Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –
Genre: Indie/ New Wave/ Guilty Pleasures
It’s Saturday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.
Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties.
Genre: Rock / Pop
Irgendwo zwischen Moskau, Berlin und Lima entstand bei Jochen Schmalbach, Marcus Meyn und Volker Hinkel der Wunsch, abseits der Band CAMOUFLAGE, mit der die 3 nun schon seit über 15 Jahren gemeinsam um die Welt reisen, ein neues Projekt zu entwickeln.
Um sich musikalisch miteinander noch mehr auszuprobieren galt von vorne herein der Grundsatz, dass erst einmal alles möglich sein sollte, worauf jeder der Beteiligten Lust hätte. Somit trafen Vergangenheit auf Gegenwart und Zukunt, Deep House auf Oasis, Minimalismus auf Bombast, Kraftwerk auf Sex Pistols. Man begann nun aus den vielen Ideen neue Songs entstehen zu lassen. Heraus kam eine Mischung aus Dark Elektronic, und Gitarren, die in ihrer Vielfalt den Bogen spannt zwischen Electro-Wave, Gothik und Mainstream-Pop.
Was bedeutet M.I.N.E? Der Bandname leitet sich zum Einen aus der phonetisch richtigen Aussprache des Nachnamens des Sängers Marcus Meyn, als auch vom individuellen Bekenntnis der gemeinsamen musikalischen Zusammenarbeit der Herren ab.
Das sind M.I.N.E:
Schlagzeug: Jochen Schmalbach, Toningenieur, Autor und Produzent von Acts wie Klangkarussell, Tiefschwarz, Alphaville, Die Fantastischen Vier, A-ha, Thomas D. u.v.m.
Gesang: Marcus Meyn, Autor und Sänger der Band Camouflage.
Gitarre: Volker Hinkel, Autor, Produzent und Gitarrist von Fools Garden, die mit ihrem Hit „Lemon Tree“ international die Hitparaden stürmten.
Genre: Country
Lindi Ortega gives fair warning: “Don’t come any closer to my heart /If you’re afraid of the dark.”
However, that shroud is slowly lifted in Liberty. As the narrative unfolds in this concept album, a central character emerges – one who finally sheds the darkness of her past and emerges into the light. As melodies and tempos change throughout Liberty, her journey carries her steadily forward. Listen closely and you’ll find Ortega’s experiences in the lyrics too.
The melodies and arrangements of Liberty draw on the epic work of Oscar-winning composer Ennio Morricone, who became one of Ortega’s musical obsessions during the writing and recording of Liberty. Moreover she enlisted Nashville producer Skylar Wilson (Justin Townes Earle, Rayland Baxter) when she discovered their shared passion for Quentin Tarantino movies. It is fitting that NPR’s All Things Considered has escribed Ortega as “genre-defying in both her music and her personal style.”
During the sessions at Battle Tapes studio in East Nashville, Ortega and Wilson scaled back the boot-stomping, throwback country approach that she’s known for, instead polishing a set of music that reflects her lineage. Her father is Mexican; her mother is Irish. The sonic landscape of Liberty is enhanced by Nashville band Steelism, known for their dramatic blend of pedal steel guitar and electric guitar, as well as Country Music Hall of Fame member Charlie McCoy on harmonica.
In 2017, Ortega opened select dates for Chris Stapleton and Dwight Yoakam. In addition, she married Canadian musician Daniel Huscroft and relocated from Nashville to Calgary. Liberty concludes with “Gracia a la Vida” from the pen of Chilean composer Violeta Parra. The title translates as “Thank you to Life.”
Event auf den Merkzettel
Genre: Reggae / Dancehall
Es ist wieder mal soweit:
Panza (Supersonic Sound) & DJ Barney Millah nehmen euch mit auf eine Zeitreise in die 90er/ Anfang 2000er Reggae- und Dancehalljahre. Erinnerungen werden wach an Locations wie Subground, Insel, Toaster, Pfefferbank, Geburtstagsklub, Silverwings…
Wir feiern mit euch wie damals zu den Hits von General Degree, Spragga Benz, Mr. Vegas, Buccaneer, Sizzla, Jr. Kelly, Capleton, Anthony B, Luciano…..
Und das ganze wie damals ausschliesslich von Vinyl !!!
Die „Joyride“ Partyreihe wurde ins Leben gerufen von Barney Millah (Concrete Jungle) und Panza (Supersonic Sound). Die beiden haben schon im legendären Subground von 1999-2003 jeden Mittwoch zusammen aufgelegt. Die Tunes die damals dort gespielt wurden bilden das Grundgerüst der „Joyride“ Selection, also grob umrissen Reggae und Dancehall aus den Mitt-90ern bis Anfang 2000er. Für viele sind dies die goldenen Jahre des Dancehall welche bei „Joyride“ wieder aufleben. Und zwar ausschliesslich von Vinyl!!
