Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: Electro Pop / Electronic
Monarchy ist ein Londoner Elektro Pop Duo bestehend aus Andrew Amstrong und Ra Black. Ihre individuellen Expertisen im Produzieren und Mixen vermischen sich mit Gesang und eigenen Texten zu einem außergewöhnlichen Sound, den sie selbst als „Glacial pop with a throbbing undercurrent of humanity“ bezeichnen. Seit ihrer Gründung im September 2009 haben sie verschiedene Remixes für Ellie Goulding, Kelis, Lady Gaga, Marina and the Diamonds, Jamiroquai, Kylie Minogue, Orchestral Manoevres in the Dark and Fyfe Dangerfield. Ihr Debüt-Konzert haben sie am Cape Canaveral aufgezeichnet und gelten daher als erste Band, die ein Konzert im All ausgestrahlt hat. Seitdem touren sie regelmäßig durch Europa und die USA und haben dabei schon eine Vielzahl von Festivals bespielt, wie Coachella, Love Box, The Big Chill, Melt Festival, Mad Cool Festival, FIB, Pentaport, Reading & Leeds.
Einem vierjährlichen Release-Rhythmus folgend, erschien nach Around the Sun (2011) and Abnocto (2015) am 18. Januar ihr drittes Studioalbum Mid:Night.
Genre: Country
Doug Seegers‘ Karriere ist ein modernes Märchen: Der ehemals obdachlose, drogen- und alkoholabhängige Singer-Songwriter/Gitarrist aus Nashville (aufgewachsen in Queens, New York) wird mit nur einem Song in Schweden zum Superstar und dort mit Gold- und Platin-Auszeichnungen überhäuft. Jetzt baut er seinen Erfolg weltweit aus: Am 1. März 2019 zum Beispiel zeigt Doug Seegers zusammen mit Kiefer Sutherland bei der TV-Aufzeichnung „Berlin Live“ für Arte, welche Qualitäten in ihm stecken. Auch vor und nach dem Konzert beeindruckt der charismatische End-Sechziger mit seiner Authentizität nachhaltig nicht nur Country-Liebhaber, sondern auch alle anwesenden Medienvertreter und Fans.
Seegers‘ Musikerkarriere nach der Obdachlosigkeit sucht seinesgleichen: Das Debüt „Going Down To The River“ (2014, Platz 25 der US-Country-Charts) erreicht Platin in Schweden und Platz 1 der dortigen Charts, ebenso im März 2015 „In Tandem“, ein Duett-Album mit seiner schwedischen Entdeckerin Jill Johnson. Ein viel beachtetes Weihnachtsalbum „Let’s All Go Christmas Caroling Tonight“ landet im Oktober 2015 auf Platz 7 in Schweden, das zweite reguläre Studioalbum „Walking On The Edge Of The World“ im Mai 2016 auf Platz 5, das Hank-Williams-Tribut „Sings Hank Williams“ im Mai 2017 wieder auf Platz 5. Im Frühling 2018 nimmt er in Los Angeles sein erstes internationales Album mit Star-Produzent Joe Henry (u.a. Elvis Costello, Bonnie Raitt, Glen Hansard, Aimee Mann, Solomon Burke, Bettye LaVette, Meshell Ndegeocello)auf. Das Ergebnis ist das mit großer Spannung erwartete, zutiefst emotionale Werk „A Story I Got To Tell“, das Ende Mai 2019 erscheint. Produzent Henry ist es gelungen, sofort eine Verbindung zu Dougs charismatischer Art, seinen seelenvollen Songs und seiner künstlerischen Empfindsamkeit aufzubauen, was man jedem einzelnen Song anmerkt. Das Album führt ihn sogar über seinen klassischen Country-Sound hinaus und direkt hinein in eine reiche Landschaft, in der Soul, Blues, Rock und Gospel miteinander verschmelzen und Doug Seegers als neuen Vertreter klassischer amerikanischer Musik in derselben legendären Kategorie wie Ray Charles, Johnny Cash, Willie Nelson oder Roy Orbison etablieren. Classic Rock Deutschland nennt es „extrem abwechslungsreich und äußerst spannend“, Piranha ist stellt fest, dass „seine Lieder und seine Stimme berühren“.
Doug Seegers‘ Leben hat sich in den letzten fünf Jahren drastisch verändert. Sein Aufstieg zum Ruhm, sein Erfolg über Nacht, seine Songs an den Spitzen der Charts und seine Verwandlung von einem obdachlosen Straßenmusiker in Nashville zu einem Star in Schweden mit zahlreichen Platten, über 300 ausverkauften Shows, kilometerlangen Schlangen bei Autogrammstunden und Artikeln in den wichtigsten Magazinen ist Stoff für die Märchenbücher – und einer, der noch längst nicht auserzählt ist.
Dabei inspiriert Doug Seegers seine Fans mit seiner Geschichte von Erlösung und seinem unerschütterlichen Glauben in die wundersame Kraft Gottes. „Meine Lebensgeschichte erlaubt es mir, anderen zu sagen, dass es noch nicht zu spät ist – ganz gleich, wie tief man gesunken ist oder was man getan hat. Und wenn du deine Augen und dein Herz öffnest, dann wirst vielleicht auch du ein Wunder erleben.“
Genre: Singer-Songwriter
Jesca Hoop is an American singer-songwriter and guitarist, a Californian who is now an adopted daughter of Manchester. Her career has spanned five albums of finely crafted song writing, sung from a unique intelligence and an unparalleled voice, culminating in 2017’s hugely acclaimed ‘Memories are Now’.
Having spent much of the last eighteen months on tour, highlights of which include a triumphant sold out show at Union Chapel, appearances at Glastonbury and Latitude Festivals amongst many others, and appearing as special guest at Jose Gonzales’ Royal Albert Hall show, Jesca is currently working with producer John Parish (PJ Harvey, This is the Kit, Aldous Harding) on her next collection of songs. With her much anticipated follow up to ‘Memories are Now’ set for release in the summer of 2019, Jesca Hoop heads out round the UK and Europe in October, including her biggest headline show to date at the Barbican Centre, London.
Genre: Country
„internationalen heiß gehandelten Country-Stars stetig, die sich durch die SOUND OF NASHVILLE Konzertreihe in Deutschland präsentieren. Mit dem US-Star SCOTTY MCCREERY, der vom Country Weekly Magazine NASH zum „Country Music’s Sexiest Man“ gekürt wurde, bekommen die Fans in den Städten Berlin (23.10.) und Köln (24.10.) die Chance, einen der begehrtesten Youngster der US-Country-Szene live in intimer Clubatmosphäre zu erleben.
SCOTTY MCCREERY stürmte 2011 im Alter von nur 17 Jahren, infolge des Sieges der Zehnten Staffel von „American Idol“, die US-Musikszene und etablierte sich schnell als einer der heißesten Newcomer der Country-Szene. Seine tiefe Stimme und dessen unwiderstehlicher Klang bilden die perfekte Mischung aus zeitgenössischem und traditionellem Country-Sound. MCCREERY‘s Debütalbum wurde zum meistverkauften Soloalbum eines Country-Künstlers 2011 und ließ ihn Geschichte schreiben, indem er zum jüngsten männlichen Künstler sowie zum ersten Country-Musiker überhaupt wurde, der sein Debütalbum auf Platz 1 der Billboard Top 200 Album-Charts platzierten konnte.
Mittlerweile hat der talentierte Singer/Songwriter mehr als 3 Millionen Alben verkauft und wurde mit Platin- und Gold ausgezeichnet. Dazu debütierte er mit drei aufeinanderfolgende Alben auf Platz 1 der Billboard Top 200 Album-Charts und platzierte zwei Singles in den Top
10. Er tourte mit Brad Paisley und Rascal Flatts und spielte bereits eine eigene Headliner- Tour mit mehr als 400 Auftritten in den USA, Kanada, den Philippinen und der Karibik.
SCOTTY MCCREERY erhielt Branchen- und Fanauszeichnungen wie den „New Artist of the Year Award“, sowohl bei den „Academy of Country Music Awards“ als auch den „American Country Awards“ und wurde mit dem „CMT Award“ für das „Breakthrough Video of the Year“ zur Single „The Trouble with Girls” ausgezeichnet. Die Leser der Los Angeles Times wählten ihn zum „“Best American Idol““. Mit der Veröffentlichung des Buches „Go Big or Go Home: The Journey Towards the Dream“ im Jahr 2016 kann er sich zudem den Titel des Autors in den Lebenslauf schreiben. 2018 erschien mit „Seasons Change“ sein viertes Studio-Album, was
erneut die Spitze der Billboard Top Country Album-Charts eroberte.“
„Konstellationen in typischer Club-Atmosphäre ist die COUNTRY MUSIC WEEK ein e noch nie dagewesenes Konzerterlebnis. Während der Oktober-Wochen können Ba und entdeckt werden, die vielleicht auch beim C2C Festival in Berlin gastieren.
Für den Oktober haben alle Konzert-Besucher die Möglichkeit, ein sogenannt Country – Ticket“ zu erwerben. Dieses berechtigt dazu, an allen angekündigten MUSIC WEEK-Veranstaltungen der jeweiligen Stadt teilzunehmen. Die deutschen Fa ihre Stars hautnah erleben und genießen! Mit dem „C2C presents“ Markenstem darüber hinaus besondere Country-Tour-Termine zusätzlich gekennzeichnet.“
Genre: R'n'B, Singer-Songwriter
Mit ihrer atemberaubenden Stimme und dem Gespür, siebziger Jahre Retro-Soul mit dem Sound der Gegenwart verschmelzen zu lassen, kreiert Kara Marni einzigartigen RnB und Soul. Nun kommt die britische Newcomerin mit griechischen Wurzeln am 24. Oktober für ein intimes Konzert in den Privatclub Berlin.
