Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Indie, Alternative
Man muss „bei Holley nicht von Songs, sondern von musikalischen Plastiken sprechen, in seinen Stücken arbeitet der Amerikaner Materie von Rohstoffen ab, er kratzt, beißt und schraubt sich in diese Musik rein, mit allem, was ihm zur Verfügung steht.“ (Musikexpress)
Obwohl Lonnie Holley, 1950 als siebtes von 27 Kindern in Birmingham, Alabama geboren, erst mit 62 Jahren sein erstes musikalisches Werk veröffentlichte, ist er mit seinen ‚found objects‘, Skulpturen, Gemälden und Installationen, in der Kunstszene schon lange ein Begriff. Ebenso abstrakt und schwer einordbar wie seine bildenden Künste ist auch seine Musik: ein windschiefer, brüchig wirkender Sound, der sich unter anderem aus Bestandteilen von Gospel, Blues, Ambient und Elektronika bedient, am Ende aber doch nichts von all dem wirklich ist. Seine Liveperformances sind immer unterschiedlich, nie spielt er einen Song zweimal auf die gleiche Weise.
Im September 2018 erschien sein drittes Album „Mith“ (Jagjaguwar/Cargo), welches er über fünf Jahre hinweg mit der Unterstützung von Künstlern wie Laraaji, Shahzad Ismaily, Sam Gendel und Richard Swift aufnahm. „Mith“ ist ein weiterer Meilenstein in Holleys musikalischer Karriere, ein Album, das so ziemlich mit allen Konventionen in Sachen Rhythmus und Tonalität bricht. Die entstandenen Songs „ergeben ein Seelenpanorama des afroamerikanischen Amerikas in Zeiten von „Black Lives Matter“ und Trumpism – mit tiefer Verwurzelung in afrozentristischen und afrofuturistischen Themen.“ (Spiegel Online)
Im April spielt diese einzigartige Legende ein exklusives Deutschlandkonzert in Berlin und wir warten voller Freude darauf, welche raffinierten Improvisationen seiner Songs er dieses Mal auf die Bühne bringen wird.
There is a fearless quality to the music of Christopher Paul Stelling. A voice that sounds both old and young, an effortless yet intricate finger-picking guitar style and lyrics that are both dramatic, and intensely confessional. It’s a sound that channels the restless spirit of a young man who left home to travel the country, haunting and impassioned songs formed by endless nights alone on stage with a guitar, playing to packed houses, other times to nearly empty rooms. Stelling estimates that he’s played over four hundred shows in just the past three years. It places him within a longstanding tradition that serves to nurture ones character and art.
“It takes a lot of work to stay on the road,” he says. “You learn to rely on your songs as a sort of resting place amidst all of the unfamiliarity. You fill your head full of places, and sounds, and ideas — and it all comes spilling out. When the things around you change constantly, you change too. And the things that stay the same become who you are. It’s nurtured my songwriting, knowing that the inspiration is all around you. If you aren’t seeing it, then look harder, and if you still don’t see it, then turn the corner, and if you still don’t see it then look at things differently, because it’s right there in front of you.”
Genre: Singer Songwriter | Pop
Ob Beziehungsdrama oder Herzschmerz RACHAEL YAMAGATA’s Stimme heilt alle Wunden. Ihr wichtigstes Instrument, ihre einzigartige Stimme, setzt sie mal mit heiseren Reibeisen-Appeal, mal mit glockenreinen Schmelz ein – aber niemals schmalzig. Ihre Texte haben Bedeutung und Tiefe, sind tröstlich, ungemein aufrichtig und niemals platt.
Fans lieben ihre Fähigkeit Emotionen in einen Song zu ‚packen‘. Sie ist hoch angesehen in Indiekreisen, stemmt aber auch die Hürden zum Pop ohne Werteverlust. Die US-Singer/Songwriterin RACHAEL YAMAGATA verfügt über die ‚alten Singer-Songwriter-Qualitäten‘, die auch auf Carole King und Joni Mitchell zutreffen, Heroinnen ihrer Jugend. Klanglich ist sie jedoch modern und tendiert in Richtung der dunkleren Stylings von Nick Cave, Tom Waits und PJ Harvey. Die in der US-Presse oft benutzten Vergleiche mit Tori Amos, Natalie Merchant, Sara Bareilles, Laura Marling oder Fiona Apple kann man zwar gut verstehen, doch dafür ist Rachael’s Stimme und Präsenz zu eigenständig.
Mit fast 100.000 Facebook-followern ist RACHAEL YAMAGATA kein Leichtgewicht in der alternative-Pop-Szene. Ihre Touren führen sie seit über 10 Jahren rund um den Globus mit ausverkauften Konzerten in den USA, Asien und Europa…Ob New York, L.A., Seoul, Singapore, Beijing oder London, Rom, Madrid, Berlin – in allen Städten hieß es: SOLD OUT. In Europa tourte sie als opener für Joshua Radin, mit dem sie dann wiederum eine Co-headliner-tour in den USA bestritt.
RACHAEL YAMAGATA wird gern wegen ihres aussergewöhnlichen Songwriter-Talents von Großen der Zunft zu Kollaborationen aufgefordert, darunter Jason Mraz, Ray LaMontagne, Bright Eyes und Ryan Adams. Mit allen tourte sie auch, ebenso wie mit Sara Bareilles, Amos Lee, Adam Cohen (Spross von Leonard) und David Gray, für den sie u.a. solo im Madison Square Garden eröffnete. Rachael wurde von Pete Townsend zu seinen „In the Attic Series“ eingeladen und war natürlich auch Gast in den angesagten TV-Shows wie Conan O’Brien und Jay Leno.
Ihre Songs liefen in zahlreichen TV-Serien wie: „How I Met Your Mother“, „ER“, „Smallville“, „The O.C.“, „Grey’s Anatomy“ und „Nip/Tuck“. Auch für Hollywood-Produktionen werden ihre Gänsehaut-Songs angefragt – so liefen ihre Titel u.a. in „Elisabethtown“ mit Kirsten Dunst, Orlando Bloom, Susan Sarandon und Alec Baldwin… „In Her Shoes“ mit Cameron Diaz, Shirley MacLaine und Toni Collette…“Prime“ mit Uma Thurman und Meryl Streep…“The Last Kiss“ mit Zach Braff und Casey Affleck….“Definitely, Maybe“ mit Rachel Weisz und Ryan Reynolds…“Hope Springs“ mit Meryl Streep und Tommy Lee Jones…
Rachels Alben ‚Happenstance‘ (2004), ‚Chesapeake‘ (2012), ‚Tightrope Walker‘ (2017) wurden von John Alagia (Dave Matthews, Jason Mraz, Paul Simon und John Mayer’s Debutalbum „Room For Squares“) produziert.
Genre: Singer-Songwriter
Lucy Spraggan ist zurück: Mit ihrem neuen Album ‚Today Was A Good Day‘, welches im April 2019 veröffentlicht wird, geht sie direkt auf Deutschlandtour!
Der ein oder andere mag die junge Sängerin aus Sheffield aus der 2012 ausgestrahlten X-Factor-Staffel noch kennen, doch Lucy Spraggan ist keine gewöhnliche Castingshow-Kandidatin. Sie ist die erste Teilnehmerin in der Geschichte X-Factor’s, die eine Single und ein selbstveröffentlichtes Album in den Top 40 vorweisen konnte, bevor die Liveshows überhaupt ausgestrahlt wurden. Ihr Debutalbum bei einem Majorlabel (Columbia Records) erreichte 2013 Platz 7 in den UK Charts.