Line Up:
Panza
Oli
Genre: Good Vibes Music / Hip Hop / RnB / Disco
„Exakt diesen Gusto haben meine Ohren verdient“ – Sophie, 24
„Und auf einmal standen alle auf der Tanzfläche und hatten sich zu einem Grouphug versammelt, während uns Robbie Williams mit Angel beflügelte und ich dachte nur: OMG WOW.“ – Valentin, 25
„Bei dieser Party geht mein Booty niemals ungeshaked nachhause“ – Thilo, 30
„Und nachdem auf Butterfly von Crazy Town dann September von Earth, Wind and Fire folgte, gingen bei mir alle Lichter an, njiiieuuuuu.“ – Leonora, 23
„WAS PASSIERT HIER!!!???“ – Resi, 23
„hahahahahaha“ – Helene, 26
Überzeug dich selbst vom einzigartigen Erlebnis des „Scheiß einfach drauf“ Mottos von Basti und Zoe. Die Übergänge stimmen nicht immer, dafür aber die Musikauswahl.
Jeden ersten Samstag im Monat. Freier Eintritt. Musikwünsche kosten 10 Euro.
Genre: Alternative / Rock
Strange Bones ist die vierköpfige Band aus Blackpool (UK) um die drei Brüder Bobby, Will & Jack und Spud, deren enger Freund aus Kindheitstagen. Von der dortigen Szene geprägt und mit dem Punk Rock in der DNA aufgewachsen, da ihr Vater in den 80ern für die Musikvideos aller namhaften Bands wie u.a. UK Subs oder Black Flag zuständig war, spielte die Band bereits im Teeniealter in der noch damaligen Trioversion gemeinsam über 800 Konzerte. Sie tourten unter anderem mit Größen wie Rancid oder Enter Shikari und waren auf der ganzen Welt unterwegs.
2014 legte die Band eine kurze Pause ein und schließlich stieß Spud an den Drums dazu, um die Band in ihrer aktuellen Besetzung zu komplettieren.
Ihre erste gemeinsame Single „Sick of it all“, einer energiegeladenen Blackpool Rock-Anthem, sowie der Nachfolger „God save the teen“ knackten direkt die Airplay-Charts der Radiostationen. Annie Mac von BBC Radio 1 und Alex Baker von Kerrang Radio waren Supporter von Stunde 0 an, bei Kerrang Radio waren beide Songs „Single of the week“. Von britischen Medien wie Gigwise, DIY und Mosh fuhren sie für ihre Musik geradezu Lobeshymnen ein und wurden folglicherweise von HMV schnell als „next big thing“ (HMV) gehypt.
Strange Bones nahmen in LA gemeinsam mit keinem geringeren als Chris Shifleet von den Foo Fighters ihren neuen Tracks für die EP „We The Rats“ auf, Dan Lancaster (Blink 182, Bring Me The Horizon, Lower Than Atlantis) mischte. Die Inhalte ihrer neuen Songs weisen bisher die meiste Kritik an Politik und Gesellschaft auf, mit einer lauten Intensität, eingängigen Hooks und schroffen Melodien, an denen man nicht vorbeihören kann und will.
Die Musik von Strange Bones, die eben erst als „Bester Live Act“ für die UMAs nominiert worden sind, gilt es ab sofort auf dem Radar zu haben. Im Juli spielen die Punk Rocker zum ersten Mal auf deutschen Bühnen. Ihre Eltern sind stolz auf ihren Nachwuchs, und wer die Jungs live erlebt, weiß, zu Recht!
Genre: Americana / Rock / Folk
Wer Bands wie Grateful Dead, Little Feat, Dawes, Crosby Stills Nash & Young, The Allman Brothers Band, Blitzen Trapper, Houndmouth, The Band, etc. mag, wird Cordovas lieben!
Die Musik der Westcoast-Harmonie geladenen, gitarrenlastigen Band klingt wie aus dem Laurel Canyon in den Jahre 1968 bis 1973. Die Musik ist irgendwo in der Mitte zwischen Duane Allman’s Telecaster twang, den luftigen Harmonien der Grateful Dead und dem Folk-Rock von Crosby, Stills, Nash & Young. Live grooved die Mischung deutlich dynamischer als auf dem Album, so dass auch Jamband Fans auf Ihre Kosten kommen.
Die Americana Band hat bereits Kultstatus in Ihrer Heimatstadt Nashville und unter Musikerkollegen in ganz Amerika. Im Laufe des Sommer 2018 wird ihr hervorragendes neues Album, das von Kenneth Pattengale (Milk Carton Kids) produziert wurde, veröffentlicht.