Schon im Alter von drei Jahren saß Kara Marni auf dem Rücksitz im Auto ihrer Mutter und trällerte die Songs von Roberta Flack, Minnie Riperton oder Anita Baker. Schon da wusste ihre Familie, wohin es für die Britin irgendwann mal gehen wird. Als Teenager wurde Kara Marni bewusst, dass die Musik mehr als eine kleine Liebelei ist und sie damit die Menschen erreichen will.
2017 brachte Kara Marni mit „Golden“ ihre erste Single auf den Markt. Seitdem wird sie als einer der Rising Stars am RnB-Himmel gehandelt. Keine zwölf Monate später erschien „Love Just Ain’t Enough“. Diese sieben Songs auf der Debüt-EP reichten aus, um Stars wie Rita Ora und RAY BLK von sich zu überzeugen und die Soul-Sängerin als Support mit auf ihre Tourneen zu nehmen.
Parallel schrieb Kara Marni an neuen Songs und brachte einige Covers heraus, die allesamt den Originalen in nichts nachstehen und den Zuhörer mit urbanem Sound verzaubern. Mitte März dieses Jahres erschien zudem mit „Lose My Love“ ein weiterer Song aus eigener Feder.
Wer Soul mit einem Spritzer Pop liebt, ist bei Kara Marni genau richtig. Nach ausverkauften UK-Shows mit Raye im vergangenen Herbst, kommt die junge Londonerin am 24. Oktober nun auch in die deutsche Hauptstadt für ein Solo-Konzert im Privatclub.
Genre: Singer-Songwriter
Craig Finn ist bekannt als Frontmann von The Hold Steady. Die Indierock-Band aus Minneapolis, die von Hüsker Dü genauso beeinflusst ist, wie von Bruce Springsteen oder Jim Carroll, bleibt auch immer noch seine musikalische Heimat. Etwas weniger bekannt ist, dass Finn seit Längerem immer wieder auch solo unterwegs ist. Zuletzt konnte man das im Februar erleben, als er als Support von Brian Fallon dessen Deutschland-Tour begleitete und mit seinem ruhigen und melancholischen Akustikset das Publikum in seinen Bann zog. Das Repertoire bestand aus Songs seiner Stammband in reduzierter Variante und eigenen Stücken von seinen demnächst vier Studioalben: Im April erscheint „I Need a New War“, und bereits jetzt kursieren vorab die ersten Stücke „Blankets“ und „Something To Hope For“. Solo zeigt Craig hier das ganze Spektrum seines Storyteller-Könnens. Seine meist in der dritten Person erzählten Geschichten zeichnen sich durch ihre Aufrichtigkeit und ungeschminkte Ehrlichkeit aus. Wenn andere zum Stilmittel der Ironie greifen, erzählt Finn einfach das, was er sieht. Ganz ohne Filter, akkurat beobachtet und in feine Worte gesetzt. Auch wenn es gerne mal um die Kehrseite und Abgründe des gesellschaftlichen Umgangs geht, setzt er doch immer wieder einen positiven Schlusspunkt unter seine Songs. Musikalisch ist das Solowerk von Craig Finn ein Stück weit von The Hold Steady entfernt, und das ist sehr schön so. Denn so kann der 47-Jährige andere Akzente setzen und seinen Geschichten einen variableren Charakter geben. Im Oktober kommt er für zwei Shows nach Deutschland.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Deutschpop-Rock
Was macht eine junge Band nach dem Debüt-Album, zwei Deutschland- Tourneen mit ausverkauften Shows und einem Heimspiel vor 1500 Menschen? Eine Weile Netflix und „Ficken für den Weltfrieden“ oder vielleicht nach „Berlin am Meer“ ziehen? Natürlich nichts dergleichen, denn die fünf Stuttgarter Jungs von ANTIHELD bleiben sich und ihrer schwäbischen Dorfmetropole treu, verziehen sich lieber in den Proberaum und schreiben an neuem Material.
Schnell wird klar, wohin die Reise geht, der Sound wird dreckiger und die immer persönlicheren Texte bringen die Stimmung der beziehungsunfähigen, politisch brüchigen Generation auf den Punkt.
Jeder Song ist dabei wie ein Schlag ins Gesicht mit Zungenkuss und jede Zeile eine Umarmung mit Messer im Rücken. Folgerichtig und konsequent beschreibt nichts diese kaputte, berauschende Vergänglichkeit besser, als der neue Albumtitel „Goldener Schuss“. Und wer das Quintett kennt, weiß, dass bei jedem Konzert jedes Wort und jeder Ton bis in die letzte Faser gelebt und zelebriert wird. Schweiß, Tränen und die Angst vor dem letzten Song. Das bist du auf der „Goldener Schuss Tour 2019“.
Genre: Italo Disco, Italo Pop
Der Palermo-Club ist wie den alten Cinquecento aus dem Schuppen zu holen und mit ihm durch die Jahrzehnte zu fahren. Im Radio läuft Celentano, Mina, Battisti, Battiato, Raffaella Carrà und Jovanotti. Nostalgie krass. Coole Klischees. Eine Tanz-Piazza im warmen Abendwind. Hier ist das gute Italien. Für alle.
Genre: Electronic Jazz
Das Berliner Electro-Acoustic-Jazz Trio Grey Paris präsentiert sein neues Album „MEDEA“, das inspiriert ist von der kraftvollen, aber auch tragischen altgriechischen Geschichte von „Μήδεια“.
Die Band besteht aus Piano, Bass, Drums und diversen Live-Electronics. Beeinflusst von Künstlern wie E.S.T., Gogo Penguin und Nils Frahm, versteht sich die Musik von Grey Paris als eine Mischung aus meditativer Traumreise und treibenden, tanzbaren Grooves.
„They characterize their music as „cinematic electro-acoustic jazz“ and the truth is that the sound landscapes they make through enchanting, minimal and trance echoryhtms are creating images so powerful that they are one of the most unique modern jazz groups.“ (Athens Technopolis Jazz Festival)
»Die Neo-Avantgarde hebt ab …«, schrieb 2016 der »Musikexpress« über das ungewöhnliche Trio, das damals seine Mission begann: elektronische Musik mit Originalinstrumenten so auf die Bühne zu bringen, dass alle Sounds live generiert werden. Mit einem Arsenal an analogen Synthesizern, E-Pianos und einem komplexen Multipercussion-Setup treten Johannes Motschmann, David Panzl und Boris Bolles in Clubs wie klassischen Konzertsälen gleichermaßen auf. Eine Art »Retro Sound« entsteht dadurch, dass fast alle Instrumente aus den 1970er- und 1980er-Jahren stammen. Und was gewöhnlich maschinengesteuert ist, liegt hier in den Händen der drei klassisch ausgebildeten Musiker, die mit hoher Präzision Motschmanns Kompositionen so sinfonisch klingen lassen, als würde man einem ganzen Orchester lauschen. Das neue Album „Lifestream“ wird jetzt erstmals in Berlin zu hören sein.
Genre: Singer Songwriter
(english version below)
Tal Wilkenfeld, die Bass-Virtuosin aus Australien, bekannt vor allem als Bassistin von Jeff Beck und für ihre gefeierten Gastauftritte bei weltberühmten Musiklegenden wie Prince, Herbie Hancock oder Mick Jagger, kommt am 29. Oktober für ein Solo-Konzert nach Berlin. Bei ihrem Konzert im Berliner Privatclub wird sie Songs von ihrem ersten eigenen Singersongwriter-Album „Love Remains“ vorstellen. Tickets sind ab sofort an allen bekannten VVK-Stellen und unter www.eventim.de erhältlich.
Das Album „Love Remains“ (BMG) zeigt eine neue Seite von Tal Wilkenfeld, die bisher nur als Bassistin in Erscheinung getreten war, nämlich die der ebenso talentierten Songwriterin und Sängerin. Das Album wurde von Tal Wilkenfeld zusammen mit Paul Stacey (Oasis, The Black Crowes) produziert und featured Gitarrist Blake Mills, Keyboarder Benmont Tench (Tom Petty & The Heartbreakers) & Zac Rae (Death Cab For Cutie) sowie Schlagzeuger Jeremy Stacey.
Nach ihrem Umzug aus ihrer Heimat Sydney in die USA machte die damals 16-jährige Tal sich mit ihrer ungewöhnlichen Kombination aus melodischem Feingefühl und technischem Können einen Namen zunächst als Gitarristin und später vor allem als Bassistin. Nach Erscheinen ihres Instrumental-Albums „Transformation“ 2008 wurde Tal Wilkenfeld von den Lesern des renommierten Bass Players Magazine zum „The Year’s Most Exciting New Player“ gewählt und im Jahr 2013 zusätzlich von Bass/Producer-Legende Don Was mit dem „Young Guns Award“ ausgezeichnet. Seit sie das erste Mal eine Gitarre in die Hand genommen hat, hat Tal selber Songs geschrieben und dazu gesungen. Mit den ersten Erfolgen als Bassistin rückte das Songwriting in den Hintergrund, doch in den letzten Jahren fühlte sich die Multi-Instrumentalistin wieder dazu berufen, Songs zu schreiben und so entstand das Album „Love Remains“.
Nach zahlreichen Club-Gigs in den USA und einer Support-Tour für „The Who“, ist Tal Wilkenfeld jetzt auch endlich in Deutschland live zu erleben, am 13.11. in Hamburg mit Band und aufgrund der großen Nachfrage am 29.10. in Berlin solo.
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Love Remains, Tal Wilkenfeld’s debut solo album for BMG, is a testament to the celebrated bassist’s unconventional journey. While a dedicated fan base may already know Tal for her work with Jeff Beck, Prince, The Allman Bros., Herbie Hancock and Mick Jagger, Love Remains reveals a new side of Tal as a songwriter and singer with skills on par with her legend-in-the making musicianship. This new album’s 10 song collection displays the Australian-born, LA-based musician as a talented vocalist, songwriter, multi-instrumentalist, and producer.
