Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Singer Songwriter / Pop
„Wenden in drei Zügen“, das zweite Album der Kölner Wunderband hausderjugend, erzählt von dem Nachhall vergangener Träume, von zwangserworbener Reife, von Gelassenheit als letzter Waffe – aber auch von Wünschen und bekloppten Ideen, die man sich, entgegen jeder Vernunft, weiterhin leistet. Es sind oft rätselhafte, aber immer berührende Songs. Songs, die immer ein paar Fragezeichen mehr stehenlassen als die Lieder vieler anderer Kollegen. Bei aller Brüchigkeit dieser Texte, bei aller (durchaus intendierten) „Unschlüssigkeit“, gehe es darum, emotionale Nähe herzustellen, sagt der Sänger. Und das gelingt hier tatsächlich in jedem Song.
Wer je mit anderen Menschen zusammen Musik gemacht hat, weiß: Das Konzept „Band“ ist eine der sonderbarsten Formen menschlichen Zusammenwirkens und bei aller Freude am kreativen Ausdruck nicht selten geprägt von Unzulänglichkeiten, Enttäuschungen, Absurditäten. Der Film „Spinal Tap“ erzählt ebenso von diesen Fährnissen wie der Mercury-Rev-Song „Holes“, in dem es heißt: „Bands – those funny little plans / that never work quite right“. Doch das ist nur die Perspektive von Musikern in ihrer Jugend Maienblüte.
Was aber, wenn man die Sache mit der Band erst im fortgeschrittenen Alter von Mitte, Ende 40 angeht? So wie Christian Uekötter und Kordula Rix, die im Jahr 2010 beschlossen, endlich wieder eine klassische Musiker-Gang auf die Beine zu stellen. Und was, wenn man dieser Band dann auch noch den nahezu ungooglebaren Namen „hausderjugend“ gibt? Sagen wir so: Man darf bei solch einem Vorgehen kein Typ sein, der es sich gerne einfach macht. Man muss einer sein, der sich ein paar Träume und Beklopptheiten erhalten hat. Man muss Lust haben, einen Heidenaufwand für ein möglicherweise unlukratives Ergebnis zu betreiben. Man muss damit umgehen können, sich noch Ambitionen leisten zu wollen, aber eigentlich kaum Zeit zu haben. Das Tolle
ist: Man meint, diese Themen die ganze Zeit in der Musik von hausderjugend mitklingen zu hören. Und tatsächlich erzählt „Wenden in 3 Zügen“, das zweite Album dieser Kölner Wunderband, von dem Nachhall vergangener Träume, von zwangserworbener Reife, von Gelassenheit als letzter Waffe – aber auch von Wünschen und irren Ideen, die man sich, entgegen jeder Vernunft, weiterhin leistet.
„Poesie und Humor findet man im deutschen Pop zusammen nicht sehr oft. Hier schon. Und es stimmt sogar die Musik.“ Brigitte
„In der Osteria meines Herzens wird bis in alle Ewigkeit Eric Pfeils neue Platte „Die Liebe, der Tod, die Stadt, der Fluss“ über die Berieselungsanlage laufen. Sie ist wirklich sehr, sehr gut.“ Joachim Hentschel
„Schönes musikalisches Kopfkino“ INTRO
„Pfeil ist ein begnadeter Geschichtenerzähler. Die neue Platte ist ein wenig düsterer geworden, homogener, noch besser .“ Welt am Sonntag
Sagen wir so: Es gibt exakt 3526 deutsche Singer-Songwriter. Und es gibt Eric Pfeil. Man stelle sich vor, Ex-Go-Betweens-Sänger Robert Forster, Jonathan Richman und der Bob Dylan der Basement-Tapes-Ära hätten beschlossen, gemeinsam ein paar seltsame deutschsprachige Songs über müde Hunde, Männer mit Städtenamen und Cowboys auf dem Mond zu schreiben. Manchmal Manchmal klingen seine Songs auch, als hätten Leonard Cohen und Tocotronic zusammen ein Folk-Album aufgenommen. Der Mann ist schlicht nicht zu fassen: Nachdem er sich einen Namen als Autor und Kult-Kolumnist gemacht hatte („Das Pop-Tagebuch“) startete Pfeil im Jahr 2013 plötzlich eine Musikerkarriere: „Ich habe mir noch nie viel aus dem Tag gemacht“, sein erstes Album beim legendären Indie-Label Trikont sorgte gleich für lautstarkes Zungenschnalzen im hiesigen Feuilleton.
Es folgte ein erster Hakenschlag: Wild entschlossen, das Un-Genre des „Sommerhits“ mit neuem Inhalt zu befluten, veröffentlichte Pfeil im Juni 2014 mit „Radio Gelato“ eine Verbeugung vor der italienischen Popmusik der 80er Jahre. Das Video zeigte ihn tanzend am Strand von Ostia. Man war geneigt, den Mann wahlweise für verrückt zu erklären oder seinem Ruf nach mehr Italophilie blind zu folgen.
Nur ein Jahr später wieder eine Kehrtwende: Mit „Die Liebe, der Tod, die Stadt, der Fluss“ brachte der Sänger ein düster-verschrobenes Songwriter-Album heraus, auf dem sich Stücke über depressive Detektive, tote Dandys und verschollene Schauspielerinnen zu einem lebensmüden Songreigen versammelten. Im Video zur Single „Himmelwärts“ besuchte Pfeil gemeinsam mit dem Sensenmann Waschsalons und Plattenläden. Abermals setzte es euphorische Presse-Reaktionen.
Seinen tollkühnsten Coup landete Eric Pfeil dann im Jahr 2017, als er beschloss, etwas noch nie Dagewesenes auf die Beine zu stellen: Zum Beginn des Jahres begab sich der Sänger mit seinem Produzenten und einem Filmemacher auf eine knapp zweiwöchige Tournee durch deutsche Wohnzimmer. Auf dieser Konzertreise quer durch die Republik (und quer durch hiesige Wohnwirklichkeiten) entstand im Nahkontakt zum Publikum „13 Wohnzimmer“, das erste Live-Album, das ausschließlich in Wohnzimmern aufgenommen wurde. In den 13 neuen Songs geht es wieder gewohnt surreal, wortgewaltig und alltagsweise zu. Pfeils Songs ranken sich diesmal um blinde Italowestern-Desperados, Kollateraleffekte von Beerdigungen, die heilsame Kraft von Kino-Besuchen und psychedelische Spaziergänge mit Tieren. „Um einen Sarg zu tragen braucht man vier Leute / zum Drinliegen nur einen“, singt er einmal, und es reißt einem das Herz raus. Tragödie und Komödie, so heißt es oft, lägen nah beieinander. Bei Pfeil ahnt man, dass es oft keinen Sinn ergibt, überhaupt zwischen beidem entscheiden zu wollen.
Das Live-Album „13 Wohnzimmer“, das wieder ausgiebig betourt werden wird, erscheint am 16. Juni 2017 bei Eric Pfeils Stamm-Label Trikont.
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK – peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –
✪ Guest: Dj PEPE VARGAS – alemania – Terrabeats
Karten gibts bei eurem Lieblingstaximitglied!
Genre: Poprock
Mit eingängigen Melodien und Songs zum Tanzen spielten TAXI sich seit 2011 in die Herzen und Beine ihrer Zuhörer und traten nicht nur im Berliner Heimathafen oder dem Postbahnhof, sondern auch im tschechischen Ústí nad Orlicí auf. Taxi sind Landespreisträger in der jungen Sparte „Popmusik“ im rennomierten Musikwettbewerb „Jugend musiziert“, waren bereits einheizende Vorband bei „The Love Bülow“, auf vielen Gigs in Berlin und Umgebung unterwegs und zuletzt im deutschlandweiten Pre-Final des SPH-Bandcontests zu sehen.
Doch nach sechs wunderbaren Jahren senkt sich der Vorhang – TAXI löst sich auf und es wird Zeit sich zu verabschieden. Doch am 24.06. wird noch einmal gesungen, getanzt und eine einmalige Zeit gefeiert! Kommt vorbei und genießt einen Abend mit einer Reise durch die letzten sechs Jahre, tollen Gästen, einigen Überraschungen und allem, was ihr an TAXI liebt!
Genre: Reggae / Dancehall
Die „Joyride“ Partyreihe wurde ins Leben gerufen von Barney Millah (Concrete Jungle) und Panza (Supersonic Sound). Die beiden haben schon im legendären Subground von 1999-2003 jeden Mittwoch zusammen aufgelegt. Die Tunes die damals dort gespielt wurden bilden das Grundgerüst der „Joyride“ Selection, also grob umrissen Reggae und Dancehall aus den Mitt-90ern bis Anfang 2000er. Für viele sind dies die goldenen Jahre des Dancehall welche bei „Joyride“ wieder aufleben. Und zwar ausschliesslich von Vinyl!!
Line Up:
Panza
Barney Millah
Genre: Rock / Pop
Genre: Country
A heavenly voice couched in spellbinding country & western ballads, with a devastating emotional delivery: Holly Macve is a fantastic addition to the Bella Union family, and her album Golden Eagle is one of the most remarkably assured debuts of this or any other year, especially given she’s though only 21 years old.
Despite her youth, Golden Eagle reveals she’s experienced enough strife to last a lifetime: parental splits, heartbreak, early career pitfalls…. Born in Galway in western Ireland, Macve and her sister were whisked away “in the night” by her mother from their errant father, to live with her grandparents in Yorkshire. Once in their own house, near the town of Holmfirth, Holly quickly responded to music: “My Grandad was a classical composer, and my mum sang, and she said I was singing before I was talking,” she recalls. Her mother’s record collection – lots of old blues and Bob Dylan – shaped Holly’s impressionable mind, before she herself discovered the likes of Leonard Cohen, Johnny Cash and Gillian Welch.
