sechs Jahren touren in ihrer Heimat am Ende bis zu einer Arena Show. Nach bereits drei veröffentlichten Alben und über 3 Millionen Spotify-Plays ihres letzten Albums aus dem Jahr 2015 folgt nun ein neues Kapitel.

„Tied For A Lifetime“ soll ein Neuanfang für die Band werden, weg vom klassischen Ewert And The Two Dragons-Sound. „We feel that it’s a new beginning for us, in a way. We wanted to try new sounds and new directions. We got a very talented Estonian producer on board (Sander Mölder) and started experimenting.“, sagt Sänger Ewert Sundja.

Wir sind gespannt auf das neue Material der Band und holen sie im Zuge dessen für zwei exklusive Shows nach Deutschland.

Multi DJ Dark Dance Party!

Genre: Post Punk / Dark Wave / Cold Wave / New Wave / Goth

Am Freitag, dem 13. wird es schaurig-schön im Privatclub: Vom Nebel verhüllt tanzen wir durch die Nacht zu Post Punk, Dark Wave, Goth und Synth-Klängen. Wir tauchen ein in die düster, morbide Atmosphäre zwischen schwarzen Rosen und Patchouli-Duft. Aus den Boxen dröhnen Xmal Deutschland// The Cure// Martin Dupont// Sisters of Mercy// Lebanon Hanover// She past away// The Danse Society// Message// Linea Aspera….und viele mehr.

Genre: Singer/Songwriter

Nach über 100 Wohnzimmershows zur Bekämpfung seines Lampenfiebers brachte der holländische Singer/Songwriter Dotan im Jahr 2014 endlich sein Debüt-Album „7 Layers“ heraus. Innerhalb eines Jahres brachte er die Songs dieser Platte von den Wohnzimmern auf große Festivalbühnen und zu seinem ausverkauften Headline-Stadion-Konzert in Amsterdam. Die Songs „Home“ und „Hungry“ wurden sofort zu Hits.

Aber dass sanfte Gitarrenklänge, ein ruhiges Schlagzeug und dazu eine verträumte, geheimnisvolle Stimme sehr gut ankommen, ist ja spätestens seit José Gonzales bekannt. Mit diesem Rezept landete auch Dotan: Platz 1 der Charts, mit sowohl dem Album als auch der Single „Home“, sprechen für den Erfolg. Sein Sound ist unverwechselbar und trifft den Zeitgeist. Ruhige, leise Parts wechseln sich mit starken, nahezu majestätischen Refrains ab und erinnern dabei an die Musik von Bastille, Mumford & Sons oder Gotye. Verankert mit einer Akustikgitarre und der einmaligen Stimme des Sängers aus Amsterdam ergibt sich ein eingängiges Hörerlebnis, dass dem Hörer das Gefühl von Freiheit vermittelt.

Als die Achterbahnfahrt im Jahr 2016 ein wenig ruhiger wurde, beschloss Dotan sich wieder zurückzuziehen und neue Musik zu schreiben. Der Song „Bones“ ist nun das erste Ergebnis dieser Arbeit – zurück zu den Singer/Songwriter-Wurzeln, und im gleichen Atemzug auch Tourdates, geplant mit der gleichen Herangehensweise: keine große Band, keine Drums, keine Stadien. Nur Dotan und seine Gitarre. Neue Städte, neue Zielgruppen, neue Geschichten.

Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop

Kiss All Hipsters is the brainchild of German booker Kristian Wolff and Dutch dj/music-journalist Arnold Scheepmaker who hosts about ten different cutting edge nights a month in different European cities (Berlin, Amsterdam, Utrecht etc.) focussing on genres like indie, electro-pop, indietronica & eclectic pop. Basically the KAH enfant terible is constantly on the run searching for cool new tunes, bringing rowdy & hyper-eclectic yet critically acclaimed nightlife mayhem, collaborating with a diverse bunch of in the know dj’s, bands, designers and photographers and adding new venues to his already full to the brim roster. Kiss All Hipsters is all about a good no-nonsense attitude when it comes to beautiful, yet ultimately empty hipster-types and has a contradictory love-hate relationship with all things fashionista. Kiss All Hipsters has been going internationally for six years, but Scheepmaker’s longest residency, a weekly night at Amsterdam’s well known venue Paradiso, has been attracting a steady 1.000 visitors for over a decade now.

During those years the KAH head honcho has played at numerous venues and festivals, while writing for magazines, newspapers and blogs like Vice and Dutch musicmag LiveXS. The line ‘you only live once, huh?’ is heard quite often when asking Arnold about his life in the fast lane at neckbreak speed.
With Kiss All Hipsters, in the Netherlands always with co-host dj Raven, he aims at the informed crowds of big metropolises who have a bigger than general interest in new releases by a wide range of indie & electro bands with cheeky side-steps to the past, short-lived hype-genres and upcoming genres. Go! Go! Go!