The album was co-produced by Tal and Paul Stacey (Oasis, The Black Crowes) and features guitarist Blake Mills, keyboardists Benmont Tench (Tom Petty and the Heartbreakers) & Zac Rae (Death Cab For Cutie) and drummer Jeremy Stacey. Tal’s range of talents is on full display, and she achieves a stunning balance between instrumental prowess and exquisite songcraft. Jackson Browne, who offered creative guidance throughout the process of making the album, was executive producer.
With few models of an instrumentalist turned singer-songwriter, Tal has broken extraordinary new ground. As Jackson Browne acknowledged, “I can’t think of another instrumentalist that has ventured into the area that Tal now has, when it comes to writing and singing songs from her own experience.”
“I began singing and writing songs with words when I first picked up a guitar at 14,” said Tal. “When I arrived in the States a couple of years later, I quickly became fixated on guitar and then the bass and I stepped away from lyric writing. My bass became both my weapon and my shield, but that ran its course. That’s when I began writing song with lyrics again and creating this album.”
After relocating stateside from her native Sydney, Australia at just 16-years-old, Tal made believers of rock royalty and fans with her uncommon combination of melodic sensibilities and technical prowess. Following the release of her instrumental debut, Transformation, Bass Player magazine’s readers’ choice poll in 2008 named her “The Year’s Most Exciting New Player,” and iconic bassist and producer Don Was presented her the publication’s 2013 “Young Gun Award.”
Determined to transition into the singer-songwriter role, Tal began writing what would become ‚Love Remains.‘ She also lined up club gigs with her own band, debuting as lead vocalist on her own songs. Later, in her first week opening for The Who, Tal introduced the record by way of the first single “Corner Painter,” a powerful mix of intertwined baritone guitars and impassioned vocals matched by undeniable rock energy, which was also featured on Judd Apatow’s Netflix series, Love.
“Haunted Love” showcases a soul-bearing vocal performance in which Tal accompanies herself via beguiling, arpeggiated chords on a capoed 5-string bass with an orchestra to heighten the reflective lyrics: “No, you didn’t know about the ghosts left inside of me. Feeling so alone in the midst of this uncertainty.” As Pete Townshend remarks, “Haunted Love is truly a great song, touching, moving, and employs her two skills- her voice and bass. It’s stupidly great. She’s created a masterpiece.”
Love Remains suggests, as Tal has said, “the abiding presence of love…or the remnants should it fail.” She’s written a confronting album that alludes to a complex and tragic romance. “The way to diminish darkness is by shining a light on it. That’s what’s so beautiful and rewarding about music.”
Genre: Folk, Rock, Indie, Pop
Ihr Sound ist größer als die Band selbst, deshalb könnten ihre Fans in ein paar Jahren sagen: „Weißt du noch, als wir damals mit Bears Of Legend an der Bar standen?“ Auf die Gefahr hin klischeehafte Seefahrer-Bilder zu bemühen aber: Die Segel sind gesetzt – das Ziel: ein größerer Hafen. (rbb online 22.08.2018)
Dieses Septett aus Trois Rivières in Quebec / Kanada zieht seine Inspiration aus den Geschichten und Mythen Nordamerikas. Es geht um Liebe, Tod und Wiedergeburten, um von auf See gebliebenen Matrosen, Chimären, verschollenen Schiffen oder geheimnisvollen Meerjungfrauen – inspiriert von einem mysteriösen Logbuch (Ghostwritten Chronicles), das man am Meer gefunden hat. Sie gelten dabei als eine der originellsten Bands aus Quebecs und verarbeiten ein ganz eigentümliches Konglomerat unterschiedlichster Einfüsse zu komplexen Arrangements irgendwo zwischen Folk, Garagen-Rock und klassischen Elementen.
Genre: Pop
Drei Bands tun sich zusammen, sagen HalloFuture an Halloween
und laden mit diesem kleinen Clubfestival dazu ein,
mit ihnen für eine lebenswerte Zukunft zu feiern.
SIMEON, Tengo Kawana und Lucie & The Robot
zeigen wie vielseitig und künstlerisch hochwertig unterhaltsam PopMusik sein kann.
Genre: Folk, Americana
Nach dem Release ihrer EP „Blind For The Moment“ im Februar 2018 waren Hannah & Falco vor allem eines: Viel unterwegs. Mal in Duo-Besetzung, mal mit ihrer Band, den „Familiar Faces“, stand das junge Duo auf den Bühnen namenhafter Festivals wie dem Puls Open Air, Theatron, Hafensommer oder dem Bardentreffen und spielte Support-Shows für die Tiroler Folk-Rocker MAINFELT, sowie Americana-Größen wie The Handsome Family oder Langhorne Slim.
Im Oktober 2018 machen sich die Beiden nun zusammen mit kompletter Band auf, ihren bodenständigen, modernen Mix aus Americana und Folk, der sich durch wunderschöne, zweistimmige Gesangslinien und versiertes Songwriting auszeichnet, in einigen ausgewählten deutschen Städten zu präsentieren.
Mit den “Familiar Faces” haben die beiden dafür die perfekte Unterstützung an ihrer Seite: Kontrabass, Klavier, Violine und Schlagzeug runden die Songs in wunderbar entspannter Weise ab, machen Freude bei schnelleren Stücken und geben Tiefe in zerbrechlichen Momenten.
Eckhof’s Songs erinnern dabei an aktuelle Größen aus der amerikanischen Folk und Alt- Country Szene wie Conor Oberst oder Jason Isbell. Musik, wie man sie aus dem Norden Bayerns wohl kaum erwarten würde. Die Balladen „Blind For The Moment“ oder „Face In The Moon“ entfalten sich dabei genauso niederschmetternd traurig, wie auch textlich durchdacht, und erzählen von desillusionierter Liebe oder Trauer, während die augenzwinkernde Liebesgeschichte „Under The Radar“ jugendliche Unsicherheit thematisiert.
„Mabloni is soulful folk from the small town hitting the big city. Between the sad elephant who wants to forget and the friendzone blues, Mabloni just recently found his way to the folk sound of back in the good ol‘ days. Unfortunately born some decades too late, he’s making the best out of it.“
„Oldschool Folk aus der Kleinstadt in den Bars und auf den Straßen Berlins. Zwischen dem traurigen Elefanten, der mit Alkohol versucht zu vergessen und dem Upbeat Friendzone-Blues hat Mabloni seinen Stil gefunden der an Country-, Folk und Bluesgrößen aus vergangenen Zeiten erinnert. Eventuell ein paar Dekaden zu spät geboren, versucht er das beste daraus zu machen.“
Genre: Indie Pop
Vier Jahre nach ihrem Debut „Hornissen“, legten die mittlerweile drei Berliner, Guillermo Morales, Ruud van der Zalm und Thomas Wosnitza, im November 2018 den ungleich großen, weiten und düsteren Nachfolger „PUT YOUR HEAD ON MY SHOULDER“ vor.
Gedankt wird es den drei Freunden von einem hypnotisierten Publikum auf ihrer Deutschland/Österreich Tour im vergangenen Winter sowie euphorischer Begeisterung bei einschlägigen Blogs und Musikmags. „Eines der besten deutschen Alben des Jahres“ heißt es beim Schall Magazin, von „einem spannenden musikalischen Kurzfilm“ ist bei TONSPION die Rede und welovethat.de wähnt gar die Hamburger Schule zurück. Spotify featured die Band mit ihrer zweiten Single „Das Summen“ im internationalen Indie Radar und der Song erhält deutschlandweites Radio Airplay.
Was ist das besondere an diesem Album? „Es beantwortet Fragen – Fragen, die wir uns schon lange stellen und deren Antworten dabei helfen, sich mit der Welt und der Gegenwart zu versöhnen. Diese Lieder werden zu einem Teil deines Lebens, weil sie auch deine Stimmung einfangen, dich spiegeln, und dir dabei helfen wieder zu spüren.“ (Christian K.L. Fischer)
Begleitet von Jo Stöckholzer (Gitarre, Keyboards) bringen Tipps für Wilhelm den großen Indie Sound von „PUT YOUR HEAD ON MY SHOULDER“ 2019 wieder live auf die Bühne.
Fast auf den Tag genau, ein Jahr nach der großen Record-Release-Konzert-Party im geliebten Privatclub, kehren die Tipps zurück, um das vergangene Jahr mit Euch in der Heimat zu feiern. Kommt vorbei… zum Konzert, zur Party, egal.. es wird getanzt…
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Blues-Rock
Sein neues Album, ganz einfach „Laurence Jones Band“ benannt, ist in Miami mit Produzent Gregory Elias aufgenommen worden und wird am 30. September 2019 auf dem US-Label Top Stop Music veröffentlicht. LAURENCE JONES ist „sehr stolz, dieses neue Album in die Welt zu schicken. Zwei Jahre Planung und harte Arbeit sind hineingeflossen. Aber ich werde die Musik für sich sprechen lassen und freue mich, Euch ‚on the road‘ bei einer Show zu sehen!“
Inspiriert von den Platten von Jimi Hendrix, The Groundhogs, Stevie Ray Vaughan, Rory Gallagher und vor allem Eric Clapton aus der Sammlung seines Vaters, schreibt LAURENCE JONES schon sein halbes Leben lang Songs und tritt auf den ganz großen Bühnen auf. Er hat unzählige Shows überall in Europa gespielt, oft vor ausverkauftem Haus. Live hat er seinen Sound stetig feintunen können und ist Wegbereiter für eine ganze neue Generation von Bluesmusikern.
