Genre: Indie / Psychedelic Pop

Lemonwood sind Paul Piesker (Bass), Salomon Bosse (Schlagzeug) und Justus Maaz (Gesang, Gitarre, Keyboards), sowie live Alexander Schulz (Gitarre), allesamt geboren und lebend in Berlin. Die Musik beschreiben sie selbst schlicht als Psychedelic Pop, es lassen sich aber Bezüge zu Shoegaze, Neo Psychedlic, Krautrock, Madchester, Americana und 60s Rock‘n‘Roll ausmachen. Die Songs sind melodiös und eingängig, dabei oft mit Überlänge und mantrahaft in viel Hall und Echo getaucht. Der Songwriter und Produzent Justus verarbeitet Themen wie Sehnsucht, Verlust, Suche und Hoffnung, aber auch philosophische Ideen und spirituelle Wahrnehmung. Während live eine Wall of Sound vor allem durch konventionelle Rockinstrumente errichtet wird, wurdefür das Album „Home“ auch mit Produktionstechniken, orchestralen Flächen und Loops experimentiert und damit versucht, ein cinematisches und „psychoaktives“ Gesamtwerk zuschaffen. Ihr Debutalbum „HOME“ erscheint am 25. September 2020.

Facebook

Who the F**K Are NASTY CHERRY? – Die Netflix-Sensation auf Tour!

Genre: Indie

Wenn ihr a) Musikfans seid, b) Fans von Charli XCX, c) regelmäßig Netlifx schaut oder d) alle drei Punkte erfüllt, dann dürfte euch Nasty Cherry längst ein Begriff sein. Im Mai kommt die Girlband – die durch die Netflix-Doku-Reality-Serie „I‘m With The Band: Nasty Cherry“ bekannt wurde – nach Berlin und Köln.

„Ich hätte mir gewünscht, dass es so eine Band wie Nasty Cherry schon gegeben hätte, als ich 14 war“ , sagt Charli XCX im Trailer zur Musikcasting-Realityshow „I‘m With The Band: Nasty Cherry“. Aus vier Frauen stellt die Pop-Ikone Charli XCX die Band zusammen. Bis auf Gitarristin Chloe Chaidez, die vor allem durch ihre Musik mit der Indie-Band Kitten bekannt ist, sind alle anderen Bandmitglieder Musikneulinge. Debbie Knox-Hewson war im vereinigten Königreich als Session-Musikerin tätig, Bassitin Georgia Somary lernte für das Bandprojekt extra das Instrument zu spielen und für Sängerin Gabbriette Bechtel ist die Band eine Premiere. Über sechs Episoden dokumentiert die Show die Entstehungsgeschichte von Nasty Cherry – von ihrem Zusammenziehen und ersten Bandproben über ihre erste Performance bis hin zur Veröffentlichung der Debüt-Single und allem dazwischen. „I‘m With The Band: Nasty Cherry“ bietet einen intimen Einblick, was es heutzutage braucht, um einen Band zu gründen, und folgt den Frauen, während sie sich durch ein neues Zeitalter der Musik navigieren, entlang des Weges ihre eigenen Regeln aufstellen und Instagram-Feeds sprengen.

Seit Ende November ist auch die erste EP der Band erhältlich – passend betitelt „Season 1“ und veröffentlicht über Charli XCX’ Label Vroom Vroom Recordings. Die sechs Tracks der EP enthalten alles, was Nasty Cherry zu einer der aufregendsten Bands der vergangenen Jahre macht. Von „Music With Your Dad“, ein frecher, Riff-lastiger Tune, mit dem selbst die steifsten Hüften aufgelockert werden, über das gemeinsam mit Charli XCX geschriebene „Live Forever“, ein 80s-getränkter Song über eine vergiftete Beziehung, bis zum JustinRaisen-produzierten, zähnefletschenden Pop-Meisterwerk „Win“ ist die EP ein Werk, das zeigt: Nasty Cherry werden dem Hype um sie mehr als gerecht. Das EP-Highlight „Fuck Modern Love“, in dem der Gesang von Frontfrau Gabriette Bechtel über eine Pop Shoegaze Produktion gespült wird, ist eine empowernde Schlussmachhymne und unterstreicht die Vielseitigkeit der Band sowohl in puncto Songwriting als auch Lyrics.

Ende Februar fällt der Startschuss für ihre erste UK- und US-Tour. Das Quartett wird insgesamt acht Shows spielen – darunter in London, New York und Los Angeles. Zudem sind Nasty Cherry für das SXSW 2020 bestätigt. Anschließend kommen Nasty Cherry im Mai dann auch erstmals nach Deutschland. Wir freuen uns drauf!

Photocredit: Rüdiger Rübi Kusserow

Website Facebook

Genre: Pop

Es dauert nicht lang, bis man versteht, worum es bei PHIL SIEMERS geht. Nur wenige Sekunden von seinem Song Schöne Neue Welt und man ist drin im Kosmos des 26-Jährigen: Eine treibende Kontrabasslinie begleitet von Offbeat-Claps macht den Anfang; das Klavier setzt ein und legt mit einem jazzigen Riff eine schwebende Fläche, auf der PHIL mit Textzeilen, die sofort aufhorchen lassen, zu erzählen beginnt. Modernes Songwriting und die Liebe zur analogen Soundwelt der Soulplatten aus den 60er und 70er Jahren verbinden sich zu packendem, zeitgenössischem Pop, der berührt und fesselt. Wenn sein prägnanter, aber angenehm unaufgeregter Gesang einsetzt, ist man sofort vom Sound und Groove gefesselt und schnippt unwillkürlich mit den Fingern. „Ich liebe es, wenn man die Persönlichkeiten der Musiker hören kann. Die Energie, die entsteht, wenn ich mit meiner Band zusammenspiele“, so PHIL SIEMERS, der mit seinen Liedern Geschichten erzählt und Gefühle beschreibt, die man sofort nachvollziehen kann. Er spricht eine klare Sprache und schreibt geradlinige und durchdachte Songs, die sich anfühlen wie ein alter Freund, der sich zu Dir setzt und sich Zeit für Dich nimmt.

Vor allem seine Liebe zu natürlichen Instrumenten und organischen Arrangements zeichnen seinen speziellen Sound aus. Gemeinsam mit seiner Band arrangiert er mit spielerischer Spontaneität die Instrumentierung: Manchmal sparsam, manchmal mit geschickt pointierenden Chören oder Bläsern – je nachdem, was der Song braucht. „Text und Musik haben den gleichen Stellenwert“, betont PHIL. „Es ist mir wichtig, dass die Texte leichtfüßig und immer im Fluss mit der Musik bleiben. Beides muss einander ergänzen und eine harmonische Einheit bilden.“ In seinen Texten geht es um aufrichtige Gefühle, Zwischenmenschliches und die kleinen und großen Fragen unserer Zeit.

Vor gut 13 Jahren schrieb PHIL seine ersten Songs und gelangte über deutsch- und englischsprachiges Songwriting schließlich zum Soul. Künstler wie Bill Withers, Marvin Gaye oder Donny Hathaway inspirieren ihn. Dabei musste er den Soul nie lernen, er HAT ihn – in seiner Stimme, in seinem Gefühl und in seinem Songwriting. PHIL SIEMERS hat seine eigene musikalische Sprache entwickelt, für die es im deutschen Pop derzeit kaum Referenzpunkte gibt. Nicht wirklich überraschend ist dabei, dass er seit einiger Zeit zur Stamm-Besetzung der Formation Soulounge gehört, die bereits mit deutschen Soul-Größen wie Roger Cicero, Max Mutzke, Laith Al-Deen und anderen zusammenspielten.

Mit seinen eigenen Konzerten, u.a. im Hamburger Jazzclub Birdland, einigen Gastauftritten (u.a. im Hamburger Mojo Club bei Anna Depenbusch) sowie ersten Radio- und TV-Auftritten (NDR, RTL Nord, NDR 2, NDR 90,3), ist PHIL SIEMERS definitiv kein unbekanntes Gesicht und keine unbekannte Stimme mehr. Und man wird im Laufe der nächsten Monate noch viel von ihm hören. Am 4. April 2019 wird er ein Showcase im Hamburger Club „The Box“ geben. Eine perfekte Gelegenheit, einen Abend in entspannter und inspirierender Atmosphäre zu genießen.

Genre: Hip Hop / Rap

Der gefühlvolle Song ›Say My Name‹ stellte 2017 den Durchbruch des Stuttgarter Rappers mit spanisch/türkischen Wurzeln dar und verzeichnet inzwischen weit über 3 Millionen Streams. Dieser Erfolg kam jedoch weder über Nacht, noch ist er Zufall: Seit der Veröffentlichung seiner ›Pablo Picasso EP‹ in 2016 hat der Stuttgarter einen beeindruckenden Output vorgelegt: 21 Singles, 4 EPs, ein Mixtape mit dem treffenden Titel ›Future Kid‹ und seit diesem Jahr mit ›Chérie‹ auch sein Debutalbum, das zeigt, dass man von JIGGO künftig noch einiges hören wird. Im Mai 2020 kommt er auf eine zehn Termine umfassende Debüttour, die ihn durch Berlin, Dortmund, Frankfurt, Hamburg, Köln, Heidelberg, Wien, München, Zürich und Stuttgart führen wird.

JIGGO, auch ›Jiggx‹ genannt, wurde 1995 im Raum Stuttgart geboren. Der Newcomer überzeugt mit Gesang und Melodien, bringt gefühlvolle Vibes auf Songs wie ›Say My Name‹ oder ›Mi Amor‹, fesselt seine Hörer aber auch mit Tracks für die dunkleren Tage wie ›Geh mir aus dem Weg‹ oder
›Für immer‹.

Im Frühjahr 2016 erschien mit der ›Pablo Picasso EP‹ sein fünf Songs starkes Debut, auf das er nur kurze Zeit später die ›Next Level EP‹ (2017) sowie sein erstes Mixtape ›Future Kid‹ (2017) folgen ließ. Die darauf enthaltenen melodischeren Songs machten deutlich, wo die musikalische Reise von JIGGO hingeht. Den Durchbruch bedeutete die Videoauskopplung ›Say My Name‹, die inzwischen millionenfache Streams und Klicks erreichte.

Auf ›Mi Amor‹ und der dazugehörigen ›Casanova EP‹ (2018) überzeugt JIGGO noch deutlicher als auf den Vorgängern mit stärkeren Ohrwurm-Hooks und harmonischen Gesangspassagen. Auf seiner 2018 veröffentlichten ›Guns & Roses EP‹ und den Singleauskopplungen ›Nur noch mit dir‹, ›Diablo‹ und ›Für immer‹ untersteicht JIGGO einmal mehr, was für unterschiedliche Vibes er beherrscht, wieunter anderem das Musikvideo zu ›Bésame‹ mit Laruzo zeigt.