Some stuff we play:

Black Keys Daft Punk Foals Crystal Fighters Django Django Miike Snow Azealia Banks San Cisco Icona Pop La Roux Of Monsters and Men Lykke Li Two Door Cinema Club Disclosure Arcade Fire Foster the People Phoenix The Strokes Kakkmaddafakka Miles Kane Nelson Can Metronomy MGMT M83 Justice Baauer Hot Chip Wankelmut The Vaccines Boys Noize The View Reptile Youth The XX Florence & The Machine M.I.A. The Naked & Famous The Kooks Whitest Boy Alive Good Shoes Crystal Castles The Drums Mumford & Sons Netsky Yeah Yeah Yeahs Doctor P Kings of Leon Darwin Deez Arctic Monkeys The Bloody Beetroots LCD Soundsystem Bloc Party We Have Band The Knife The Soft Pack The Rifles Fake Blood Jamie T Vampire Weekend Major Lazer the Virgins the Gossip The Cure Santigold Chromeo Tiga Mando Diao Urban Cone Empire of the Sun Bombay Bicycle Club Blondie Editors Late of the Pier The Ting Tings Yelle Klaxons Interpol Ramones CSS Simian Mobile Disco Babyshambles Amanda Blank Franz Ferdinand Maximo Park The Sounds The Wombats Friendly Fires

Line Up:
Arnold Scheepmaker

Genre: Pop / Singer Songwriter

Die Geschichte von Kafka Tamura beginnt, als Patrick Bongers und Gabriel Häuser auf Soundcloud die einzigartige Stimme von Emma Bradshaw aus Southampton (UK) entdecken.

Seitdem ist viel passiert, die erste EP und das Debüt Album ‚Nothing to Everyone‘ haben viel Aufmerksamkeit erregt. Über 15 Millionen Streams auf Spotify und Touren durch ganz Europa (u.a. mit Milky Chance), machen die Band bekannt.

Emma Bradshaw und Gabriel Häuser leben mittlerweile beide in Berlin, wo sie die Band als Duo weiterführen. Endlich in der selben Stadt zu leben, tut den Musikern sichtlich gut. ,Es erleichtert unsern Songwriting-Prozess ungemein’ so Emma. ‚Alles fühlt sich natürlicher an und die Dynamik innerhalb der Band ist toll – trotzdem nehmen wir uns die Zeit uns neu zu entdecken, die Songs auf natürliche Weise entstehen zu lassen.

Anfang des Jahres zog sich die Band mit dem Produzenten Eliot James (Two Door Cinema Club, Kaiser Chiefs, Noah and the Whale) ins Studio zurück, um an der neuen Single ‚Find Me Well‘ zu arbeiten.

Für uns ist ‚Find Me Well‘ ein neuer Beginn, mit diesem Song sind wir zu 100% wir selbst. Es geht darum mit schwierigen Situationen fertig zu werden und daran zu wachsen. Er ist voller Wut und Traurigkeit, aber mindestens ebensoviel Freude und Vertrauen. Wir hoffen, dass jeder sich selbst und seine eigenen Erfahrungen in dem Song wiederfinden kann und überlassen die weitere Interpretation jedem individuell.’

Nun kehren Kafka Tamura mit neuer Single und einer Vielzahl von Konzerten auf die Bühne zurück.

Genre: Neo-Soul, R'n'B

Seit gerade einmal zwei Jahren ist das in Kopenhagen ansässige Duo Phlake aktiv – und schon haben sie die Heimat in einem Sturm erobert, wie es die dänische Musikszene noch nicht erlebt hat. Sie blicken in einem Land mit gerade einmal sechs Millionen Einwohnern auf die unglaubliche Zahl von mehr als 80 Millionen Streams ihrer Songs. Die beiden mit Doppelplatin veredelten Singles „Pregnant“ und „Angel Zoo“ stiegen sofort nach Erscheinen in die Top Ten der dänischen Charts. Gleiches gilt für ihr im vergangenen Juni erschienenes Debütalbum „Slush Hours“, das daheim bis auf Platz 4 stieg. Bei den „Danish Music Awards“ 2016 waren sie in sieben Kategorien nominiert, fünf konnten sie gewinnen, darunter „Best Danish Album“, „Best New Artist“ und „Best Danish Songwriter“ Damit avancierten sie zu DER Band der Stunde. Seither nimmt auch Resteuropa immer mehr Notiz von Produzent Jonathan Elkær und Sänger Mads Bo. Im Herbst startet ihre erste große Europa-Tournee, die sie zwischen dem 17. und 18. Oktober auch für zwei Konzerte in Berlin und Köln nach Deutschland führen wird.