„The mark of excellence of a singer songwriter for me is if you fall in love with the lyrics of a song and can tell there’s a beating heart inside them.“ (musiceyz)
Wir lernen hier eine Frau kennen, untrennbar von ihrer Gitarre, mit versiertem und unglaublich aufrichtigem Songwriting, gewürzt mit dem richtigen Maß an Witz, deren Musik stark an eine bunte Mischung aus Kate Nash, Lily Allen und Ed Sheeran erinnert.
Wer Lucy Spraggan schon live gesehen hat, weiß, welche Intensität die Singer/Songwriterin und Geschichtenerzählerin auf die Bühne bringt, wenn sie ihre Songs zum Besten gibt. Hier wird niemand stillstehen können!
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Indie
Seit einigen Wochen wurde bereits wild spekuliert, dass die Lush-Frontfrau Miki Berenyi nach dem Ende ihrer grandiosen 90s-Indie-Band eine neue Formation zusammenstellt. Nun gibt es Gewissheit: Das frisch gegründete Quartett hört auf den Namen Piroshka und besteht neben Berenyi aus Gitarrist KJ McKillop (ehemals Moose), Bassist Michael Conroy (Modern English) sowie dem ehemaligen Elastica-Schlagzeuger Justin Welsh. Erst Ende September wurde dieses Line-up öffentlich bekanntgegeben, zu hören gibt es von der Band bislang noch nichts. Ihr erstes Konzert überhaupt werden Piroshka Ende November in London spielen, Anfang kommenden Jahres soll die erste Veröffentlichung folgen. Am 27. April 2019 kommen Piroshka dann für ein Konzert nach Deutschland, sie gastieren in Berlin.
Über die fantastischen Lush muss man wohl nicht viele Worte verlieren. 1988 gegründet, galten sie schnell als Vorreiter des so genannten Shoegaze, einer introvertierten Variante des Indie-Rock. Im Verlauf der zehn gemeinsamen Jahre veränderte sich der Sound allerdings in Richtung Britpop, wurde zugänglicher und freundlicher. Zwischen 1989 und 1996 erschienen elf LPs und EPs von Lush, häufig unter der kompositorischen Federführung von Miki Berenyi, bevor sich die Band 1998 auflöste. 2016 erschien sie noch einmal kurz auf der Bildfläche, brachte eine neue EP heraus und spielte ein paar Konzerte. Hier mit von der Partie: Justin Welsh, von 1992 bis 2001 Schlagzeuger der britischen Alternative-Rocker Elastica, mit denen er zwei Longplayer und zwei EPs einspielte. Nach diesem kurzen Intermezzo mit den reformierten Lush schrieb Berenyi über Welsh: „Er ist dermaßen gut, dass ich ihn ab dem Moment nicht mehr aus den Augen verloren habe.“ Es schien also klar, dass Welsh bei der Piroshka-Bandneugründung dabei sein würde.
Die anderen beiden Mitglieder von Piroshka haben eine ebenso lange Geschichte in der Indie-Musik Großbritanniens, obschon zumeist nur den Eingeweihten wirklich bekannt. Die ebenfalls dem Shoegaze zuzurechnenden Moose, deren Kopf KJ McKillop war, blieben ungerechterweise über ihre gesamte Existenz zwischen 1990 und 2000 stets ein Geheimtipp. Und dies trotz vier hervorragender Alben, die in der Szene andächtig gefeiert wurden. Als erfolgreicher erwies sich die Post-Punk- und New-Wave-Band Modern English, die mit Unterbrechungen seit 1979 besteht und in den 80er Jahren sogar mehrere Alben in den Top 5 der UK-Indie-Charts sowie sieben erfolgreiche Singles vorweisen konnte. Bassist Michael Conroy gehört der Band, die offiziell die einzige derzeit nicht aufgelöste Vorgänger-Band der Piroshka-Mitglieder ist, seit 1979 an.
Angesichts der Herkunft und jahrzehntelangen Expertise der Mitglieder wird es hochspannend sein zu hören, mit welcher Art von Musik uns Piroshka überraschen werden. Nur eines ist dabei absolut klar: der Sound dürfte zutiefst verwurzelt sein im klassischen Indie-Rock.
Genre: Reggae, Dancehall, Afrobeats
Line Up:
Supersonic Sound
Buzz (Boss HiFi)
Genre: Rock, Rap, Poesie
Eine neue Platte blinkt am Horizont: Lyrische Wortgewalten, eingepackt in punkig-rockige Skagitarren und krasse Synthieklänge, getrieben von himmlisch-/höllischen Drums und Bässen. Diese rockigen Songs stammen aus einer kraftvollen Tradition von Musik und Sprache.
Herr Horst segelt jenseits des Zeitgeistes in den spöttischen Sprachuniversen. Und das Skurrile ist das Normale. Er ist ein Lyriker vom alten Schlage, einer aus der Riege Busch, Ringelnatz und Morgenstern.
Das ist Musik zum Durchtanzen und Mitsingen. Die abgefahrenen Texte muss man dazu freilich kennen, aber das ist zu schaffen!
Denn man kann sie schon besitzen, die Zweite von Herr Horst: Im Januar erscheint das schicke CD-Blech, zehn Wochen später das Vinyl, der März ist zum Durchhören da und im April geht’s in den charmanten Privatclub zur Rekordrealisierungsveranstaltung.
Ein Feier-Abend mit einer tollen Band und einem super Einheizer: Josh Chuang, einem Meister auf der japanischen Tsugaru Shamisen.
Kommen Sie zahlreich und haben Sie bitte Spaß!
Genre: Dance, Electronic
Wer den ursprünglich aus dem ländlichen Massachusetts stammenden und nach einigen Jahren in Kalifornien nun in Portland residierenden Musiker und Produzenten Big Wild mangels besseren Wissens einfach so in die große Schublade der vielen jungen EDM- und Technoproduzenten einsortiert, die dank der sozialen Medien von einem einsamen Nobody vor seinem Computer in Handumdrehen zu einer Weltkarriere mit Superstar-Format abhoben, der irrt gewaltig. Zwar schraubt und lötet auch Jason Stell, das kreative Mastermind hinter Big Wild, seine Soundkollagen vorzugsweise am Computer zusammen, aber mit dem betont radiofreundlichen Dance-Pop von EDM-Kollegen wie Felix Jaehn oder Robin Schulz haben seine eklektischen und stets äußerst bezugsoffenen Elektronik-Kompositionen jenseits aller Genrekategorisierung kaum etwas gemein. Außer vielleicht, dass auch Big Wild letztlich nur eine Hand voll selbst produzierter Tracks benötigte, um via Soundcloud und YouTube weltweit manchmal Tausende neue Fans pro Woche einzusammeln. Dabei sei alles bis hierhin, sagt er, nichts weiter gewesen als Vorspiel und Vorbereitung auf die wahren Großtaten, die erst noch kämen, wenn er seine „Studentenjahre“ als beendet betrachte. Derweil kann man die enorme künstlerische Progression von Big Wild mit bald jedem neu veröffentlichten Track unmittelbar nachzeichnen – und aus diesen extremen Entwicklungen schließen, dass sich Big Wild tatsächlich noch im Vorstadium zu einer klar erkennbaren künstlerischen Handschrift befindet – und auf dem Weg dorthin keine Scheu zeigt, auch ungewöhnliche oder sogar abstrakte Abzweigungen voller Neugier zu erkunden und in seiner flirrenden elektronischen Klangästhetik auszuprobieren.