“Words are my main love,” she declares. “I love songs that tell stories and take you some-where else. I’ve always been drawn to that old country sound with it’s simple and memora-ble melodies. I enjoy music that feels timeless, that you don’t know quite when it was rec-orded.”
On Golden Eagle, roses wilt, fires die out, skies darken and love, ‘was a mystery that I’d been known to doubt / A puzzle that no one could ever figure out.’ Tracks like ‘White Bridge’, ‘Timbuktu’ and ‘Sycamore Tree’ all refer to a wish to return to a state of innocence.
“For some reason, I didn’t want to grow up. I was fearful of responsibilities and change,” she says. “I was scared of death, because I was always aware that the older I got, the less time I had. Childhood was good times, easy times.” The passing of her beloved grandad, in 2015, was her first experience of death, inspiring the album’s title track: ‘fly away, golden eagle, before you feel the pain / There’s a sky waiting for you, so let your feet escape the chain.”
“Songwriting is like therapy for me, it’s a way of turning a bad situation in to something pos-itive”, she states.
At the age of 18 Holly moved down south. She worked in a café, while singing on open mic nights. Bella Union boss Simon Raymonde was a regular customer at the café, and had just set up his studio in the basement when he caught wind of this astonishing young talent, with her vocals notes of Welch, Patsy Cline and Paula Frazer (Tarnation), and the timeless melodies, altogether evoking the Appalachian Mountains and the Wyoming prairie rather than the Brighton seafront.
Holly has always been most interested in her own songwriting, despite the efforts of her first music publishers. “They wanted me to co write, but writing has always been a personal and solitary thing for me. I didn’t want to be moulded into anything I wasn’t, I wanted my music to be honest.”
Holly subsequently fled back to Yorkshire after a lost love and sense of direction, and wrote the songs that became Golden Eagle. “I was depressed, lost and lonely, in a dark place,” she recalls. “So the songs are a bit fatalistic.”
Hiding away in Yorkshire, “isolated, surrounded by countryside”, her imagination took flight. “All Of Its Glory” evokes her great-grandad, serving in WWI, writing impassioned let-ters (which the family still own, bound in a book) to his wife at home. Other songs describe ‘blood red fields’ and ‘burning skies’, and ‘a man standing by the river bank / His eyes were blue and his hair was jet black….’
“I’m fascinated and drawn to that kind of romantic imagery,” she says. ‘I went to America for the first time last year, to play South By Southwest in Texas, and I really felt a connection with the landscapes over there’.
The bulk of Golden Eagle was recorded in Newcastle at the home studio of producer Paul Gregory (of Bella Union label-mates Lanterns On The Lake), with extra recording in Bright-on and London with her first touring band, and the musicians she now plays with. Yet Gol-den Eagle remains beautifully spare and delicate, putting Holly’s goosebump-raising voice centre stage, beautifully controlled yet riven with feeling.
On stage, she’s a magnetic presence; it’s not just voice and songs. Audiences who caught her supporting the likes of John Grant, Villagers and Benjamin Clementine – incredible company to keep at this early stage – were doubtless stopped in their tracks. Coined “The best voice at SXSW 2016” by NPR’s Bob Boilen, Holly’s first shows in America last March went swim-mingly, with a special appearance at Luck Reunion on Willie Nelson’s ranch in Texas. She hit the road with Atlanta based band Mothers through the heartland afterwards, and returned in May 2016 to record a Daytrotter Session followed by a trip to Canadian Music Week.
During the summer of 2016 she sold out her first headline show in London and graced Glas-tonbury’s legendary Park Stage, along with appearances at Latitude and End of the Road Festival. She was nominated in the Autumn of 2016 for the Reeperbahn Anchor Award for International Emerging Talent, receiving accolades from David Bowie producer Tony Vis-conti. January 2017 saw her play 2 shows at Eurosonic Festival in the Netherlands, resulting in a flurry of press coverage. Her debut single “No One Has the Answers” was single of the week on Jo Whiley’s BBC Radio 2 show, which has highest radio listenership in the United Kingdom. The video for the single premiered on NPR’s website in the US, stating “2017 will be the year the world falls in love with the voice of Holly Macve.”
Spotify have been very supportive of Holly with over 38,000 monthly listeners and she is nearing 700,000 streams for her song “We Don’t Know Where We’re Going”. Holly’s debut album Golden Eagle (out March 3rd 2017) is Rough Trade’s Album of the Month selection, with in store performances confirmed in both their London and NYC retail locations. She is confirmed for BBC 6Music Festival in Glasgow in late March, and there is interest on the US side for radio sessions and a late night TV show performance in May. Her US booking agents at United Talent (The Agency Group) are keen to have her full band perform and are secur-ing a May tour as we speak.
They say it’s grim up North and one listen of breakthrough singer-songwriter Brooke Bentham’s opening salvo in 2017 might reinforce that sentiment. “It’s funny how small things can wreck away at your life, when you’re not doing anything but living inside,” she sings on the opening track of her debut EP ‚The Room Swayed‘. The swells and plummets of the track – titled ‚Nowhere Near Sense‘ – possess the epic alt rock journeying of War On Drugs or Ryan Adams with the added emotional vocal depths of Sharon Van Etten or Angel Olsen. That all this is the fruits of a 21-year-old from South Shields outside of Newcastle might take you by surprise. It carries the weight of someone who’s lived a hundred lives already.
Having spent most of her younger years up North, Bentham channels a maturity and life ethic that’s wise beyond her age, a result of having partially raised herself. Her parents worked away from home a lot (her dad is an engineer, her mum a primary school teacher), so it was often up to Bentham and her three older brothers to fend for themselves. “I think it made me grow up a lot faster than I would have,” she says. Lending an air of fate too, the experience of being brought closer to elder siblings switched her onto their musical obsessions. The likes of French electro duo Justice and Ed Banger artist Uffie haven’t exactly informed Bentham’s own oeuvre, but being exposed to those sounds early on made her acutely aware of a world outside of commercial pop music. She picked up a guitar early, even attempted banjo at one stage, and started taking singing lessons at the age of 15. That’s when her teacher encouraged her to start writing songs and gigging at nearby pubs and open mic nights.
“I was writing a lot of Paolo Nutini inspired cheesy acoustic stuff,” she laughs, embarrassed now. At the time, most females with an acoustic guitar were singing similar tunes, it was the norm but it was also a means to an end. “Everything I wrote I hated. It was so frustrating trying to find one distinguished sound I could have as my own. But I just kept doing it, kept writing.” A huge fan at the time of Yo La Tengo, Fleet Foxes, Kevin Morby and Bon Iver, she continued to mine her own creative voice to try and develop something similarly ground-breaking. Eventually her first taste of success – a song called ‚Oliver‘ – was a turn in the road. That tune brought her the sonic direction she was working towards. Her first proper show was at local legendary rock venue The Cluny back in Newcastle. By chance, the sound guy that night also did sound for successful performer James Bay and a connection sparked with Communion, the label part-owned by Ben Lovett of Mumford & Sons. She played a showcase evening for them as soon as she moved to London, where she’s lived now for three years.
Speaking from her bedroom in the art ghetto of New Cross, Bentham is looking forward to completing her final year here pursuing a degree in Popular Music at Goldsmiths University. In New Cross, she’s felt part of a wider arts community. She’s found her band through living and studying here. Her connections haven’t all necessarily developed from the type of music she herself is making, but there’s a mutual sense of camaraderie round these parts among a new generation of young musicians trying to forge paths ahead.
Surrounded by synth pop enthusiasts and PC Music types then, Bentham quietly worked away at her own introspective works. The focus now she’s approaching graduation has shifted towards the fruits of that labour: a forthcoming debut EP, which has been produced by Ben Baptie (Lianne La Havas, Daughter, Låpsley, Adele]. They went into Urhcin studios in Hackney last November to work on four tracks gleaned over the course of six months‘ writing. Bonding over a mutual appreciation of the melding of electronics with raw, visceral rock (think Bon Iver’s latest ’33 God‘, latter day Radiohead, etc.) they laid down the tracks in less than a week. “The things you can do in the studio are just insane,” recalls Bentham. The effects can be heard particularly on the epic closing track ‚I Loved The Way You Talked‘, which features a constant feedback loop of their in-studio rehearsals as a piano gently carries Bentham’s soaring voice along to a quietly growing crescendo.
“The whole EP is about the frustration in relationships, the point when everything is static and unfulfilling. That feeling keeps coming back and there’s no way of getting rid of it. These songs are a way of breaking out of it. It’s a kind of euphoric realisation,” says Bentham. ‚The Room Swayed‘ encapsulates that wayward turmoil, a drunken feeling that can be as literal as it is metaphorical. The enormous standout anthem ‚Heavy And Ephemeral‘ was written during a time of bitterness. “It’ll all be over soon, I say / I’d forgotten this feeling / I let it die, now it makes me feel alive,” she sings on the verse. ‚Need Your Body‘, on the other hand, is about moving onto someone else (“into the night we go, once more…”). Admitting the EP revolves around one particular relationship of hers isn’t intimidating. “I’m not bothered about how anybody else feels with me putting these songs out,” she says defiantly. “I’m proud of them and think they should be in the world. I’m not scared at all.”
Embarking upon her first proper tour in March, Bentham is preparing herself for a big year of firsts. “All I ask is for people to just enjoy it, resonate with it,” she says, with a smile. True to her Northern roots, Brooke Bentham doesn’t ask for much. She’s just ready to work her socks off. (Eve Barlow)
Genre: Rock / Pop
Die Berliner Band Kosmo Super spielt deutschsprachigen Rap gepaart mit einem lebendigen Crossover aus Indie, Singer-Songwriter und Funk.