Jetzt ist die einmalige Chance, Cordovas in einem intimen Rahmen bei ihrem ersten Konzert in Berlin zu sehen. Bandleader Joe Firstman und seine Jungs haben das europäische Publikum bereits bei Ihren Touren in Skandinavien und den Niederlanden (u.a. beim „TakeRoot“ Festival) begeistert. Dieses einmalige Konzert solltet ihr also nicht verpassen.
Mit von der Partie als special guest ist das hervorragende Berliner Roots & Americana Trio St. Beaufort. Henric Hungerhoff (Deutschland), Tomás Peralta (Chile), and Joe Jakubczyk (USA) vereint Ihre Leidenschaft für akustische Musik und Storytelling. Ihr von Banjo, Gitarre, Kontrabass und mehrstimmigen Gesangsharmonien geprägter Sound hat sie seit ihrer Gründung 2014 bereits zu 150 Konzerte von den Schottischen Highlands bis nach Sizilien und zum Rolling Stone Weekender geführt.
SUSTO has been given many labels—Americana, alt-country, southern folk, indie rock, even gospel—and though none of these descriptions are inaccurate, they only provide part of the picture. Bandleader and songsmith Justin Osborne’s lyrics bring the full picture into view. He weaves catchy hooks into honest storytelling, utilizing gothic imagery, wry humor, and social commentary to convey his confessional tales. His gravelly, pitch-perfect voice is the ideal vehicle to bring these heartfelt expressions to the listener and the sincerity he exudes while performing is palpable. Pair that with perfectly nuanced folk-rock instrumentation, and SUSTO remains in a genre all its own.
St. Beaufort is a group on a journey. The Berlin-based folk and americana band from Germany, Chile, and the USA has been travelling around Europe since 2014, sharing old stories and tall tales. Based on banjo, guitar, and double-bass, accented by violin, accordion or mandolin, the music is driven by tight vocal harmonies, and forges a bridge between traditional storytelling and contemporary songwriting.
Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop
An Exciting Mix of Tracks, Skipping back and forth through the Decades and Genres.
From 60s to Post Punk to Indie.
Expect amongst others:
Prince, the Strokes, Madonna, Kings of Leon, Michael Jackson, Outkast, Daft Punk, the Beatles, Joy Division, Oasis, Cassius, Wham, Nirvana, Basement Jaxx, the Cure, Inner City, Stardust, Modjo, Soft Cell, Iggy Pop, James Brown, Bloc Party, Blur, the Chemical Brothers, Ramones, Marvin Gaye, the Velvet Underground, Jimi Hendrix, Missy Elliott, Laurent Garnier, Beastie Boys, Armand van Helden, Fatboy Slim, Eurythmics, NWA, Tiga, Moby, Hot Chip, Fugazi, Stone Roses, Happy Mondays, Wu Tang Clan, Neneh Cherry, Bruce Springsteen, St.Germain, Green Day, David Bowie, Smashmouth, Public Enemy, A-ha, the Wombats, Snoop Dogg, Kiss, Wheatus, Liquido, the Clash, Queens of the Stoneage, Jay-Z, Salt n Pepa, Guns n Roses, Kim Wilde, the Bee Gees, Rolling Stones, Phil Collins, Joan Jett, La Roux, Arctic Monkeys, The Lemonheads, the Streets, Roni Size & Reprazent, dj Hype, the La’s, Destiny’s Child, Justin Timberlake, Phoenix, the Libertines, Pixies, Nina Simone, Elvis Presley, Duran Duran, Toto, Sex Pistols, Soulwax, A Tribe Called Quest, Boys Noize, Nelly, Depeche Mode, the White Stripes, Gorillaz, Dizzee Rascal, 10CC
‚For scenesters, nightfreaks and you, the oh so lovely hipster-kids‘
Always want to be part of the Free Entry Elite? Put yourself on Going for KAH Incrowd Socialites Berlin and you receive a notification as soon as a new event is online.
See you Saturday!
KAH
Genre: Indie, New Wave, Guilty Pleasures
It’s Saturday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.
Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties.
Genre: Cumbia, Música Tropical
22 Uhr: Buchpräsentation OJOS SUAVES
23 Uhr: CUMBIA PARA TI
DJ line up: Coco Maria, Buzz
Mirjam Wirz: Ojos Suaves/Soft Eyes – Cumbia sonidera de México para el Mundo
OJOS SUAVES erzählt von José Ortega, genannt Morelos, der aus dem Peñón de los Baños-Viertel in Mexiko-Stadt stammt. In den 1970er Jahren begannen er und sein Bruder nach Kolumbien zu reisen, um Cumbia-LPs zu suchen und sie nach Mexiko zu bringen. Dank ihrer Passion für die Música Tropical, die Kultur der kleinen Strassen-Soundsystems und aufgrund ihres abenteuerlichen Geistes haben sie zuerst Kolumbien und danach andere Regionen in Zentral- und Südamerika besucht, um Platten zu finden, die für die Besitzer der Soundsystems. die Sonideros, in Mexiko-Stadt und den aufkommenden Szenen in den Provinzhauptstädten (Leon, San Luis Potosi, Puebla und Monterrey) von Interesse waren.