Dass Phlake eine rosige Zukunft haben würden, war bereits im Vorfeld fast schon ausgemachte Sache: Der Produzent und Musiker Jonathan Elkær galt schon vorher als ein äußerst profilierter Beat-Schrauber und Songschreiber, der unter anderem für das dänische Soul-Label Tabu Records sowie für die Band Suspekt zahlreiche bemerkenswerte Tracks erstellt hatte. Anfang 2015 war er auf der Suche nach einer neuen Herausforderung – und fand sie, nachdem er auf den begnadeten, mit einer atemberaubend warmen und vielschichtigen Stimme ausgestatteten Sänger Mads Bo traf.

Zunächst fungierten Phlake als ein reines SoundCloud-Projekt und luden immer mal wieder einen Song hoch. Ihre Mixtur aus modernem R’n’B, klassischem Soul und kantigen Hip-Hop-Beats stieß insbesondere im allgemein sehr Soul-verliebten Dänemark schnell auf viel Interesse. Sie selber gaben ihrem ebenso umschmeichelnden wie tanzbaren Musikstil den Namen „Rhythm & Balls“, was so viel bedeuten sollte wie: Wir sind rhythmisch, wir haben Gefühl, aber auch genug „Eier“, dass uns auch ein Hip-Hop-Fan problemlos gut finden kann.

Wie weitreichend ihre Fanbasis ist, stellte sich im Rahmen ihrer ersten offiziellen Releases heraus: Die Single „Pregnant“ stieg unmittelbar bis auf Platz 9 der dänischen Charts und wurde mit Doppelplatin ausgezeichnet. Die nächste, ebenfalls mit Doppelplatin veredelte Single „Angel Zoo“ kletterte sogar bis auf Platz 3 sowie bis an die Spitze der dänischen Spotify-Charts. Kein Wunder, dass in der Folge auch ihr im vergangenen Sommer veröffentlichtes Debütalbum „Slush Hours“ zu einer der erfolgreichsten Veröffentlichungen Dänemarks im Jahr 2016 geriet.

Nachdem Phlake in Dänemark so ziemlich jeden Musikpreis gewonnen und bald jede große Halle des Landes bespielt haben, machen sie sich nun auf, ganz Europa von ihrem wohltuenden, aber auch eigenständigen Sound zu begeistern. Eine erste Tour durch England hat die dortigen R’n’B-Fans bereits völlig elektrisiert, im Herbst folgt nun das Festland Westeuropas.

Die neue Single „Chunks“, die neben den bereits bewährten Zutaten obendrein mit einem überraschenden Louisiana-Swamp-Stil aufwartet, beweist, dass Phlake bei der Erforschung neuer souliger Nischen erst am Anfang stehen. Man darf sehr gespannt sein, was da in den nächsten Monaten noch alles kommt.

Nordic Jazz Comets mit u.a. Virta, Alex Jonsson Trio, Monkey Plot

Genre: Jazz

The Nordic Jazz Comets showcase opens the second edition of the Scope festival, featuring acts from Denmark, Finland, Iceland, Norway and Sweden. This is the first time that the Nordic jazz organizations present their future stars together on international stages. From past years’ Nordic showcases and competitions we have gotten to know acts like Megalodon Collective, Katu Kaiku, Intone, Pixel, Skarkali Trio, Skver, Mopo, Isabel Sörling Group, Jazzkamikaze and Ilmiliekki Quartet, to name only a few. The annual event has always drawn a big local audience, as well as gathered together some of Europe’s “most wanted” power players in jazz industry.

The bands of the Nordic Jazz Comets 2017 are: Alex Jønsson Trio, Charlottas Burnin’ Trio, Simple Minds, Monkey Plot, VIRTA

Genre: Jazz

With a 21st century freshness, past any concept of vogue, or any linear genre lines, Norwegian band ROHEY deliver powerful and energetic nu-soul music that bristles with authenticity, that grooves with the best funk, that has deep soul roots while keeping an eye on the broad expanse of a very promising future. Lead vocalist Rohey Taalah brings all the emotional complexity you would expect of a classic jazz or soul singer being compared to giants as Erykah Badu, Amy Winehouse and Nai Palm (Hiatus Kaiyote).