Seit der Veröffentlichung des Debüt-Albums „Good Life“ im Frühjahr 2015, gab es bei Kosmo Super einige turbulente Phasen und Umbrüche, die sich deutlich hörbar auf den neuen Songs der Band abbilden.
Die zu Beginn des Jahres veröffentlichte Single „Stunde Null“ vermittelt einen ersten Eindruck davon, musikalisch wie textlich. Die verspielte und zugleich druckvoll-trotzige Energie des Songs vermittelt ein Gefühl von Lebendigkeit und Aufbruch. Der Text greift dabei die Phase des Neuanfangs und der Neuorientierung auf, in der die Band sich in den letzten zwei Jahren durch personelle Wechsel an Bass und Gitarre befand.
In den neuen Songs rückt das Rap-Element noch stärker in den Fokus. Kosmo Super bewahrt sich das Verspielte, die Freude am Durchkkreuzen von Genregrenzen – klingt dabei aber gleichzeitig entschlossener und druckvoller als auf dem Debüt-Album
Genre: Disco / House
Oops, We did it again! Do not worry, this will be the last pop-music reference you will hear all night long (Oops, again!) at the next Music for the left footed-Fiesta at Privat club this coming Saturday, the 3rd of June.
Expect a quality DJ-consistency to fulfill your monthly Buti-Sheikh Yoga deeds as researchers recently found out Disco Bombs and House Bangers serve the ideal frequencies for full-body relaxation and Mind ecstasis. (Source unknown)
->Vegan vinyl
->Gluten-free grooves
->Organic music
*NEW* -> BIO-certified! Schwaben may enter!
->Low money guarantee
As always everyone is welcome. Bring your granny, bring your pets. (No pets allowed).
Old people welcome. Young people welcome. Mid-aged, “I-just-wanna-party-to-forget-about-the-troubles-of-my-job-GOD-I-HATE-MY-BOSS-SO-MUCH”-people welcome.
All humans welcome.
Extra terrestrial lifeforms needs peace check at entrance door. Sorry, too little experience with you guys.
Sven-Marquardesque entry denial for the following: Sexism, nationalism
(***Note: No feet fetish event***)
No presale, ticktes only at the door.
Genre: Hip Hop / Funk / Boogie
„Fridays with Jakarta“ is back with a Live & Special Edition in July.
As Illa J will just have released his LP „Home“ with us we’re super proud to welcome him to our monthly in Berlin for a special Live Edition. He will share the live Stage with super MC Ill Camille from Los Angeles (US).
After the live show we’ll have a FRIDAYS Party with Suff Daddy & Brennero + guests. Come thru and have a good time with us.
Genre: Reggae / Dancehall
Nachdem der legendäre Bohannon Soul Club letztes Jahr für immer schliessen musste, hat „Double Trouble“ nun mit dem Privatclub ein neues würdiges Zuhause gefunden!
Der musikalische Schwerpunkt dieser Veranstaltung ist jamaikanische Musik von alt bis neu, von Alton Ellis über Alkaline bis zu Ziggy Marley. Jeweils 2 DJs legen hier ihre Lieblingstunes auf.
Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop
Kiss All Hipsters is the brainchild of German booker Kristian Wolff and Dutch dj/music-journalist Arnold Scheepmaker who hosts about ten different cutting edge nights a month in different European cities (Berlin, Amsterdam, Utrecht etc.) focussing on genres like indie, electro-pop, indietronica & eclectic pop. Basically the KAH enfant terible is constantly on the run searching for cool new tunes, bringing rowdy & hyper-eclectic yet critically acclaimed nightlife mayhem, collaborating with a diverse bunch of in the know dj’s, bands, designers and photographers and adding new venues to his already full to the brim roster. Kiss All Hipsters is all about a good no-nonsense attitude when it comes to beautiful, yet ultimately empty hipster-types and has a contradictory love-hate relationship with all things fashionista. Kiss All Hipsters has been going internationally for six years, but Scheepmaker’s longest residency, a weekly night at Amsterdam’s well known venue Paradiso, has been attracting a steady 1.000 visitors for over a decade now.
During those years the KAH head honcho has played at numerous venues and festivals, while writing for magazines, newspapers and blogs like Vice and Dutch musicmag LiveXS. The line ‘you only live once, huh?’ is heard quite often when asking Arnold about his life in the fast lane at neckbreak speed.
With Kiss All Hipsters, in the Netherlands always with co-host dj Raven, he aims at the informed crowds of big metropolises who have a bigger than general interest in new releases by a wide range of indie & electro bands with cheeky side-steps to the past, short-lived hype-genres and upcoming genres. Go! Go! Go!
Some stuff we play:
Black Keys Daft Punk Foals Crystal Fighters Django Django Miike Snow Azealia Banks San Cisco Icona Pop La Roux Of Monsters and Men Lykke Li Two Door Cinema Club Disclosure Arcade Fire Foster the People Phoenix The Strokes Kakkmaddafakka Miles Kane Nelson Can Metronomy MGMT M83 Justice Baauer Hot Chip Wankelmut The Vaccines Boys Noize The View Reptile Youth The XX Florence & The Machine M.I.A. The Naked & Famous The Kooks Whitest Boy Alive Good Shoes Crystal Castles The Drums Mumford & Sons Netsky Yeah Yeah Yeahs Doctor P Kings of Leon Darwin Deez Arctic Monkeys The Bloody Beetroots LCD Soundsystem Bloc Party We Have Band The Knife The Soft Pack The Rifles Fake Blood Jamie T Vampire Weekend Major Lazer the Virgins the Gossip The Cure Santigold Chromeo Tiga Mando Diao Urban Cone Empire of the Sun Bombay Bicycle Club Blondie Editors Late of the Pier The Ting Tings Yelle Klaxons Interpol Ramones CSS Simian Mobile Disco Babyshambles Amanda Blank Franz Ferdinand Maximo Park The Sounds The Wombats Friendly Fires
Line Up:
Arnold Scheepmaker
Tickets für die Show am 10. Juli im Berliner Privatclub sind ab Donnerstag den 6. April über die Website www.x-why-z.eu erhältlich!
Genre: Singer-Songwriter
Der singende Gitarrist und Drummer der Funk-Band Vulfpeck aus Michigan veröffentlichte Anfang Januar sein zweites Solo-Album „Heartbreak Hits“. Im Juli stellt er dieses bei einem Konzert im intimen Rahmen in Berlin vor.
Auf „Heartbreak Hits“ findet KATZMANN zurück zu seinen Wurzeln als vom Rock’n’Roll inspirierter Singer/Songwriter. In den zehn Songs ist der Titel des Albums Programm, wenn er von seinen Verlusten und Enttäuschungen der letzten Jahre singt. „Heartbreak Hits“ vermischt persönliche Angreifbarkeit mit ideenreichem Songschreiberhandwerk und wird zu einem Album, das ein lebender Zwiespalt zwischen tragisch/komödiantisch, ernst/satirisch, übertrieben/dezent und heilend/verletzend ist. In KATZMANNs eigenen Worten: „Songs die deinen „post-Y2K pop culture“ Kater lindern.“
Genre: Rock'n Roll / 60s
Am 14.07. kehren wir mit GOOD VIBRATIONS zurück – ALL DAY AND ALL OF THE NIGHT. Erneut präsentieren wir die glorreiche Musikära der 60er Jahre: zwischen David Bowie und James Brown ist immer auch Platz für The Hollies oder The Zombies. Seid dabei und lasst euch WITH A LITTLE HELP FROM OUR FRIENDS zum TWIST AND SHOUT einladen.
Genre: Rock
Kennt Ihr den? Treffen sich ein Grieche, ein Türke, ein Bulgare und ein Bayer in Berlin…Ist aber kein Witz! Mother of Exile sind vier Jungs aus vier verschiedenen Ländern und spielen kräftigen Rock mit einer starken Message: „Jedem ging’s schon mal dreckig, uns natürlich auch. Und wir spielen genau die Musik, die uns in solchen Momenten wieder auf die Beine hilft.“
Am 5. September 2016 veröffentlichen Mother of Exile den Song Entering my Wound, eine Zusammenarbeit mit den bulgarischen Rappern SkandaU. „Stell´ Dich Deinen Ängsten! Egal wie schmerzhaft es sein mag. Dabei geht es auch um viele Dinge, die Du intuitiv begreifst, Du fühlst sie mehr, als dass Du sie verstehst.“
Mother of Exile sind zuallererst eine Liveband – knapp 70 Konzerte seit 2015 sprechen eine deutliche Sprache. Die Band hat auf ihren Konzerten eine Menge Spaß und weiß auch dafür zu sorgen, dass es dem Publikum genauso geht.
Angefangen als ehemalige Schülerband bringen New Greed jetzt schon seit 2 Jahren Musik mit Einflüssen aus Hard Rock, Progressive Rock und Death Metal auf die Bühne. Neben energievollen und melodischen Gitarren-Riffs überzeugen die 5 Berliner/innen mit kraftvollem Gesang und kreativen Songideen. Dabei erzählen sie eine Geschichte voller Höhen und Tiefen, von Death Metal und Rock Balladen, von der Höhle in die Welt da draußen und vor allem auf die Fresse.
Blue Sky Theory ist eine Alternative Metal Band aus Bremen. Seit 2015 hat die Band das Album Cassandra veröffentlicht und auf Konzerten in ganz Deutschland mit ihren eingängigen Riffs und Melodien in die Herzen und Beine des Publikums gespielt. Wer auf alternativ angehauchten Metal mit Emotionalität und Härte steht, sollte Blue Sky Theory seine Aufmerksamkeit schenken.