Vor zwei Jahren lud Morelos Carlos Icaza, mexikanischer Musiker und Plattensammler, und Mirjam Wirz, Schweizer Fotografin, ein, mit ihm zusammen seiner langjährigen Reiseroute zu folgen und dies aufzuzeichnen. Auf drei gemeinsamen Reisen sind wir seinen Wegen, Bekanntschaften und Erinnerungen nachgegangen und haben – mit ihm als Dreh- und Angelpunkt dieser Geschichte – versucht, die Anfänge der Cumbia und der Soundsystems in Mexiko aufzurollen. OJOS SUAVES ist das Ergebnis dieser Reisen und zeigt das dabei gesammelte Material – es umfasst Fotografien, Gespräche mit den ProtagonistInnen sowie Dokumente aus deren privaten Sammlungen.
. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
OJOS SUAVES/SOFT EYES nos cuenta sobre José Ortega, alias Morelos de la colonia Peñón de los Baños en la Ciudad de México. En los años setenta empezó junto con su hermano a viajar a otros países para buscar discos de cumbia y otros ritmos y llevarlos de vuelta al Peñón. Gracias a su pasión por la música tropical, la cultura de los pequeños sistemas de sonido callejeros y el espíritu aventurero, visitaron primero Colombia y después otras regiones de Centro y Sudamérica para encontrar discos que pudieran ser útiles a los dueños de los equipos de sonidos – los sonideros – de la Ciudad de México y en las incipientes escenas de provincia como León, San Luis Potosí, Puebla y Monterrey.
Hace dos años él nos invitó a Carlos Icaza, músico mexicano e investigador y a Mirjam Wirz, fotógrafa suiza y editora, a acompañarlo en sus largos trayectos y a documentarlos. En tres viajes recorrimos sus caminos, sus recuerdos y sus conocidos; con él, bisagra y ancla en esta historia, intentamos rastrear los comienzos de la cumbia y del movimiento sonidero en México.
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
1990 im Juli startete im damaligen Technoclub UFO, dem Vorläufer des späteren Tresor, was heute die am längsten laufende Soul Party Deutschlands ist. Das wollen wir heftigst feiern. Mit Dschingerassabumm und Hopsasa sowie ordentlich viel Lamettaaaaaaaaa.
Warum also nicht mal wieder ein kleiner, feiner Weekender ?! Gesagt getan und mit herzlichen Dank an die befreundeten Locations und Mitstreiter verbunden laden wir Euch nun also ebenso herzlich und hoffentlich in grosser Zahl ein zum
***
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Line Up:
mit den Special Guest DJs
Jan Drews (HH)
Barry Motown Simpson (Australia)
und Residents
Franz Heidl
Marc Forrest
Genre: Indie
Seit mehr als fünf Jahren sind die Tall Heights nun schon dabei, ihre Fans mit akustischen Klängen zu faszinieren. Angefangen haben Paul Whight und Tim Harrington in Boston, wo sie als Straßenmusiker aktiv waren. Mit dem Erlös finanzierten sie ihre erste EP und legten damit den Grundstein für eine vielversprechende Karriere. Vorerst auf Amerikas Bühnen präsentierten sie ihren harmonischen Indiefolk und vergrößerten so stetig ihre Reichweite und Anhänger-Schar. Mit dem neuen Album „Holding On, Holding Out“, das gespickt ist mit Synthesizern, Drumloops und Keyboard, scheint der internationale Durchbruch zu gelingen. Tom Harrington zufolge fühle es sich wie eine Neugeburt an. Dann wollen wir das Kind mal begrüßen!
Genre: Indie Rock | Indie Pop
Zum ersten Mal in Berlin – und dann gleich im wundervollen Privatclub!
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
———————————————
For the first time in Berlin!
Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: Blues, Southern Rock
THE DEVON ALLMAN PROJECT ist das Ensemble um Devon Allman, das unter anderem aus Multiinstrumentalisten, Perkussionisten und Gitarristen besteht. Allman ist bereits viele Wege gegangen, um seinen Platz an der Spitze der Southern Rock-Szene zu behaupten. Diejenigen, die seine Karriere schon länger verfolgen, wissen, dass sie das Unerwartete erwarten dürfen: von seinem Durchbruch mit Honeytribe über Charterfolge zusammen mit Jack Bruce und Javier Vargas über die Royal Southern Brotherhood bis hin zu seinen gefeierten Soloalben wie Turquoise, Ragged & Dirty und Ride or Die. Als Devon Allmann sich Ende 2014 von der Royal Southern Brotherhood trennte, ging ein hörbares Raunen durch die Blueswelt. Mit dem „Devon Allan Project“ zeigt der Sohn von Gregg Allman (Allman Brothers) nun aber einmal mehr, dass er ein Künstler ist, der den Anspruch hat sich immer und immer weiterzuentwickeln. Am 28.08. ist der Sänger und Gitarrist mit dem „THE DEVON ALLMAN PROJECT“ live im Berliner Privatclub.
Genre: Alternative Pop
Ein spektakulär brodelndes Indie-Rock-Debütalbum aus Deutschland. Musik, für die grobkörnige Filter oder Unschärfeefekte scheinbar erst erfunden wurden. Doch bei Bayuk ist alles anders. Der Singer/Songwriter mit Wahlheimat Berlin blickt uns auf seinem Albumcover auf einer genreuntypischen Fotografe direkt in die Augen. Helle Farben. Keine Geheimnisse.
Dafür ist seine Musik zuständig. Das Album eröfnet mit einem nebelverhangenen Tricky-Beat. Das Bild des ungeschminkten Mannes vom Cover verschwimmt im Puls des mahlstromartigen Grooves, bevor uns der Sänger Bayuk gegenübertritt, mit geisterhaft schrägen, verfremdeten Vocals. Überhaupt: Sein Debütalbum mit dem achteinhalb Minuten langen EmotionsParforceritt „Phantom Track“ zu beginnen, zeugt schon von unverfrorener Selbstüberzeugung. Wer ist dieser Bayuk?
Geboren 1991, spielt der in Tübingen aufgewachsene Magnus Hesse Cello in klassischen Orchestern und bringt sich mit 14 Jahren das Gitarre- und Klavierspiel bei. Später studiert er Literatur-Kunst- und Filmwissenschaften.
Und flmisch geprägt ist auch seine Musik. Während der Studio-Aufnahmen mit Produzent Tobias Siebert (Klez.e, And The Golden Choir) liefen von morgens bis abends David-Lynch-Filme in Dauerschleife: „Wir entwickelten eine regelrechte Lynch-Obsession. Am Ende hatten wir sein Film-Oeuvre tatsächlich durch. Das war eine interessante Erfahrung, auch unsere Streicher mussten sich das während des Spielens anschauen“, grinst Bayuk.
Das Ergebnis gibt ihm recht: Seine Songs vermählen somnambule Melancholie mit borstigen Sound-Patterns – Pop mit Widerhaken. Wie bei einer Übernachtung im Freien hört man es ständig rascheln, dann herrscht wieder knisternde Stille, Licht fackert umher, fällt hier und dort hin, und plötzlich steht Bayuk wie aus dem Nichts da und leuchtet dir mit seiner Petroleumplampe ins Gesicht. Zusammen mit Siebert bastelte er kleine, faszinierende TrackSinfonien mit der Narkosewirkung eines Radiohead-Refrains. Dass diese opulenten, perfekt sitzenden Arrangements aus Streichern, Xylophonen, Handclaps und Samples alle erst
nachträglich im Siebert-Studio über die zarten Akustikgitarrenskelette der Demos gestülpt wurden, ist nur eines der zahlreichen Rätsel, die Bayuk für uns bereit hält. Einen kleinen VorherNachher-Moment liefert uns lediglich der Anfang von „Haaappiiiiiiiiiiiiinneeeeezz“: Der Song beginnt im Stile einer Home-Recording, bricht nach wenigen Sekunden ab und startet erneut, dieses Mal in Studioqualität.
Zitiert er dort wirklich den Klassiker „Auld Lang Syne“? Woher holt er plötzlich diesen weltumarmenden Hit „Old June“? Bayuk ist Romantiker. Seine Lieder handeln von der Liebe und den Abgründen dahinter. Da geht es schon auch mal um die inneren Dämonen („The Beasts Have Arrived“) oder um Traumbilder und die Frage nach allem Uneingelösten. „Lions In Our Bedroom“ verarbeitet dies in einem sich nach allen Seiten dehnenden Portishead-Blues, der vor allem von den verschiedenen Gesangsstimmen lebt. Und dann besitzt Bayuk auch noch die Chuzpe, seinen Duettpartner im Booklet mit keiner Silbe zu erwähnen. Aber wieso sollte er? Es ist alles nur er gewesen. Wieder ein Bluf.