With the release of “A Million Things” on Jazzland Recordings in early 2017, their path can be expected to take them ever further: music this good can’t be kept secret for long. “A Million Things” is a sincere conviction and joyful an artful expression without making things unnecessarily difficult for the audience. This has been borne out by the their nomination for ‘Best Single’ at the Scandinavian Soul Awards in 2015. The album also gained unanimous praise from radio legends Gilles Peterson and Jamie Cullum of BBC Radio.

Genre: Metal / Hard Rock

Belgium’s finest dark groove rockers Diablo Blvd have announced to have entered the studio to record the follow-up to 2015’s Follow The Deadlights. Diablo Blvd (est. 2005) have released two album on PIAS which made big waves in Belgium. Their third album Follow The Deadlights was released in May 2014 by Sony Music in the Benelux to huge critical acclaim with a top 3 charting. It got a full international release in January 2015, making Diablo Blvd the first Belgian band ever to get signed to Nuclear Blast. Diablo Blvd embarked on an 18 month lasting European promotion tour that landed them support act duties for Machine Head, Epica, Ace Frehley, Queensrÿche and Life Of Agony, for which they also did the USA support, including a number of festivals like With Full Force, Metal Days, Pukkelpop and Summer Breeze. They also organize their own metal festival Diablofest in Belgium where they give upcoming bands a platform to bigger audiences.

Genre: Indie Pop / Soul

Berlin’s finest Indie Pop label Firestation Records celebrates its first 20 years in business with a smashing birthday party! We have invited two of our alltime favourite bands to join us on the night of October, 21st 2017 at Privatclub in Berlin.

All the way from Manchester we welcome the legendary Railway Children with their first show in Germany for 30 years. Well-known for their mix of sophisticated guitar pop and neo-acoustic sounds, they started their career on the famous Factory label (New Order, Happy Mondays), and became internationally successful when they moved to Virgin Records.

The Railway Children will share the stage with a slightly younger band from London, New Street Adventure. They have just released their second LP on Acid Jazz, and are about to make their breakthrough while you’re reading this. They will thrill you with their heavily soul-influenced powerful pop music!

On the decks you’ll be treated with the best from Indie Pop to Northern Soul by a one-time reunion of Berlin’s much-beloved DJ collective Ship Shape Club.

Be seeing you in Berlin! Stay tuned.

Genre: Pop

Pegasus ist eine der erfolgreichsten Popbands der Schweiz. Ihre Alben und Singles wurden mit Gold, Platin und Doppelplatin und insgesamt drei Swiss Music Awards ausgezeichnet. Mit dem neuen Album «Beautiful Life» geht’s im Herbst 2017 auf Clubtour – und das sollte man auf keinen Fall verpassen! Denn Live auf der Bühne sind Pegasus eine Macht. Sie spielten in den letzten Jahren an vielen grossen Festivals, ihre Tourneen waren ausverkauft und als Supporting-Act performten sie vor Stars wie Coldplay und Hurts.

Genre: Indie Rock

Within the songs of Laetitia Tamko there are infinite worlds: emotional spaces that grow wider with time, songs within songs that reveal themselves on each listen. Tamko is a multi-instrumentalist and a producer, recording since 2014 as Vagabon. On her forthcoming debut, Infinite Worlds, she hones her singular voice and vision with an unprecedented clarity.

“I feel so small / my feet can barely touch the floor / on the bus where everybody is tall,” she sings softly and with caution, as she begin the album with “The Embers.” Driving punk drums pry her song open, exploding it into an anthem that pushes back at entitled people who make others feel tiny. “I’m just a small fish / and you’re a shark that hates everything,” she sings, repeating that line and over and over with strength and power. “I’ve been hiding in the smallest space / I am dying to go / this is not my home,” Tamko starts carefully on “Fear & Force,” before her finger-picked guitar playing gives way to slow-building synth claps and ethereal harmonies. “Mal á L’aise” is one of the album’s focal points, a five-minute meditation of ambient dream pop, featuring Tamko’s usage of samples; some are samples from a Steve Sobs song on which Tamko was featured, enticing the one writing collaboration of the album. “Mal á L’aise” means “discomfort” in French, Tamko’s first language, and throughout the song she works through different meanings of that word: social, cultural, physical.

Infinite Worlds builds upon Tamko’s stripped-down demos that have been circulating online and throughout the independent music community for the past two years. Her Persian Garden cassette, released in 2014 via Miscreant Records, was a lo-fi collection where she embraced a first-thought best-thought approach, making songs that began with just her voice and guitar. But here, Tamko is a main performer of synths, keyboard, guitars, and drums, at times enlisting the work of session studio musicians. This had Tamko channeling the thoughtfulness of her lyricism into her arrangement and production as well. The result is a wide-ranging eight-song collection that’s pleasantly unclassifiable: hypnotic electronic collages, acoustic ballads, and bursts of bright punk sit side-by-side cohesively, all tied together by Tamko’s soaring voice.