Genre: Electronic Pop
Guten Tag, Transformation! Zuletzt vier erfolgreiche Jahre lang war der Berliner Sänger und Multiinstrumentalist Fabrice Richter-Reichhelm Frontmann und Kopf der Electronic-Pop-Formation The Emma Project. Nun meldet er sich als Solokünstler unter dem neuen Namen MIO zurück – mit weniger Band, etwas mehr Elektronik und noch mehr Emotion.
Ein Singer/Songwriter über pulsierenden Rhythmen – MIOs neuer Stil vereint beide Leidenschaften zu einem ganz eigenen Sound. Man spürt, dass diese Verbindung in der deutschen Musiklandschaft etwas Besonderes ist. MIOs prägnante Stimme als ästhetisches Zentrum des Klangbilds, eingerahmt von dynamischen Beats und atmosphärischen Synthiesounds. Seine Kompositionen entstehen oft minimalistisch am Klavier oder an der Gitarre, bevor MIO sie in fanta- sievolle Produktionen und ebenso maßgeschneiderte wie überra- schende Gewänder kleidet. Elektronik in Handarbeit: MIO produziert seine Songs und spielt alle Instrumente selbst. Beim Hören entstehen beiläufig Assoziationen – ein wenig Depeche Mode, Matt Berninger, ein Funken Coldplay, Bon Iver und sogar Kraftwerk.
Entgegen seiner bisherigen Gewohnheit und erklärter Vorliebe für englischsprachige Musik textet MIO seine neuen Werke erstmals auf deutsch. Durch die Wiederentdeckung seiner eigentlichen Mutter- sprache findet man in seinen Zeilen keine abgedroschenen Phrasen und spürt die Authentizität seiner Wortwahl. Frei von Konventionen baut MIO dem Hörer eine ganz eigene Welt – leichtfüßige Poesie, gepaart mit der puren Realität und den Geschichten eines jungen Künstlers. Musik voller Euphorie und mit einem Hauch Melancholie. Musik zum Tanzen, Träumen und Abheben. Guten Tag, Transforma- tion – guten Tag, MIO!
Genre: Electronic
Stephan Stephensen alias PRESIDENT BONGO bezeichnet sich gern als „emotional carpenter“ (Tischler der Emotionen). Und der Name passt: Im Lauf seiner illustren Karriere hat er Wirklichkeiten geformt, gezimmert und geschliffen, die Tausende berührt haben. Wenn er den Hobel ansetzt, entsteht Lebensqualität und innere Harmonie.
Sein Handwerk begann PRESIDENT BONGO als Gründungsmitglied des progressiven Elektronikprojekts Gus-Gus, das seit 1995 erfolgreich wächst und gedeiht. Bongo blieb über die Jahre ein Schlüsselelement dieser Entwicklung und trug auf vielfältige Weise zum Erfolg der Band bei – als Designer, Filmemacher und Fotograf ebenso wie als Sänger, Songwriter und Produzent.
Im Frühjahr 2015 verließ er GusGus, um sich auf sein Soloprojekt „SERENGETI“ zu konzentrieren, das im Oktober 2015 bei ALBUMLABEL erschien.
„SERENGETI” ist ein starkes Album voller Musik, das hinter dem Afrikabild ein elektronisches Konzept zwischen Krautrock und Clubsound, Sampling und Instrumentalmusik (Gitarren, Bongos, Streicher), Echos, Delays und purem Klang offenbart: Krautrock als Fundament für experimentelle Musik mit einem klaren Flow, der unter die Haut geht.
Genre: Soul, Pop, R&B
NPR Music called him a “fast-rising artist whose falsetto is no joke” and spotlighted him as “an Artist To Watch at SXSW.” Earmilk praised his “highly complex set of vocal skills.” Clash marveled at his ability to “pluck at heart-strings while moving the waist.” The Music Ninja applauded him for “fusing soul, pop, R&B and dance in a way that’s as unique as it is exciting.” He spent 6 months as the face of Spotify’s Alt R&B playlist, and is now prominently featured in their biggest playlists, including Are and Be, The Newness, Chilled R&B, among several others.
This is an artist whose music has a sense of warmth and an undeniable soul that instantly connects with listeners. And as the stunning success of his hugely impactful lead single “Frustrated” portends, there’s much more to come. At the moment, “Frustrated” has racked up 11 million-plus Spotify streams and growing, with total streams exceeding 16 million thanks to additionally stellar tracks like “Be Honest” and “Show Me”).
We’re talking, of course, about Reggie Williams, but you can call him R.LUM.R.
Bradenton, Florida-bred and currently Nashville-based, the man has a background and set of skills like few others. He’s extremely well-grounded in old school R&B and jazz since birth, largely because he was only allowed to listen to the music his mother liked when growing up (think Sade, Anita Baker and George Benson). There was that one time when his sister tried playing Tupac in the house. That didn’t go over so well.
And despite the previous R&B mentions, don’t make the mistake of limiting him to just that genre because there’s much more to him: he’s a classically trained acoustic guitarist who grew up with the likes of Julian Bream and Christopher Parkening as potential role models. He was completely enamored with anime classics like Cowboy Bebop, Fullmetal Alchemist and Outlaw Star and studied Japanese as a second language at Florida State University. He and his school friends listened to Dark Side Of The Moon on repeat play as they slept, and he spent his youth listening to an eclectic mix of Prince, Debussy, the Sneaker Pimps, Ravel, Maxwell and Massive Attack, among many others.
“I’m a big fan of the song and of songwriting,” he says of his music. “Obviously it isn’t in the traditional sense of what people think of when they think of a singer-songwriter’s music—but that’s where I started, and that’s the same process I go through writing songs.”
How would he best describe his music in terms of genre?
“If I had to label it, I’d say it’s ‘R&B/Singer-Songwriter/Soul/Electronic.’ But,” he smiles, “I don’t want to limit myself.”
His arrival was not sudden: With just an acoustic guitar, his voice, and growing number of original songs, young Reggie Williams put together some early recordings in Florida, began performing live and began to develop a following. As he tells it, those early days taught him some valuable eye-opening lessons.
“I think that honed my lyrical and songwriting process, and my process of listening to myself and what I think is real and important for me to write about.”
Over the course of the past couple of years, his approach to songwriting—and overall sound—began to evolve with the inclusion of electronics and with it came the transformation from Reggie to R.LUM.R and eventually, a move to Nashville.
“I could’ve gone to L.A., I could’ve gone to New York, I could’ve gone to Chicago, or Atlanta,” he says. “But as much as I respect those scenes, L.A. has a sound, New York has a sound, so does Chicago, so does Atlanta. Nashville was the only place that had two things: One, I couldn’t find anybody in Nashville that was already doing something like what I wanted to do. And two, Nashville has a deep tradition of the song–the storytelling and the lyric–and I take that very seriously and personally.”
And coming up next from the Nashville-based R.LUM.R is an imminent EP that will very likely blow some cross-genre minds.
“I feel like it’s an exploration of all the things that R.LUM.R can be,” promises Reggie. On it are low-tempo, piano driven tracks like “Learn,” the punchy and rebellious “Bleed Into The Water,” and “Love Less”—a unique track which Reggie calls “an investigation into how does one love another person? What if I pull away from this person? What if I love less?”
“I just wanted to get more things out there, get people listening, get people educated,” he says. “There’s versatility, there’s range and I feel like I have a lot of things to say. They’re not always going to be in the same format, and I want to challenge listeners to be open to that.”
“I went through some rough times,” he says. “But things have, thankfully, turned out ok. People like my songs, I can pay my rent, I don’t have to take shitty day jobs. I want to let people know that they can be more than their circumstances. You can overcome these things. I want to be an example of that.”
Genre: carnivalesque dance music
One month after Kiez Burn fire will cease, we will all father for one more memorable, beautiful night of karnivalesque, dance music, amazing decorations, old and new friends, wide smiles, many playa moments, glitter station and massage beds!
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
oder in anderen Worten Europas zweitältester regulärer Soulclub feiert seinen 27igsten Geburtstag!
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Line Up:
DJs Marc Forrest + Franz Heidl plus special guest DJ bUTCH! (UK)
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –
Genre: Disco / 70s Soul
We play Disco, 70s Soul and High Energy channeling legendary West-Berlin Night Club Metropol that opened in 1978 with a bang! Famous for it´s sound system, laser show and fabulous music it was Berlin´s answer to Studio 54.
DJs: Polly Jones , Super Zach and Tom P.
Genre: Stoner Rock / Bluegrass / Heavy Rock
Der Sound von SHAWN JAMES & THE SHAPESHIFTERS ist ein wirklich einzigartiges Gebräu aus den Sümpfen der USA. Markerschütternd intensiv vermengt die Band um Mastermind Shawn James Stoner-Rock und Bluegrass, den Folk des Südens mit schwitzendem Heavy-Rock. Auf ihrem letzen Album „The Gospel According to Shawn James and the Shapeshifters“ ist die Symbiose aus wahnsinniger Fiddle, puckernden Banjos und durch den Fuzz gejagten Slide-Guitars mit Shawn James manischem Gesang nun vollendet. Die Band selbst benennt ihren Sound „Swampy Blues Stoner Rock“ „Southern Swamp Rock“, „Doom Folk“ oder „Rock and Roar“.