Der erst 27-jährige wird nicht nur mit Lob und Preisen überschüttet, er ist sogar bereits Mitglied in der Blues Hall Of Fame seit er 2016 zum dritten Mal in Folge den Award als ‚Young Artist Of The Year‘ abräumen konnte. Und tatsächlich ist der junge Mann nicht nur einer der besten Blues-Gitarristen Europas (der Preis als ‚Best European Guitarist‘ wurde ihm bei den European Music Awards verliehen), er hat auch bereits jede Menge Erfahrung. Tourneen als Support von den ganz Großen seines Genres wie Status Quo, Gary Clark Jr., Kenny Wayne Shepherd, James Bay, Van Morrison, Buddy Guy, Joe Bonamassa oder Eric Burdon – um nur einige zu nennen – und über 50.000 verkaufte Tonträger sprechen eine klare Sprache.
Mit 17 gründete er die LAURENCE JONES BAND, mit 20 veröffentlichte er sein Debüt „Thunder In The Sky“, zwei Jahre später, 2014, sein 2. Album „Temptation“, bei dem u.a. Walter Trout als Feature Guest zu hören war. Sein aktuelles Werk „The Truth“ ist im März 2018 erschienen. Er präsentiert darauf eingängige Crossover-Songs irgendwo zwischen Rock, Pop und Blues. Die Songs wirken, wie bei seinen Vorbildern Jimi Hendrix oder Eric Clapton, durch ihre Kombination aus viel Gefühl, der Rauheit des Blues und mitsingbaren Melodien.
Genre: Indie
Das Alternative Pop-Duo NOSOYO klingt so intensiv, als hätten man es mit einer ganzen Band zu tun. Diese Energie bringen die zwei Wahlberliner im November auf die Bühne, nachdem am 27. September ihr zweites Album „Loud & Shameless“ erscheint.
NOSOYO sind Donata (Gesang, Gitarre, Text) und Daïm (Gesang, Schlagzeug, Text). Ein eingespieltes Paar aus individuellen Vollblutmusiker, die gemeinsam spannungsgeladene Songs voller Leidenschaft schreiben: “Das sind Songs mit denen wir auspacken – Klartext reden“ so das Duo über das neue Album. Geschickt experimentieren sie mit unterschiedlichen Sounds und lassen Loops, Samples und Synths wild zirkulieren und fi nden doch immer wieder zu dem zurück, was ihre Musik ausmacht: Gesang, Schlagzeug und Gitarre, die sich harmonisch im Kontext der Texte winden.
Donata und Daïm möchten mit ihrer Musik Leute zusammenbringen und Verbindungen schaffen. Live schweben große Melodien mit tiefsinnigen Texten über dezenten elektronischen Beats. So entstehen Pop-Songs mit Tiefe und gleichzeitig Leichtigkeit die sich natürlich zusammenfügen, als seien sie nie für etwas anderes bestimmt gewesen.
Genre: Blues Rock
Nur wenige Debütalben kommen so vollendet daher wie „Black Holes“ vom kanadischen Duo The Blue Stones aus dem vergangenen Oktober. Tatsächlich aber haben sich Tarek Jafar und Justin Tessier lange vorbereitet für die große Weltbühne. Bereits 2011 und 2012 erschienen zwei EPs. Ihr mitreißender Blues- Rock steckt voll prägnanter Riffs und überbordender Hooklines. Manchmal fällt es schwer zu glauben, dass dieser wuchtige, erhabene Sound von lediglich zwei Musikern erzeugt wird.
Kennengelernt haben sich Jafar (Gitarre, Gesang) und Tessier (Drums) schon als Kinder, später besuchten sie dieselbe Universität und begannen ihre musikalischen Talente in einem Band-Projekt zu verschmelzen. Ihre Heimatstadt Windsor liegt auf der kanadischen Seite des Detroit River. Vielleicht ist es diese Nähe zu den USA, die The Blue Stones eine Lässigkeit im Umgang mit Blues- und Rock-Stilen verleiht.
Ihre Songs erinnern, klar, an White Stripes und Black Keys. Aber es wäre natürlich unfair, The Blue Stones auf ihre Duo- Vorbilder zu reduzieren, sind da doch auch das Schwergewichtige von Led Zeppelin, der Mumm von Hendrix, der Groove von HipHop-Helden wie J. Cole und Kanye – und auch britische Einflüsse von Cream bis Oasis spiegeln sich im Sound des Duos.
Doch in Wahrheit stellen The Blue Stones ihr eigenes musikalisches Koordinatensystem auf. Zwischen bluesigen Harmonien und einem dynamischen Umfang, der von leisem Flüstern bis zu maximal lauten Ausbrüchen reicht, entwickelt sich eine Klangvielfalt, die genauso überrascht wie die abgeklärte Coolness, mit der Jafar und Tessier zu Werke gehen. Das gilt ganz offensichtlich auch für ihre Konzerte, wie man auf der jüngsten Veröffentlichung nachhören kann: Zuletzt begeisterten sie auf ihrer EP „Live In SiriusXM Studios“ sogar mit einer Coverversion des Rolling-Stones-Klassikers „Satisfaction“. Im Herbst kommen The Blue Stones auf Tour!
Genre: Pop
So jung – 28 – und schon als Queen of Soul bezeichnet! Kimberly Rose Kitson Mills und ihre Band KIMBEROSEstürmen die Bühnen mit den Songs ihres Debütalbums CHAPTER ONE. Und das bald nicht mehr nur in Frankreich, wo die Singer-Songwriterin lebt. Ihre Stimme beschwört Erinnerungen an Amy Winehose, Billie Holiday und Nina Simone herauf.
2015 gründete die einstige Psychologie-Studentin mit zwei Freunden KIMBEROSE, nachdem sie über einen Auftritt bei „La Nouvelle Star“ (französische Version von DSDS) am Singen auf der großen Bühne Gefallen fand. Es folgten einige magische Auftritte, 2017 eine EP und 2018 das erste Album, das sich bereits 45.000 Mal verkauft hat. 2018 tourten KIMBEROSE ausgiebig und kommen 2019 für noch mehr Auftritte auf Europatour.
Kimberly ist ein Tornado, wenn es um Leidenschaft und Gefühl geht. Eine außergewöhnliche Sängerin, die angetreten ist, einen so traditionsreichen Musikstil wie den Soul frisch und aufregend zu präsentieren. Kimberly, Tochter einer Immigrantin aus Ghana und eines Engländers, ist bereit, den Beweis zu liefern, dass diese „Seelenmusik“, mal fragil, mal stark, uns auch heute noch viel zu sagen und viel Extase zu bieten hat.
Genre: Pop
Die vier Jungs aus dem hohen Norden sind der Geheimtipp schlechthin. In Schleswig-Holstein so gut wie alle ihrer Konzerte ausverkauft, 1000 Fans am Abend die Regel, Monate vor der Show das Hamburger Knust ausverkauft, Schleswig-Holstein beim Bundesvision Songcontest vertreten und mit den großen Namen des Popbusiness’ auf Du – all das hat sich ausbezahlt, denn sie sammeln fleißig ihre Fans ein, waren auf Tour mit Bands wie Silbermond, Johannes Oerding, Philipp Dittbrenner und Mark Forster.
Mit ihrem deutschen Pop, der die Tiefe nicht scheut und den Frohsinn sucht, laden Jeden Tag Silvester auf ihren Konzerten zum Träumen, Nachdenken und Mitsingen ein. Zwischen Clueso, Revolverheld und internationalen Acts wie Coldplay und den Killers schaffen sie sich mit unfassbaren Melodien ihre Nische. JTS konstruieren ihre Musik nicht. Müssen sie auch nicht, denn die Antwort ist so einfach wie klar: handgemachte, melodische, introvertierte Feuerwerke, die durch ihre melodischlyrischen Ummantelungen, echte Instrumente, warmen Sound und einer tollen Stimme direkt ins Herz gehen und jede Sekunde authentisch und glasklar sind.
Jeden Tag Silvester führen einmal mehr vor Augen, dass die deutsche Sprache im Klangtext melodischer Vertonungen mitreißen und berühren kann und wirklich bewegt. Ihr Werdegang ist beeindruckend und es ist schön zu sehen, wie die Band vom Norden her die Republik nach und nach aufrollt und bei jedem ihrer Konzerte beweisen, dass Norddeutschland viel mehr zu bieten hat als Fischbrötchen und Friesennerze. JTS die mitreißende Kombination aus musikalischem Anspruch und Authentizität. Perfekt und echt. Und eines ist sicher. Es wird in ihrer unaufhaltsamen Karriere noch viele Feuerwerke geben, denn Jeden Tag ist Silvester!
Das Konzert wurde aus dem PRIVATCLUB ins Bi Nuu verlegt!
Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit
Genre: Indie-Pop
Orla Gartland gehört zur Millennial-Generation und erhielt die erste Aufmerksamkeit mit Coversongs, die sie im DIY-Style in den heimischen vier Wänden ihrer Eltern aufnahm und bei YouTube veröffentlichte. Mittlerweile strahlt die 24-jährige Irin mit eigenen Songs, die ihre Wurzeln im Folk-Pop haben. Am 9. November kommt Orla Gartland für ein Konzert in den Privatclub nach Berlin.
Seit ihrem fünften Lebensjahr spielt Orla Gartland neben typischen irischen Instrumenten auch Violine, bevor sie im Alter von zwölf Jahren das erste Mal eine Gitarre in die Hand nimmt. Nur ein Jahr später veröffentlicht sie ihren ersten Coversong als YouTube-Video.
Mit der Single „Devil on my Shoulder“ (2012) schaffte sie es erstmals auf Platz 2 der irischen Singer-Songwriter-Charts. Im selben Jahr spielt Orla ihre ersten Support-Shows für Ryan O’Shaughnessy, den irischen Eurovision Song Contest Teilnehmer von 2018, und Nina Nesbitt.