Bayuk liebt diese Doppelbödigkeiten, ein Einfuss seines Surrealismus-Idols René Magritte. Wie der Belgier auf seinen trickreichen Bildern stattet der frühere Kunststudent auch seine Musik mit zahlreichen Finessen aus, bricht Erwartungshaltungen, indem er stetig neue Pointen ersinnt. Gleichzeitig die Experimentierwut immer schön bis an die Grenzen austesten: Schließlich machte nicht zuletzt dieser Ansatz die Musik von The Notwist oder John Frusciante so großartig, erklärte Vorbilder des Musikers. Zwei Jahre arbeitete er an seinem Debütalbum. Nach Tourneen im Vorprogramm von Me And My Drummer, Klez.e und Maeckes ist Bayuk nun bestens gerüstet für ein neues Abenteuer.
Genre: Americana, Country, Pop
Nach ihrer ersten eigenen erfolgreichen Tournee als Headliner in England im März diesen Jahres kündigt die amerikanische Singer/Songwriterin Ashley Campbell nun auch Deutschlandtermine an. Die jüngste Tochter des im letzten Jahr verstorbenen Country-Superstars Glen Campbell wird auf zwei exklusiven Clubshows hierzulande ihr ebenfalls im März erschienenes Debüt „The Lonely One“ (Humphead Records) live vorstellen. Die 31-Jährige aus Phoenix/Arizona ist zu sehen in Berlin am 4. September 2018 im Privatclub und in Köln am 5. September 2018 im Blue Shell.
Als jüngstes der acht Kinder von Glen Campbell (u.a. „Gentle On My Mind“) wird Ashley die Musik in die Wiege gelegt. Ihr Vater ist nicht nur ein Country-Superstar mit 45 Millionen verkaufter Platten, sondern vor seiner zweiten Karriere ein gefragter Session-Gitarrist, der auf Hunderten von Aufnahmen mitgewirkt hat, von Frank Sinatra bis zu den Beach Boys. Seine Tochter übernimmt das musische Talent ihres Vaters, belegt aber nach der High School an der Pepperdine University in Malibu Theaterwissenschaften, weil ihre Vorlieben damals auf Tanz und Schauspiel liegen. Nach dem Bachelor versucht sie sich 2009 in mehreren Comedy-Ensembles in Los Angeles. Während einer Aufführung spielt sie Banjo, danach ist der Weg vorgezeichnet. „Ich habe jahrelang versucht, die Gene meines Vaters zu ignorieren, weil auch zwei meiner Brüder ins Musikgeschäft wollen, aber dann war es einfach nur noch natürlich. Irgendetwas hat das Banjo mit mir gemacht.“ Nachdem sie schon in ihrem letzten Jahr an der Uni Unterricht genommen hat, geht sie ab 2009 mit ihrem Vater auf Tour, steht mit ihm während seiner Abschiedstour 2011 und 2012 auf der Bühne, spielt Banjo, Keyboards und singt Background-Vocals. 2012 wird sie von Rascal Flatts für deren Hit „Banjo“ eingeladen, auf den Country Music Awards im selben Jahr tritt sie zusammen mit ihnen und Journey auf und wird dadurch landesweit bekannt. Danach nimmt sie an der Arbeit an einer Dokumentation über die Karriere ihres Vaters und der Krankheit, die ihn im Alter heimgesucht hat, teil. Sie wird zu einer der Botschafterinnen für die Prävention und Aufklärung über Alzheimer, spricht sogar vor dem Kongress in Washington. Der aus der Abschiedstour 2011/12 entstandene Dokumentarfilm „Glen Campbell: I’ll Be Me“ (2014) von James Keach und der dazugehörige Soundtrack werden 2015 mit einem Grammy ausgezeichnet und für den Oscar nominiert. Ashleys Beitrag, der Song „Remembering“, wird ihr erster Hit (Platz 56 der Country Airplay-Charts) und der Türöffner für die Entstehung ihres Debütalbums, an dem ihr Patenonkel Carl Jackson maßgeblichen Anteil hat. „Er ist so etwas wie mein zweiter Vater, besonders nach dem Tod Dads im letzten Jahr. Ihn um mich zu haben, ist eine Ehre. Er ist mein Vorbild in Sachen Höflichkeit und Menschlichkeit und ein unglaublicher Musiker. Ich habe mit ihm zusammen das Instrumental „Carl & Ashley’s Breakdown“ geschrieben, was unheimlichen Spaß gemacht hat.“ Produziert wird „The Lonely One“ von ihrem Bruder Cal, alle Songs entstehen mit ihrer Mithilfe, ihr anderer Bruder Shannon spielt Gitarre und ist Mitglied ihrer Live-Band. Musikalisch ist das Album ein Kessel Buntes, die Einflüsse sind sehr vielfältig, kombinieren den Old School-Country ihre Vaters aus den Sechzigern und Siebzigern mit zeitgenössischem Americana, Rootsy Folk und Country-Pop. Fans von Glen Campbell werden vielleicht die eine oder andere Phrasierung wiedererkennen, aber das sollte nicht ablenken von dem geerbten Talent ihres unmittelbaren Vorfahren. Ashley Campbell ist zweifelsohne eine vielseitig begabte Entertainerin, eine Sängerin, die ihre eigenen Songs schreibt, dazu ihre Instrumente selbst spielt. Ein Newcomer mit jahrelanger Tour-Erfahrung, der jetzt endgültig aus dem langen Schatten ihres Vaters treten wird. Denn obwohl die 31-Jährige zeit ihres Lebens von berühmten Musikern umgeben war, ist sie dennoch auf dem Boden der Tatsachen geblieben und erzählt ehrliche Geschichten mit einer Musik, die ebenfalls von Herzen kommt.