Seine Unbefangenheit im Umgang mit jedem neu entdeckten Klang sowie die darauf häufig bei ihm folgende Phase des hemmungslosen Experimentierens mit diesen Klängen kommt nicht von ungefähr, denn der Endzwanziger hat bereits jetzt eine stattliche Reise der fortwährenden klanglichen Entwicklung unternommen. Begonnen als klassischer Hip-Hop-DJ und Beat-Produzent, begann er bereits nach wenigen produzierten Tracks, in seinen experimentellen Hip-Hop-Stücken immer häufiger ganz auf Raps oder andere Leadstimmen zu verzichten und sich mehr und mehr der rein instrumentalen Welt des Abstract Hip-Hop zuzuwenden. Als seine Forschungen ihn auch in dieser Randzone des Rap immer häufiger an Grenzen brachten, entdeckte er urplötzlich ein wachsendes Interesse an tanzbarer elektronischer Musik jedweder Art – und das, obwohl ihn Dance-Music stets völlig kalt gelassen hatte. Es war eben weniger das Genre als vielmehr die sich darin bietenden künstlerischen Freiheiten, die aus ihm letztlich einen betont eigenwillig agierenden Dance-Musiker reifen ließen.
Sein Anfang Februar erschienenes Debütalbum „Superdream“ darf man damit als eine erste Standortbestimmung betrachten, in wie viele unterschiedliche Richtungen seine Soundforschungen ihn wohl künftig noch tragen werden.
Genre: World, Fusion, Tribal
IFRIQIYYA ELECTRIQUE ist mehr als nur ein Konzert. Es ist eine kuriose, aber unglaubliche Mischung aus Wüstenrock, Percussion, Gesang, Hip-Hop und Nuancen von Nine Inch Nails. Neu komponierte Musik, eine transzendentale und postindustrielle Zeremonie. Es ist ein therapeutisches Ritual von BESESSENHEIT und TRANCE. Sie lassen die Dämonen mit COMPUTERN und ELEKTRISCHEN GITARREN kommunizieren, um dieses adorcistische Ritual der Besessenheit zu zelebrieren. Im Bewusstsein, dass so das BEDÜRFNIS SICH ZUVERGESSEN und sich zu erheben vom Djerid bis in die Diskotheken Ibizas ode Moskauer Rock-Clubs absolut identisch ist
Genre: Rap, Trap
Tell a friend to tell a friend, GKIT is back to PrivatClub with a bang ! For the second year in a row, GKIT is inviting you to a journey of good vibes, great tunes and positive energy only ! A team of talented Singers/Songwriters and DJs/ Producers to will nourish your mind, body and soul all night long.
Expect to dance on the best of Future Beats, Soul, Hip Hop and Afrobeats until the early hours of May 1st!
Line-up
LIVE ACTS
➣ Jen Dale
➣ K.ZIA
DJ SETS
➣ Boogie Dan
➣ Stimulus
Genre: Indie Pop | Indie Rock | Extravaganza
Um Gitarrenmusik wieder spannend zu machen, leben die Mitglieder der Berliner Band Capitano einfach ihre geheimen Macken aus, und nennen das Gesamtkunstwerk Independent Pop Extravaganza.
Capitano. Ein Gemisch aus Studio54-Disco, 70s-Prog und Schweinerock mit eimerweise Glitter und Glam, das mit einer wahnwitzigen Energie vorgetragen wird und ungebrochen bleibt. Hört auf mich, das ist das nächste große Ding!
CAPITANO polarisieren! Doch genau das scheint ihre musikalische Mission. Mann muss sich nur darauf einlassen, ob nun bombastische Hymne, oder metallische Horror-Oper plus Kopfgesang-Schmuse-Momenten. Das einzige, was man machen sollte, um sich an ihre Musik heranzuwagen, ist die eigene Maske, die einen auf nur eine festgelegte musikalische Stilrichtung einengt, abzusetzen, damit CAPITANO genügend Platz haben, um uns ihre kunterbunten Musikmasken überzustülpen.
Pressestimmen:
„Mit großen Gesten skandinavischer The-Bands klopft die Freiheit des Rocks an der Tür. So macht Identitätssuche Spaß!“ – VISIONS
„Capitano sind ein audiovisuelles Gesamtkunstwerk, deren Sound süchtig macht.“ – Museek.de
Warum Capitano? Die Art, wie Capitano fremdes wie eigenes Publikum einfängt und aufpeitscht, hat mit einer „klassischen Rockshow“ nicht viel zu tun. Capitano ist emotional, eigenartig und authentisch. ehen die drei Sonderlinge bis an ihre Grenzen, damit das Publikum nach jeder Show mit einem breiten Grinsen nach Hause geht. „Capitanos Debüt »Hi!« ist ein glimmender, stampfender Bastard aus Glam-Rock, Punk (Hallo Turbonegro!) und Swing, darin absolut mitreißend und verantwortlich für ein richtig unwiderstehliches Ausrufezeichen-Debüt.“ – INTRO
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Für uns ist Capitano ist ein Ort für Existenz, Entfaltung und Extase. Mit Capitano zelebrieren wir, woraus wir gemacht sind und wofür wir brennen. Und das möchten wir mit Dir teilen.
Wir wollen frei von Alltagsschrott, Vorverurteilung und Selbstlimitierung gemeinsam mit Dir eine gewöhnliche Nacht zu einer besonderen machen.
Alles was du brauchst sind 1-5 Menschen, die dir etwas bedeuten, Kleidung, in der du dir alleine vorm Spiegel am besten gefällst, und dieses Ticket hier – Das war`s!
Wir freuen uns auf Dich.
Fuzz, Dyve & John
Genre: Deutschrock
Deine Cousine ist nicht irgendwer. Sie ist deine beste Freundin, deine größte Feindin und deine Geliebte in einem. Du möchtest mit ihr Pferde stehlen, auf den Dächern dieser Stadt tanzen, sich dabei den Kiez von oben anschauen und auf ihn runter spucken. Deine Cousine geht dahin wo es wehtut und kuschelt sich dann wieder ganz geschmeidig an deine Schulter.
„Mein Wille mein Kopf, mein Weg.“ Eine Zeile aus „Kiez oder Kinder“ und eine Kampfansage, die klar macht, dass Deine Cousine keine Kompromisse eingeht, sondern gerade heraus ihrer Linie folgt. Mit Champagner in den Adern und Dreck in der Stimme erzählt sie Geschichten über Menschen die man nie kennenlernen durfte, über Süchte, Prostituierte die sich nicht unterkriegen lassen, Stalker, beste Freunde und über die schönen und grausamen Seiten unserer Gesellschaft. Sie redet über die letzte Partynacht mit genau so starker Intensität wie über gesellschaftskritische Themen. Ihre Songs sprühen vor Energie und wenn man ihr dabei zuschaut denkt man nicht selten an ein Kind das gerade das erste Mal ohne Aufsicht ist.
Genre: Hip Hop, Funk, Jazz, Disco
Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Alle zwei Monate im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das, worauf wir gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hit-Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer Acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!
After a great first FRIDAYS in March we proudly announce the second round for May.
This time we are invinting Dexter (Producer) ( Suff Daddy’s Betty Ford fellow) for an exclusive DJ set. His selection range is very pleasent and we are happy to have him with us for this evening. Last time Suff Daddy was sick unfortunately, but will now be back with more power and new music to share with us. He’ll def play some tunes from his next LP.
Coming from his Jazz Cafe – London residency, we’ll have Habibi Funk on the decks for another funky set and more positive vibes. Bafouboy will be back again for Warm up.
Residents:
Genre: Pop
Der in Oslo lebende Jakob Ogawa kombiniert in seinen Songs seine gefühlvolle und sanfte Stimme mit langsam wabernden Lo-Fi Sounds und kreiert so eine wundersam skurrile Art von Dream-Pop. Mit einer Kombination aus jazzigen Akkorden, Steel-Drum-Sounds und fließenden Synthies erschien im Januar 2016 seine Debütsingle „You’ll Be on My Mind“ über das norwegische Label Diamond Club. 2017 folgte eine erste EP „Bedroom Tapes“, die über Playground Music erschien. Noch im selben Jahr tourte er als Support für Metronomy, bevor Anfang 2018 seine Single „Velvet Light“erschien.