Mit seinem Debutalbum ›Chérie‹ stehen nun alle Regler auf ›Zukunft‹ für das ›Future Kid‹.

Da geht noch einiges!

Genre: Dance / Electronic

Frankfurt, 28. November 2019 – Endlich ist es soweit! Das belgische Geschwister-Duo YellowStraps kommt für ein Konzert nach Deutschland. Die zwei Brüder Alban & Yvan, die eigentlich aus Rwanda in Ostafrika kommen, in Uganda aufwuchsen und mittlerweile in Brüssel wohnen, bringen ihren einzigartigen Elektro-Sound nach längerem Warten nach Deutschland. Am 22. Mai 2020 werden sie in Berlin im Privatclub auftreten.

YellowStraps sind kein gewöhnliches Brüderpaar. Statt sich zu streiten oder die Gegend unsicher zu machen, haben sie mit 13 Jahren lieber angefangen, zusammen Musik zu machen. Alles begann damit, dass Yvan aus Spaß das Singen ausprobierte. Schnell steigt Alban mit ein und die Beiden nehmen zunächst Coversongs auf, um ziemlich bald auf eigene Tracks zu wechseln. Mittlerweile sind YellowStraps ein paar Jahre älter und haben einen eigenen Plattenvertrag bei „Majestic Casual Records“ in der Tasche. Dem Label hatten sie einfach 2018 ihre „Blame EP“ auf Facebook geschickt und schwups, war der Deal eingetütet. Das ist auch kein Wunder bei dem besonderen Sound der Brüder. Sie vermischen in ihrer Musik Jazz, Soul, Hip-Hop und elektronische Elemente. Speziell hierbei ist vor allem ihr kultureller Background, der sich auch in ihrem Klang wiederspiegelt: so werden hier und dort traditionelle afrikanische Beats eingestreut, aber auch an moderneren, westlichen Vibes wird nicht gespart.

Die harte Arbeit der beiden Jungs hat sich seit ihrer Jugend ausgezahlt. Nicht nur einen Plattenvertrag haben sie unter Dach und Fach, sondern auch schon einen eigenen Preis gewonnen. 2014 konnten sie den „Award of Most Promising Artist“ der Redbull Elektropedia mit nach Hause nehmen. Seitdem geht es für YellowStraps steil bergauf. 2016 veröffentlichten sie „Mellow“, ihre erste Kollaboration mit dem renommierten Producer Le Motel um dann, im Jahr 2018, ihre „Blame EP“ herauszubringen. Mittlerweile haben sich die Beiden einen Namen in der belgischen Musikszene gemacht und sind dabei, auch außerhalb ihrer Heimat durchzustarten. Genau aus diesem Grund werden die Brüder 2020 auch nach Deutschland kommen. Die Beiden bezeichnen sich selbst als „Young Dreamers“, also junge Träumer. Ihre Musik ist definitiv verträumt und lässt den Hörer teilweise aus dem Alltag fliehen und in eine entspannte, ruhige Welt eintauchen. Genau das kann man auch von einem ihrer Konzerte erwarten.

Genre: Indie / Rock

Drama, Gefühl, Wucht und Melancholie: Kyles Tolone gießen das Lebensgefühl der „Generation Why?“ in dynamische und anspruchsvolle, zugleich aber auch kompakte und mitreißende Rockmusik. Geschult an Vorbildern wie Biffy Clyro, Kings Of Leon, Hundred Reasons oder den frühen Coldplay sind Kyles Tolone episch, ohne Progrock zu sein, hoch emotional, ohne Emo zu sein und straight auf den Punkt, ohne das Publikum zu unterfordern. Mit anderen Worten: Sie sind in der deutschen Rockwelt schon jetzt einzigartig. (Oliver Uschmann)

Nach ihrem 2019er Album „Low Spirits & Fireworks“ machen KYLES TOLONE im Herbst wieder das, was sie am besten können: quer durch Deutschland touren und mitreißende Shows spielen. Ihr Geheimrezept aus tiefgründigen Geschichten, eingängigen Melodien und britischen Röhrenamps lädt ein auf eine emotionale, sphärische Reise durch das bittersüße Chaos des Lebens.

Genre: Indie / Pop / Singer-Songwriter

Es brodelt in der britischen Musikszene – der Name Joesef macht die Runde wie ein Lauffeuer. Noch bevor er einen einzigen Track released hatte, war das erste Konzert bereits ausverkauft. Was es mit dem geheimnisvollen schottischen Singer/Songwriter auf sich hat, kann man am 09.12.2020 im Yuca, Köln sowie am 10.12.2020 im Berliner Privatclub erfahren, denn dort spielt einer der spannendsten Newcomer der Insel in diesem Jahr.

Joesef ist ein Vertreter des Bedroom-Pop – einer Musikrichtung, die durch die Möglichkeiten moderner Aufnahmetechnik im Schlafzimmer der Künstler entsteht und produziert wird. Alle Instrumente spielt der junge Mann aus Glasgow selbst ein. Seine Einflüsse reichen von Motown über Jazz, Pop, Blues bis zu Hip Hop und R’n’B. Mit seiner unverwechselbaren, kantigen Stimme erschafft er wunderbare Momente voller Poesie, die nie angestrengt klingen, irgendwo zwischen Künstlern wie Amy Winehouse und Frank Ocean, modern und klassisch zugleich.

Vom Erfolg seiner Debütsingle „Limbo“, die im März 2019 erschien, war Joesef mehr als nur überrascht: „Es war absolut verrückt, nie im Leben hätte ich damit gerechnet“

Dass seine Musik so ein reges Interesse verursacht, verwundert indes nicht wirklich, denn so offen, organisch und voller Seele werden die Songs des Schotten zu einer erfrischenden Abwechslung zwischen all den aufgepumpten Popsongs der Gegenwart.

Im Mai folgte dann die Single „Loverboy“ die Joesef nicht nur zum Artist of the Week bei Apple Music machte, sondern auch in Radioshows aller wichtigen britischen Sender vorgestellt und besprochen wurde. Der Song bringt es mittlerweile auf mehr als vier Millionen Streams bei Spotify. Am 18. Oktober erschien dann die Debüt-EP „Play Me Something Nice“, die neben den beiden bereits erwähnten Singles vier weitere Songs voller süßer Melancholie und Sinnlichkeit enthält. 2020 folgten die Singles „Think That I Don’t Need Your Love“ und „The Sun Is Up Forever“, die seine Ambitionen, die Popwelt aufzumischen, erneut eindrucksvoll unterstreichen.

Wer also nicht zu spät kommen will, der sollte sich Joesef unbedingt bei seinen beiden Deutschlandkonzerten im Yuca, Köln am 09.12.2020 oder im Privatclub, Berlin am 10.12.2020 anschauen. Dort wird er nicht nur seine Songs, sondern auch eine ganze Band dabeihaben, die seinen Sound auf die Bühne bringt

Genre: Indie / Electro-Pop

Zwei Berliner Bands geben sich zum ausklingenden Jahr 2020 die Ehre, in den Privatclub in Kreuzberg mit einer Doppelshow zu laden!

ADAM IS A GIRL und NINA, beide bekannt vom „Synth-Pop goes Berlin“-Festival und diversen Auftritten im Vorprogramm bei DE/VISION und anderen, präsentieren überdies ihre neuen Alben: NINA stellt ihr neues Album „Synthian“ vor, ADAM IS A GIRL veröffentlichen ihr neuestes Schaffen auf dem Werk namens „Now or never“.

Sowohl von ADAM IS A GIRL als auch NINA kann man ein breites Spektrum an Hits aus ihrem neuen Album als auch von älteren Titeln erwarten. Beide Acts erhalten die gleiche lange Spielzeit, ergo freuen wir uns auf dieses Doppelkonzert an einem Abend!

Website Facebook

Genre: Alternative / Hardcore

Noch zu Beginn des Jahres wäre das Tour-Motto einfach ein makabres Wortspiel gewesen, im Herbst 2020 sind die dringend notwendigen, „lebenserhaltenden Maßnahmen“ bittere Realität geworden. Nicht nur Künstlern fehlen die Einnahmen aus dem Konzertgeschäft, die gesamte Live-Branche (u.a. Venues, Veranstalter, Techniker und Booker) hängt mittlerweile am seidenen Faden. Denn Autokinokonzerte und Live-Streams in allen Ehren, Shows transportieren ein Gefühl, dass nur entstehen kann, wenn Bands und ihr Publikum nicht durch Windschutzscheiben oder Internetleitungen getrennt sind.

Nun stehen die Zeichen für die Herbst-/Winter-Saison wieder auf Sturm und Bands sowie Fans scharren mit den Hufen, dass es wieder losgeht. Und damit der Start auch standesgemäß begangen wird, schickt Redfield Records gleich zwei seiner heißesten Newcomer gemeinsam auf Tour durch Deutschland: WATCH OUT STAMPEDE, die Nordlichter aus Bremen, die ihr neues Album „Northern Lights“ Ende 2019 veröffentlicht haben, und THE DISASTER AREA aus Süddeutschland, die zuletzt mit ESKIMO CALLBOY auf Europatour waren und zur Zeit mit einer Reihe neuer Singles durchstarten, machen gemeinsame Sache und bringen die Shows wieder dahin, wo sie hingehören. Dass beide Bands nach der langen Pause vor Energie explodieren werden und auch die ein oder andere Überraschung im Ärmel haben werden, versteht sich ja schon fast von selbst.

Besorgt Euch JETZT die Tickets zur Tour, damit die Vorfreude AB SOFORT steigen kann und das Licht am Ende des Tunnels wieder ein Stück heller wird.

Genre: Psych Rock / Noise

BADA sollte man auf dem Schirm haben, wenn es um Black Noise und Drone Sounds geht. Das sehr prominent besetzte schwedische Kollektiv machte erstmals im Frühjahr 2019 mit einigen Konzerten auf sich aufmerksam. Ihr Sound ist frei improvisiert und basiert auf unterschiedlichsten Elementen: ausufernde Drone-Sphären treffen auf dissonante Orgelklänge, Tribal-Rhythmen, eigenwillige Slide-Guitar-Melodien und tieftönende, verzerrte Bässe – und damit einem Füllhorn kreativer Möglichkeiten. Im Internet wird man nur wenige Spuren des Schaffens von BADA finden, da man dieses Klangerlebnis auch kaum virtuell widergeben kann. Der einzige Weg, ihre Musik vollends zu genießen, ist die Live-Erfahrung, bei der ihr voluminöser Sound den ganzen Körper in Schwingung versetzt – Musik wird hier auch physisch erfahrbar.

BADA ist ein unheimliche Wesen – erschaffen und live auf die Bühne gebracht von keinen Geringeren als:

Anna von Hausswolff
Hannes Nilsson
David Sabel
Filip Neyman
Gianluca Grasselli

Sie werden ihr neues Album auf Europatour rund um ihren Auftritt beim Roadburn Festoval 2020 – eingeladen von der Kuratorin Emma Ruth Rundle – auf ausgesuchten Bühnen live vorstellen.