Shawn James’ Songs sind auch in diversen TV Shows, u.a. als Titelmelodie der Discovery Channel Serie „Yukon Men“ und in der US Hitserie „Shameless“ zu hören. Ausserdem verwendete der Kultgame Producer „Naughty Dog“ Shawn James’ Song „Through the Valley“ im kürzlich erschienenen Trailer des von der Fachpresse und Fans gefeierten postapokalyptischen Playstation-Meisterwerks „The Last of Us Part 2“ und katapultierte Shawn James somit kurzzeitig auf Platz eins der Spotify Viral Charts WELTWEIT.
Genre: Blues
Am kommenden Samstag sind Little Hurricane für ein exklusives und restlos ausverkauftes Konzert im Kölner Studio 672 zu Gast, im August kommt das Duo für drei ausgewählte Shows zurück nach Deutschland.
Little Hurricane sind Celeste „CC” Spina und Anthony „Tone” Catalano aus San Diego. Eine Schlagzeugerin und Sängerin, ein Gitarrist und Sänger – mehr bedarf es nicht für ihren ganz eigenen Mix aus Lo-Fi-Indierock und bisweilen minimalistisch anmutendem Bluesrock. Beschrieben wurden die beiden bisher häufig als eine Art Reinkarnation der White Stripes, auch die Black Keys gelten immer wieder als Referenz. Nach ihren beiden bisherigen Alben „Homewrecker” (2011) und „Gold Fever” (2014) erschien mit „Same Sun Same Moon” Mitte April ihr drittes Studioalbum.
Entgegen dem Bandnamen gleicht der Sound, den das kalifornische Ehepaar seit einigen Jahren auf seinen Platten und vor allem auch auf der Bühne zu entfesseln vermag, eher einem „Wirbelsturm”, von „klein” kann da keine Rede sein. Überzeugen kann man sich davon bei den drei Konzerten in München, Berlin und auf dem Haldern Pop Festival im August.
Genre: Hip-Hop / Electronic / Dancehall
Good tunes for good people
Line Up:
LINNÉA (Trade)
ACE OF DIAMONDS (Club Merlot)
Cochija
Gore Trax
Princess Galaxy
Turneo
Genre: Indie / Rock
Seit mehr als 30 Jahren sind TRANSMISSION – The Sound of JOY DIVISION eine der führenden britischen Tribute-Bands von Joy Division, die den dunklen, tiefen Sound der Band weiterleben lassen. Joy Division gründeten sich in den späten 1970er-Jahren und lösten sich im Mai 1980 nach dem Selbstmord des Frontsängers Ian Curtis auf.
Die übrigen Mitglieder formten sich neu und kamen in dieser Konstellation sowohl bei den Kritikern als auch in der Öffentlichkeit gut an. So oder so war der Einfluss von Joy Division sehr groß. Sie werden als die Pioniere der Post-Punk-Bewegung der späten 1970er- und frühen 1980er-Jahre gesehen.
Genre: Pop / Singer-Songwriter
Curtains up for Ryan McMullan… »Einer der aufregendsten irischen Künstler. Er hat die Stimme eines Engels.« Gary Lightbody (Snow Patrol)
Ed Sheeran hat ihn ins Vorprogramm auf der aktuellen Europa-Tournee geholt. Mit seinen 25 Jahren klingt der Nordire schon wie einer von den ganz Großen: Ein Hybrid aus James Bay und Ed Sheeran; wie ein seltenes Juwel in der Krone der Popmusik.
Nordirland war schon immer Ursprung großartiger Singer/Songwriter und Ryan McMullan ist keine Ausnahme. Portaferry ist ein verschlafenes Küstendorf, dessen malerische Symbolik deutlichen Einfluss auf Ryans Songwriting hatte. Sein Talent Geschichten, Emotionen und Erlebtes aus der irischen Idylle in die passenden Töne und Verse zu verpacken, ist bemerkenswert. In den vergangenen Jahren war er bereits mit NEEEDTOBREATHE, Snow Patrol oder auch Ciaran Lavery auf Tournee.
Genre: Stand-up Comedy
Nach ausverkauften Shows weltweit kommt der indische Schauspieler, Stand-Up Comedian, Musiker und Schriftsteller VIR DAS im Rahmen seiner „Boarding Das World Tour“ erstmals für eine einzige Show nach Deutschland: am Mittwoch, den 6. September um 20 Uhr im Berliner Privatclub.
Vir Das hat sich durch seine Auftritte in Film und Fernsehen und als Stand-Up Comedian zu einem der größten englischsprachigen Entertainer Indiens entwickelt und zählt auch insgesamt zu den Top-Showgrößen seines Landes.
Bislang hat er auf seinen Stand-Up Tourneen, darunter The History of India und Battle of Das Sexes, mehr als eine halbe Million Tickets verkauft. Durch seine prägenden Jahre in Indien ist sein Humor einem breiten Publikum zugänglich – nun ist er bereit, mit seiner einzigartigen Sicht auf die Dinge auch Amerika zu erobern. Er spielte zudem vor Kurzem in London ein zweiwöchiges Gastspiel am legendären Soho Theatre und trat im letzten Sommer beim Montreal Just For Laughs comedy festival und beim Edinburgh Fringe Festival auf.
Vir Das stieg außerdem in die Bollywood Elite auf mit Filmen wie “BadMaash Company,” “Delhi Belly” oder “Revolver Rani.” The Hollywood Reporter schrieb über ihn: “Das Exhibits a deft comic timing and a winning vulnerability… A sparkling comic performance.”
Ob Vir Das auf der Bühne steht, hinter einer Gitarre oder vor einer Kamera – er ist schlichtweg ein internationals Comedy-Phänomen, herrlich ungezogen und gesegnet mit einer unerschöpflichen Quelle urkomischer Einfälle.
Genre: Electronic Pop
Keine 3 Jahre ist es her, da haben Isaac Howlett und Adam Relf zwei EP’s in Eigenregie auf den Markt gebracht: „Losing touch“ und „Throwing stones“. Mit diesen beiden Releases begaben sich EMPATHY TEST im Folgejahr 2015 auf die ersten Festivals in Europa, u.a. direkt als Headliner beim RIBA ROCKS Festival in Spanien, während das WGT in Leipzig die sogenannte „Entdecker“-Show abgab.
Mit ihrem getragenen, aber eingängigen Synth-Pop und dem charismatischen Gesang von Isaac und der zusätzlichen Hilfe der Live-Mitglieder Christina Lopez und Jacob Ferguson-Lobo präsentierten sie sich 2016 im Vorprogramm von DE/VISION, MESH und VNV NATION und stellten dort ihre Doppel-A-Single „Demons/Seeing stars“ vor.
2017 sieht die Singles „By my side“ (17. Februar) und “Bare my soul” (21. April) vor. EMPATHY TEST zeig(t)en ihre Gesichter auf dem Synth-Pop-goes-Berlin-Festival im Februar und einmal mehr im Vorprogramm von MESH (UK) und AESTHETIC PERFECTION (USA).
Genre: Singer-Songwriter / Country / Pop
Mit 16 Jahren verlässt Courtney Marie Andrews ihre Heimat in Arizona und geht auf Reisen. In den nächsten zehn Jahren spielt sie als Gitarristin und Background-Sängerin für Künstler, die nicht unterschiedlicher sein könnten: Damien Jurado, Jimmy Eat World und Milow. Nebenbei organisiert sie ganz eigenständig ohne Hilfe von Management oder Agenten eigene Tourneen und nimmt kontinuierlich fantastische Songs auf. Im Januar 2017 wird auch endlich in Deutschland ihr grossartiges und selbstproduziertes Album „Honest Life“ (VÖ: 20.01.17 | Loose Music/Rough Trade) erscheinen. Die Bedeutsamkeit der neuen Songs und den Entstehungsprozess beschreibt Courtney selber so: „While in Belgium for four months, I was going through a major heartbreak. I started growing homesick for America and the comfort of family and friends. (…) It was a giant hurdle in my life, my first true growing pains as a woman. That’s why I feel this record is a coming of age album. A common thread that runs through the songs is a great desire to fit somewhere, when nowhere fits – and wanting to get back home to the people I know and love.“
Genre: Indie Pop
Rhys Lewis ist ein Songwriter mit Herzblut: Für seine Tracks reist er regelmäßig zwischen London, Nashville, L.A., Stockholm und Berlin hin und her und holt sich somit jede Menge Inspiration. Vor „Living In The City“ gab es von ihm die Debüt-Single „Waking Up Without You“ zu hören, mit der Rhys Lewis bereits seine musikalische Vielfältigkeit unter Beweis stellte. Darauf folgte nun mit „I Know The Feeling“ gleich die nächste Veröffentlichung. Seit über einem Jahr schreibt der junge Newcomer aus Oxford bereits an seinem Debütalbum, ein für ihn und sein Songwriting sehr prägendes Jahr, aus dem er viel Reife für seinen weiteren Weg gewinnen konnte.
Seine Popsongs vereinen Soul und direkte Lyrics mit einem außerordentlichen Gespür für Gefühl und Ehrlichkeit. Sanft wie James Bay und emotional wie Bill Withers, eroberte Rhys mit seiner ersten Single Platz eins der Spotify Viral Charts und wurde in nur zwei Wochen ganze 170.000 Mal gehört.
Wir warten gespannt auf das Debütalbum von Rhys, dies ist jedoch kein Grund, ihn nicht ein drittes Mal nach Deutschland zu bringen. Ihr kennt ihn noch nicht? Dann wird sich das hoffentlich bald ändern und ganz sicher lohnen.
Genre: Americana / Garage Rock / Singer-Songwriter
Die frühere Frontfrau des Garage Pop-Duos The Ettes Coco Hames ist mittlerweile solo unterwegs. Auf ihrem im März erschienenen Solo-Debüt verbindet Frau Hames aufs Vortrefflichste Americana und Garage Pop zu einer anschmiegsamen Gesamtkomposition. Das Album wurde stilecht in Nashville von Andrija Tokic produziert.