2013 folgte mit „Roots“ die erste EP mit vier Songs. Der gleichnamige Titelsong wurde auf verschiedenen Plattformen als „Single der Woche“ gefeiert und sorgte für einen ersten breiten Erfolg in der Musik-Landschaft. „Roots“ erreichte Platz 1 der irischen sowie Platz 15 der britischen Album-Charts und landete auf Platz 2 der US-amerikanischen Singer-Songwriter-Charts. Und auch die zweite EP „Lonely people“ (2015) konnte an diesen Erfolg anknüpfen.
Auffällig ist neben dem einzigartigen Klangbild ihrer Stimme auch der energiegeladene Gitarrenpop-Sound: Melodien mit Ohrwurm-Charakter und Texte, die sich von der üblichen Happy-Go-Lucky-Thematik abheben. Jeder Song ist eine unverfälschte, kompromisslose Erzählung aus ihrem Leben.
Nach den Singles „I Go Crazy“ und „Between My Teeth“ (beide 2018) steht in diesem Jahr mit „Why Am I Like This“ am 24. Mai die nächste EP kurz vor ihrer Veröffentlichung.
Beeinflusst von starken Musikerinnen wie Regina Spektor, Joni Mitchell und Imogen Heap entwickelt sich Orla Gartland mit jeder Veröffentlichung weiter und wird nicht ohne Grund als vielversprechende Anwärterin auf die beste Solo-Künstlerin Irlands gehandelt. Davon überzeugen kann sich am 9. November das Berliner Publikum, wenn Orla die Hauptstadt für ein intimes Konzert im Privatclub besucht.
Genre: Indie
Nur 18 Monate nach seinem letzten Album „Babelsberg“ veröffentlicht der Waliser Künstler Gruff Rhys am 13. September „Pang!“: ein Soloalbum in dem er sein Gitarren-Songwriting mit einer gewissen Experimentierfreude kombiniert. Wohlklingende Popmusik, die zugleich auf spannende Weise wiederholend und disharmonisch klingt – „it’s all about Sweet and Sour“, wie Rhys einen Freund zitiert.
Trotz englischem Titel besteht das Album neben einigen Versen auf Zulu komplett aus walisischen Texten. Dies ist u.a. dem südafrikanischen Produzenten Muzi zuzuschreiben, der hier nicht nur gemischt, sondern auch musikalisch mitgewirkt hat. Rhys singt von „Pang!“ – dem plötzlichen Gefühl mentaler oder emotionaler Not und Sehnsucht – und verarbeitet dabei die Wechselbäder aus negativen Empfindungen und den Freuden des täglichen Lebens.
Rhys selbst beschreibt sein Album als „a pang of positivity that jolted me personally out of the omni-present political gloom“. Diesen Schwall positiver Lebenseinstellung bringt er im November nach Berlin – zum einzigen Konzert in Deutschland. Pang!
Genre:
Genre: Pop
Wäre alles so gelaufen wie geplant, hätte Luisa Babarro wohl nie selbst ein Lied geschrieben. Sie wäre nicht Teil von Philipp Poisels Band geworden, hätte nie ihre eigenen Lieder auf dem Cello geschrieben. Wäre alles so gelaufen wie geplant wäre Luisa nach ihrem klassischen Cellostudium Cellistin in einem Orchester geworden und hätte sehr geordnet vor sich hin gelebt- nicht unzufrieden , aber auch nicht ganz glücklich. Es war das ‚Projekt Seerosenteich’ von Philipp Poisel im Jahr 2012, das alles veränderte.
Durch die jahrelange Zusammenarbeit mit Poisel entstand die Idee selbst Musik zu schreiben und diese mit dem Cello zu begleiten. Die 2017 veröffentlichte EP „Luisa Babarro“ bildet eine erfindungsreiche Symbiose des Cellos und Luisa’s authentischer Stimme. Im letzten Jahr verschlug es die Musikerin erneut ins Studio, diesmal um die Idee der EP weiterzuführen, sie zu vergrößern.
Ihr im April erscheinendes Debütalbums „ Ich bin eine Andere“ führt den Gedanken der EP fort und wird gleichzeitig moderner. Gemeinsam mit ihrem Produzenten Frank Pilsl ( Philipp Poisel, Elif, Tonbandgerät) entstand nicht nur die herausragende Ballade „Wenn du mich nicht mehr lieben kannst“ sondern auch das Lied „ Auf Papier“ welches die akuten Ereignisse der Flüchtlingsströme und die Digitalisierung thematisiert.
Das Album zeigt die Entwicklung einer Künstlerin, die bereits auf ein beeindruckendes Schaffen zurückblicken kann .
So lässt sich der Titel vielleicht am ehesten fassen, als Expedition und Überschreitung der Ziele, die man sich selbst überhaupt zutrauen kann.
Dabei schreckt sie nicht davor zurück ihren Texten mehr Raum zu geben. Luisa Babarro scheint kryptischer geworden zu sein, zeigt mehr und gleichzeitig weniger von sich selbst. Rätselhaft aber vielleicht nur in dem Sinn, dass sie genau weiß wie viel sie von sich selbst zeigen möchte und wie viel Spielraum dem Hörer selbst eröffnet sein soll.
Das Cello spielt im erweiterten Sinne eine wichtige Rolle, es wird durch orchestrale Klänge vervollständigt wodurch sich neue Klangwelten entwickeln. Der rote Faden ist jedoch glasklar hörbar: er führt zurück zum Ursprung, der Künstlerin selbst, die die deutsche Popmusik zu neuen Ufern trägt und uns an ihrer Entwicklung zu einer „Anderen“ teilhaben lässt
Das Album „Ich bin eine Andere“ erscheint im April 2019 über Believe.
Genre: Pop
Als der US-amerikanische Musiker John Fahey 1959 unter dem Namen Blind Joe Death ein Album herausbrachte, hielten es viele Kenner für einen sensationellen Fund der frühen American Folk Music. Wenn man 60 Jahre später das Debütalbum von The Düssseldorf Düsterboys hört, könnte man es durchaus auch für einen wiederentdeckten Schatz der Folkmusik halten.
Tatsächlich aber ist es das neueste Werk von Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti, die inzwischen viele Musikliebhaber in diesem Land als die unverkennbaren Stimmen von International Music kennen dürften. Ihr Album „Die besten Jahre“ aus dem April 2018 halten nicht wenige für die stärkste deutschsprachige Platte der letzten Jahre.
Nun also „Nenn mich Musik“, das unter Fans langersehnte Debütalbum von The Düsseldorf Düsterboys, die Peter und Pedro als Duo schließlich schon lange vor International Music gegründet haben. Um das Verwirrspiel mit den unterschiedlichen Band-Identitäten perfekt zu machen, haben Peter Rubel und Pedro Goncalves Crescenti mit Edis Ludwig am Schlagzeug und Fabian Neubauer an Orgel und Klavier The Düsseldorf Düsterboys nun kurzerhand zum Quartett erklärt. Und wieder hat Produzent Olaf O.P.A.L. sie extrem gut in Szene gesetzt. Vor allem dann, wenn sich auf den Aufnahmen gelegentlich ein paar Holzblasinstrumente zur Band dazugesellen: Was für ein Sound! Die Düsterboys nennen es schlicht und einfach: Musik.
Genre: Singer-Songwriter
Hayden Thorpe war einer der zwei Sänger der Wild Beasts, er ist der mit der hohen Stimme, von der man nie weiß, ob es sich schon oder noch um die Kopfstimme handelt. Die Songs seines Solodebüts liegen nicht weit entfernt von den ruhigeren Stücken der Band, was jedoch fehlt, sind die rauen und roboterhaften Funksongs, die das letzte Band-Album BOY KING ausgezeichnet hatten. Solo klingt Thorpe wieder eleganter, es dominiert das Klavier, Gitarren hört man selten, und wenn, dann spielen sie diese 80s-Licks, mit denen die Cracks früher ihre Synthie-Pop-Songs veredelt haben: für die einen Hi-Fi, für die anderen das pure Grausen. Im November holen wir Hayden Thorpe für seine einzige Deutschlandshow nach Berlin in den Privatclub!
Genre: Singer Songwriter | Indie | Folk
Die Songs des irischen Gothic-Folk-Singer-Songwriters A.S. Fanning sind inspiriert von traditioneller, irischer Lyrik und Volksmusik sowie von psychodelischem und Gothic Rock ’n‘ Roll der 60-er Jahre.
Seit dem Erscheinen seiner Debüt-Single ‚Carmelita‘, die 2015 auf 7-Zoll-Vinyl veröffentlicht wurde, tourt er durch ganz Europa und spielt auf renommierten Festivals wie dem South by Southwest (Austin, USA), Hard Working Class Heroes (IRE) und Endless Daze (Kapstadt, SA). Das von ihm selbst produzierte Debütalbum „Second Life“, erschien 2017 auf Proper Octopus Records, wobei ‚The 405′ es „eine emotionale Erlebnisreise mit Liedern voller Hingabe und erlittenem Kummer“ nannte und ihm 8/10 Punkte verlieh.
Das Album, das hauptsächlich in seiner Wahlheimat Berlin aufgenommen wurde, beschäftigt sich mit den Themen Tod, Verlust, Emigration und Übergang. Musikalisch werden eine Vielzahl von akustischen und elektronischen Elementen eingesetzt, um eine reiche Grundlage für Fannings markanten Baritongesang und die eloquente, dunkle Lyrik zu schaffen.
Sein zweites Album’You Should Go Mad‘ wird 2020 veröffentlicht, angeführt von seiner neuen Single’Abandoned‘, die am 15. November erscheinen wird.
Genre: Indie, Guilty Pleasures
It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg. Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & naughties.