Genre: Electro-Pop
Auf der „Vor die Hunde“ EP fängt das Duo die Zerrbilder der Großstadt ein. Kompromisslos und gerade heraus verschmelzen urbane Themen und persönliche Dämonen zu impulsiven, ehrlichen Songs. Die extremen Gegensätze von Laut und Leise, Melancholie und roher Energie machen „Vor die Hunde“ zu einem ungeschminkten Stück Pop. Ganz ohne Schutzhülle, nackt und dreckig.
ok.wedding mischen Pop mit Elektro, greifen moderne Klangästhetik und Vocoder Effekte auf, um daraus ihren eigenen Sound zu formen. Rau, verletzlich, mit Attitüde und markantem Gesang bilden die Texte den roten Faden der EP. Entstanden ist ein moderner Sound, ungeschliffen und facettenreich, mit epischer Tragweite und Texten die unmittelbar berühren.
ok.wedding sind Naomi Knopf und Falk von Zadow. Deutsche Popmusik mit Kante.
Genre: Singer-Songwriter, Pop-Rock
Manche Menschen bezeichnet man als alte Seele, weil in ihnen eine Weisheit steckt, die weit über ihre tatsächlichen Lebensjahre hinausgeht. Dan Owen ist so ein Fall: Der Singer-Songwriter ist 25 Jahre alt, singt aber Songs von einer Tiefe, als hätte er schon ein ganzes Leben gelebt – und das obendrein mit einer Stimme, die es einem heiß und kalt den Rücken herunterlaufen lässt, so viel Seele, Raubeinigkeit und Kraft steckt in ihr.
Dabei war seine Karriere alles andere als vorgezeichnet: Eigentlich wollte Owen Gitarrenbauer werden, verlor aber bei einem Unfall einen Teil seines Augenlichts. Seitdem spielt er das Instrument, statt es zu bauen, und singt dazu. Alles begann mit dem Blues – bekanntlich nicht die schlechteste Schule, wenn man Gefühle in Musik packen will. Egal, ob es Klassiker sind wie Muddys „Got My Mojo Working“ oder Howlin’ Wolfs „Little Red Rooster“ oder Willie Nelsons Marihuana-Hymne „Roll Me Up And Smoke Me When I Die“ oder auch Adeles „Rolling In The Deep“ waren: Als Straßenmusiker wurde Owen einfach unter Wert gehandelt, vor allem nachdem er begann eigene Songs zu schreiben. Er klapperte alle Clubs im Umkreis von zwei Stunden von seiner Heimatstadt Shrewsbury ab, spielte einen Gig nach dem anderen und sammelte unbezahlbare Live-Erfahrungen. Bald darauf ging er mit Größen wie ZZ Top, Kaleo. Alice Merton und Joseph J. Jones auf Tour und war zuletzt bei uns zusammen mit Issac Gracie unterwegs.
Im August erscheint nun endlich sein Debütalbum, im September kommt er auf Tour.
Genre: Pop
17 Jahre jung, ein italienisches Herz, aufgewachsen in einem Vorort von Stuttgart, Musik im Blut. Das ist Mario Novembre – einer der derzeit spannendsten Newcomer. Im September geht der sympathische Sänger erstmals live auf Tour.
2016 veröffentlichte Mario seine Kompositionen „Only You“ und „Springtime“ und gewinnt damit im Rahmen der Videodays den „ViViSoCo 2016“! Der erste Preis: ein Plattenvertrag. Kurz darauf unterschreibt Mario seinen ersten großen Musikdeal bei Bitstream Music, einem Sublabel von Universal Music.
Kreativ, jung, unaufhaltsam und nahbar verfolgt Mario fortan seinen Weg als Musiker. Im Song zu “Friends On The Internet”, der am 23.11.2017 veröffentlicht wurde, greift Mario Novembre das Thema des Songs auf und teilt sein Leben via Social Media mit Freunden. Seine aktuelle Single „Goin Up“ ist der nächste Vorbote für sein Debütalbum „Stay“, das im März dieses Jahres erscheint. Gleichzeitig ist „Goin Up“ der Titelsong zum Film „Hilfe, ich habe meine Eltern geschrumpft“, der am 18.01.2018 erscheint.