Der Zwei Mann-Blues Rock der Kanadier klingt genauso authentisch wie frisch. Als Support-Acts unterstützten The Harpoonist&The Axe Murder so unterschiedliche Künstler wie Dr.Dog oder die Wüstenrocker von Tinariwen. Handgemachter Blues ist eben eine Sprache, die fast jeder versteht. Mit einem Sack voller Harmonikas, E-Gitarren und Fußpercussion machen sie sich auf den Weg in den Privatclub.
Vorverkauf ab dem 12.05.17 – 10 Uhr
Genre: Indie Pop
„Mt. Wolf sound like [t]he fully-extrapolated physical hybrid of all the thoughts of love, pain, beauty and fear that otherwise only exist in your head.“ (Metro)
Nach einem Jahr Auszeit haben sich Mt. Wolf letztes Jahr mit einer neuen EP zurückgemeldet und betreten seither mit Sänger und Gitarrist Sebastian Fox, Gitarrist Stevie McMinn und Schlagzeuger Alex Mitchell als Trio die Bühnen.
Die kunstvoll miteinander verwobenen elektronischen und akustischen Elemente und der mehrschichtige Sound mit langen Melodiebögen, die so charakteristisch für Mt. Wolf sind, treffen einen immer wieder mit epischer Wucht. Nicht umsonst wird das Dark Electronic Indie Pop-Trio aus London mit Größen wie Sigur Rós, Mogwai und London Grammar verglichen.
Über die letzten 18 Monate hinweg ist ihre Fanbase stetig angewachsen. Ausverkaufte Kon- zerte, erfolgreiche Auftritte auf dem Great Escape Festival Brighton und dem SXSW in Austin, hunderttausende wöchentliche Spotifyhörer und Radiosupport in den USA, im UK und in Australien sprechen für sich.
Mt. Wolf sind endlich zurück – und das mit voller Power und ihrem Debütalbum „Aetherlight“ (VÖ 26.05.17 | CRC Music) im Gepäck. Dieses Mal wird sie nichts und niemand stoppen.
Genre: Alternative / Indie / Rock
Im ersten Satz eines Pressetextes auf das schulterlange wie knallrote Haupthaar des Frontmanns Matt Thomson hinzuweisen wäre wohl oberflächlich und würde die Musik der Amazons degradieren. Wäre die Musik der vier Briten aus Reading jedoch eine Frisur, dann sähe sie genauso aus – auffällig, nach vorne preschend, ein bisschen Indie, aber dennoch perfekt zum Headbangen geeignet.
The Amazons machten erstmals mit ihrem Demo “Something In The Water“ auf Soundcloud auf sich aufmerksam und lösten damit prompt sowas wie einen kleinen Hype aus. 2015 durften sie dann gleich mal als Support Act mit The Kooks auf Tour gehen. Rage Against The Machine, Nirvana oder Led Zeppelin nennen die vier Anfang 20jährigen Briten Thomson, Chris, Eliott und Joe als ihre maßgebenden Einflüsse und so mutet auch ihre ganz eigene Musik recht heavy und laut an.
Mit ihren aktuellen Singles „Little Something“ und „Black Magic“ haben The Amazons bereits beweisen können, wo die Reise hingehen soll und dass sich der losgetreten Hype wohl noch länger halten wird. “Little Something represents the darkest and heaviest place we’ve pushed our music to,” sagt Frontmann Matt Thomson. “It’s a predatory lyric based around the hunt for an obsession that’s out of reach, and then in the darkness and failure of reaching it, finding yourself becoming something you’re not.” “Black Magic” kommt größer aber auch verspielter daher, wobei der unnachgiebige, rhythmische Antrieb sich unvermindert fortsetzt und sich das Gitarrenmotiv von Beginn an in die Synapsen unserer Hirnwindungen dreht, während der Frontmann Matt Thomson seinem bereits beeindruckendem Stimmumfang ein geschicktes Falsetto hinzufügt.
Aber auch die Fachpresse und Medienwelt hält große Stücke auf The Amazons: „officially the most hotlytipped guitar band of year“. BBC Sound Poll 2017, Best Breakthrough Act bei den Q Awards, MTV’s Brand New For 2017, Apple Music’s New Artists 2017, Deezer’s Pick For 2017 – sie alle glauben an die Zukunft dieser jungen Gitarrenband aus UK. Wir auch!
Genre: Indie / Pop
Geboren 1991 auf den Färöer Inseln, entdeckte Konni Kass schnell ihre Leidenschaft für Musik. Nachdem sie eine Ausbildung zur Jazz-Sängerin am Skurups Folkhögskola in Schweden absolvierte, wurde sie an der Universität von Kopenhagen zum Medizinstudium zugelassen. Nach zwei Jahren an der Hochschule brauchte sie aber dringend eine Pause vom universitären Alltag und zog zurück auf die Färöer Inseln, um sich vollkommen auf die Musik zu konzentrieren – daher gründete sie im Frühling 2015 die Band Konni Kass mit Torleik Mortensen, Knút Háberg Eysturstein und Per Ingvaldur Højgaard Petersen. Jeder Musiker brachte sein gewisses Etwas mit in die Gruppe, und als sie begannen, zusammen Musik zu machen, entstand daraus ein ganz eigener Stil und Sound.
Diese magische Verbindung inspirierte Kass, neue Musik zu schreiben, die mit dem Sound der Band harmonierte. So entstanden einige Songs erst spät in der Nacht im Proberaum bei zahllosen Jams. Das Ergebnis dieses kreativen Prozesses sind unter anderem die Songs auf ihrem Debut-Album „Haphe“, die innerhalb weniger Monate nach der Band-Gründung entstanden sind. Gemeinsam mit dem prominenten färöischen Künstler und Produzenten Benjamin Petersen arrangierte die Band ihre Songs und erschuf ihr eigenes Universum. Sie wird von dieser einzigartigen, weiblichen Stimme angetrieben, kraftvoll und doch am Rande der Zerbrechlichkeit, die eine Symbiose mit den Synthesizern und Effekten eingeht, im Duett mit dem Saxofon die Akzente setzt, die balladesken Klangkonstruktionen unterstreicht. Sie wird aber auch gerne mal lauter und poppiger, wie im ersten Hit, der den durchaus passenden Titel „Sounds“ trägt. Wenig glattgebügelt und mit einzigartigen Melodien drückt Konni Kass ihren Stempel auf die elektronische Musikszene und überrascht dabei auch mit ungewöhnlichen Elementen. Es ist Jazz, Soul, Elektro, Pop und vor allem Nordisch.
Innerhalb kürzester Zeit eroberte die Band ihre Heimat im Sturm und war schnell auch international gefragt. Bereits im Januar war Konni Kass bei uns, im September kehren die Färinger zurück, um den zweiten Teil ihrer Tour zu spielen.
Genre: Indie
Aufgemerkt, Afficionados: Am 16.06. erscheint Michael Naus Debüt-Nachfolger Some Twist (beim tollen UK-Indie Full Time Hobby), und was uns dort erwartet, fühlt sich an wie eine Frühlingsbrise unter Van Dyke Parks Hawaiihemd. Michael Naus Songwriting ist unprätentiös, lose-gestrickt und pendelt professionell zwischen Halftime-lazyness und absoluter Entschleunigung. Und so ist Some Twist eine Kollektion brillianter Pop-Skizzen, bei denen immer irgendein Detail minimal nicht stimmt: mal ist die Brass-Section leicht out of tune, dann stolpert das Piano in der Hallkammer über die Rimshot – doch immer ist es Naus Stimme, die das Ganze maximalst entstresst zusammenhält. Nau denkt seine Songs von der Akustikgitarre aus und überträgt sie dann auf ein ausgetüfteltes Homerecording-Szenario, wegen dem Pitchfork ihn schon in der Rock’n’Roll Underdogs Hall of Fame sieht. Doch in Wirklichkeit spielt Nau einfach nur den wärmsten Folk-Pop mit den längsten Traditionslinien und der höchstmöglichen Gegenwärtigkeit.
Anfang Oktober stellt Michael Nau mit Band sein neues Werk das erste Mal in Deutschland vor.
Genre: Pop
LOUKA, die es vor zwei Jahren nach Berlin-Wedding verschlug, hat eine dieser Stimmen, die man nur einmal zu hören braucht — und danach nie wieder vergisst. Sie singt ihre eigenen, beobachtenden Texte in deutscher Sprache, vor allem aber ist ihre Phrasierung, ist ihr Vortrag einzigartig. Gebettet in minimalistische Pop-Arrangements mit wirkungsvollen Beats, funky-minimalistischen Gitarren-Licks und eigenwilligen Synth-Melodien, hören wir eine junge Künstlerin singen, die nicht nur weiß, wohin ihr Weg sie führen wird, sondern die auch ihre ganz eigene Art gefunden hat, wiedererkennbar zu bleiben.
LOUKA ist ein Glücksfall in der deutschsprachigen Popmusik. In den zwölf Songs ihres Debütalbums singt sie über Begegnungen, Liebe, Trennungen, Freundschaften, Identitätsfindung und Erlebnisse im wunderbaren Königreich der Träume. Über sich selbst sagt sie: „Ich gehe oft ins Theater, lese viel, gehe auch ins Kino —ich extrahiere aus all diesen popkulturellen Momenten meine ganz eigenen Texte, die mit unserer ganz sparsamen, in ausgewählten Momenten freilich schier explodierenden Musik zusammengehen.“
LOUKA ist eine Sollbruchstelle im Spielbetrieb des Pop, eine clevere und zugleich verspielte Beobachterin der Zeit und der Emotionen, sie ist eine Sängerin, die wir ab sofort nicht mehr dem Blickfeld unserer Radare entwischen lassen dürfen.