Genre: Country-Blues

Reverend Peyton’s Big Damn Band has built its reputation the long, slow, hard way. After 12 years of playing as many as 300 shows each year, Rev. Peyton, the world’s foremost country blues finger-style picker, along with the biggest little band in the country has pieced together one of the most dedicated followings out there. This following is sure to eat up the band’s latest offering, Poor Until Payday, (the second on their own Family Owned Records label through hip Nashville indie Thirty Tigers) out October 5th, a country blues record that was made the right way — two feet on the ground and both hands getting dirty.

With all the power of a freight train, the Big Damn Band is known for its live shows. Rev. Peyton delivers guitar pyrotechnics the old fashioned way — ten fingers, a 6 string and an amp cranked at full tilt. In the country blues style, he plays the bass with his thumb, while picking the lead with his fingers at the same time. When he lifts the guitar behind his head to play there’s nothing but skill and 16 gauge nickel strings to make the sounds coming out of the speakers.
Beside him on stage are just two other people. His wife, “Washboard” Breezy Peyton playing with all the nuance and percussive power of a New Orleans drum line, and keeping the train moving is Max Senteney on a lean drum kit including a 5 gallon maple syrup bucket. Together they play Peyton’s wildman country blues that’s as much ZZ Top as it is Bukka White.

On Poor Until Payday Peyton wanted a sound as live and electric as the records made in the heyday of 45 rpm blues classics from Chess, Stax and Sun Records. Playing his beloved custom-made National steel resonator, a 1949 Harmony Archtop, a 1954 Supro Dual Tone and a 1955 Kay Speed Demon through a 1949 Supro amp, Rev wanted to restore the “warmth, pops and hisses” mostly eliminated by modern-day compression. The band played in a room together with minimal micing (using only the best classic pieces they could get) with the main effect being tape saturation.
That’s it.
The result is an album that is direct, soulful and demands to be played loud.
The themes of songs like the title track, “You Can’t Steal My Shine” and “I Suffer I Get Tougher” offer the antidote to today’s hard times by touting “perseverance, inspiration and hope… being your authentic self despite everything lined against you, a light at the end of the tunnel.” With a vocal style reflecting both the soulfulness and bite of his idols, Rev has added world-class singer to his already-renowned skills as a finger-pickin’ guitar phenom. Breezy and Max also contribute background vocals to most of the songs, with “The Miss Elizabeth of Country Blues” actually taking the spotlight with a sultry call-and-response showcase on “Dirty Swerve,” in which she also contributed to the writing.
Peyton’s blues pedigree is well established. Woodshedding since he was 12, Peyton has kept alive a tradition of finger picking pioneered by the likes of Mississippi John Hurt. However, Peyton plays with the energy and attitude of a Howlin’ Wolf. Indeed if it has strings he can play it whether that’s a custom-built National, a cigarbox, an axe or even a shotgun (seriously, Google it.).

He’s done his homework and been given the blessing of the gatekeepers of the tradition — even befriending and touring with some of the last of the great Delta Blues and Hill Country blues legends like David “Honeyboy” Edwards, T-Model Ford (whose grandson calls him Unk), and Robert Belfour.
Rev and Breezy make their home in rural southern Indiana near the adopted home of bluegrass legend Bill Monroe, among national parks and forests in what began as an artist’s colony. “Most of the people here can both paint a picture and skin a deer,” laughs Breezy.
There’s nothing dusty or sentimental about Peyton’s music, though. There’s no songs about picking cotton. They aren’t a museum piece. The Big Damn Band have taken nearly a century of blues songsmanship and crafted a thing all their own. There is not a single act out there that sounds like this.
The Big Damn Band make friends and fans every place they go — and there are few places they haven’t been, having performed in 37 countries. After Poor Until Payday, the only people who won’t be on the big damn bandwagon will be people who haven’t heard or aren’t paying attention.
This is real, from the heart, handmade music made by people, for people who don’t have time for BS.

PRAISE FOR REVEREND PEYTON’S BIG DAMN BAND
“The latest from Reverend Peyton’s Big Damn Band…. is, in short, a revelation. An amazingly well crafted, controlled explosion of talent, the range and depth of the music performed by the trio is remarkable.” – American Blues Scene
“… the reincarnated Mississippi moan of guys like Son House… a burly soul punishing the senses with a Deltapunk attack and a heavy helping of rural realism. You can’t ignore his Big Damn Band’s gospel.” — Elmore
“The tent revival, almost punk energy of the Big Damn Band is a refreshing splash of coldwater to the face. Between The Ditches doesn’t keep it in the road – it takes up both lanes as it barrels along.” — Living Blues
“The country blues is a gift of 20th century American music, and it’s awesome to see a band tap into its legacy with so much gusto and original vision.” – Music City Roots
“With his wife, Breezy, serving as a one-woman amen corner, and Max laying down the floppy-boot-stomp drums behind Peyton’s spiky, waspish National steel slide guitar on tracks like “Something for Nothing”, the result is a peculiarly infectious blues crusade, touching on themes of money, morality and social responsibility.” – The Independent (UK)
The Reverend Peyton’s Big Damn Band is a twenty-year-old bourbon in a room of vodka Red Bulls and PBRs; vintage yet timeless, exciting and still welcoming…” –MXDWN.COM
“The focal point and ring leader Reverend J. Peyton is the star of the show here flashing a guitar style that elates the ear, at times flying all over the fret board and equally delicately picking with ease.”  – Glide Magazine

Genre: Indie / Rock

Critics have declared Lauren Ruth Ward as a cross between Janis Joplin, Florence Welch and Courtney Barnett. And while the consumer compass inside of us grasps at these to feel safe, comparisons donʼt feel just when trying to describe such a singular presence as Lauren. Her debut album „Well, Hell“ garnered accolades from NYLON, Noisey, Consequence of Sound, the Los Angeles Times, Indie Shuffle and more. With a growing reputation for stealing the show.

Now, having falling in love with the process of recording to tape, she is set to record her next album with LA producer/guru in the making, Matt Linesch. Talent met in equal parts with work ethic and a prolific writing process that she shares with guitar wizard Eduardo Rivera.

Genre: Indie / Elektro

ok.danke.tschüss ist mit über drei Mitarbeitern der größte (und einzige) Unterhaltungsdienstleister der Einhorn-Rock-Branche. Vom Hauptsitz Mannheim aus beliefern wir unsere Kunden mit innovativem und umfassendem Klamauk.
Wir schenken kleinen Kindern so lange Süßigkeiten, bis sie sich übergeben müssen. Alten Menschen helfen wir über den
Zebrastreifen, ob sie wollen oder nicht. Kleiner Scherz am Straßenrande!
Wir suchen Sie als Zuschauer (m/w/d):
Gewünschte Eigenschaften:
• Teamfähigkeit,
• Flexibilität,
• Belastbarkeit
• Begeisterungsfähigkeit
• Party- und Abfuckqualitäten
Das bieten wir:
• anständige Musik mit unanständigen Worten,
• die höflichste Rebellion der Welt,
• einen gepflegten Abriss mit Sondergenehmigung,
• Texte, die sich über irgendetwas beschweren,
• eine angemessene Vergütung in Form von Körperwärme.
Das kann man bei uns lernen:
• kuriose Tanzbewegungen.
Bitte reichen Sie Ihre vollständigen Bewerbungsunterlagen im Rundschreiben unter
+491788842556 oder auf www.okdanketschuess.de ein. Optional auch im persönlichen Gespräch
(bitte beachten Sie die aktuell geltenden Konzerttermine).

Genre: Indie Pop / Indie Rock / Extravaganza

Capitano gehört zu der Kategorie Band, die keine Kategorien kennt. Was Anfang 2018 als mysteriöse Travestie aus Maskerade und Punk-Attitüde mit Anleihen aus Indie, Rock & Pop begann, hat sich – Stand heute – zu einem höchst ungewöhnlichen Pop-Act gewandelt. Die musikalische DNA von Capitano besteht dabei aus genau den Strängen von Elektronik, Hip-Hop, Indie und Alternative, die Beine zum Tanzen bringen – und Herzen zum Beben.

Im Dezember dieses Jahres kommt das Trio bestehend aus Frontmann John und seinen Bandmitgliedern Dyve und Fuzz erstmals auf eigene Headliner-Tour. Acht Konzerte in einigen der besten Club-Locations des Landes stehen auf dem Plan. Im Berliner Privatclub spielen sie am 18. Dezember 2020. Der Vorverkauf läuft ab sofort.

Tickets (12 EUR zzgl. Gebühren) für das von Concert Concept präsentierte Berliner Konzert von Capitano am 18. Dezember 2020 um 20:00 Uhr im Privatclub sind ab sofort erhältlich unter www.myticket.de, über die Ticket-Hotline 01806 – 777 111 (0,20 EUR/Anruf aus dem dt. Festnetz, max. 0,60 EUR/Anruf aus dem dt. Mobilfunknetz) und an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

Ihre komplizierte Beziehung zu Schubladendenken und Stereotypen hat Capitano immer wieder dazu getrieben, alte Masken abzulegen und sich neu zu erfinden, beständig suchend nach der eigenen, unverstellten Individualität.

2020 markiert ein neues Kapitel ihrer Reise: Jeden Monat releasen sie eine von 12 Singles – eine kreative Herausforderung auf dem Pfad der Selbstbestimmung. Das große Finale bildet ein 12-Track Vinyl Album, das es nur auf ihrer Tour im Dezember zu kaufen geben wird. Frische Anklänge von Alternative Pop, Hip Hop und Electro bringen Capitano raus aus dem Theaterfundus und rein in das experimentierfreudige Genre „New Alternative“, in dem glücklicherweise alles erlaubt ist.

Den neuen Antrieb verdanken sie einer eigenwilligen Begegnung auf Neufundland: Capitano treffen im kanadischen Outback auf den Grammy-Produzenten Jeff Bova, der bereits für Stars wie Jay-Z und Michael Jackson gearbeitet hat und für Capitano tatsächlich seinen Arbeitsmittelpunkt von L.A. nach Deutschland verlegt. Mit Beatriz Artola und Chris Gehringer holt er zwei hochdotierte Schwergewichte der US-amerikanischen Musikszene an Bord, die mit so ziemlich allen kollaboriert haben, die die internationale Musikszene derzeit prägen: Adele, Rihanna, Kendrick Lamar, Lady Gaga, Drake – und jetzt verrückterweise auch Capitano. Ein Act aus Deutschland, ohne Plattenvertrag, ohne Management, aber voller Tatendrang.

Als Opener der Konzerte im Dezember werden Capitano jedes Mal ihre am 31. Januar veröffentlichte Single „I wear a MASK“ performen. Und das aus einem ganz bestimmten Grund: Aus dem Tragen und Ablegen von Johns kunstvoller Maske entsteht auf der Bühne ein regelrechtes Ritual, das – stellvertretend für die Masken aller Menschen im Raum – eine kraftvolle, befreiende Wirkung hat. Für ein Publikum, das selbst genug hat vom Tragen ihrer eigenen Masken.