Alle Songs produziert, spielt und mixt Ogawa dabei selbst. Dem DIY-Künstler wurde die Musik schon in die Wiege gelegt, denn bereits in der frühesten Kindheit schallte im Hause Ogawa allerlei Pop-Hits aus den Lautsprechern. Ogawa ließ sich von der kreativen Energie seiner Mutter anstecken. Ogawas Mutter spielte zuhause regelmäßig Alben von Prince vor. Schließlich war es genau dieser, der Jakob dazu inspirierte selbst Musik zu machen.
Nachdem er bereits beim Reeperbahn Festival gespielt hat, kommt der Norweger für drei Headline-Konzerte nach Berlin, Hamburg und Köln um uns mit seinem Bedroom-Pop in den Bann zu ziehen.
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Soul, Funk
PREP füllen mit ihrem Soul-Funk-Sound jeden noch so tristen Raum mit guter Laune und entführen ihre Zuhörer in eine sonnendurchflutete Parallelwelt. Nach ihrer ausgiebigen Winter-Tour quer durch Asien und die USA kommt die Band am 5. Mai auch nach Berlin in den Privatclub.
Ein Singer-Songwriter, ein klassischer Komponist, ein Hip-Hop Produzent und ein House-DJ – herzlich Willkommen bei PREP. Diese Kombination klingt erst einmal nach einer sehr ausgefallenen Mischung, macht aber den typischen Sound der Londoner aus. Hier gehen R&B mit Funk, Jazz, Elektro und Pop eine Liebesbeziehung ein, die niemand trennen möchte.
Schaut man sich vergangene PREP-Shows in Tokyo, Hong Kong, Bali, New York und Los Angeles an, könnte man denken, das Quartett zähle bereits zu den großen musikalischen Instanzen des Vereinigten Königreichs, doch tatsächlich gibt es sie erst wenige Jahre. Im November 2015 veröffentlichten PREP mit „Sunburnt Through The Glass“ ihre Debüt-Single. Nur ein Jahr später erschien mit „Futures“ die erste EP, die viele Musik-Kritiker und Radiostationen wie BBC und Beats 1 bereits zu Fans machte. Allein diese vier Songs brachten bei YouTube und Spotify mehr als zehn Millionen Klicks ein.
Nachdem die Band 2017 einige Remixes auf den Markt warf, war es im letzten Jahr wieder Zeit für neue Songs. 2018 veröffentlichten PREP mit „Cold Fire“ im Mai sowie „Line by Line“ im November gleich zwei weitere EP’s, für die sie auch einige besondere Gäste gewinnen konnten. Für den Titeltrack kamen sie beispielsweis mit Cory Wong und niemand geringerem als Paul Jackson Jr. zusammen, der schon mit Acts wie The Jackson 5, Lionel Richie, Whitney Houston, Daft Punk und dem King of Pop, Michael Jackson arbeitete.
Wer bisher noch nicht in den Live-Genuss von PREP gekommen ist, kann dies am 5. Mai endlich nachholen. Die Briten spielen ein exklusives Konzert im Berliner Privatclub und wer weiß, wann man diese Band noch einmal in einem so intimen Rahmen erleben kann.
Genre: Hip Hop & Rap
Mit einem hochgradig spannenden Hybriden aus R’n’B, HipHop und Pop, alles gebettet in eine sehr eigenständige Form von DYI-Ästhetik, erobert der aus New Jersey stammende und in New York lebende Songwriter Riz La Vie derzeit die sozialen Netzwerke sowie die Live-Clubs der amerikanischen Ost- und Westküste. Seine zwei bislang veröffentlichten EPs „Found.“ und „Keep.“, beide 2017 erschienen, weisen auf den Online-Musikdiensten viele Millionen Klicks auf, seine letzte Single „Napkins“ steht kurz vor 10 Millionen Plays allein auf Spotify. Noch aufregender und überraschender als seine Studiomusik sind nur seine Livekonzerte – sagen die, die bereits das Glück hatten, Riz La Vie im Konzert zu erleben. Am 6. Mai kommt der Musiker erstmals nach Deutschland, um genau diese Qualität im Rahmen eines exklusiven Showcases in Berlin unter Beweis zu stellen.
Allzu viel ist bislang nicht bekannt über das junge Ausnahmetalent Riz La Vie, der in herrlichem Eigensinn eine aufregende Mischung aus Leftfield-HipHop, altem und jungem R’n’B und einem selten eigenständigen Do It Yourself-Pop präsentiert. Doch das ist genau so gewollt, denn – wie er in einem der wenigen bislang online zu findenden Zitate erklärt – es gehe einzig und allein darum, seine Musik in den Mittelpunkt zu stellen und keinen Hype um die Person zu kreieren. „Meine Idee ist, dass Menschen wieder einmal die Geduld mitbringen, sich ganz den Songs zu widmen, als eine Form von hoher Kunst anstelle von einer Person im Scheinwerferlicht“, sagt er.
Dies gelingt vortrefflich, wie man an den Zugriffsraten auf seine Songs innerhalb der Online-Musikdienste ablesen kann. Dabei verbindet Riz La Vie mit seiner Musik ebenso meinungsstarke Lyrics, die er mithilfe einer selten facettenreichen Stimme voller Soul, aber auch voller Kraft und punktueller Härte transportiert. Seine Shows in seiner Wahlheimat New York sowie an der amerikanischen Westküste sind jedenfalls regelmäßig im Handumdrehen ausverkauft – und wer Riz La Vie live sah, spricht hernach in aller Regel von einem sehr eindrücklichen Erlebnis. Man darf also sehr gespannt sein auf seine erste Deutschland-Show im Mai.
Genre: Singer / Songwriter
Benjamin Francis Leftwich wird im Frühjahr nächsten Jahres auf Europatour gehen und auch in Deutschland vier Konzerte geben.
Anfang November hat er mit der wunderschönen Single ‚Gratitude‘ einen ersten Einblick in sein neues Album gegeben, welches nächstes Jahr im Frühling bei Dirty Hit veröffentlicht wird. ‚Gratitude‘ beruht auf dem Fundament der bisher veröffentlichten EPs, bringt aber mehr elektronische Elemente mit ein. Die Single ist düsterer und wesentlich aufwendiger produziert als die vorherigen Alben, gleichzeitig behält der Sound seine greifbare Emotionalität, die schon immer in Leftwichs Songs zu hören war. Weit und überweltlich klingt seine neue Idee von Musik, gleichzeitig ist sie noch immer in dem hölzernen Körper mit den sechs Saiten verwurzelt. Dadurch erscheint der Sound wundervoll einfach und erzählt seine erlebten Geschichten.
Nach dem Release seines hochgelobten Debüts Last Smoke Before The Snowstorm (VÖ 03.07.11 | Dirty Hit) änderte sich Leftwitchs Lebensweg in eine unerwartete Richtung, als er durch die härteste Phase seine Lebens ging: Der Verlust seines Vaters, der wichtigsten Inspirationsquelle des Künstlers. Nach fünf langen Jahren kam schließlich sein zweites, sehnsüchtig erwartetes Album After The Rain (VÖ 19.08.16 | Dirty Hit) heraus. Nochmal drei Jahre müssen seine Fans warten, bis sein drittes Album im Frühjahr 2019 endlich erscheint. Nach ‚Gratitude‘ ist jedoch klar, dass auch dieses Album ein einzigartiges Meisterwerk von Benjamin Francis Leftwich werden wird.
„For me it represents the searching for a whole new horizon following the cyclical and self destructive nature of pain and struggle…“ (Benjamin Francis Leftwich via Twitter)
At 20, Rosie has spent close to half of her life in the music industry, developing a debut body of work to be unveiled across the next year. She left school in rural Ireland at just 13 to showcase in New York and Los Angeles and was signed to a major before she was old enough to drive. Her later teen years were absorbed by twin struggles of asserting herself creatively in a larger system – ultimately leaving it all together – while facing her own challenges with mental health.