This is not just another party! On this special evening, we will feature a special guest artist for the first time. Angela Chambers will kickstart the
groove with her band Chambers and a nice dose of Indie-Soul/ Krautrock-Blues…Followed by Phil Haussmann (Apples in Space) on the Decks all night long from midnight…
Singer and Flautist, Angela Chambers brings a magic soul touch and a fresh vision to her new Rock trio entitled Chambers, featuring Steffen Kahles (Bass+Synths) and Felix Ritz (Drums). With roots deep in Berlin and the US, she released her first EP in 2017 under the moniker AC Meadows, and will release her debut album in March 2020 with her project entitled Waking Dreams. She intends to break the spell before midnight, with a whimsical twist on the flute and mesmerising vocal melodies intertwining around the rhythmic groove punches.
Verschoben vom 25.05. // Tickets behalten ihre Gültigkeit, bzw. können zurückgegeben werden.
Genre: Kinderkonzert
Wenn die Kleinsten wieder Schreckliches aus Kindergarten oder Schule eingeschleppt haben, muss es sich dabei nicht zwingend um die neusten Erkältungsviren handeln. Oft sind auch die Songs, die so den Weg in den Familienalltag finden, eine schwerere Prüfung als jede Grippe.
Es geht allerdings auch komplett anders. Die Hülsenfrüchte der Baked Beans aus Berlin treten den Beweis an.
Auf dem Album „Hast Du Bohnen auf den Ohren?“ findet sich nun „Asozialer Familienmensch“ als einer von 14 Songs. 14 Songs – wildgeworden, hochsympathisch, vollverschmitzt und mit konsequent abgeschaltetem Zeigefinger. Die Baked Beans pflegen lustvoll ihr Faible für Quatsch – eins für Kinderliedpädagogik besitzen sie hingegen nicht. Dafür besitzen sie die Fähigkeit, alle möglichen Pop-Genres mit Leichtigkeit zu spielen. Summen, der sonst die seriöse Popband Die Türen unterhält, ist dabei nicht allein.
Vielmehr nehmen die Baked Beans ihren Ursprung in einem Projekt des Songwriters und Journalisten Johannes von Weizsäcker. Dort geht es darum, jeden Tag ein Stück zu schreiben und zwar einen ganzen Monat lang – was eigentlich eher wie eine verlorene Wette denn wie ein zurechnungsfähiges Projekt anmutet. Wie dem auch sei, der befreundete Summen schaltet sich zu und am Ende steht mit „Bauarbeiter trinken gerne Kakao“ das erste Stück der Baked Beans.
DIE PREMIERE HÖRT IHR IM MILCHSALON.
Genre: Electronic, Pop
Mesmerizing is the word for “Adult Baby”, the first solo record by Kazu Makino, to be released on September 13th on Adult Baby Records, her new label. After nine albums with Blonde Redhead, New York based band in which she had accompanied the Italian twins Simone and Amedeo Pace as singer, songwriter and multi-instrumentalist, the Japanese American artist has plunged into a new musical adventure, and is now prepared to re-present herself to the world in a completely new persona, intimate and totally unique. In the new tracks of “Adult Baby”, there are echoes of Blonde Redhead here and there, but the record represents Kazu in her purest and most visceral essence.The result is a record that is hard to classify – a guarantee of great value – but that in terms of attitude and sound could be described as rooted in refined, avant-garde pop, in which Kazu’s warm and sensual vocals are the main vehicles that bring to life an ethereal, delicate, dreamy world, and at the same time exhibit a rare intensity, which morphs into episodes of seductive romanticism.Adult Baby”, an album she co-produced with Sam Griffin Owens, with contributions from significant pioneers of the global pop, electronic, rock and indie scenes such as Ryūichi Sakamoto, the Brazilian percussionist Mauro Refosco (Atoms for Peace, Red Hot Chili Peppers, David Byrne) and the acclaimed drummer Ian Chang (Son Lux, Landlady). A surprising journey in sound, based on an intriguing mix of synthesizers, moog, loops, percussion, snippets of piano and grand melodic orchestral breaks that remind the listener of Serge Gainsbourg and the soundtracks of certain Italian movies from the Sixties. It’s no use fighting it: once you have set foot on the planet Kazu, you are immersed in otherness.
Genre: Indie, Pop, Rock
Nach der Veröffentlichung des 7. Albums „Crooked Shadows“ in 2018s kommen DASHBOARD CONFESSIONAL im November 2019 nach Deutschland, um die Fans mit einer Akustik-Liveshow zu begeistern!
Nach mittlerweile über 20 Jahren im Musik-Business können DASHBOARD CONFESSIONAL auf eine erlebnisreiche Karriere zurückblicken: Sieben Alben, unzählige Liveshows, davon eine Tour als Opener von Bon Jovi. Längst ist die Band ein fester Name in der Szene. Und damit haben DASHBOARD CONFESSIONAL das erreicht, wovon viele andere noch träumen.
Doch der Weg dorthin war nicht immer leicht. Frontmann Chris Carrabba, der mit 15 Jahren seine erste Gitarre geschenkt bekam, investierte viel Zeit und Arbeit, ehe sich der Erfolg bemerkbar machte. Dazu trugen nicht zuletzt die Fans der Band einen großen Teil bei. Sie verhalfen DASHBOARD CONFESSIONAL dazu, als erste Band ohne Millionenverkäufe für eine MTV-Unplugged-Show eingeladen zu werden.
Trotz ihres Erfolgs sind DASHBOARD CONFESSIONAL immer bodenständig geblieben – und nahbar. Eben ganz auf Augenhöhe mit ihren Fans, die schon fast selbst ein Teil der Band sind.
Wer die Songs von DASHBOARD CONFESSIONAL einmal in einer ganz besonderen und familiären Atmosphäre genießen möchte, sollte im November zu einer der drei exklusiven Akustik-Liveshows in München, Berlin oder Köln kommen – hier ist Gänsehautgarantie inklusive!
Genre: Elektro- / Synthie-Pop
In Paris findet das Festival Aurores Montréal vom 28. November bis 5. Dezember statt. Auf dem Programm stehen seit seiner ersten Ausgabe 2013 Acts aus Kanada. Am 21. November findet die BERLIN EDITION zum 3. Mal statt.
Auf seinem selbstbetitelten Debüt und dem Album ÎLE JÉSUS hat Bernhari seinen poetischen Popsound mit epischen und melancholischen Songs verfeinert. Es folgten Auftritte auf den Québecer Festivals Francos de Montréal, Osheaga, dem South by Southwest und Aurores Montréal in Paris. Der Singer-Songwriter aus Montréal arbeitet gerade an neuen Songs, die er zum ersten Mal bei Aurores Montréal – BERLIN EDITION vorstellen wird.
Mario Lepage ist Multiinstrumentalist und Sänger. Sein Projekt Ponteix ist nach einer kleinen frankofonen Ortschaft in der kanadischen Prärieprovinz Saskatchewan benannt. In der Abgeschiedenheit in der Wildnis bricht der Kanadier mit den musikalischen Konventionen von dort. 2016 ging Ponteix nach dem Release der EP J‘ORAGE auf Tour und spielte auf zahlreichen Festivals. Für seine Musik wurde er mehrfach ausgezeichnet, u.a. mit dem Western Canadian Music Award in der Kategorie „Francophone Artist Of The Year“. 2019 folgt nun BASTION, ein Album mit einer großen Bandbreite von Stilen. Verschnörkelte Melodien und klassische Popstrukturen reichen sich die Hände. https://www.facebook.com/ponteixmusic
Genre: Indie-Pop
Das Schaffen der Band DUERER begann bereits im Sommer 2012 als reines Studioprojekt des Songwriters Daniel Matz und Texters Danny Müller-Sixer. Den ersten selbst produzierten Songs folgte bereits im Oktober 2014 der Auftritt beim Bundevision Songcontest, als Vertreter für Thüringen. Über die Jahre etablierten sich die fünf Jungs in der deutschen Indieszene und überzeugen durch ihre eingängigen Indie-Hymnen die Kreise ziehen und zeitlos mit straighten Gitarren ins Ohr der Hörer wandern. Der Sound – melancholisch und doch euphorisch! – Denn, was ist besser, als sich seiner Fehler, seiner Sehnsucht bewusst zu werden, nicht gleich zu handeln, gegenzusteuern? Es reicht doch, zu erkennen, wie die Dinge sind. Wie schön! Nichts anderes wollte Albrecht Dürer, der Künstler. In dieser Tradition zeichnet DUERER, die Band, weiter.
Nach den Veröffentlichungen der „Melancholische Euphorie“ und „Luftschloss“, melden sie sich im Herbst 2019 mit der neuen EP „Zugvogel“ und einer ausgedehnten Tour durch die Republik zurück!