Fern von Schubladen und Vorurteilen: Capitano kehren bei ihren Shows ihr Innerstes nach außen, damit ihre Fans – zumindest für einen Abend – einen Ort haben, an dem sie verstanden werden.

Genre: Electronic Dark Pop

Innerhalb von wenigen Jahren haben sich EMPATHY TEST aus London in die Herzen der Liebhaber elektronischer Popmusik gespielt. Unzählige Auftritte im Vorprogramm anderer Größen sowie bislang zwei Tourneen mit mehreren ausverkauften Shows in Deutschland wurden zu ihren ersten beiden Alben gespielt. Im April erscheint die neue Single “Monsters”, dem Titeltrack zum gleichnamigen Album, welches dann im Mai folgt.

Zu dieser Album-Veröffentlichung begeben sich EMPATHY TEST auf ausgedehnte Deutschland-Tournee im September 2020, zu der sie keine geringeren als die postpunk-liebenden THE FOREIGN RESORT (www.theforeignresort.com) aus Dänemark im Gepäck haben.
2020 wird DAS Jahr für EMPATHY TEST!

Das dänische Trio THE FOREIGN RESORT spielt melodischen und atmosphärisch dichten Post-Punk und New Wave. Effektvolle Reverb-Gitarren erinnern gekonnt an Grössen wie The Chameleons, The Cure oder The Jesus & Mary Chain, aber auch an Joy Division oder My Bloody Valentine.

Im vergangenen Jahr ist mit dem eindringlichen Ohrwurm She Is Lost eine Vorab-Single zum aktuellen Album Outnumbered erschienen, das im ersten Halbjahr 2019 über das kanadische Label Artoffact Records (ACTORS, Kælan Mikla, GOLD, Front Line Assembly) das Licht der Welt erblickte.

THE FOREIGN RESORT teilten sich schon die Bühne mit Szene-Grössen wie The Soft Moon, She Past Away, The KVB oder Ash Code. Seit 2010 spielte die Band mehr als 450 Shows in Nordamerika und Europa, darunter auch Festivals wie zum Beispiel das WGT 2019 (Wave Gotik Treffen),W-Festival 2019, NCN 2018 (Nocturnal Culture Night) oder Amphi Festival 2020.

Genre: Hip Hop, Rap

Mit „Nie oder Jetzt“ gelang Döll der Befreiungsschlag: ein Debütalbum auf der Höhe seiner Zeit und für die Ewigkeit. So ehrlich und reflektiert, dass es schmerzt. Döll ist damit in den Top 15 gechartet, hat seine erste eigene Tour ausverkauft, sich freigespielt – und alles selbst in die Hand genommen. Der begnadete Live MC, dessen Reise gerade erst begonnen hat, vereint den Hunger eines Freshman mit der Technik eines Veteranen. Im Januar geht Döll auf Solotour.

Genre: Deathcore / Metal / Metalcore

Shadow of Intent was formed in 2014 as an internet-based project between vocalist Ben Duerr and instrumentalist Chris Wiseman. The band released their first EP called „Inferi Sententia“ on July 18, 2014 and continued writing more music for the album that would be called „Primordial“.

In 2015 the band started releasing more songs and followed up with full length album „Primordial“ on January 10, 2016 which rapidly started gaining traction on the internet. Over the next year the album „Reclaimer“ was written and the lineup changed gears adding members to perform in the music videos and eventually live shows.

The second studio album „Reclaimer“ was released independently in 2017, and to this day has amassed over ten million streams. The band then announced its debut performance which would sell out the Webster Underground in Hartford, CT. Shortly after, the band started going out on national tours with metal acts such as The Black Dahlia Murder, Whitechapel, Carnifex, Despised Icon, Oceano and Fleshgod Apocalypse. The band’s latest album „Melancholy“ was released in 2019, allowing the band to continue growing into a national headlining act, self-managed and independent from a label, represented by agent Nick Storch of Artist Group International and Maarten Janssen of Avocado Booking.

Genre: Pop

Wir schreiben das Jahr 2020. Die Popkultur ist zersplittert, diffus, wesentlich schnelllebiger als noch vor wenigen Jahren. Die Gitarre gilt unter Kids nicht mehr als das allercoolste Instrument. Und trotzdem gibt es sie: die Rebellen, die, die sich den Trends nicht unterwerfen und trotzdem nicht alt und abgehängt wirken. Hört man Matija, gibt so viel zu entdecken: Upbeat-Funk, Indie-Disko, ein verzweifeltes Liebeslied und nicht zuletzt der Blick zu den Veränderungen der Zeit.

Matija sind Ästheten, Perfektionisten, Freidenker, androgyne Dandys und Nerds. Und Matija sind vor allem eins: präsent auf Deutschlands Bühnen. 2019 war ein großartiges Jahr für das Münchner Trio: Eigene Tour mit ersten ausverkauften Konzerten, das erste Netflix Feature eines Songs in einer Serie, die erste Award Nominierung, Tour Support für die Kytes im Mai und dann noch unzählige Festival Gigs inkl. c/o pop, Dockville, Reeperbahn Festival, Nürnberg pop, Sound of the Forest & Waves Vienna.

Anfang 2021 melden sich Matija nun endlich live mit vier Headline Shows zurück.

Genre: Hip Hop / Rap

»Euer Pressetext, die perfekte Illusion..«..heißt es in der ersten Singleauskopplung ›Pussy‹, des am 02.11.2018 erscheinenden Albums ›Gaffa‹ der Argonautiks. Das nun zweite vollwertige Album in der Konstellation rund um Paul Uschta, Timmy Tales und Produzent Donnie Bombay bleibt seiner Linie treu. Aufgewachsen in einer Stadt, welche durch Charmlosigkeit und einen S-Bahnhof besticht, kommen die Argonautiks mit einem Boom-Bap verwurzelten, aus Samples und synthetischen Elementen bestehenden Soundbild um die Ecke, das wie eine Antwort auf diese angeblich alternative Szene wirkt. »Posen vor dem Spiegel, Pumpen, Fitness, Große Liebe, Muskeln riesig, doch den Mini-Schwanz dann wiederum verschwiegen. « Thematisch kommen die Argonautiks aus dem klassischen Battlerap, treffen aber inhaltlich oft einen wunden Punkt der Gesellschaft; Doppelmoral, Materialismus und Scheinwelten. Keineswegs verbittert, viel mehr ignorant, bodenständig und irgendwie auch ganz normal. ›Gaffa‹ erscheint auf 12“ coloured Vinyl in limitierter Auflage. ›Pussy‹, ›Dollars‹, ›Gaffa‹ & ›Wunderschöne Welt‹ erscheinen in limitierter Auflage jeweils auf 7“ Vinyl als Singles und sind ausschließlich im eigenen Shop erhältlich. Veröffentlicht wird ›Gaffa‹ über ›Alte Schule Records‹ in Zusammenarbeit mit ›Walk This Way Records‹.

Genre: Singer-Songwriter

„Soul für die Hip-Hop Generation“ (GQ Magazin)

Entdeckt von der amerikanischen Hip-Hop Institution The Roots, gewinnt Son Little mit seiner zeitlosen Soulmusik und einzigartigen Stimmfarbe weit über die Grenzen der Vereinigten Staaten immer mehr Fans. Im April 2020 kommt der Rhythm & Blues-Musiker mit seinem Ende Januar erscheinenden dritten Studioalbum „aloha“ nach Deutschland und wird am 04.04. in Hamburg, am 05.04. in Berlin sowie am 06.04. in Köln seine neue Musik live präsentieren.

2014 bringt der als Aaron Earl Livingston geborene Sänger seine erste EP „Things I Forgot“ auf den Markt. Ein Jahr später erscheint mit „Son Little“ das Debütalbum. Gleich mit diesem Longplayer wird Son Little zum neuen Hoffnungsträger für traditionsreiche Genres zwischen Soul, Rhythm & Blues und Hip-Hop. Sein Sound erschafft eine fabelhafte Symbiose zwischen dem Zeitgeist der 70er und der Moderne. Erst Kritikerliebling, avanciert die Platte zum Mainstream-Erfolg. Allein die Single „Lay Down“ wird innerhalb weniger Wochen über sieben Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Auch andere Musiker werden auf den Newcomer aufmerksam und bekennen sich als Fans. So hat Son Little die einmalige Chance Größen wie Kelis, Mumford & Sons und Leon Bridges auf ihren Tourneen zu begleiten.

2017 erscheint sein von der Szene gepriesenes zweites Album „New Magic“. Eine Scheibe mit sehr persönlichen Songs, die auffallend melancholisch klingen, aber den Zuhörer nie in die Tiefe ziehen. Der Sound ist minimalistischer und lässt den Klang seiner Stimme in noch schönerem Licht erstrahlen.

Auch als Produzent ist der Sohn eines Pastors und einer Lehrerin erfolgreich. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums bietet ihm US-Soul-Legende Mavis Staples an, ihre EP „Your Good Fortune“ (2015) zu produzieren. Mit der darin enthaltenen Single „See That My Grave Is Kept Clean“ wird er 2016 nicht nur bei den Grammys nominiert, sondern kann die Auszeichnung in der Kategorie „Best American Roots Performance“ auch nach Hause tragen.

Für Anfang 2020 hat Son Little sein neues, in gerade mal acht Tagen geschriebenes Album „aloha“ (31.01.) und Konzerte auf deutschem Boden angekündigt. Zwischen dem 4. und 6. April kann man sich in Hamburg, Berlin und Köln von seinen neuen Songs und der Magie des Future Souls verzaubern lassen.

Genre: Rap

Genre: Metal

For all those who have been longing for a way to express their innermost hidden fears, secrets, and desires – Of Virtue reaches out and hopes to be a voice in musical form. Using a combination of soaring melodies and heavy-hearted screams the band strives to welcome listeners attempting to answer a fundamental question: “What Defines You?”

Formed in Lansing, Michigan in 2009 with the concept of bringing positivity to their listeners, Of Virtue came out strong with their 2009 EP “To Breathe Again”. It was this which catapulted them into the ears of many of listeners eager for something new, something real. Knowing that they had captured the attention of a fan-base within an exhausted genre, their first full album, “Heartsounds” helped define a message of inspiring people across the globe to find their passion through Of Virtue’s music. The band followed in 2012 with “Learn/Love”, a limited release EP, which sold out immediately. In 2015, Of Virtue added more power to their sound via “Salvation”, an album which has grown to be a staple for the band’s sound. After introducing Tyler Ennis as the new vocalist in 2017, the band released a stand-alone single, “Ghost Town,” completely different from anything they’d done before. It was then when the band began their journey towards the new album, „What Defines You“.