Throughout her youthful evolution, the one constant has been her songs, which play a dual role of being both cathartic and empowering, “Songs that feel lived-in and worn, conveying a bruised ache well beyond her years.” – NPR
Genre: Singer-Songwriter, Pop
Wer die aktuelle Single der Songwriterin aus New York hört, wähnt sich auch im grausten Winter plötzlich in dem Land, deren Namen der Song trägt: „Mexico“. Austers rauchig laszive Stimme, eine Geschichte von Sonne, Staub und gefährlichen Liebschaften, eine nostalgische Film-Noir-Stimmung und dazu diese unwiderstehlichen Mariachi- Bläser – man kann sich gar nicht dagegen wehren, direkt in Austers Welt zu tauchen und mit ihr in einem alten Cabrio über den Grenzübergang zu rasen. Diese Liebeserklärung an ihre Kunst ist übrigens ausdrücklich nötig, damit nicht wieder alle nur schreiben: Paul Austers Tochter macht auch Musik. Denn natürlich ist sie die Tochter der zwei weltweit angesehenen Schriftsteller Paul Auster und Siri Hustvedt, aber Sophie Auster ist eben auch eine faszinierende Schauspielerin und Songwriterin, die schon im Teenageralter Jazz-Standards performte. Zuletzt zu hören 2015 auf ihrem Album „Dogs and Men“.
„Next Time“, das am 15. März 2019 erscheint, führt diesen Entdeckerdrang noch ein wenig weiter und schlägt völlig selbstverständlich einen Bogen von „Mexico“ zu hypnotischem Crooning auf „Tom C“, und verrauchtem traurigen Jazz wie in „Black Water“.
Genre: Jazz
Genre: Hip Hop, Funk, Jazz
Urban Base Jam hosted by Joel Holmes at XJAZZ Festival 2019.
Der Urban Base Jam meldet sich mit der Open-Mic Ses- sion im Privatclub zurück. Gastgeber ist dabei niemand geringeres als der Grammy- nominierte Pianist Joel Holmes zusammen mit einigen der besten Musiker Berlins. Musikalisch geht es dabei um Electronic, Jazz, Rap, Funk, Neo-soul und House.
Instrumentalists and Vocalists and Music lovers: This is the perfect place to build potential collaborations, exchange ideas, experiment and perform.
Genre: R&B, Soul
Orient-infused Neo-Soul from Israel brings the now Berlin based J.Lamotta すずめ on stage. Her new album ‘Suzume’ also incorporates some rap into her highly addictive singing, which is bursting from soul and always surprises with an special arabian twist.
Genre: Jazz
Madison McFerrin is a singer-songwriter based in Brooklyn, NY. After the release of her debut EP introducing her soulful take on a cappella to the world, critics and crowds quickly took note. What followed were prestigious critics from the New York Times and London’s music guru himself Gilles Peterson. Sold out shows in Barcelona and London send a clear message and shouldn’t be no surprise at all when listening to that hell of a voice.
Genre: Jazz, Pop-Rock, Electronic
Trashy pop-rock, combined with grungy vibes and electronic sounds, framed by outstanding song writing of highly acclaimed musicians, makes this band an experience in itself. It ́s an artistic statement, a sonical trip, a smack in the face, a recreation of a musical identity that sets the band up into a new artistic journey where a sensitivity for clear pictures goes hand in hand with a powerful soundscape and a deep connection to their musical roots.
Genre: Jazz
As a multi-instrumentalist and established DJ who divides his time between the club and the live circuit, Pete Cunningham defies categorisation. The richness and diversity of his musical background cumulates and peaks in his new Bristol based collective Ishmael Ensemble. The artists frame their sound as „experimental jazzwise electronica“. Bursting from melancholy, soulfulness and emotion the sound of Ishmael Ensemble will jazz you away to the most exciting ends of ambient and electronica.
Genre: Singer-Songwriter, Folk
Eine Künstlerin, die auf der Bühne mit einer fast unerträglichen Intensität agiert wie Aldous Harding, einfach nur „Sängerin“ zu nennen, wäre vermessen. Ihre Auftritte sind theatralische Inszenierungen der Körperlichkeit. Sie tanzt mit stählerner Inbrunst durch ihre Show und durch einen Mischmasch aus Gefühlen. Wie eine Puppe beim japanischen Bunraku-Theater, die ihren Ausdruck in Sekundenschnelle vom unschuldigen Mädchen in den eines finsteren Monsters verwandeln kann, verändern sich auch ihre Songs.
Ihre „gothic fairytales“, wie die Sängerin selbst ihre Songs nennt, ziehen ihre hypnotische Kraft aus der entwaffnenden Offenheit der trostlosen Bildern und der zurückgenommenen Instrumentation. Die Grundthemen sind Tod, Geburt, Trauer, Trost und Liebe. Schon mit „Party“ erweiterte sie ihr musikalisches Spektrum über das ursprünglich leicht folkige Singer/Songwritertum hinaus. Die Gitarre steht immer noch im Mittelpunkt, doch elektronische Klänge, dezente Beats, ein Flügel und düstere Sounds betonen den schwereren Charakter der Party.
Im Moment beendet Harding die Arbeiten an ihrem dritten Studioalbum. Ihr zur Seite steht dabei wieder der Produzent John Parish, der – neben seiner wegweisenden Zusammenarbeit mit PJ Harvey – auch sowohl für das Debütalbum als auch für die letzte Platte mit dem Titel „Party“ der Neuseeländerin verantwortlich war. Mit diesem Werk vom vergangenen Jahr katapultierte sie sich weltweit in die Köpfe und auf die oberen Plätze unzählige Jahres-End-Polls.
Die Tochter zweier Musiker, die eigentlich nie selbst professionell auf die Bühne gehen wollte, hat ihre Sprache gefunden, und man darf sehr gespannt sein, wie sie sich auf der kommenden Platte – über die noch kaum etwas bekannt ist – weiterentwickelt. Im Mai kommt Aldous Harding für eine exklusive Show nach Berlin und präsentiert ihre neuen Stücke.
Genre: Electronic, Alternative
THOSE GODDAMN HIPPIES was born from a desire to find new meaning in life. At times fragile and at times bold with declarations of hope, their sound is refreshingly insightful. Their upcoming debut album ‘purpose’, is a thoughtful and rich musical offering with complex rhythms weaving around tender vocals. A cinematic sound experience fueled with positive melancholy.
Genre: Folk, Pop
Ob Fake News, Verschwörungstheorien, staatliche, industrielle oder häusliche Lügen, die Nachrichten erinnern uns immer wieder daran, dass diese Verzerrungen der Realität heute Teil unseres täglichen Lebens sind. Tétés neues Album kommt als umgekehrte Frage zu dieser unvorhergesehenen gegenwärtigen Zukunft: „Wie kann man sich über seine Wahrnehmung im Klaren sein?“ Daher das Konzept der „Fauthentique“, wobei der französische Ausdruck für „falsch authentisch” steht.
Die Platte wirkt wie ein Epos des Schwindels, eine Art melodische Illusions-Odyssee, die auf organischer Programmierung basiert. Falsche Naivität. Falsche Akustik. Fauthentique.
Tété wuchs mit den Beatles, Tom Waits und diversen Jazz-Sängern auf (die Lieblingsstücke seiner Mutter). Die Ankunft von Hip Hop in Frankreich in den frühen 90er Jahren ist seine erste musikalische Offenbarung. 16 Jahre später beginnt er Gitarre zu spielen und schreibt seine ersten Songs. Ein paar Jahre später beginnt er, in Bars aufzutreten und überlegt, davon zu leben. Das sagt er absichtlich: „Das Glück ist greifbar, wenn man bereit ist, es zu akzeptieren“.