“I write a lot about places, archiving my memories in spaces that I used to be in, spaces I am currently in, or spaces I will eventually be in” she says. “Archiving different moments that I’ve been thinking about, have gone through. It’s not always autobiographical though. It could be about different situations I’ve seen people I love in. Or people I don’t know in. I think that comes a lot from being in different environments. Like growing up in Cameroon. There, we are happy with very little. Then moving here and seeing how the culture differs from where I’m from.”

Tamko’s songs are embedded with her own story and personal history: growing up in Cameroon, her family’s move to New York and adjusting to culture shock. Her family left Cameroon just in time for her to begin high school in the states. She grew up around music and loved it, but finishing engineering school was a priority before music could start to feel like a real possibility. “When I was in Cameroon, my mom would have these ‘reunions’ which was just her friends coming over on Sundays,” she says. “There was a lot of music around me. Traditional West-African songs sung as group chants, hand drums and percussive instruments being played, etc.” To date, Tamko mostly listens to East and West African music nostalgic of her childhood, styles of music that influence her own in subtle ways.

Infinite Worlds was recorded at Salvation Recording Co. in New Paltz, NY with engineer and co-producer Chris Daly. Tamko and Daly worked closely and tirelessly in his upstate NY studio through the winter into the spring of 2016. The album’s title references a book of poetry by Dana Ward called The Crisis of Infinite Worlds, a book Tamko found particularly inspiring during her recording process, but also very challenging to read: “I had to think critically while reading Dana Ward, it was exciting to be challenged in that way. While I was writing the album, it was a lot of me thinking critically about how to actualize my ideas, and the challenge of reaching proficiency in new instruments. It sort of mirrored my experience reading Dana Ward’s book. I found myself combing his writing over and over and over until I grabbed something from it.”

And as she sat with her songs, she found more and more. “A lot of it is about finding a space for myself, whether it is physical, emotional, social” Tamko says. “It’s about finding that place where I feel most comfortable. And also finding that the confidence within myself can continue to grow. And finding what it takes for me to feel whole through making music.”

Genre: contemporary cinematic sounds

FITH are driven by the spell of the spoken word, minimal percussive refrains, washed out in oneiric textures & deep melodic synths, combining cinematic imagery, storytelling & spiritual frenzy.

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The Mechanical Tales sind eine Trio aus Udine. Sie spielen postpokalyptische cinematografische Musik mit dem Wissen um Postrock und Pathos
The trio is based in Udine (Italy), the so-called capital of the war, and produces cinematic music with post-atomic vibes.

Genre: Singer-Songwriter / Pop

Der Deutsch-Amerikaner Michael Lane hat bereits viel erlebt: angefangen als Soldat im Irak und in Afghanistan hat er sich zu einem der aufstrebendsten Songwriter der Republik entwickelt. Nach zwei Album-Veröffentlichungen erscheint nun sein dritter Langspieler “Linger On”, das nahtlos die Brücke zwischen der wundervollen Utopie vom Menschen ohne Ängste und der harten Realität in der wir leben, baut. Mit einer großen Portion Hingabe stimuliert uns der Künstler zu einer Reise in unser Inneres, die ihn und uns auch in den Privatclub führt.

Genre: Indie Pop

Man hätte es Adrianne Lenker und ihren Herren von Big Thief als Arroganz auslegen können, dass sie ihr Debüt 2016 „Masterpiece“ nannten. Aber Lenkers Stimme und die gefühlstiefen Songs der Band aus Brooklyn waren schlichtweg so überzeugend, dass „Meisterwerk“ eben doch passte. Ihr zweites Album „Capacity“ hält das Niveau und lässt sogar noch tiefer blicken. Oder, wie Adrianne Lenker es treffender sagt: „Dieses Album hat noch düstere Düsternis und noch helleres Licht“.

Die Vorab-Singles „Mary“ und „Shark Smile“ bestätigen das, jede auf ihre Weise. „Mary“ ist eine minimalistische Folkballade, die fast nur auf Lenkers Stimme und ein leises Klavier setzt, während „Shark Smile“ als ein lässig abgehangenes Stück Rock daherkommt. Das Album erscheint in Deutschland am 16. Juni, die Welttournee dazu führt Big Thief dann im Oktober zu uns.