Genre: Alternative, Metal
Das norwegische Metal-Trio Jørn Kaarstad (Gesang, Gitarre), Bård Linga (Bass) und Olav Dowkes (Schlagzeug) findet 2013 zusammen. Nach den EPs „The Great Northern Roadkill“ (2014) und „War On Everything“ (2015) sowie dem 2017er Debütalbum „Divide & Conquer“, das unter anderem einen Platz auf der begehrten „Best of the Year“-Liste vom ‚Metal Hammer‘ findet, werden Bokassa von den Göttern gesalbt: Metallica-Mitbegründer und -Schlagzeuger Lars Ulrich tauft sie „meine neue Lieblingsband“ und lädt sie ein, die Europa-Etappe der ‚Worldwired Tour‘ 2019 zusammen mit Ghost zu eröffnen. Zwischen dem 1. Mai und dem 25. August 2019 sind die Drei europaweit mit Metallica in den größten Stadien unterwegs. Im Gepäck haben sie dann ihren zweiten Langspieler „Crimson Riders“, ein hochexplosiver Molotow-Cocktail aus Punk, Hardcore, Metal und Rock, dessen neun Songs die Heldentaten von verrückten Kulten, macht-gierigen Grenzschutzagenten, biertrunkenen Antihelden und einem unsterblichen, weltraumreisenden Piraten, beschreiben. „Auf unserer ersten Platte haben wir versucht, alle Hooks herunterzuspielen, weil jeder in Norwegen damals dieses seltsame Spiel für das Radio machte und wir nicht wie jeder andere klingen wollten“, gibt Jørn zu. „Diesmal entwickelte sich der Klang von selbst. Es wird melodischer. Wir schrieben die schnellsten und härtesten Songs, die wir je gemacht haben, und die poppigsten. Es ist wirklich vielfältig geworden und kann nicht in eine Schublade gesteckt werden.“ Im Sommer 2018 verstecken sich Bokassa mit dem Co- Produzenten Yngve Anderson [Blood Command] im Keller des Brygga Studios und verbringen eine Woche damit, dieses Werk in Form zu schnitzen. Zwischen „Bier trinken und streiten“ tauchen sie „wie Vampire“ mit einem Rammbock aus alkohol-getränkter Brillanz auf. Die erste Single „Mouthbreathers Inc..“ galoppiert stabil los: „Der Song ist aus der Perspektive eines Diktators oder eines Kultführers geschrieben und was ihm durch den Kopf geht, wenn der Thron zerfällt“, sagt Jørn. „Der lyrische Inhalt des Songs sind die Gedanken dieses Menschen.“ Für das ‚Rock Hard‘ ist das aktuelle Album eins, das „keinen 08/15-Sound abliefert, sondern einen Stilmix kreiert, der ziemlich schwer zu beschreiben ist. Nach mehreren Durchgängen kann man den Eindruck bekommen, hier interpretieren drei Visionäre, wie der Metal sich in die Moderne retten kann, ohne zu kopieren.“
Zur laufenden Tour sagt Jørn in einem Interview mit allschools.de: „Das ist doch der Traum, den jede Metalband hat: Einmal für Metallica zu supporten. Wir machen das jetzt jeden zweiten Abend, außerdem bezahlen sie uns noch. Wir können uns glücklich schätzen, sowas einmal hautnah mitzumachen. Die gesamten Crews sind unfassbar gut und optimal aufeinander eingestellt. Zudem sind die Jungs absolute Vollprofis, da kann man sich vieles abgucken. Wir spielen jeden Abend vor mehreren Tausend Zuschauern, da werden einige dabei sein, die „Crimson Riders“ vielleicht auch mal bestellen.“
Man darf also gespannt sein, wie sich die Drei auf ihrer ersten Deutschland-Tournee als Headliner schlagen werden.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Genre: Kinderkonzert
Er ist der Posterboy, der unter Zehnjährigen, der Darling musikalisch aufgeklärter Eltern und der Frank Sinatra der Kinderunterhaltung.
Seit 2013 erspielt sich Matthäus Bär mit Wortwitz, Charme und einer gehörigen Portion Selbstironie landesweit Kinder- und Elternherzen. Ausverkaufte Konzerte, vergriffene CD-Auflagen und AutogrammjägerInnen auf den Straßen zeugen von einer stetig wachsenden Fanbase.
Das Erfolgsrezept ist denkbar einfach:
BÄR traut seinen jüngsten HörerInnen „echte Musik“ zu:
doppelbödige Texte, schlaue Anspielungen und geschickte Arrangements.
Endlich kommt der charmante Wiener nach Berlin und serviert im Milchsalon sein neues Album ZUCKER.
unterstützt vom Österreichisches Kulturforum Berlin
Das Konzert muss leider abgesagt werden, ein Statement der Band findet ihr hier. Alle bereits gekauften Karten können dort wo sie gekauft wurden zurückgegeben werden.
Genre: Psychedelic Pop, Alternative Pop
ooi (ausgesprochen [owi:]) ist ein Avant-Pop Trio, das sich erst zwei Jahre nach ihrer Gründung zum ersten Mal persönlich traf. Bald darauf begannen der in Tokio lebende US-Expat Nicolai Zettl (Gesang), der deutsche Schlagzeuger Florian König und Dodo Dal Bosco (Keys) aus Italien regelmäßig musikalische Skizzen auszutauschen. Ohne gemeinsame „reale“ Erfahrungen entstand auch um die Musik herum ein bunter Kosmos mit seinen eigenen, surrealen Charakteren und psychedelischen Erzählungen, eingebettet in einen ausgereiften und extravaganten Sound.
ooi veröffentlichen seit Juni 2018 zu jedem Vollmond eine Single. Schon mit ihren ersten beiden Releases „Sharks“ und „Sukajan“ sorgten sie international für Aufsehen — in Japan, Brasilien, Argentinien, Europa und den USA. Kurz darauf wurde das renommierte französische Label Kitsuné auf ooi aufmerksam, mit dem sie Ende August die Single „Tooth“ veröffentlichten. Zeitgleich trafen sich ooi im Rahmen erster Live-Auftritte zum ersten Mal in real life.
Am 21.03.19 haben ooi ihre Debut-EP „Ghost“ veröffentlicht. Mit einem bunten Mix aus Songs bringt „Ghost“ die dunkle Seite von ooi zur Geltung und macht Vorfreude auf ihr Debutalbum „Bliss & Blind Love Radiating Thru All Spheres“.
Im Herbst 2019 geht es für ooi auf ihre erste gemeinsame Deutschland Tour.
Genre: Elektro / Pop
„Taktstelle“ ist eine Musik- und Tanzveranstaltung, die Musiker aus Berlin mit Tänzern aus unterschiedlichen Genres, Ländern und Philosophien zusammenbringt.
Philipp Selalmazidis hat seit 2012 achtzehn Ausgaben des Musik-und-Tanz-Events in Berliner Clubs (Lido, SO 36, Bi Nuu, Roter Salon u.a.) auf die Bühne gebracht. Alle Verbindungen sind denkbar, keine Kombination ist vorhersehbar.
In dieser Ausgabe trifft Valerie Renay mit Ihrer Schlagzeugerin Sara Neidorf auf die
Tänzerin Stella Zannou und den Tänzer Alexander Carrillo. Nach einer Aufwärmphase und gemeinsamer Arbeit, lassen sich die vier auf einen gemeinsamen Punkt hin treiben. Carrillo und Renay kennen sich gut und teilen eine Faszination am Schaurigen, am Abgründigen im Menschen.
Selalmazidis‘ Band The Yeddings stellt an diesem Abend mit der Tänzerin Astrid Endruweit ihr Debütalbum „Way of my Past“ vor. Musikalisch inspiriert von der Biographie ihres Frontmannes und mit tänzerischer Hingabe, nähert sich die Paarung mit viel Nebel und Spuk dem Kontrollverlust, dem Verloren sein des eigenen Körpers, dem geisterhaften Schwanken des eigenen Spiegelbildes.
Schonungslos, unbändig, gefühlvoll: Vielleicht vermag diese Trias die schon nahezu rituelle Erfahrung zu erfassen, die bei den vollkommen mitreißenden und extravaganten Live-Acts mit Valerie Renay auf der Bühne ausbricht – gesegnet mit einer gehörigen Portion Punk Attitüde!
Bei ihren gleichermaßen rauen wie sinnlichen Stage Shows präsentiert die wandlungsfähige Musikerin und Performerin ihr Werk „of empowering and ethereal songs that exude dreamy, dark electronic scents with a visceral twist.“ Zwischen Postpunk und Dark Electronics entfalten sich komplexe Ebenen von Synth und hypnotischen bass lines, die auf betörende tribal beats treffen. All das bündelt sich in dem Debut-Solo-Album „Your Own Shadow“ (co-produziert von Alexander Paulick-Thiel (Kreidler)), das Valerie Renay live präsentiert.
Valerie Renay (Noblesse Oblige) ist Performerin, Musikerin, Malerin und DJ. Zuletzt sang sie in „Aids Follies“, Sophiensaele, sie schrieb Musik für die Butoh-Tänzerin Yuko Caseki und das Stück „Will you come with me?“, Dock11, konzipierte ein Reading im Gorki Theatre/Studio R, spielte in „Fck me I love you“ im English Theatre Berlin und gab Solo-Live-Konzerte beim Pop-Kultur Festival (DE), Spill Festival (UK) und Santarcangelo Festival (IT).
Stella Zannou arbeitet als Choreographin, Tänzerin und Pädagogin und lebt seit 2009 in Berlin. Sie hat Zeitgenössischen Tanz und Choreographie in Athen (Greek State School, American College of Greece) und London (London College of Dance und London Studio Centre) studiert. Als Tänzerin war sie unter anderem für Johannes Wieland am Staatstheater Kassel, Maya M. Carrol (nee Lipsker), Clint Lutes, Richard Siegal, Walter Bickmann, Athina Vahla, M. Klien, Nicolas Mortimore, Kunst-stoff (Yannis Antoniou), Editta Braun, Thomas Mettler, Apostolia Papadamaki, Haris Mandafounis, K.Mixos und Prosxima Dance Company tätig. 2006 gründete Stella Zannou die Smack Dance Company in Athen mit der sie ihre eigenen choreographischen Arbeiten im In- und Ausland zeigte. Stella hat auch für das Opernhaus in Wien, die Company „Bodhi Projekt“ am SEAD, das Staatstheater Kassel, die Sozo Visions of motion, “American College of Greece“ usw choreographiert. Sowohl als Tänzerin wie auch als Choreographin hat sie zahlreiche Preise erhalten, von der Zeitschrift ballettanz/ Tanz wurde sie bereits zweimal für die Tänzerin des Jahres nominiert.