Tété ist seit seiner Jugend ein begeisterter Gitarrist und veröffentlicht 2001 sein erstes Album: “L’air de Rien”. Seine Weihe kommt zwei Jahre später mit “À la faveur de l’automne”. “Le sacre de Lemmings et autres contes de la lisière” wird 2006 veröffentlicht: Eine Sammlung von Geschichten, die ihn an Orte wie Japan, Australien, Großbritannien und die USA führt. “Le premier clair de l’aube” ist minimalistischer als die vorherigen Alben und wurde in den USA aufgenommen. Es feiert die Blues- und Folkmelodien, die er als junger Mann liebte.
Seitdem hat Tété nicht aufgehört – sei es das auf Tour gehen oder das Songwriting für sich selbst und andere Künstler (Gaël Faure, Fréro Delavega, Mayra Andrade….), oder die Moderation von verschiedenen Fernsehsendungen (wie“ Tété ou Dédé“ mit André Manoukian), die das Duo durch die ganze Welt brachte, um Musiker im Auftrag des französischen Fernsehens zu interviewen).
Nach mehreren Tourneen, die ihn um den kompletten Globus brachten (Japan, Australien…) und mehr als 500.000 verkauften Platten, veröffentlicht Tété ein fünftes Album: “Nu là-bas”, das 2013 veröffentlicht wurde.! “Les Chroniques de Pierrot Lunaire”, die 2016 an die Quelle zurückgeht, will zur Quelle zurückkehren: Zwischen Blues und Folk schwebend, verbindet sich seine klare Stimme mit der Einfachheit und dem Minimalismus seines frühen Materials.
Tété gönnt sich dann nach einer weiteren Welttournee (Japan, Kanada, Deutschland, Holland…) eine Pause, um ein wenig zu atmen, um sich mit neuer Musik zu füllen und die Zeit mit seinen Lieben zu verbringen, einen Schritt zurückzutreten von einer Welt, in der alles manchmal etwas zu schnell geht, um sich vor dem zu bewahren, was manche als „Aufmerksamkeits- Burn Out“ bezeichnen.
Innerhalb dieser wenigen Monate entwickelt der Singer / Songwriter 12 neue Songs, die er zusammen mit seinem langjährigen Kollegen Johan Dalgaard in seinem eigenen Studio schreibt, komponiert und produziert.
“Fauthentique” soll eine optische Illusion sein. Es ist eine musikalische Collage, die darauf abzielt, ein Trompe l’oeil zu sein. Alle Lieder sind echt wahr, aber können wir dasselbe über unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum sagen? „Fauthentique“ erscheint am 01. Februar 2019. Im Mai kommt Tété dann mit seinem neuen Album für sechs Termine nach Deutschland.
Genre: Pop | Rock
Lebenswerke werden überbewertet. Chris Hyla hat seins vorsorglich weggeschmissen. Wie das klingt, erzählt seine aktuelle Platte „Lebenswerk X“. Das Leben schmeckt am besten pur: Du und eine Flasche Wein im Garten deiner Eltern; mit deinen komischen Freunden auf den Straßen deiner Stadt, Regentropfen in den Grübchen; das Gesicht deiner großen Liebe auf einem verbrannten Foto.
Das Leben ist oft kompliziert, außer wenn du mit ihm tanzt, stolperst du einmal zu oft über ein fremdes Lächeln, fällst hin, stehst auf und wünschst dir eine Zigarette.
Es gibt zwei Arten von Menschen: Schafe und Wölfe. Chris Hyla ist beides: ein rarer Popmusiker von der Sorte, die im Unterhemd zum Opernball erscheinen können, ohne rauszufliegen. Der Pop ist die Arena, auf die er den Wolf los lässt: Seine Texte schnörkellos ehrlich, seine Stimme eine Stahlfeile an den Gitterstäben, die dich von dem abhalten, was dich glücklich macht. Und das Schaf? Das schweigt und kaut. Aber fühlen kannst du es: Weiche, fette Synthiewolle und Ohrwurmmelodien, die leicht eine ganze Herde in Hüftschwung versetzen.
„Lebenswerk X“ ist ein persönliches, menschliches Album, genauso tierisch und widersprüchlich wie das Menschsein selbst. Hyla schafft süß-saure Projektionsflächen, in denen Platz ist für dein Lachen und deine Tränen, deine Wut, deine Hoffnung, für Chancen und Krisen. Er schöpft dabei aus dem Einzigen, das wir als Menschen haben: dem eigenen Menschsein. Bei einem, der sein Herz auf der Zunge trägt, umfasst das nicht nur die rosigen Vorzeigemomente; nee: Hylas Geschichten sind erfrischend dreckig und staubig.
Das tut gut in der Zeit von Instagram-Filtern und Tiernasenprofilfotos. Was er erzählt, wie es dabei klingt, ist so echt wie du und ich. Man könnte auch sagen: authentisch – aber mal ehrlich, das schreibt erstens jeder und zweitens glaubt es einem keiner.
„Lebenswerk X“ ist das erste Album von Chris Hylas Projekt Schafe & Wölfe. Es erzählt die Geschichte einer jungen Wildheit, die Bedacht und Tiefe gewinnt, um am Ende auch nicht schlauer, aber vielleicht ein klein wenig weiser zu sein. „Lebenswerk X“, das ist Synthpop mit Eiern und lyrischem Sprechgesang – kürzer kann man es kaum sagen. Es ist tanzbar, kuschelbar, feierbar und wunderbar. Wer das anders sieht, dem fehlt aller Wahrscheinlichkeit nach eine von zwei Zutaten im Leben: Schaf oder Wolf.
– Renan Cengiz, 2018
Genre: Indie, New Wave, Guilty Pleasures
It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.
Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties
Genre: Dance, Electronic
Joey Pecoraro aus Michigan bringt mit seinen sample-basierten Beats und einer beeindruckenden Lo-Fi Ästhetik Jazz, Funk und elektronische Musik zusammen. Am 19.05. kommt er für ein exklusives Konzert nach Berlin in den Privatclub.
Detroit, Michigan ist eine Stadt, die neben ihrer sterbenden Autoindustrie vor allem für Motown, Eminem und harten Techno bekannt ist. Sie gilt nicht als Ort für entspannt groovende, sonnendurchtränkte Instrumentalmusik.
Umso überraschender ist es, dass uns Joey Pecoraro nun mit einer Art von Musik überrascht, die man so vielleicht eher aus Kalifornien erwarten würde. Vielleicht liegt es daran, dass er aus Beverly Hills stammt, was in seinem Falle aber nicht der Stadtteil von L.A. ist, sondern ein Vorort der Motor City.
Joey Pecoraro studiert Film an der University of Michigan und wird von klassischen Komponisten wie Dvořák und Mahler inspiriert. Er ist kein Teil einer Szene, kein großer Kommunikator – Seine Musik wurde über das Internet bekannt. Aus dem unergründlichen Tiefen der Soundcloud-Produzenten sticht er jedoch deutlich heraus, da er es versteht aus Sample-Schnipseln, Vocals, Blasinstrumenten, Drums und Bässen Klangwelten zu erschaffen, die sowohl in einer hippen Fashion-Boutique, im Club oder als Soundtrack für einen in Sepiatönen gehaltenen Art House Film funktionieren. Stets im Wandel zwischen gestern, heute und morgen. Man denkt an Wu-Tang Clan, Herbie Hancock & De La Soul, spürt das Kratzen von Diamant auf schwarzem Plastik, muss unweigerlich mit dem Kopf nicken. So unangestrengt, organisch und groovy haben Beats lange nicht mehr geklungen.