Foto: © Chris Baker

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Katie von Schleicher

Genre: Alternative Rock

… Die Jungs klingen auf ihrem Erstling dermaßen professionell und ausgereift, dass sich Alter Bridge, Shinedown & Co. trotz steigender Temperaturen getrost warm anziehen können. Sieben Songs, sieben Ohrwürmer, siebenmal Dynamit!…“ so das deutsche RockHard Magazin. Mit 3 top-10 Singles in den österreichischen Download-Charts; Shows mit Bands wie PLACEBO, IMAGINE DRAGONS, QUEENS OF THE STONEAGE und KORN und knapp 10.000 verkauften Tonträgern zählt PSYCHO VILLAGE zu den aktuell heißesten Acts aus Österreich, welchen man nicht verpassen sollte wenn man die Chance dazu hat.

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –

Genre: Folk, Blues, Soul

Als Singer- und Songwriterin stattet Gaby Moreno ihre englisch- und spanischsprachigen Songs mit einem liebenswerten Charme aus: Elegante Harmonien, unerwartete Klangfarben und eine schlichte Instrumentierung vereinen sich auf wunderbare Weise und sorgen auf ihren Konzerten für große Begeisterung.

2006 gewann sie den John Lennon Songwriting Contest und veröffentlichte schließlich zwei Jahre später ihr Debütalbum „Still the Unknown“. Es begeisterte auf Anhieb Kritiker und Fans. So schrieb der STERN: „Ihre Lieder trägt sie, an Norah Jones und Tori Amos erinnernd, so gelassen vor, als wüsste sie ganz genau: Sie wird keine Unbekannte bleiben.“

Es folgten Tourneen mit Tracy Chapman und Ani DiFranco. 2010 kürte das „Latina Magazine“ sie zum „Best New Latin Artist 2010“. Im selben Jahr erhielt die talentierte Künstlerin gemeinsam mit Vincent Jones eine Emmy-Nominierung für die Komposition der Titelmelodie der NBC-Fernsehserie „Parks and Recreation“. Außerdem wurde ihre Komposition „Greenhorne Man“ in Fernsehshows wie „Lincoln Heights“, „Ghost Whisperer“ und MTVs „The Hills“ eingesetzt.

Ein weiterer Höhepunkt ihrer Karriere war das 50-jährige Jubiläum von Amnesty International, wo sie mit Stars wie Kris Kristofferson und Johnny Lang in Jay Lenos „The Tonight Show“ sang. Einige Wochen später folgte ein Auftritt im Rahmen des Konzertes „Electric Burma“ – zu Ehren der Nobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi – gemeinsam mit Bono, Damien Rice, Bob Geldof, Angelique Kidjo u.a.

2011 sang Gaby Moreno das von Charlie Chaplin komponierte Lied „Smile“ im Dokumentarfilm The Cove (Die Bucht), der in der Kategorie „Bester Dokumentarfilm“ mit einem Oscar ausgezeichnet wurde. Es folgten zwei weiteren Grammy Nominierungen für die Kategorien „Song des Jahres“ und „Aufnahme des Jahres“ für das Duett „Fuiste Tu“ mit dem ebenfalls aus Guatemala stammenden Latin-Superstar Ricardo Arjona (2012).

Mit ihm trat sie anschließend bei zahlreichen Konzerten von dessen „Metamorfosis World Tour“ auf. Mit diesem Duett gelang Gaby Moreno 2012 der endgültige Durchbruch!

DJs: Sascha Schlegel & Tabeah B.

Genre: Rock'n Roll / 60s

Am 28. Oktober kehren wir mit GOOD VIBRATIONS zurück – ALL DAY AND ALL OF THE NIGHT. Erneut präsentieren wir die glorreiche Musikära der 60er Jahre: zwischen David Bowie und James Brown ist immer auch Platz für The Hollies oder The Zombies. Seid dabei und lasst euch WITH A LITTLE HELP FROM OUR FRIENDS zum TWIST AND SHOUT einladen.

Das „best kept secret“ der Jazz- und Bluesszene kommt nach Berlin und Hamburg

Genre: Jazz / Blues / Pop

Franko-Italiener Charles Pasi stellt neue CD „Bricks“ live vor

„Sperrt mich ja nicht in einen Käfig. Ich bin kein Soul- oder Blues-Man. Kein reiner Jazzer, auch kein Rocker.“ (‚Rolling Stone’). Charles Pasi ist ein Großmeister im Spiel mit verschiedenen Klangfarben und im Negieren von Genregrenzen. Ende Oktober kommt der mit einem Blue-Note-Plattenvertrag geadelte Franko-Italiener zur Vorstellung seines neuen Albums „Bricks“ (VÖ: 29.9., Label: Universal Music) nach Berlin und Hamburg. Wenn es ums Grundsätzliche geht, hält es der Mundharmonika spielende Anfangdreißigjährige ganz mit „Duke“ Ellington: „Es gibt nur zwei Arten von Musik: gute Musik und die andere Art.“