Of Virtue continues touring constantly to bring its sound to as many people live as possible. They have performed all across the Continental U.S, traversing Europe, and recently touring Asia. They plan to keep bringing their music as far as their passports allow. The band has performed at several major heavy music festivals, domestically and abroad including Warped Tour, Cornerstone, JAMboree, Bled Fest, UK Tech Fest, Fajtfest, and Rockstadt Extreme. Hot Topic awarded them the Band Grant grand prize in 2010 on the Earn It Yourself tour which led to their addition to the Kevin Says Stage at Warped Tour Detroit in 2011. Of Virtue have built a reputation following their performances supporting artists such as Bring Me The Horizon, Of Mice and Men, Every Time I Die, The Ghost Inside, Architects, and many more.

Find them touring in support of their 2019 SharpTone Records debut album, „What Defines You“ now!

Genre: Brass Pop

Monobo Son feiert Geburtstag! Auf 10 bewegte Jahre kann die Band um Posaunist Manuel Winbeck nun zurückblicken. Viele Metamorphosen hat Monobo Son auf diesem Weg vollzogen – stilistisch und personell war und bleibt die Combo stets in Bewegung. Und dennoch ist es gelungen einen ganz unverwechselbaren Eigensound zu kreieren, der sich nicht an Genregrenzen hält, sondern diese liebevoll überschreitet und Elemente zusammenführt, die auf den ersten Blick so gar nicht zusammenpassen wollen.

Die Geschichte von Monobo Son ist nicht zuletzt auch eine Geschichte von Freundschaft. Hier haben sich fünf Musiker zusammengefunden, die stilistisch aus völlig verschiedenen Baustellen kommen, die sich menschlich aber soviel zu sagen haben, dass sich eine neue Ebene des musikalischen Austauschs auftut. Was sie eint, ist die bedingungslose Liebe zur Livemusik. Die Magie des Bühnenmoments wir zelebriert egal ob im verschwitzten Berliner Undergroundclub, im Jugendzentrum tief im Bayerischen Wald oder auf dem Stadtplatz von Wolgograd. Der Zauber der diesem Augenblick innewohnt, vermag es, Menschen zusammenzubringen, egal wo sie herkommen und welche Sprache sie sprechen, und darin sehen die fünf Männer, wenn man sie fragt, ihre höchste und ehrenvolle Aufgabe. Aber Monobo Son sind keine Nostalgiker, auch wenn man bei ihrer Musik gern die Augen schließt, und so manche Erinnerung hochkommt. Der Blick ist immer nach vorne gerichtet. Neue Herausforderungen stehen an, und pünktlich zum Jubiläum kommt ein brandneues Album („SuperSonic“ VÖ 05.02.21). In diesem Sinne: Auf die nächsten Zehn!

Genre: Alternative / Rock

Bereits Ende März verschob die Grammy-nominierte US-amerikanische Rockband Red ihre ursprünglich für April/Mai 2020 geplante Deutschland-Tournee in den Herbst. In Folge der andauernden Corona-Pandemie werden die Live-Termine erneut verschoben. Im neuen Tournee-Zeitraum, der nun für Februar 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Konzerte nachgeholt werden. Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit. Karten sind weiterhin im Vorverkauf erhältlich. (Ticketinfos und alle Termine weiter unten.)

Red beginnen 2002 mit ihren ersten Konzerten, beeinflusst wird das Quartett von Bands wie Linkin Park, Chevelle und Sevendust. Schon nach zwei Jahren erarbeiten sie sich mit zeitgenössischen Coverversionen christlich geprägter Songs einen guten Ruf in der Szene, weitere zwei Jahre später folgt 2006 der Plattenvertrag. Das Debüt „End Of Silence”, produziert von Rob Graves, erscheint im selben Jahr, sowohl die Single ‘Breathe Into Me’ als auch das Album erreichen Goldstatus (500.000 Einheiten) sowie Platz 194 der regulären Billboard- und Platz 7 der US-Christ-Charts. Red touren unter anderem mit Breaking Benjamin, Three Days Grace und Candlebox.

„End Of Silence” wird sogar 2007 in der Kategorie ‘Best Rock Or Rap Gospel Album’ für einen Grammy nominiert. Ein Blitzstart, wie er im Buche steht. Aber der Erfolg ist auch dem eigenwilligen Stil der Band geschuldet, die Nu Metal und Alternative Hardrock mit klassischen und orchestralen Elementen verbindet. Dabei schreit der Sound von Red nach visueller Umsetzung, was ihnen mit weiterem Erfolg immer mehr gelingt und zum Markenzeichen wird: Mit punktuellen Songüberleitungen in Erzählform und Pyrotechnik, die auf ihren späteren Arena-Touren die aufwendigen Graphic Novel-Videos unterstützen, bietet der Vierer eine Spektakel für alle Sinne. Das Ergebnis ist eine intensive, emotionale Verbindung mit ihrem weltweiten Publikum, das bisher über drei Millionen Red-Alben kaufte und für 350 Millionen Streams verantwortlich zeichnet. Bis 2009 hat die Band schon über 500 Konzerte gespielt, alle danach folgenden Red-Alben erreichen die Nr. 1 der Billboard US-Christian-Charts. Es folgen Touren mit Acts wie Breaking Benjamin, Pop Evil, Skillet, Saving Abel, Chevelle, Hinder, Buckcherry, Papa Roach, Puddle Of Mudd, P.O.D. und In Flames sowie Auftritte in den Late Night-Formaten von Conan O’Brien und Jay Leno. Insgesamt kommen Red in ihrer bisherigen Karriere auf mehr als 30 Nr. 1-Radiosingles in verschiedenen Formaten. Auf Facebook folgen ihnen über eine Million Menschen, auf Twitter über 100.000, bei Instagram haben sie knapp 90.000 Abonnenten, auf Spotify werden sie pro Monat über eine Million Mal abgerufen, ihr YouTube-Kanal hat über zehn Millionen Klicks und über 300.000 Abonnenten. Sie gewinnen sechsmal den GMA Dove Award, den Grammy für christliche Musik.

Michael Barnes (v, piano), Gitarrist Anthony Armstrong und sein eineiiger Zwillingsbruder Randy (b) bilden seit Beginn den Kern von Red, seit 2014 ist Drummer Dan Johnson festes Mitglied. Über ihren christlichen Hintergrund sagt Sänger Barnes: „Wir sind Christen, die in einer Band spielen. Wenn sich die Leute besser dabei fühlen, uns als christliche Band zu bezeichnen, nehmen wir das aber auch gerne an.“

Genre: Singer-Songwriter / Indie / Folk

Die norwegische Indie-Folk-Musikerin Siv Jakobsen ist zurück mit ihrem neuen Album ‚A Temporary Soothing‘. Die erste Single ‚Fear the Fear‘ greift zentrale Themen des Albums wie Angstgefühle und Veränderungen auf und soll laut Jacobsen vor allem Trost spenden: “Everything is temporary, but I hope this album can be a temporary soothing for it’s listeners, as it has been for me in creating it”. Mit ihrer EP ‚The Lingering‘ aus 2015 zog die Singer-Songwriterin erstmals die Aufmerksamkeit der Kritiker auf sich. Nachdem sie zwei Jahre durch Großbritannien und Europa tourte, betrat sie 2016 wieder das Studio, um ihr Debüt ‚The Nordic Mellow‘ aufzunehmen, welches ihr bis heute über 15 Millionen Streams einbrachte.

Genre: Folk / Rock / Singer-Songwriter

Seit fünfzehn Jahren ist Scott Matthews (bitte nicht zu verwechseln mit dem Australier Scott Matthew) bereits aktiv und konnte seitdem mit seiner geisterhaften, eindringlichen und hypnotischen Stimme viele Menschen in seinen Bann ziehen. Dies gelang ihm gleich mit seinem Debütalbum “Passing Stranger“ aus dem Jahre 2006. In den folgenden Jahren veröffentlichte Scott weitere fünf Studioalben, wunderbare Platten voller großer Songs, die bewegen und berühren. Seine von Folk und Jazz beeinflusste Musik erinnert an Nick Drake und John Martyn. Dass Scott Matthews in der Songwriter-Szene kein Unbekannter ist, beweisen Kollaborationen und Auftritte mit Künstlern wie Robert Plant, Rufus Wainwright oder den Foo Fighters.
Nun aber geht Scott wieder einmal neue musikalische Wege: auf seinem demnächst erscheinenden neuen Album wird er sein klangliches Spektrum erweitern um elektrische Gitarrenklänge und elektronische Rhythmen, und auch bei seinen Auftritten wird er dieses klangliche Konzept live umsetzen: “It will be one man and a guitar with a wave of electronica washing over me. I am fascinated by thought provoking sounds and how they totally immerse the listener and encourage them to dig a little deeper into their being. I think these songs will prick people’s ears up. They’ll keep people on their toes and hopefully their electronic grace will sweep them off their feet too.“

Genre: Singer-Songwriter

Geboren und aufgewachsen ist der Fingerstyle Gitarrist und Songwriter Christoffer Wadensten in der Kleinstadt Söderköping an der Ostküste Schwedens. Er hat die letzten paar Jahre unter dem Pseudonym Meadows die Welt bereist und mit seiner introspektiven, akustischen Musik zahlreiche Clubs und Wohnzimmer erfüllt und verzaubert. Seine Musik vereint Menschen, macht Fremde zu Freunden und Fans, die in seiner Musik Zuflucht und Vertrauen finden.

Seine erste EP „The Only Boy Awake“ wurde im Jahr 2016 durch das deutsche Label „What We Call Records“ veröffentlicht. Der Titeltrack wurde in die Netflix-Serie „Tote Mädchen lügen nicht“ („13 Reasons Why”) aufgenommen. Mittlerweile kann Meadows über 30 Millionen Streams vorweisen.

Der Titel von Meadows’ neuem Album – „The Emergency Album“ – ist inspiriert vom amerikanischem Lyriker Frank O’Hara. Es erzählt von der Fähigkeit einen Gefühlszustand während eines Notfalls zu fassen und spüren. Das Album markiert einen Wendepunkt in Wadenstens Leben und schafft Platz für einen neuen Zyklus in dessen Musik: Tiefsinnig, betrübt und wunderschön zugleich.

Hier ist nichts gesampelt oder programmiert. Die Arrangements reichen von schlichter Gitarre und Stimme hin zu tiefgehenden, detailverliebten Songs. Man könnte Wadensten als “Mad Professor” im Studio bezeichnen, der mit akustischen Instrumenten und analogen Synthesizern ein zeitlos schönes Endergebnis schafft.