Ob mit dem dem Remix für Selena Gomez‘ „Back To You“ oder mit eigenen Kompositionen wie „Your Favorite Place“ oder „Your Eyes“ – Joey Pecoraro versteht etwas von Klangästhetik! Wie sich das live in einem Club anfühlt, kann man am 19.05. in Berlin erleben, denn Joey besucht die Hauptstadt für eine einzige, exklusive Show im Privatclub. Tickets gibt es ab sofort.
Genre: Electro Pop
HYPHEN HYPHEN stammen aus dem französischen Nizza. Dort schloss sich das inspirierte Trio im Rahmen des gemeinsamen Studiums der bildenden Künste zusammen. Es ist ja immer gut, wenn Popkünstler eher kunst- als kommerzgetrieben sind – doch leider nicht immer von Erfolg gekrönt. HYPHEN HYPHEN aber sind mit ihrem kunstvollen Elektro-Popstil auf dem bestem Weg nach oben – so geht’s:
Eine Auszeichnung als Best New Live Act 2016, ein Deal bei der Parlophone Label Group, Warner, und ein hitversprechendes Team um sich herum, das bereits Stars wie Mariah Carey, Beyoncé, Christina Aguilera, Christine and the Queens oder Kayne West in die Charts brachte.
In Frankreich stehen HYPHEN HYPHEN kurz vorm Dernier Cri – dem berühmten letzten Schrei – auf dem Reeperbahn Festival 2018 brachten sie Fans intelligenter Popmusik zum Kreischen und 2019 schreit förmlich danach, das HYPHEN HYPHEN-Jahr zu werden. Nach über 200 Konzerten in den letzten zwei Jahren, der Produktion eines gefeierten zweiten Albums („HH“) und zwei Hit-Singles („Like Boys“, „Mama Sorry“) kommen sie im Mai zurück nach Deutschland – mit ihrer opulenten Electro Show, die beweist, dass Synthwave wieder Disco und Popkultur doch große Kunst ist.
Wegen eben diesem energiegeladenen und mitreißenden Auftreten wurden HYPHEN HYPHEN zur „Bühnenoffenbarung des Jahres“ im Rahmen des französischen Musikpreises „Victoire de la Musique“ 2016 gekürt.
Genre: Alternative Rock
Yonaka aus Brighton haben in den vergangenen anderthalb Jahren einen kometenhaften Aufstieg hingelegt. Im Oktober 2017 erschien die Debüt-EP „Heavy“, die das Quartett direkt ins Vorprogramm von Andrew WK und Don Bronco und im Anschluss in die Arenen Großbritanniens geführt hat, wo sie der Support-Act für Bring Me The Horizon waren.
Aber Sängerin Theresa Jarvis, Gitarrist George Edwards, Bassist Alex Crosby und Schlagzeuger Robert Mason haben von Anfang mehr vorgehabt und 2018 gleich zwei weitere EPs nachgeschoben. Auf „Teach Me To Fight“ und zuletzt „Creature“ führen sie ihren Sound konsequent weiter. Auf Letzterer geht es um eine gespaltene Persönlichkeit, grade so wie sich die Musik in zwei Richtungen zugleich zu entwickeln scheint. Da ist einerseits der groovige Electro-Pop-Ansatz mit diesen geschwungenen Melodiebögen und den hymnischen Refrains, die von Jarvis’ charakterstarken Stimme getragen werden, die in die tiefste Seele der Lyrics vorstoßen. Auf der anderen Seite schlagen die schweren Indie-Rock-Riffs zu Buche, die dem Klang diese erdige Schwere und rhythmische Struktur geben. Wenn dann beim letzten Stück, der Coverversion „She’s Not There“ der psychedelischen Popikonen The Zombies, ins Verlangsamte, Tiefdüstere abrutscht, hofft man, dass hier bald noch viel mehr aufregende neue Musik aus England auf uns zukommt.
Dieser aggressive Alternative Rock mit slickem Pop-Appeal ist schon was ganz Besonderes und lässt für die ersten Auftritte von Yonaka in Deutschland im Mai Großes erwarten.
Genre: Alternative R&B, Jazz, Soul
Nach seiner Überwinterung im Aufnahmestudio kehrt Jordan Rakei mit seiner neuen Single „Mind’s Eye“ zurück und kündigt eine sehr besondere und intime Tour mit Terminen in London, Amsterdam, Berlin, Los Angels und Brooklyn an. 2015 zog es den 26-Jährigen von Australien nach London, wo unter dem Label Ninja Tune seinen zweiten Longplayer „Wallflower“ produzierte und 2017 veröffentlichte. Mit dem reifen und anspruchsvollen Werk beschreitet Jordan das Genre des modernen Soul und stellt sein außergewöhnliches und schier angeborenes Talent als Songwriter, Produzent und Performer einmal mehr unter Beweis. Sein musikalisches Wirken wird von Größen wie Robert Glasper, Terrace Martin und Bonobo geschätzt.
Genre: Singer-Songwriter
Die irische Sängerin, Gitarristin und Multi-Instrumentalistin Bridie Monds-Watson alias SOAK griff zwar erst relativ spät erstmals zu einer Gitarre – damals war sie 14 Jahre alt –, das positive Feedback auf ihre erste Veröffentlichung war dennoch gewaltig. Mit ihrer brüchigen Stimme performt sie tiefschürfende Gedichte, die sie in ein eigenwilliges Klangbett gießt. Das beweist bereits ihr Künstlername SOAK, ein Zusammenschluss aus ‚Soul‘ und ‚Folk‘ – und selbst diese Genre-Bezeichnungen geben ihren außergewöhnlichen Stil nur unzureichend wieder. Seit Veröffentlichung ihres Debütalbums „Before We Forgot How To Dream“ im Jahr 2015 erhielt sie nicht nur weltweit überwältigende Kritiken, sondern obendrein eine ganze Reihe an renommierten Preisen, darunter den Choice Music Award für das beste Album des Jahres, je einen Northern Irish Music Prize und einen European Border Breaker Award, sowie als eine der jüngsten Künstlerinnen überhaupt eine Nominierung für den Mercury Prize. Nach ausgiebigen Tourneen durch Europa kündigte die mittlerweile 22-Jährige mit der Anfang Oktober erschienenen Vorab-Single „Everybody Loves You“ die Veröffentlichung ihres zweiten Albums an, das für das Frühjahr 2019 erwartet wird. Im Mai kommt SOAK sodann für drei ihrer stets höchst nahbaren Konzerte nach Deutschland, mit Stationen in Hamburg, Berlin und Köln.
Musik sei, so berichtete die aus dem irischen Derry stammende Bridie Monds-Watson in einem Interview, anfangs nichts weiter gewesen als ein Vehikel, um ihre lyrischen Gedanken in konkretere Formen zu bringen. Ihre ersten Gehversuche auf der Bühne unternahm sie sodann mit einer – wie sie sagt – „eher miesen Band“, bevor sie sich dazu entschied, ihre Musik alleine aufzunehmen und live zu performen. Bereits ein Jahr nachdem sie mit dem Gitarrespielen begonnen hatte, blickte sie auf eine gewisse lokale Berühmtheit – ihre intimen Shows wurden beschrieben als eindringliche, berührende Momente, die den Blick in die Gedanken und Emotionen eines reflektierten Teenagers erlauben.
Eine erste, selbst aufgenommene EP mit dem Titel „Sea Creatures“ fand viel Anklang auf YouTube und Soundcloud, und so wurde die Band Chvrches auf SOAK aufmerksam und ermöglichte ihr, mit „Blud“ ihre erste offizielle EP sowie im Mai 2015 auch ihr Debütalbum „Before We Forgot How To Dream“ zu veröffentlichen. Auch für diese Veröffentlichungen spielte sie alle Instrumente selbst ein – schon deshalb, um über die große Intimität ihrer sehr persönlichen Gedanken auch bei der klanglichen Ausgestaltung weiterhin die volle Kontrolle zu behalten.