Charles Pasi, der schon mit Carla Bruni und US-Free-Jazz-Maestro Vernon „Archie“ Shepp kollaborierte, nutzt die volle Palette der ihm zur Verfügung stehenden Möglichkeiten: „Ich versuche, alles auf natürliche Art und Weise miteinander zu kombinieren. Auch Blues und Jazz haben fremde Einflüsse, zum Beispiel afrikanische und europäische. Wenn ich komponiere, ist alles sehr visuell. Meine Musik entspricht etwa dem Originalsong meines Lebens. Man kann sie mit einem Tagebuch vergleichen, welches ich nie geschrieben habe.“ Wer darin schmökert, findet intime, beseelte, poetische Inhalte – scharfsinnige Beobachtungen unserer widersprüchlichen Welt. Ein facettenreiches Potpourri vermeintlich antiquierter und moderner Stilelemente aus Jazz, Blues, Pop und Soul bildet den musikalischen Rahmen für die wertfreien Zustandsbeschreibungen des Englisch textenden Multiinstrumentalisten. Integraler Bestandteil vieler Pasi-Songs ist die Mundharmonika. Als 17-Jähriger wurde der literaturbegeisterte Cineast, der hierzulande bereits als Support von Maceo Parker und Zaz zu erleben war, durch Bob Dylans „Mr. Tambourine Man” zum Kauf seines ersten Exemplars motiviert: „Ich glaube, dass viele nicht wissen, was man mit ihr machen kann. Jeder weiß, wie ein Klavier klingt oder ein Saxofon, aber was die Mundharmonika angeht, die ist eher ein Spielzeug. Ein sehr günstiges zwar, aber man kann wirklich jeden Ton der Welt aus ihr rausholen.“

Nach Auftritten im Gospelchor, dem Studium an der Saint Louis Jazz School in Rom, an der Pariser Jazzschule CIM und der Schule für zeitgenössische Musik in Paris Atla liegen die Lehrjahre längst hinter ihm. Im Herbst erscheint seine dritte CD, die über 18 Monate hinweg zwischen Paris und Brüssel aufgenommen und vom französischen Schauspieler/Singer-Songwriter Jean-Philippe Verdin („Die Vermessung der Welt“) co-produziert wurde. „Bricks“, das ab dem 29. Oktober zu Ticketpreisen von 22 Euro (zzgl. Gebühr) auszugsweise live zu hören ist, ist der nächste „Baustein“ im unvollendeten Mosaik des Charles Pasi.

Genre: Folk / Indie

Nonesuch Records veröffentlicht “The Following Mountain”, das neueste Soloalbum des experimentellen Folk Sängers und Multiinstrumentalisten SAM AMIDON am 26. Mai 2017. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leo Abrahams (Brian Eno, Regina Spektor) und Amidans Songwriting-Partner Shahzad Ismaily präsentiert es eine neue Seite AMIDONs, die von seiner sonstigen Herangehensweise, traditionelle Folk Songs neu zu interpretieren, abweicht und neue, vollkommen eigene Kompositionen zeigt, die sich hier und da noch an traditionellen Texten bedienen.

Als seltener Gaststar mischt Schlagzeuger Milford Graves mit, der ursprünglich für seine Arbeit in den 60ern mit Legenden aus dem Free Jazz, wie Albert Ayler und Sonny Sharrock bekannt ist. “The Following Mountain” ist zusammen mit einem Download des Album Tracks “Juma Mountain” auf iTunes, dem SAM AMIDON Store und Nonesuch Store vorbestellbar. Bei der Vorbestellung auf letzterem ist außerdem eine signierte Autogrammkarte des Künstlers in limitierter Edition mit erhältlich.

The Following Mountain entstand während zwei Aufnahmesessions: einem ausschlaggebenden Wochenende in Brooklyn, bei dem Ismaily und Amidon Graves, den Schlagzeuger Juma Sultan (Jimi Hendrix) und den Saxophonisten Sam Gendel für eine rein improvisierte Jam Session mit ins Boot nahmen. Danach folgte ein Sommer im Londoner Studio, in dem SAM AMIDON und Leo Abrahams die Songs weiter entwickelten und in Form brachten.
“’The Following Mountain’ ist ein Spaziergang durch das Dickicht der Phantasie”, erzählt AMIDON, “… eine persönliche Mythologie von Klängen, Sounds und Zeichen. Es ist mein erstes Album mit eigenen Kompositionen, aber es ist immer noch mit der Musik der Appalachen verbunden, die ich so liebe. Genau so, wie es mit Improvisationen, Beats, Don Cherry, Vermont und London verknüpft ist.”