Genre: Pop / Singer-Songwriter

2019 war ein turbulentes Jahr für HUGO HELMIG – sowohl musikalisch, als auch privat. Nach dem erfolgreichen Release seines Debütalbums „Juvenile“ stürzte der dänische Künstler in eine tiefe Krise, in der er sich selbst eine Pause von all dem Trubel verordnete und Hilfe suchte. Pünktlich zu seinem Comeback 2020 bekommt er eine weitere helfende Hand gereicht – von niemand geringerem als Dänemarks größtem Pop-Künstler Lukas Graham. Mit der gemeinsam geschriebenen Single „Sooner or Later“ kehrt HUGO HELMIG zu seiner gitarrengetriebenen Popmusik zurück – selbstbewusster, ausgeglichener und motivierter als je zuvor. Seine Anfang 2020 veröffentlichte EP „LULU Vol.1“ dokumentiert seine Ängste, Zweifel und offenen Fragen in der schwierigsten Zeit seines Lebens. Benannt nach dem Kosenamen, den seine Mutter ihm als Kind gab, ist es die persönlichste und gleichzeitig dunkelste Veröffentlichung seiner Künstlerkarriere.

Mit dem Release seiner ersten Single „Please Don’t Lie“ hat HUGO HELMIG die Musikszene komplett auf den Kopf gestellt: Nicht nur, dass der energetische Popsong in seinem Heimatland der meistgespielte Song des Jahres 2017 war, auch brachte er ihm zwei Gaffa Awards ein. Die Reaktionen in Deutschland waren ähnlich: Sowohl seine Debütsingle, als auch seine Single „Wild“ kletterten bis auf Platz 3 der offiziellen Airplay-Charts. Zwei Jahre nach seiner letzten Liveshow in Deutschland wird er 2021 mit neuer Musik auf Tour gehen.

Genre: Hip Hop / Rap

Social media star and rapper Fat Nick built an audience with his friend Kevin Pouya on their online The Nick and Pouya Show, posting freestyles and explicit comedic videos.

Born and raised in Miami, Florida, the dreadlocked son of Greek and Cuban parents dropped out of high school and started selling drugs. Once Pouya got involved with rap, Nick followed suit. They built an audience independently, releasing their own projects on the Internet and self-touring across America. Initially associated with SpaceGhostPurpp’s Raider Klan, the duo formed their own crew, Buffet Boys. After a series of singles, Nick released his debut, Fat Camp, in 2015. The mixtape featured the track „Foogba.“ The year after, he issued his sophomore effort and first LP, When the Lean Runs Out.

Photocredit: Kai Hendrik Schroeder

Facebook

Genre: Pop

Tilman Pörzgen kommt das erste Mal auf eigene Tour und damit bestimmt auch in deine Nähe.

Schon in den Kinderschuhen begeisterte er mit seinem Gesang, spielte Klavier als auch Gitarre und entdeckte ebenso früh seine Begabung für das Schauspiel. Nach ersten Erfahrungen am Theater landet Tilman seit 2013 Rollen in verschiedenen Fernseh- und Kinoproduktionen.

Mit der Hauptrolle im Kinoerfolg „Bibi und Tina: Mädchen gegen Jungs“ schaffte er 2016 den großen Durchburch.

Musikalische Meilensteine setzte Tilman auf dem Soundtrack zu „Bibi und Tina“ und mit Duetten auf den Erfolgsalben von LINA, die er als Gastmusiker und Solist auf ihren Touren begleitete.

Im März 2019 veröffentlichte er seine EP „Auftakt“. Exakt ein Jahr später folgt nun die neue EP, die auch die eigene Tour im Herbt betitelt: Legenden der Leichtigkeit!

Genre: Electro-Pop / Pop / Singer-Songwriter

Liebe, Trennung, Zweifel und Self-Empowerment – FRANZI HARMSEN macht Electro- Pop, der direkt ins Herz geht. Emotionale Texte auf tanzbaren Beats, denn Gegensätze ziehen sich an: Das weiß auch FRANZI HARMSEN, die für eine neue Generation von jungen, tiefgründigen und ehrlichen Singer-Songwriterinnen steht.

Ihre Debütsingle „Vielleicht ist nicht genug“ führt vom Herzen direkt auf die Tanzfläche. Mit ihrer zweiten Single „Dein Shirt“ knüpft sie nahtlos an dieses Feeling an und setzt auf catchy Summer-Vibes in Kombination mit ihrer elektrisierenden Stimme. Thema: Eine aufregende Liebesbeziehung, deren Status noch nicht klar definiert scheint. Der Song entstand beim ersten gemeinsamen Writing mit ihrem Produzenten Pascal „Kalli“ Reinhardt (u.a. LENA, Nico Santos, Alma).

Mit Lyrics aus dem Leben will FRANZI HARMSEN vor allem eines erreichen – die Menschen berühren: „Mir ist es wichtig, dass in meinen Songs alles authentisch bleibt. Ich bin kein Fan davon, mit riesigen Metaphern oder Umschreibungen zu arbeiten. Vielmehr bringe ich lieber alles auf den Punkt.“ Nachdem sie im Jahr 2019 als Support-Act für Moritz Garth und Glasperlenspiel ihr erstes eigenes Set spielte, wird sie 2021 mit weiteren energetischen Electro-Popsongs aus ihrem Debütalbum ihre erste große Headliner-Tour antreten.

Genre: Pop / Singer-Songwriter

Jon Bryant ist ein kanadischer Singer-Songwriter, der den größten Teil seines Lebens in Halifax, Nova Scotia verbracht hat. Vor einiger Zeit ist er von Seattle nach Vancouver gezogen, wo es ihm anfangs schwer fiel Anschluss zu finden. Durch einen Bekannten ist er einer mysteriösen Gruppierung beigetreten, doch auch schnell wieder ausgetreten. Auf einer gewissen Art und Weise interessiert an der Thematik, was es bedeutet Teil eines “Cults“ zu sein, begann er, seine Eindrücke in Songs umzuwandeln.

Daraus ist sein neues Album “Cult Classics“ entstanden, das 2019 auf dem Label Nettwerk erschien. Das Album umfasst 13 Songs, dessen Sound man am besten als Dream-Folk beschreiben kann. Hierzulande fand man Singles (wie bspw. “Paradise“) in zahlreichen Spotify-Playlisten. Die perfekte Musik für Roadtrips, lange Spaziergänge oder Konzerte mit Wohnzimmeratmosphäre. Letzteres wird im April umgesetzt, wenn Jon Bryant im Rahmen von drei exklusiven Clubshows seine neuen Songs live in Hamburg, Berlin und München vorstellen wird.

Genre: Folk

Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.

Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.

Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.

Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.

Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.

Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.

Genre: Klezmer

„Eine einsame Tuba gibt den Beat vor und stellt eines sofort klar: #Dobranotch sind auch im einundzwanzigsten Jahr ihres Bestehens kein bißchen leiser geworden. Die Kapelle aus Russland mischt einen selbstbewussten Sound aus Klezmer, Balkan, Gypsy und scheut selbst vor #Rammstein nicht zurück. Die sehr gelungene Unplugged Version des Rammstein-Klassikers „Du hast“ hat sich zum Dauerbrenner entwickelt, auch auf dem neuen Album ist sie mit dabei, energiegeladen, fröhlich und aberwitzig virtuos. Gesungen wird auf Russisch oder Jiddisch, meistens aber auf eijeijei. Was man nicht versteht, das hört man sich zurecht. Manchmal flüstert einem die Fantasie das Wörtchen „Wodka-Bude“ ins Ohr, die ist bei dieser Musik sicher nicht weit. “ (Für die Jury: Imke Turner / https://schallplattenkritik.de)

Genre: Deutschpop-Rock

ANTIHELD, ursprünglich eine Band von der Stuttgarter Straße. Von heut auf morgen findet man sich plötzlich im richtig dicken Major Business wieder, schießt beide Alben in die Charts, spielt auf Southside, Hurricane und co, spielt Touren mit ausverkauften Shows, um dann keine 3 Jahre später mit allem zu brechen und sich zu erinnern, wo man eigentlich herkommt. Um mit „disturbia“ ein Album zu schreiben, dass es so in der deutschsprachigen Welt bisher noch nicht gab.

Der erste Eindruck der Plattenfirma „Arising Empire“ skeptisch, nahezu kritisch. Zu wenig Pop, zu wenig Radio. Der zweite Eindruck; Zitat: „Das kann das Album des Jahres werden.“

Man kennt diese Entwicklung von vielen Bands. Man strotzt vor Credibility und schreibt seine Musik nicht für die Geld-machende-anti-Kunst-Industrie. Dann merkt man, dass es immer schwerer wird den Kühlschrank voll zu machen und springt mit dem Kopf voraus in die inhaltslose, austauschbare Radio-Landschaft. Den fünf Stuttgartern erging es ähnlich, nur eben anders herum.

Nachdem die Band mit dem ersten großen Major-Deal so unverhofft wie heftig in das Haifischbecken krachte, folgte mit dem 2. Album „Goldener Schuss“ und dem damit verbundenen Labelwechsel zu Arising Empire eine erste musikalische Emanzipation. Raus aus der Welt voller Einheits-Pop, hin zu einem Album, für das es noch keine vordefinierten Zielgruppen gibt. Die Lyrics deep & bitter, der Sound nicht der einer klassisch deutschen Rockband. Ein Mix aus Highly Suspect & Thrice, mit ein bisschen Grunge, Punk und Rap-Attitüde.

Ende 2020 bringen ANTIHELD ihr drittes und bisher wichtigstes Album. Ein Album wie ein Film von Scorsese -düster, geschrieben auf Weißwein in der Isolation einer Pandemie. Das politische Bullauge der in Privilegien lebenden mit Blick auf das Elend scheinbar unendlich weit entfernter Menschen, die Selbstreflexion des menschlichen Versagens, das Ersticken der Ängste im exzessiven Rausch, die Abrechnung mit der Kirche, die Auseinandersetzung mit dem Tod des eigenen Managers, bis hin zur Hoffnung auf Gretas vermeintliche Rettung der Welt und unser längst überfälliges Umdenken. Belanglose Popmusik ist tot.

Genre: Indie-Rock

Nachdem The Academic ihre, ursprünglich für März und April 2020 geplante, Deutschland- Tour kürzlich aufgrund der aktuellen Situation in den Herbst dieses Jahres verlegen mussten, wird die Tour nun ein weiteres Mal verschoben. Nachholtermine konnten für das Frühjahr 2021 gefunden werden und wir freuen uns, The Academic im kommenden März bei uns auf den Bühnen begrüßen zu dürfen.
Alle bereits erworbenen Tickets behalten für die Nachholtermine ihre Gültigkeit.