Seit der Veröffentlichung von „Before We Forgot How To Dream“ ist das Feuilleton der arrivierten britischen Tageszeitungen voll des Lobes für SOAK. Der Guardian etwa beschrieb ihre Musik als einen „jungen Paul Brady, der in der Tonlage von Joni Mitchell das Tagebuch der Anne Frank singt“, während der Telegraph ihre Musik bereits mit Größen wie „Cat Power im Chillwave-Feeling von Bands wie Beach House und Best Coast“ verglich. SOAK selbst sagt, ihre größten Einflüsse fänden sich zwischen Abba und Pink Floyd, und dass sie keine Ahnung habe, wie man ihre Musik kategorisieren könne: „Ich habe keine Idee, in welches Genre ich passe. Was ich tue, ist schon ein wenig schräg, ebenso sehr Alternative wie Folk.“
Spannend bleibt es damit allemal, inwieweit sich der Sound ihres kommenden, zweiten Albums verändert hat. Mit der unmittelbar einnehmenden Vorab-Single „Everybody Loves You“, einer selbstironischen Abrechnung mit dem Konzept, mit sich selber stets sehr gnädig zu sein, bestätigt sie den Eindruck ihres ersten Albums nachdrücklich, dass sie eine herausragend musikalische, ebenso ätherisch wie selbstbewusst agierende junge Künstlerin zwischen Poesie und hinreißenden Songs ist.
Genre: Folk Rock / Indie
Auf Timothy Showalter’s Album „Heal“ war der bedachte, ruhelose Folk seiner ersten drei Alben zunehmend synth- und gitarrenlastigen Klängen gewichen. Auf seinem darauffolgenden Werk „Hard Love“ (2017 | Dead Oceans) und dem im Jahr 2018 (selbst-) veröffentlichten „Stiefbruderalbum“ „Harder Love“ geht der musikalische Weg noch mehr in die Richtung eines dynamischen, fast kompromisslosen neuen Bandsounds. Die Musik von Strand Of Oaks auf diesen Alben brodelt und bebt, sie ist voller Leben – in allen seinen Facetten und Widersprüchlichkeiten.
Jetzt kündigt Tim Showalter alias Strand Of Oaks sein sechstes Studioalbum “Eraserland” (VÖ 2019) an, welches zusammen mit dem Großteil der Bandbesetzung von My Morning Jacket entstanden ist. Jeder Song wurde live aufgenommen, während alle Musiker gemeinsam in einem Raum spielten, die suggestive Kraft der Musik entsteht aus der gemeinsamen Spontanität im Studio.
Wir sind gespannt, welche Überraschungen uns auf dieser Platte erwarten werden, und freuen uns darauf, die Liveumsetzung der neuen Songs im Konzert erleben zu können.
Stillwater is a small town between two hills in the middle of America. Frankie Lee was born there and has been running from it and to it ever since. Stillwater is also a record about life in middle America. A “record” meaning simply that, converting sound into permanent form. This is the story of how that record came to be…
For the recording of the follow up to American Dreamer – “debut album of the year” Rolling Stone – Frankie Lee had visited a few studios and they all felt like the same big production factories. He had spent the best part of a year wrangling livestock and had a pile of cash on the table to pay for the biggest and best gadgets which he then found he ultimately had absolutely no interest in. Lee wanted to get away from people who thought music should be made in isolation booths or that bigger was better. All the people who wanted the next big thing. Lee wanted the last little thing, he just had to find the right space to do it in.
One day Frankie Lee was walking down main street in his hometown and it hit him that he could bring the studio to them. Luckily, the house he grew up in was available. His mum had lived in the same house in Stillwater for most of Lee’s life. It’s a small cedar-sided house on an acre lot on the northern end of town, tucked back in the woods on a small hill, it looks like a log cabin.
So they packed in their instruments, tuned the old upright piano and rolled out a tape machine next to the wood-burning stove. Music was made from morning ‘til night. For three days straight, they ate together, stayed together and played together. Cutting six songs the first day and five the next, most of what they captured was first or second take. The music is minimal and warm. Lee describes his sound as “Western Music”, steel guitars and synths blend with acoustic guitars and omni chords. The musical brush is gold and green, dipped in deep blue. He slips in and out of time throughout the record. One line in a song could be its first or last. The song-stories are a blend of his own romantic grit. Ex-lovers, lost land and hope flung out of a car window, fraying in the wind.
On American Dreamer, Lee’s characters were set loose in a seemingly inescapable inheritance of self-destruction. On Stillwater, they seek a path towards redemption by returning home and confronting the past. Based on the loss of youth, with a focus on the dissolution of love, as well as the real life of the working class, Stillwater is a scrapbook of short stories, reveries and musical growth by one of America’s greatest unknown songwriters.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Kinderkonzert
Wenn die Kleinsten wieder Schreckliches aus Kindergarten oder Schule eingeschleppt haben, muss es sich dabei nicht zwingend um die neusten Erkältungsviren handeln. Oft sind auch die Songs, die so den Weg in den Familienalltag finden, eine schwerere Prüfung als jede Grippe.
Es geht allerdings auch komplett anders. Die Hülsenfrüchte der Baked Beans aus Berlin treten den Beweis an.
Auf dem Album „Hast Du Bohnen auf den Ohren?“ findet sich nun „Asozialer Familienmensch“ als einer von 14 Songs. 14 Songs – wildgeworden, hochsympathisch, vollverschmitzt und mit konsequent abgeschaltetem Zeigefinger. Die Baked Beans pflegen lustvoll ihr Faible für Quatsch – eins für Kinderliedpädagogik besitzen sie hingegen nicht. Dafür besitzen sie die Fähigkeit, alle möglichen Pop-Genres mit Leichtigkeit zu spielen. Summen, der sonst die seriöse Popband Die Türen unterhält, ist dabei nicht allein.
Vielmehr nehmen die Baked Beans ihren Ursprung in einem Projekt des Songwriters und Journalisten Johannes von Weizsäcker. Dort geht es darum, jeden Tag ein Stück zu schreiben und zwar einen ganzen Monat lang – was eigentlich eher wie eine verlorene Wette denn wie ein zurechnungsfähiges Projekt anmutet. Wie dem auch sei, der befreundete Summen schaltet sich zu und am Ende steht mit „Bauarbeiter trinken gerne Kakao“ das erste Stück der Baked Beans.
DIE PREMIERE HÖRT IHR IM MILCHSALON.
Genre: Indie Pop
Die Unverfrorenheit ungeschliffenen Slacker Rocks und die catchige Melancholie moderner Indiepop-Acts: Das ist der Boden, auf dem Some Sprouts gedeihen. Vintage-Synth-Sounds geben die Nährstoffe, die markante Stimme von Sänger Joshua das Wasser, sodass der Entfaltung der Sprouts keine Grenzen gesetzt sind.
So tourten die fünf Regensburger mit ihrer Debut-EP „Florescer“ quer durch Deutschland – erregen dabei aber Aufsehen, das über die deutsche Indie-Szene hinausgeht: Etablierte Gröflen aus den USA wie We Are Scientists oder Albert Hammond Jr (The Strokes) wurden auf Some Sprouts aufmerksam und machten sie zum Deutschlandsupport für ihre eigenen Touren.
Im Oktober 2018 veröffentlichten Some Sprouts ihre neue EP „IMMT“. Die EP zeigt die Entwicklung der Band, die sie seit ihrer Debut-EP durchlaufen hat und verbindet noch klarer ihre zwei Haupteinflüsse aus vorantreibenden Indie-Rock und träumerischen Pop/Folk Sound.
Nach der grandiosen IMMT TOUR 2018 gehen Some Sprouts 2019 erneut auf Tour und sind am 25. Mai live im Berliner Privatclub zu sehen.