“The Following Mountain” ist SAM AMIDONs sechstes Album nach Lily-O, seiner Kollaboration mit dem Gitarristen Bill Frisell im Jahr 2014 auf Nonesuch Records.

Im Oktober ist der Künstler erstmalig für drei Termine in Deutschland.

Support: Laucan
https://www.facebook.com/laucanmusic
http://www.laucan.com/

Genre: Garage / Glamrock / Punk

Zwei aktuelle Ereignisse machen die blutjunge Band Starcrawler aus Los Angeles derzeit zu einem der meistdiskutierten neuen Acts der Rockmusik: Zum einen der Tatbestand, dass Pop-Gigant Elton John ihre erste Single „Ants“ kürzlich zum Auftaktsong seiner eigenen BBC-Radioshow wählte, zum zweiten die Sensation, dass ihr Debütalbum derzeit von niemand Geringerem als dem Rock-Poeten Ryan Adams produziert wird. Höchst sensationell geraten überdies die Berichte über die ersten Liveshows von Starcrawler, insbesondere das zweifellos exaltierte Stage-Acting ihrer Frontfrau Arrow de Wilde, das sich als ebenso wüste wie wütende Mischung aus Ozzy Osbourne und Iggy Pop erweist, bietet Anlass zu einer geradezu hysterischen Berichterstattung über diese noch sehr junge Band, die sich gerade mal vor zwei Jahren fand und deren Mitglieder zum Teil noch die Highschool-Bank drücken. Von einer „Rückkehr des wahren Hard Rock“ sprechen gar bereits einige US-Medien, und Fakt ist, dass schon lange keine junge Band mehr dermaßen forsch und verrückt zu Werke ging. Wann genau ihr Debütalbum erscheinen wird, ist derzeit noch unbekannt; sicher aber ist, dass die deutschen Fans am 31. Oktober erstmals Gelegenheit bekommen werden, diese aufregende Band im Retro-Stil exklusiv in Berlin live zu erleben.

Sicher: Der Hard Rock und Old-School-Rock’nRoll von Starcrawler wäre auch schon ohne ihre Aufsehen erregende Frontfrau eine mitreißende Sache – und ein Beweis, dass guter Rock kein Alter kennt. Denn Henri Cash (17, Gitarre), Austin Smith (22, Schlagzeug) und Tim Franco (20, Bass) verstehen es, extrem tight und druckvoll auf den Punkt zu spielen und dabei in bester Weise an die brillanten Frühwerke von Bands wie Black Sabbath, Hawkwind, AC/DC oder The Stooges zu erinnern. Doch letztlich wirklich aufregend wird die Band durch die gerade einmal volljährig gewordene Frontfrau Arrow de Wilde, Tochter der renommierten Rock-Fotografin Autumn de Wilde sowie des Father John Misty-Schlagzeugers Aaron Sperske.

Mit dieser „Kinderstube“ wurde die junge Frau natürlich von Kindesbeinen an mit Pop- und Rock-Kultur geimpft, gleichwohl sich Arrow de Wilde zunächst mehr der Bildenden Kunst zuwandte. Erst als sie durch eigene Recherche auf Black Sabbath stieß, fand sie ihre großen Vorbilder und war nach eigenem Bekunden „besessen von der Idee, etwas Ähnliches auf die Beine zu stellen.“ Unter ihren Schulfreunden fand sie geeignete Mitstreiter. Starcrawler fanden sich 2015 zusammen und gaben sich ihren Namen am Abend vor ihrem ersten Konzert in Los Angeles, „einfach, weil wir halt irgendeinen Namen brauchten.“

Seither wächst das Interesse an dieser jungen Band in Siebenmeilenstiefeln. Dies liegt sicher auch an den vollkommen ungezügelten, ja teils wahnsinnigen Liveshows der Band, bei denen Arrow de Wilde gern mit Kunstblut, Zwangsjacken und anderen verstörenden Requisiten agiert. Doch ebenso mitreißend gerät auch die Musik, die in bester Tradition des 70er-Jahre-Rock steht. Wie gut diese Band ist, das fand auch Ryan Adams heraus, der sich unmittelbar anbot, als Co-Songwriter und Produzent ihres Debütalbums zu fungieren. Man darf also gespannt sein auf den ersten Longplayer von Starcrawler, der gegenwärtig ausschließlich mit analogem Retro-Equipment aufgenommen wird.

Genre: Indie Pop