The Academic sind auf dem Weg. Irlands poppigster Indie-Export macht sich mit neuen Stücken auf Tour, um mit diesen Hook-gesättigten Tracks unsere Herzen zu erobern. Im Juni erschien „Superlike“, ein zündendes Liebeslied und im September folgte mit dem leicht verhallten „Aftertaste“ ein zweiter Vorgeschmack auf hoffentlich mehr. Sänger und Gitarrist Craig Fitzgerald, Schlagzeuger Dean Gavin und die Brüder Matthew und Stephen Murtagh an Gitarre und Bass haben einmal mehr das richtige Rezept gefunden, ihre Lieder mit großer Geste zu präsentieren. Das Quartett kennt sich schon aus früher Jugend und ist zusammen in der Kleinstadt Mullingar, Grafschaft Westmeath, in den irischen Midlands aufgewachsen. Also ziemlich genau da, wo einem nichts bleibt außer selbst Musik zu machen, wenn man etwas Aufregendes erleben will. Und so träumten sich die vier Jungs mit ihren Songs in eine strahlendere Zukunft. Wobei sie eigentlich nichts gegen das ländliche Irland haben. Es ist schließlich ihre Heimat.
Aber die große Welt da draußen erobert man eben nicht in Gummistiefeln, sondern viel eher mit bestechend schöner Musik. Nach einigen Auftritten und ersten Singles erschien im Januar 2018 das Debütalbum „Tales From The Backseat“, auf dem sie all diese Perlen bündelten und noch ein paar neu geschriebene Tracks dazu packten. Dieser poppige Rock, der an die Twenty One Pilots, Circa Waves oder auch The Kooks mahnte, ist unglaublich catchy, steckte aber noch voll adoleszenter Lyrics. Jetzt, ein paar Jährchen älter und reifer, ist die Band textlich wie musikalisch gewachsen und überrascht mit cooler Ernsthaftigkeit und schärferen Produktionen, ohne an jugendlicher Lockerheit zu verlieren. The Academic, das darf man getrost konstatieren, sind gewachsen und noch besser geworden. Im Frühjahr kommen sie mit ihren neuen Songs zu uns auf Tour.

Genre: Folk / Soul

A Montreal-born Grenadian-Canadian, Kaia Kater grew up between two worlds: her family’s deep ties to folk music and the years she spent soaking up Appalachian music in West Virginia. Her old-time banjo-picking skills, deft arrangements, and songwriting abilities have landed her in the spotlight in North America and the UK, garnering critical acclaim from outlets such as NPR, CBC Radio, Rolling Stone, BBC Music, and No Depression

Kaia started her career early, crafting her first EP Old Soul (2013) when she was just out of high school. Since then, she’s gone on to release two more albums, Sorrow Bound (2015) and Nine Pin (2016). Her second album wove between hard-hitting songs touching on social issues like the Black Lives Matter movement (“Rising Down”) and more personal narratives speaking to life and love in the digital age (“Saint Elizabeth”). Nine Pin won a Canadian Folk Music Award, a Stingray Rising Star Award and sent Kaia on an 18-month touring journey from Ireland to Iowa, including stops at The Kennedy Center, Hillside Festival and London’s O2 Shepherd’s Bush. For her third album, Grenades (October 2018, Folkways/acronym Records), she took a decidedly different direction, choosing to lean into a wider array of sounds and styles, in order to convey a wider array of emotions and topics, most notably her paternal ancestry. Grenades was nominated for a 2019 JUNO award for Contemporary Roots Album of the Year and long-listed for the Polaris Music Prize.

„…plaintive, mesmerizing…writes and performs with the skill of a folk-circuit veteran…“ -Rolling Stone
„Where bluegrass meets Nina Simone“ – The Guardian

Genre: Singer Songwriter / Indie / Folk

Mit dem Ausklingen des einleitenden Crescendos breitet sich eine atmosphärische Klanglandschaft aus, über der eine Stimme liegt, so in sich ruhend und körperhaft präsent, dass sie genauso gut im eigenen Kopf singen könnte. Gleich von den ersten Takten weg entpuppt sich Christian Kjellvanders neues Soloalbum also als das, was man eine große Platte nennt. Die sieben Songs bauen sich sachte auf, mäandern, nehmen unerwartete Kurven, pausieren sogar dann und wann, um einen Blick über die eigene Schulter zu wagen. Vier von ihnen enden weit jenseits, einer knapp vor der Sieben-Minuten-Marke.

Man mag es kaum glauben, aber dieser Sound, dessen Dynamik von Beinahe-Stille bis zu zügellos expressivem Breitwand-Format reicht, wurde von einer minimalen Dreierbesetzung in einem Stockholmer Kellerstudio in größtenteils live eingespielt:
– Per Nordmark am Schlagzeug

– Pelle Anderson an Fender Rhodes, Prophet 5 und Korg Prologue
– Christian Kjellvander: Stimme, Gitarren und was immer ihm sonst in die Hände fiel.

Dieses Trio traf sich im Mai 2020, als sich bekanntlich ganz Europa im strikten Lockdown befand. Ganz Europa außer Schweden. Aber Kjellvander behauptet zurecht, dass die Arbeit im Studio immer auch eine Form der Selbstisolation mit sich bringt: „Wenn ich nicht auf Tour bin, bin ich in einer Art von Lockdown. Ich lebte acht Jahre auf dem Land, in einer umgebauten Kapelle mitten im Nirgendwo.“

Allerdings ist About Love And Loving Again das Album, auf dem Christian Kjellvander sich von jener alten Kapelle draußen in der schwedischen Wildnis verabschiedet, wo in den vergangenen Jahren so viel von seiner Musik geschrieben und aufgenommen wurde: Jener „Baptist Lodge“, die dem Eröffnungssong ihren Titel leiht. “Meanwhile at the Baptist Lodge there is new paint on an old Dodge,” singt Kjellvander da, “Once it goes east it ain’t ever coming back.” In einer seiner Kernzeilen kombiniert der allegorische Text das Bild des archetypischen amerikanischen Autos mit einer Fahrt an die äußersten Ränder von Schweden: “I drove down to the southernmost beach in our country”

“Ich dachte nie, dass das in meinen Texten unterschwellig zum Vorschein kommen würde“, sagt Kjellvander, “aber nachdem ich in den USA aufgewachsen und dann nach Schweden gezogen war, fühlte ich mich für viele, viele Jahre wie ein Einwanderer. Erst nach ungefähr zwanzig Jahren wurde es mir bewusst: ‚Warte mal, ich hab Kinder hier, ich wohne nun wirklich hier, das ist mein Leben.‘ Als in den späten Neunzigern das ganze Americana-Ding angesagt war, gehörte ich natürlich zu dieser Szene. Aber ich habe mich weiterbewegt, und meine Musik ist heute in Schweden oder grundsätzlich in Europa angesiedelt.”

“Cultural Spain”, den formal am dichtesten durchkomponierten und -arrangierten Song des Albums, vollendete Kjellvander unter dem Eindruck einer rasenden Fahrt über den halben alten Kontinent, von Spanien bis zurück in die skandinavische Heimat, kurz bevor die Länder, die er dabei passierte, ihre Grenzen schlossen. Wie in vielen Songs auf diesem Album, strotzt der halb abstrakte Text nur so vor komplexer Beziehungsthemen: “I heard women talk about other women / I’d just slipped into one of those men / I’d swallowed her sorrows / Because I knew how to use them”

Man braucht kein indiskreter Promi-Schnüffler zu sein, um zu erraten, dass viele der in About Love and Loving Again verarbeiteten Geschichten autobiographischen Ursprungs sind. Tatsächlich ist jene Göttin, die im Eröffnungssong dem Meer entsteigt (“out of the water and straight into my family”) keine geringere als die schwedische Sängerin Frida Hyvönen, die auch auf “Cultural Spain” Backing Vocals beisteuert und das Coverfoto eines sich im Halblicht im Bett räkelnden Christian geschossen hat.

Indessen spielen Zeilen wie “Love turns to past and past turns to fiction / And the happiness is the first thing we forget” aus “Actually Country Gentle” offensichtlich auf das Ende von Kjellvanders 13-jähriger Ehe an. Aber sie werden für alle, die ähnliche Lebenserfahrungen durchgemacht haben, “when trouble fell in love with itself” (aus “Trouble”) vertraut, schmerzlich und tröstlich zugleich klingen. Denn Christian Kjellvander beschreibt hier eine Welt, die viel größer ist als sein privates Ich. Und doch: “Da liegt eine Verwundbarkeit drin, das ist mir jetzt klar geworden. Wenn man mitten drin ist und einfach schreibt, gelangt man schließlich an den Punkt, wo es Momente der Klarheit gibt, die Sinn ergeben und einen bewegen. Und sobald man diesen Bereich wieder verlassen hat, fühlt sich das ziemlich nackt an. Ich habe immer über Dinge geschrieben, die mir am Herzen liegen, aber diese Platte ist eine besondere. Sie ist sehr offen. Das ist, worauf ich es anlegte. Ich wollte wahrhaftig und verwundbar sein.”

Der möglicherweise verstörendste Moment, angekündigt vom seltenen Auftritt einer verzerrten Gitarre, ereignete sich in „No Grace“, einem Song, der tief in den Kindheitserinnerungen des Autors gräbt. “I thought back to that time I was spit in the face by my own mom / Or when my father broke my nose / And the whole family had to wait until he was in good enough shape.”

Ganz am Ende des Albums entlässt Kjellvander die Hörer mit “Process of Pyoneers”, einem Song, der eine kleine Brise Ironie und eine quasi-spirituelle Offenbarung bereit hält: “I’ll play a new rock’n’roll guitar and find God eventually / But every god is a chance / Every god is only a dream / But maybe every god is not just an idea.“ Als ein Künstler der auf der Suche nach neuen Wegen “ständig unter verschiedene Steine guckt” (sein letztes Album nahm er spontan mit einer schwedischen Jazz-Band auf), hat Christian Kjellvander gelernt, sich mehr auf seinen Instinkt als die Intention zu verlassen. “Ich versuche meist meiner Lust zu folgen. In der Musik muss es immer Lust geben“, sagt er, „Alle große Kunst ist letztendlich nur die Sicht einer Person auf die Dinge und sollte nicht als mehr als das betrachtet werden. Je älter ich werde, desto mehr vertraue ich darauf. Fühlt es sich für mich gut an? Fühle ich, dass es etwas sagt, das ich nicht schon einmal gehört habe? Gut, dann machen wir von hier aus weiter.”

Robert Rotifer, Canterbury, Juli 2020

Genre: Alternative Rock, Americana

Curse Of Lono’s cinematic blend of harmony-laden Americana and gothic alt-rock has earned them two Top 10 albums in the Official UK Americana Charts in eleven months and saw them receive the prestigious Bob Harris Emerging Artist Award at the 2019 UK Americana Awards in January.

Curse Of Lono, who formed in London in 2015, are Felix Bechtolsheimer (vocals, guitar), Joe Hazell (lead guitar and vocals), Dani Ruiz Hernandez (keys and vocals), Charis Anderson (bass and vocals) and Neil Findlay (drums).

The five-piece has toured extensively in the UK and around Europe, both as a headline act and as support to artists like Steve Earle, Samantha Fish, Chuck Prophet, Southside Johnny & The Asbury Jukes, David Ramirez and Alabama 3. The band made their US debut at the SXSW Music Festival in March this year and returned to the US in September for performances at AmericanaFest and at the Rhythm & Roots Reunion Festival in Bristol, TN. They will be heading out on a 10-date UK headline tour in October.