Genre: Singer-Songwriter
Wer Musik ernst nimmt, muss sie groß meinen. Der Musiker darf keine Angst haben vor mächtigen Worten, er muss etwas wollen, das bedeutender ist als er selbst, und deshalb ist es auch so richtig, dass Fayzen auf die Frage, wieso er im Alter von 15 Jahren mit der Musik angefangen hat, antwortet: „Ich wollte etwas Wahres machen. Und klar, die Welt verändern wollt’ ich schon auch.“
Ende der 90er. Die Welt verändern, das geht jetzt eigentlich nur mit einem Musikgenre. Fayzen schließt sich einer Hamburger Rap-Crew an. Zuvor hatte er jahrelang Texte für sich selbst geschrieben, Lyrik vor allem, er hatte versucht, sich das Leben schreibend begreiflich zu machen, ohne dabei schon ein Produkt vor Augen zu haben. Als er Torch, Freundeskreis und Curse zum ersten Mal hört, ahnt er, dass auch seine Texte Musik werden könnten. Und dass sie es auf diese Weise vielleicht in die Ohren, Köpfe, wenn es gut läuft sogar Seelen von Menschen schaffen.
Fayzen, damals 17, schreibt fortan wie ein Besessener auf Beats. Es ist schneller, klarer, gesellschaftskritischer Rap, von dem er in den folgenden Jahren 20.000 selbstproduzierte Mixtapes in den Straßen seiner Hamburger Heimat verkauft. Einen Großteil des Geldes schenkt er seinen Eltern. Als Dankeschön für eine unbeschwerte Kindheit, die sie ihm trotz Flucht aus dem Iran ermöglichten. Aber auch als Beweis, dass der unkonventionelle Weg des Künstlers der richtige für ihn ist: Schaut, euer Junge schafft das.
Und eigentlich aber zieht es den Jungen da schon wieder weiter. Denn so romantisch die Geschichte vom Straßenmusiker auch ist, Fayzen will auf die großen Bühnen und von dort gehört werden. Also bastelt er an einem Demo, bringt sich selbst Gitarre und Klavierspiel bei, arbeitet Tag und Nacht an Texten, denn immer noch kommt Fayzens Musik vom Wort.
Doch umso klarer ihm wird, welche Geschichten er erzählen will, desto unklarer ist auf einmal ihr Sound. Er probiert viel aus, schmeißt den Großteil wieder weg, das Demo wird und wird nicht fertig, er lässt trotzdem nicht davon ab – und das ist ja auch eine Wahrheit der Kunst: Die Suche nach ihr auszuhalten, ist oft schon der halbe Weg.
So ist es auch dieses Mal. Durch Zufall lernt Fayzen einen Musikmanager des Major-Labels Universal kennen – und plötzlich fließen die Dinge wieder. Er bekommt einen Vertrag, 2013 erscheint sein Album „Meer“. Den Hip Hop hört man dort immer noch heraus, aber die meisten Titel sind weicher, stiller, Singersongwriter-Pop ohne Worthülsen und Instant-Gute-Laune-Lyrics. Fayzen singt von der Sehnsucht nach Zuhause und der Kraft des Fernwehs, er gibt dem Kummer einen Namen und der Hoffnung einen Sound. „Und Reim für Reim öffne ich mein Herz mit jedem Wort / Als ich’s das letzte Mal da draußen tat, da ging mein Mädchen fort“, heißt es in „Paradies“, und kaum je zuvor wurde Liebeskummer schlichter und größer besungen.
Aber obwohl er von sich singt, ist es nicht nur die eigene Gefühlswelt, die Fayzen beschreibt. Innensicht – oft die beste, weil aufrichtigste Projektionsfläche dessen, was in der Welt passiert. „Statt dass ich draußen Steine auf die Polizei schmeiß / Schmeiß ich sie hier drinnen auf die eigene Feigheit“ heißt es da einmal. Der heute 32-Jährige schreibt über sein Unvermögen, den Ungerechtigkeiten der Welt die Stirn zu bieten, und er tut dies angenehmerweise ohne Zeigefingerduktus – und wenn doch mal, erdet er die Weltretter-Pose sofort wieder mit Sonntagnachmittagslethargie. Auf das große Wachrüttler-Plädoyer („Ey du, wir müssen auf die Straße / Weil die da unsere Intelligenz verspotten / Kannst du noch zusehen / Wie eine Hand voll Typen unsere Welt verzocken“) wird im Refrain ein müdes „Und der Wasserhahn tropft / Und der Wasserhahn tropft / Ich könnte den mal zudrehen / Doch kein Bock“. Soundtrack für eine Gesellschaft, die sich durchaus politisch engagiert – aber eben lieber per Online-Petitionen als bei Freiluft-Demos.
Am 21. April erscheint nun Fayzens neues Album „Gerne allein“. Noch immer, das hört man sofort, sind ihm die Dinge nicht egal – und vielleicht ist das überhaupt das größte Wagnis des Künstlers Fayzen: dass er mit dem Pop-Prinzip der Oberflächlichkeit bricht. Dass er die Welt mit seiner Musik unterhalten, aber auch ernst und dafür in Kauf nehmen will, die Menschen zu beanspruchen. Nicht mit Forderungen, sondern mit einem unverstellten Blick ins eigene Innere. „Am Anfang der Produktion standen für mich ganz viele Fragen. Warum hat sich meine Exfreundin von mir getrennt? Warum ist mein Opa gestorben? Also: Wie geht man mit dem Verlassenwerden um? Was ist eigentlich meine Aufgabe? Gibt es Gott? Bin ich schuldig? Wie ist das eigentlich, wenn ich alleine dadurch, dass ich Sachen konsumiere, eine Weltordnung fördere, die ich in großen Teilen ablehne? Und ist es moralisch okay, wenn ich trotzdem glücklich bin? Was ist Wahrheit? Und wie komme ich ihr näher?“
Mit der Arbeit am Album ging er auf die Reise nach Antworten. Und genau wie bei jedem anderen, war dabei auch Fayzens Bewusstsein eine Mischung aus Außen und Innen, aus Vergangenem, Gegenwart und Hoffnung. Da ist der Vater, der mit 17 Jahren und 20 Mark in der Tasche aus dem Iran nach Deutschland kam, sein Abi nachholte, studierte, der drei, vier Jobs gleichzeitig machte und nach der Silvesternacht 2015 trotzdem überlegte, das Land wieder zu verlassen, weil er Angst hatte, die Stimmung gegen Zuwanderer könnte gefährlich kippen. Da ist seine Mutter, die den Vater am Telefon kennenlernte, die sich in eine Stimme verliebte und einen Heiratsantrag annahm, ohne genau zu wissen, wie das Land sein würde, in das sie geht, und deren Mut mit dem Glück einer noch immer sehr nahen Ehe belohnt wurde, auf das Fayzen staunend und stolz schaut. Und aus dem sich für den Sohn aber auch eine ganz andere Fallhöhe ergibt. Solch eine Liebe beobachtet zu haben und dann verlassen zu werden, dann zu erfahren, dass die Freundin das gemeinsame Baby abgetrieben hat, dann nicht zu wissen, wohin einen das Leben treibt – ist vielleicht nicht doppelt hart, aber zumindest sofort als Verlust spürbar; und Fayzen singt auf so rührende Weise davon, dass es den Zuhörer ans Herz fasst.
Genre: Singer/Songwriter
Nach über 100 Wohnzimmershows zur Bekämpfung seines Lampenfiebers brachte der holländische Singer/Songwriter Dotan im Jahr 2014 endlich sein Debüt-Album „7 Layers“ heraus. Innerhalb eines Jahres brachte er die Songs dieser Platte von den Wohnzimmern auf große Festivalbühnen und zu seinem ausverkauften Headline-Stadion-Konzert in Amsterdam. Die Songs „Home“ und „Hungry“ wurden sofort zu Hits.
Aber dass sanfte Gitarrenklänge, ein ruhiges Schlagzeug und dazu eine verträumte, geheimnisvolle Stimme sehr gut ankommen, ist ja spätestens seit José Gonzales bekannt. Mit diesem Rezept landete auch Dotan: Platz 1 der Charts, mit sowohl dem Album als auch der Single „Home“, sprechen für den Erfolg. Sein Sound ist unverwechselbar und trifft den Zeitgeist. Ruhige, leise Parts wechseln sich mit starken, nahezu majestätischen Refrains ab und erinnern dabei an die Musik von Bastille, Mumford & Sons oder Gotye. Verankert mit einer Akustikgitarre und der einmaligen Stimme des Sängers aus Amsterdam ergibt sich ein eingängiges Hörerlebnis, dass dem Hörer das Gefühl von Freiheit vermittelt.
Als die Achterbahnfahrt im Jahr 2016 ein wenig ruhiger wurde, beschloss Dotan sich wieder zurückzuziehen und neue Musik zu schreiben. Der Song „Bones“ ist nun das erste Ergebnis dieser Arbeit – zurück zu den Singer/Songwriter-Wurzeln, und im gleichen Atemzug auch Tourdates, geplant mit der gleichen Herangehensweise: keine große Band, keine Drums, keine Stadien. Nur Dotan und seine Gitarre. Neue Städte, neue Zielgruppen, neue Geschichten.