Alexander Carrillo, ist ein kolumbianischer Künstler, wohnhaft in Berlin. Er ist Tänzer, Choreograph und Produzent. Der Schwerpunkt seiner künstlerischen Auseinandersetzung liegt in der Reflexion des ‚hässlichen’ und grotesken des Menschen als Spiegel der Realität und das Verhältnis „Künstler – Zuschauer“. Startete das „DREIZIG Festival“ in Berlin und die DASEIN-Series, ein ortsspezifisches Weltprojekt. Seine Stücke „El Ultimo Vuelo“, Gewinner des Nationalen Wettbewerbs der Choreographen, Belgien 2017, „Human Intermittents: A Journey“, Finalist des Wettbewerbs der Choreographen, Polen 2014, und „WhARTever Should happen – Eine Welt auf dem Kopf“, Berlin, sind 2016 erfolgreich / 17 und zurück im Jahr 2019, viele andere Tanzstücke und Kunstprojekte. Carrillo arbeitete im laufenden Jahr 2019 mit „Manifiesta“, Manifiestos for Queer Future, mit Aerea Negrot & Simon Paetu am HAU Hebbel am Ufer – Berlin, nahm im Jahr 2018 an dem Preis „Flausen-Residenz für junge Künstler“ Deutschland und an der Berlin Biennale 2018 mit Okwui Okpokwasili. Er hat mit Stella Zannou, Ivo Dimchev, Jérôme Bel, Louis Malvacias, Marina Abramovic, Jeremy Nelson, Malou Airaudo, Rodolpho Leoni, Mark Sieczkerek, Allora und Calzadilla, Cie. Fors Works und seiner Dramaturgin Carolina Ortega menge andere gearbeitet.
The Yeddings Record Release Show „Way of my Past“
Der bärtige Mann mit dem Turban hatte es im Jahre 2001 zu weit getrieben: der Turmfall in New York und seine Auswirkungen gaben Philipp Selalmazidis den Rest. Ohnehin schon verstrickt in einem wahnwitzigen Geflecht aus Rebellion, Religion, Wut und Liebe, spiegelte jetzt auch noch das große, kranke Außen das wundgeriebene Innere. Es musste etwas passieren. Ein reinigendes Fegefeuer, ein klärender Exorzismus, ein neufärbendes Babylon, das sollte es werden, als Philipp Selalmazidis mit seinen Liedern nach Hamburg ging um sich in Clubs und Kaschemmen als Musiker anzudienen. Seine Hoffnung auf Änderung wurde nicht enttäuscht und seine Lieder reiften durch die wilde, schmutzige, schöne und gefährliche Achterbahnfahrt. Aber es war eine Roßkur, deren richtige Dosis man spüren muss, sonst tötet sie einen an Seele, Leib oder beidem. Philipp packte abermals und zog nach Berlin. Und dort fand er, auf wundersame und schöne Weise, den Frieden zum Singen. Und die Lieder waren endlich an ihrem richtigen Ort, sie fanden Heimat bei den Yeddings und ihren vielen musikalischen Freunden. Das neue Album ist ein Mix aus beinhartem Bums und magnetischer Mondfahrt. (VÖ Termin: 1. November 2019/Label: Fuego)
Astrid Endruweit, die von Makiko Tominaga und Tadashi Endo viele Jahre im Butoh-Tanz ausgebildet wurde, erschien 2000 zum ersten Mal auf der Bühne mit ihrem unter der Regie von Michael Laub entstandenen Solo „pigg in hell“. Neben anderen Regisseuren und Choreographen wie Chris Kondek und Meg Stuart, arbeitete sie seitdem intensiv als Performerin mit Michael Laubs Tanz- und Theatergruppe „Remote Control Productions“ zusammen, steuerte Texte, Lieder, Kostüme, Videos und Choreografien bei und entwickelte eine eklektisch-schöpferische Arbeitsweise, die sich neben verschiedenen Tanzstilen auch aus der bildenden Kunst speist. Seit Michael Laub mit „Alone“ (2004) ihr Bühnenporträt erarbeitete, dem eine enge musikalische Zusammenarbeit mit Larry Steinbachek vorausging, begleitet sie seine in vielen Städten entstandenen „Portrait Series“ als Dramaturgin und Videokünstlerin. Mit Intelligenz, künstlerischem Eigensinn und Zuneigung kann Endruweit unterschiedlichste Menschen und Charaktere in ihre Arbeit mit einbeziehen und deren Qualitäten für die jeweiligen Projekte fruchtbar machen.
Genre: Indie | Folk | Pop
Tom Klose ist ein Mann der Gegensätze: Stets von seiner treuen Gitarre begleitet, singt er mal mit zarter zerbrechlicher Kopfstimme, mal mit harter mächtiger Bruststimme. Dabei präsentiert er sein Herz auf dem Silbertablett, mit einer Garnitur aus tiefer Melancholie und purer Lebensfreude. Diese Dualismen finden sich auch
auf seinem neuen Album „Echoes“ wieder, das diesen Oktober erscheint und unter anderem das allgegenwärtige Wechselspiel von Angst und Liebe behandelt.
Dem Wahl-Hamburger gelingt mit diesem Album ein eleganter musikalischer Spagat zwischen Indie à la Radiohead und Pop à la John Mayer. Er bleibt dabei aber weiterhin dem klassischen Songwriting aus dem Folk-Genre treu, das man von seinen drei vergangenen Veröffentlichungen gewohnt ist. Tom Klose geht es um Wahrhaftigkeit und um den Song an sich, was in Zeiten oberflächlicher Selbstdarstellung eine erfrischende Abwechslung darstellt. Er weiß,
wer er ist und es ist in jeder Minute spürbar, dass er nach sechs Jahren Musik als Hauptberuf nicht nur seinen Sound, sondern auch sich selbst gefunden hat.
Nach einem Album, zwei EP’s und über 600 Auftritten, unter anderem im Vorprogramm von Ed Sheeran, Tim Bendzko, Bernhoft und Wallis Bird, begann vor zwei Jahren die Arbeit am zweiten Album. Eine Arbeit, die in jeglicher Hinsicht dem DIY-Gedanken folgt, denn der gebürtige Flensburger hat seine neue Platte nicht nur selbst geschrieben, arrangiert und produziert, sondern auch mit Hilfe eines Crowdfundings finanziert. Der Titel „Echoes“ bezieht sich auf die Geister der Vergangenheit, die wie längst verklungene Töne in die Gegenwart nachhallen. Dies spiegelt sich auch in den bluesigen und souligen Tönen wider, die in Songs wie „Unconditionally“ und „Icarus“ angeschlagen werden und an die großen Hymnen aus den 60ern erinnern.
Seine Konzerte sind ein Hochgenuss für jeden, der mit menschlichen Gefühlen generell etwas anfangen kann, dem Gänsehaut nichts ausmacht und der nicht zu stolz ist, die ein oder andere Träne zu verdrücken.
Im November findet nun die erste deutschlandweite Tour mit Band seit drei Jahren statt – diese Gelegenheit sollte man sich also nicht entgehen lassen.
Genre: Folk
„Everything’s Shifting“. Alles verändert sich. Im Falle von Madison Violet hat sich einiges zum Guten verändert. Fakt ist, in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren sind Madison Violet längst zu einer festen Größe in der internationalen Musikszene avanciert und gelten neben Tegan and Sara als das wohl populärste kanadische Duo. Nach einigen Jahren des musikalischen Experimentierens und der stilistischen Neujustierung kehren die beiden Sängerinnen und Multi-Instrumentalisten Brenley MacEachern und Lisa MacIsaac nun zu alter Stärke und zu ihrem musikalischen Markenzeichen zurück: Das neue Studioalbum „Everything’s Shifting“ bietet exzellent produzierten Folk-Pop mit den gewohnt beeindruckenden Gesangsharmonien, gediegenen Gitarrenklängen, betörenden Melodien und authentisch-aufwühlenden Songtexten. Das neue Album enthält denn auch zahlreiche herzerwärmende Balladen, die im stilistischen Umfeld von Americana und Indie-Folk, Country und Pop angesiedelt sind. Auch wenn die Melodien Wärme und Zuversicht ausstrahlen, erweisen sich Madison Violet in den Songtexten als sehr nachdenklich.
Wenn Madison Violet im März 2019 einmal mehr auf Deutschlandtournee sind, dann treten sie diesmal als Duo auf. Madison Violet pur sozusagen. Neben den Songs des neuen Albums dürften sie sicher auch etliche ihrer Klassiker von „The Ransom“ über „Ohio“ und „We Are Famous“ bis hin zu „These Days“ im Programm haben.
Genre: Country Blues, Rock ’n’ Roll
C.W. Stoneking is the embodiment of what some would say is a bygone era of music. From his rasping jungle-rock-blues, to his well-oiled locks, and his familiar all white clothing ensemble, he has converted fans across the world to his unique style.
A first generation Australian of American-descent, C.W. Stoneking was born in the top end of Australia’s Northern Territory and spent his childhood growing up in Central Australia, Sydney and rural Victoria. He has travelled the world from Egypt to New Orleans (where he worked as a hoodoo doctor’s assistant) to Trinidad, where he learned about Calypso music. He has lived in isolated farmhouses working as a handyman, and been involved in and survived a shipwreck, spending time in Africa, and touring internationally as a recording artist.
After spending the past half of a decade stamping his inimitable stylings across the UK and Europe, C.W. Stoneking once again settled down in the Northern Victorian countryside to record his latest release, Gon’ Boogaloo. Far from the sepia toned tales of marooned adventures in the tropics of his last release, Jungle Blues, C.W. entered into the world of electricity – replacing his much-loved Banjo with a shiny gold Fender.
Released to critical acclaim in May 2015, Gon’ Boogaloo has seen C.W. embark on multiple jaunts across Australia and Europe with his delightful band in tow, including singers Vika & Linda Bull stepping in as backing vocalists. He’s set a pace that is not looking like it will slow down any time soon, as C.W. continues to entertain and delight crowds of all ages.