Curse Of Lono were the subject of the short documentary ‘Somewhere In Their Heads’ (2018), which won Best Short Documentary at numerous international film festivals, including the LA Edge Film Awards, the Hollywood Sun Awards, the Changing Face International Film Festival in Sydney, the Oniros Film Festival in Rome, Feel The Reel International Film Festival in Glasgow, the Mindfield Film Festival in New Mexico, The New Renaissance Film Festival in Amsterdam and the Calcutta International Cult Film Festival in India.

The band have released three albums and one EP and they are currently working on their next studio album, which will be recorded at the beginning of next year.

Genre: Pop

Ein kleiner bärtiger Mann betritt die Bühne, stimmt seine Gitarre, blickt prüfend in der Raum und beginnt mit seinem ersten Song. Der Raum verstummt und lauscht ihm gebannt. Er klingt, als hätte man Casper eine Stimmrange von Justin Timberlake verpasst und mit den Gitarrenskills von Andy McKee ausgestattet. Am Ende, tosender Applaus und zahlreiche Onk Lou Fans mehr.

Onk Lou hat eine unheimlich offene Art, die ihm das musizieren für Hutgeld in seinen Anfängen beigebracht hat und ihn wahnsinnig sympathisch macht. Lachen ist für Onk Lou ein Allerweltrezept, er blödelt gerne rum und nimmt nichts allzu ernst. Immer ein dummer Spruch auch den Lippen, immer ein Lacher voraus. So klingt auch sein Album: Humorvoll, voller Energie und unerwartet. So wie das Leben.

Nun steht er kurz vor der Vollendung seines zweiten Albums „Quarterlife“ und eines kann man sagen, da kommt etwas Großes auf uns zu! Das Zweitlingswerk wurde von Kevin Lehr aka LOST produziert und verpackt die Songs in ein fettes Produktionsgewand. Endlich klingen die Songs des großartigen Sängers und Gitarristen zeitgemäß und frisch, spannend, abwechslungsreich und vor allem motivierend, eine seiner Shows zu besuchen. Im Frühjahr 2021 geht er auf „Quarterlife“-Tour, lasst euch das nicht entgehen!

16-jähriger Sänger verzückt mit erstaunlich reifem Pop

Genre: Pop

Isaac Dunbar tauchte 2018 erstmals auf der Streaming-Plattform Soundcloud auf – und sammelt seither wöchentlich viele Tausend neue Fans ein. Mit seinen – nicht nur angesichts seines Alters von 16 Jahren – außerordentlich klugen und kompositorisch versierten Pop-Songs gilt er vielen Teenagern als ein bemerkenswertes Vorbild, was man bereits in jungen Jahren als Künstler erreichen kann. Doch nicht nur seine Fähigkeiten als Songwriter, Texter und Produzent sind überaus beachtlich – nicht weniger begeistert seine Stimme, die ohne jedes fachliche Training ein kristallklares Falsett beherrscht und über eine breite Palette an Stimmungen zwischen Ironie und Dunkelheit, Lebensfreude und Gelassenheit verfügt. Nach einigen Songs und Videos veröffentlichte er im vergangenen Sommer mit „balloons don’t float here“ seine erste EP mit acht Eigenkompositionen, von denen insbesondere „ferrari“ mit fast zwei Millionen Views allein auf YouTube heraussticht. Um seiner globalen Fangemeinde näher kommen zu können, macht sich Isaac Dunbar nun auf, auch die Konzertbühnen zu erobern. Seine exklusive erste Deutschland-Show steht für den 07. Mai in der Berliner Kantine am Berghain an.

Sicher: Es ist heutzutage nichts Außergewöhnliches mehr, dass teils sehr junge Menschen ihre Liebe zur Musik entdecken, in ihrem Kinderzimmer Songs aufnehmen und sie im Internet hochladen. Einige wenige entwickeln sich im Anschluss zu einem Online-Phänomen, das sich über Blogs und die sozialen Plattformen immer weiterverbreitet. Doch selbst unter diesen oft erstaunlich talentierten Youngstern sticht der 16-jährige Isaac Dunbar aus Barnstable/Massachusetts heraus. Denn anders als viele seiner Alterskollegen hat er seine Fans nicht nur mit berührenden, sensiblen Akustik-Coverversionen seiner persönlichen Lieblingssongs anderer Künstler gefunden; von Anbeginn hat Isaac Dunbar stattdessen fast ausschließlich Eigenkompositionen vorgestellt, die von einer persönlichen Reife und künstlerischen Klasse zeugen, die für sein Alter höchst ungewöhnlich ist.

Dabei, so sagte er in einem Interview mit BHSinsight, fühlte es sich für ihn so an, als sei es nun wirklich an der Zeit, mit seiner Musik zu reüssieren: Immerhin schrieb er seinen ersten Song bereits im Alter von neun, parallel begann er damit, sich zu einem Crack in der Handhabung des Musikprogramms Logic Pro X auszubilden. Als er sich sodann Ende 2018 dazu entschloss, mit seinen Kompositionen an die Öffentlichkeit zu gehen, blickte er aus seiner Sicht bereits auf mehr als sechs Jahre kontinuierliche Arbeit als Songwriter, Sänger und Produzent.

Den endgültigen Anschub, sich mit seinen oft sehr persönlichen Songs hinaus in die Welt zu trauen, erhielt er durch den überwältigenden Erfolg von Billie Eilish: „Sie war ebenfalls 15 Jahre alt, als ihre internationale Karriere abhob. Da dachte ich mir: Das kann ich auch.“ Und tatsächlich: Er kann es. Die acht Songs von „balloons don’t float here“ zeugen von einer seltenen künstlerischen Vielseitigkeit sowie von einem für einen so jungen Künstler beachtlichen Mut, seinen ganz eigenen Weg zu gehen. Bestes Beispiel ist etwa die Single „mime“: Wohl kein zweiter Teenager käme auf die verrückte Idee, eine seiner ersten Singles im 3/4-Walzertakt anzulegen und als ein markantes Instrument ausgerechnet ein Akkordeon einzusetzen. Doch gerade diese Unverwechselbarkeit macht Isaac Dunbar zu einem der größten Nachwuchstalente, das man in den letzten Jahren erlebt hat.

Photocredit: ICM

Website Facebook

Alice in Chains Sänger auf Solo-Tour

Genre: Alternative Rock / Hard Rock / Metal

Normalerweise ist William DuVall als Gitarrist und Sänger von Alice in Chains bekannt, nun aber kommt er mit seinem Solodebüt „One Alone“ für drei intime Clubshows nach Deutschland. Am 07.04. im Club Volta, Köln, am 19.04. im Privatclub, Berlin sowie am 20.04. im Nochtspeicher, Hamburg wird der US-Amerikaner sein Publikum mit der Akustikgitarre und seiner markanten Stimme begeistern.

William DuVall blickt auf eine ereignisreiche Karriere zurück. Bereits in den frühen 80er Jahren spielt der gebürtiger Washingtoner in verschiedenen Hardcore-Bands. Während seiner Zeit in Atlanta gründet er 1983 Neon Christ, trägt Texte und Gitarren zu den Alben bei. Wenig später zieht es ihn nach Los Angeles, er wird für kurze Zeit Teil der legendären kalifornischen Gruppe Bl’ast und gründet ´87 The Final Offering. Ende der Achtziger Jahre erwirbt er einen Abschluss in Philosophie an der Georgia State University, zehn Jahre später geht er mit Comes With The Fall auf Tour und bringt deren Alben und EPs auf seinem eigenen Label DVL Recordings auf den Markt.

Obwohl DuVall nie der ganz große kommerzielle Durchbruch gelingt, erspielt er sich mit seinem eigenen Sound die Gunst seiner Fans und Kollegen. 2006 geht es für ihn in einen neuen Lebensabschnitt. Es braucht nur eine einzige Probe, in der William den Song „Love, Hate, Love“ singt und Alice in Chains sind überzeugt. Seitdem ist er gemeinsam mit Jerry Cantrell sowohl im Studio als auch auf der Bühne verantwortlich für Gesang und Gitarren. Die Band geht auf ausgedehnte Tourneen, veröffentlichen gemeinsam drei Alben.

Bei all dem Erfolg, den es mit Alice in Chains zu feiern gibt, fehlte DuVall bis jetzt in seiner Vita eigentlich nur noch eine Sache – eine Soloplatte. Diesen langersehnten Traum hat er sich nun erfüllt. Auf seinem Solodebüt „One Alone“ zeigt sich William DuVall von einer ganz anderen Seite. All die harten Riffs und Rhythmen sind weg. Was übrig bleibt ist Gesang, eine Akustikgitarre und elf fantastische Songs über das Leben. Vorgetragen von einer Stimme, die berührt.

Passend dazu geht William DuVall im Frühjahr 2020 auf Tour. Zwischen dem 7. und 20. April wird er in Köln, Berlin und Hamburg diese intimen Momente erstmals mit seinem Publikum teilen.

Genre: Alternative / Progressive-Rock / Rock

In Folge der andauernden Corona-Pandemie, müssen die für Oktober 2020 geplanten Auftritte der Psychedelic-Rock Band Mother’s Cake verschoben werden.

Im neuen Tour-Zeitraum, der für März/April 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Deutschland-Konzerte wie folgt nachgeholt werden: am 22. März 2021 in München im Strom, am 23. März 2021 in Frankfurt im Nachtleben, am 24. März 2021 in Köln im Blue Shell, am 27. März 2021in Hamburg im headCRASH, am 28. März 2021 in Berlin im Privatclub (verlegt vom Cassiopeia), am 29. März 2021 in Dresden im Beatpol, am 31. März 2021 in Bochum im Rockpalast und am 1. April 2021 in Stuttgart im Universum.

Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit.

Es gibt für die deutschen Fans eine weitere gute Nachricht, denn die Österreicher erweitern ihre Deutschland-Tournee 2021 um eine Zusatzshow am 25. März 2021 in Hannover (Lux). Tickets sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Infos weiter unten im Text.)

Das international phänomenale Psych-Rock-Trio Mother’s Cake gibt sich auch auf ihrem fünften Album passend: sky high, far out und trotzdem erdig. Über ein Jahr vorbereitet, an mehreren 72-Stunden-Sessions inkl. Schlafentzug produziert, konzentrieren sich Mother’s Cake in den zwölf neuen Tracks von „CYBERFUNK!“ auf das Wesentliche: sie bündeln ihre roughe Live-Energie zu einem dynamisch dichten und immer wieder überraschenden Album, das nach Vintage-Wahnsinn klingt und voll in den Moment passt. „CYBERFUNK“ erscheint am 18. September 2020. (Label/Vertrieb: Membran/Membran)