Genre: Neo-Soul, R'n'B
Seit gerade einmal zwei Jahren ist das in Kopenhagen ansässige Duo Phlake aktiv – und schon haben sie die Heimat in einem Sturm erobert, wie es die dänische Musikszene noch nicht erlebt hat. Sie blicken in einem Land mit gerade einmal sechs Millionen Einwohnern auf die unglaubliche Zahl von mehr als 80 Millionen Streams ihrer Songs. Die beiden mit Doppelplatin veredelten Singles „Pregnant“ und „Angel Zoo“ stiegen sofort nach Erscheinen in die Top Ten der dänischen Charts. Gleiches gilt für ihr im vergangenen Juni erschienenes Debütalbum „Slush Hours“, das daheim bis auf Platz 4 stieg. Bei den „Danish Music Awards“ 2016 waren sie in sieben Kategorien nominiert, fünf konnten sie gewinnen, darunter „Best Danish Album“, „Best New Artist“ und „Best Danish Songwriter“ Damit avancierten sie zu DER Band der Stunde. Seither nimmt auch Resteuropa immer mehr Notiz von Produzent Jonathan Elkær und Sänger Mads Bo. Im Herbst startet ihre erste große Europa-Tournee, die sie zwischen dem 17. und 18. Oktober auch für zwei Konzerte in Berlin und Köln nach Deutschland führen wird.
Dass Phlake eine rosige Zukunft haben würden, war bereits im Vorfeld fast schon ausgemachte Sache: Der Produzent und Musiker Jonathan Elkær galt schon vorher als ein äußerst profilierter Beat-Schrauber und Songschreiber, der unter anderem für das dänische Soul-Label Tabu Records sowie für die Band Suspekt zahlreiche bemerkenswerte Tracks erstellt hatte. Anfang 2015 war er auf der Suche nach einer neuen Herausforderung – und fand sie, nachdem er auf den begnadeten, mit einer atemberaubend warmen und vielschichtigen Stimme ausgestatteten Sänger Mads Bo traf.
Zunächst fungierten Phlake als ein reines SoundCloud-Projekt und luden immer mal wieder einen Song hoch. Ihre Mixtur aus modernem R’n’B, klassischem Soul und kantigen Hip-Hop-Beats stieß insbesondere im allgemein sehr Soul-verliebten Dänemark schnell auf viel Interesse. Sie selber gaben ihrem ebenso umschmeichelnden wie tanzbaren Musikstil den Namen „Rhythm & Balls“, was so viel bedeuten sollte wie: Wir sind rhythmisch, wir haben Gefühl, aber auch genug „Eier“, dass uns auch ein Hip-Hop-Fan problemlos gut finden kann.
Wie weitreichend ihre Fanbasis ist, stellte sich im Rahmen ihrer ersten offiziellen Releases heraus: Die Single „Pregnant“ stieg unmittelbar bis auf Platz 9 der dänischen Charts und wurde mit Doppelplatin ausgezeichnet. Die nächste, ebenfalls mit Doppelplatin veredelte Single „Angel Zoo“ kletterte sogar bis auf Platz 3 sowie bis an die Spitze der dänischen Spotify-Charts. Kein Wunder, dass in der Folge auch ihr im vergangenen Sommer veröffentlichtes Debütalbum „Slush Hours“ zu einer der erfolgreichsten Veröffentlichungen Dänemarks im Jahr 2016 geriet.
Nachdem Phlake in Dänemark so ziemlich jeden Musikpreis gewonnen und bald jede große Halle des Landes bespielt haben, machen sie sich nun auf, ganz Europa von ihrem wohltuenden, aber auch eigenständigen Sound zu begeistern. Eine erste Tour durch England hat die dortigen R’n’B-Fans bereits völlig elektrisiert, im Herbst folgt nun das Festland Westeuropas.
Die neue Single „Chunks“, die neben den bereits bewährten Zutaten obendrein mit einem überraschenden Louisiana-Swamp-Stil aufwartet, beweist, dass Phlake bei der Erforschung neuer souliger Nischen erst am Anfang stehen. Man darf sehr gespannt sein, was da in den nächsten Monaten noch alles kommt.
Genre: Metal / Hard Rock
Belgium’s finest dark groove rockers Diablo Blvd have announced to have entered the studio to record the follow-up to 2015’s Follow The Deadlights. Diablo Blvd (est. 2005) have released two album on PIAS which made big waves in Belgium. Their third album Follow The Deadlights was released in May 2014 by Sony Music in the Benelux to huge critical acclaim with a top 3 charting. It got a full international release in January 2015, making Diablo Blvd the first Belgian band ever to get signed to Nuclear Blast. Diablo Blvd embarked on an 18 month lasting European promotion tour that landed them support act duties for Machine Head, Epica, Ace Frehley, Queensrÿche and Life Of Agony, for which they also did the USA support, including a number of festivals like With Full Force, Metal Days, Pukkelpop and Summer Breeze. They also organize their own metal festival Diablofest in Belgium where they give upcoming bands a platform to bigger audiences.
Genre: Indie Pop / Soul
Berlin’s finest Indie Pop label Firestation Records celebrates its first 20 years in business with a smashing birthday party! We have invited two of our alltime favourite bands to join us on the night of October, 21st 2017 at Privatclub in Berlin.
All the way from Manchester we welcome the legendary Railway Children with their first show in Germany for 30 years. Well-known for their mix of sophisticated guitar pop and neo-acoustic sounds, they started their career on the famous Factory label (New Order, Happy Mondays), and became internationally successful when they moved to Virgin Records.
The Railway Children will share the stage with a slightly younger band from London, New Street Adventure. They have just released their second LP on Acid Jazz, and are about to make their breakthrough while you’re reading this. They will thrill you with their heavily soul-influenced powerful pop music!
On the decks you’ll be treated with the best from Indie Pop to Northern Soul by a one-time reunion of Berlin’s much-beloved DJ collective Ship Shape Club.
Be seeing you in Berlin! Stay tuned.
Genre: Indie Rock
Within the songs of Laetitia Tamko there are infinite worlds: emotional spaces that grow wider with time, songs within songs that reveal themselves on each listen. Tamko is a multi-instrumentalist and a producer, recording since 2014 as Vagabon. On her forthcoming debut, Infinite Worlds, she hones her singular voice and vision with an unprecedented clarity.
“I feel so small / my feet can barely touch the floor / on the bus where everybody is tall,” she sings softly and with caution, as she begin the album with “The Embers.” Driving punk drums pry her song open, exploding it into an anthem that pushes back at entitled people who make others feel tiny. “I’m just a small fish / and you’re a shark that hates everything,” she sings, repeating that line and over and over with strength and power. “I’ve been hiding in the smallest space / I am dying to go / this is not my home,” Tamko starts carefully on “Fear & Force,” before her finger-picked guitar playing gives way to slow-building synth claps and ethereal harmonies. “Mal á L’aise” is one of the album’s focal points, a five-minute meditation of ambient dream pop, featuring Tamko’s usage of samples; some are samples from a Steve Sobs song on which Tamko was featured, enticing the one writing collaboration of the album. “Mal á L’aise” means “discomfort” in French, Tamko’s first language, and throughout the song she works through different meanings of that word: social, cultural, physical.
Infinite Worlds builds upon Tamko’s stripped-down demos that have been circulating online and throughout the independent music community for the past two years. Her Persian Garden cassette, released in 2014 via Miscreant Records, was a lo-fi collection where she embraced a first-thought best-thought approach, making songs that began with just her voice and guitar. But here, Tamko is a main performer of synths, keyboard, guitars, and drums, at times enlisting the work of session studio musicians. This had Tamko channeling the thoughtfulness of her lyricism into her arrangement and production as well. The result is a wide-ranging eight-song collection that’s pleasantly unclassifiable: hypnotic electronic collages, acoustic ballads, and bursts of bright punk sit side-by-side cohesively, all tied together by Tamko’s soaring voice.
“I write a lot about places, archiving my memories in spaces that I used to be in, spaces I am currently in, or spaces I will eventually be in” she says. “Archiving different moments that I’ve been thinking about, have gone through. It’s not always autobiographical though. It could be about different situations I’ve seen people I love in. Or people I don’t know in. I think that comes a lot from being in different environments. Like growing up in Cameroon. There, we are happy with very little. Then moving here and seeing how the culture differs from where I’m from.”
Tamko’s songs are embedded with her own story and personal history: growing up in Cameroon, her family’s move to New York and adjusting to culture shock. Her family left Cameroon just in time for her to begin high school in the states. She grew up around music and loved it, but finishing engineering school was a priority before music could start to feel like a real possibility. “When I was in Cameroon, my mom would have these ‘reunions’ which was just her friends coming over on Sundays,” she says. “There was a lot of music around me. Traditional West-African songs sung as group chants, hand drums and percussive instruments being played, etc.” To date, Tamko mostly listens to East and West African music nostalgic of her childhood, styles of music that influence her own in subtle ways.
Infinite Worlds was recorded at Salvation Recording Co. in New Paltz, NY with engineer and co-producer Chris Daly. Tamko and Daly worked closely and tirelessly in his upstate NY studio through the winter into the spring of 2016. The album’s title references a book of poetry by Dana Ward called The Crisis of Infinite Worlds, a book Tamko found particularly inspiring during her recording process, but also very challenging to read: “I had to think critically while reading Dana Ward, it was exciting to be challenged in that way. While I was writing the album, it was a lot of me thinking critically about how to actualize my ideas, and the challenge of reaching proficiency in new instruments. It sort of mirrored my experience reading Dana Ward’s book. I found myself combing his writing over and over and over until I grabbed something from it.”
And as she sat with her songs, she found more and more. “A lot of it is about finding a space for myself, whether it is physical, emotional, social” Tamko says. “It’s about finding that place where I feel most comfortable. And also finding that the confidence within myself can continue to grow. And finding what it takes for me to feel whole through making music.”