Genre: Singer Songwriter
Wolfgang Müller, das war der edle Selbstgebrannte, den der Plattenhändler unterm Tresen hervorgeholt hat, wenn der Kunde soweit war – die Sinne geschärft, die Geschmacksnerven voll entwickelt und bereit für das Große im Kleinen, das Komplexe im Feinen, für die besonderen Lieder und Geschichten. Ein Geheimtipp. Eine Weile war Herr Müller weg, jetzt ist er wieder da mit seinem sechsten Album „Die sicherste Art zu reisen“, das die Plattenhändler wohl kistenweise in ihre Läden schieben werden. Müllers Musik ist immer noch ein edler Selbstgebrannter, aber der geht leichter rein, ein bisschen wie Brause mit Schuss, die auf sehr vielen Ebenen sehr lange nachwirkt.
Auf „Die sicherste Art zu reisen“ bricht alles auf, die Musik, die Texte, der Gesang – alles reist zu neuen Ufern. Wolfgang Müller wirkt wie wachgeküsst. Was ist passiert? Dazu später mehr. Zuerst: die Musik. Vom Korsett des Liedermachers befreit, holt er sich die Welt ins Haus. Klaviere, Streicher, Querflöten, Saxophone, Orgeln, Chöre, und die Gitarre wird nicht mehr gezupft sondern sanft geschlagen. Das alles ist derart elegant abgefedert, schwingt und rollt und will immer weiter, dass man sich fühlt wie auf einem Schoner unter vollen Segeln, auf weiten Wellen Richtung Sonne gleitend. Die Stimmung ist hier überhaupt grundsätzlich sonnig, und die von einem, der sich den ganzen Quatsch (also die Welt und was wir daraus machen) schon eine Weile angesehen hat. Wo sich die einen in Hysterie und Empörung verlieren und andere in Resignation und Dunkelheit, findet Müller den goldenen Mittelweg – „Die sicherste Art zu reisen“. Der Titelsong, einer von mindestens drei potenziellen Hits, bringt es auf den Punkt:
„Ich stecke Blumen in mein Haar und fütter’ keinen Troll / bleibe höflich und bestimmt, wenn ich sage was ich will / ich schalte auf naiv, ein freundlicher Idiot / der alles was ihm wichtig ist, ständig wiederholt /
wie ein Schwarzer-Block-Schlager“
Den Schwarzen Block und Schlager hat noch niemand zusammengedacht, aber genau zwischen diesen Extremen, „in einem Meer aus Hass / wo sich die Wellen verbeißen / und immer wütend sind“, findet Müller den Weg zum Weiter. Er sagt: „Ich suche nach einer Formel, wie man in diesen hasserfüllten Zeiten positiv und glücklich bleiben kann und trotzdem engagiert und wach ist, sich also nicht eskapistisch in eine pseudoheile Welt zurückzieht. Die ideale Mischung wäre also ein ‚Schwarzer-Block-Schlager‘, zielgerichtete, engagierte Aktion, aber eben nicht mit Hass sondern mit Liebe, nicht mit Gewalt sondern mit nervtötender Beharrlichkeit.“
„Die sicherste Art zu reisen“ ist jetzt aber auch kein Agitprop. Es geht, wie in jeder guten Literatur, um alles – das Leben („Fliegen“), das Schreiben („Der blonde Hans“), das Sterben („Herzen“), die Liebe (immer). Und da ist viel Platz zwischen den Worten für eigene Gedanken. Auch hier hat Wolfgang Müller die goldene Mitte gefunden zwischen Ansage und Abstraktion. Seinen Texten wohnt zudem eine aufrichtige Wärme und Herzlichkeit inne. Sie glühen golden wie das Cover und spenden Trost, ohne den Hörer zu belügen, weil sie ihn erkennen, bei ihm sind, die Freude teilen und den Schmerz, und ihm (oder ihr) die Hand reichen. „In meinen Träumen muss ich immer jemand retten / in meinen Träumen bin ich immer fast zu spät / in meinen Träumen renn ich und versuch die Arme auszustrecken / um aufzufangen, wer auch immer fällt.“ („In meinen Träumen“) Ein Album wie ein guter Freund, der mit eben jenem edlen Selbstgebrannten vorbei kommt, wenn man mal wieder die Segel eingerollt hat, weil man nicht mehr weiter weiß und will und kann.
Manchmal muss man auch erst aufgeben, um aufbrechen zu können. Nach seinem fünften, 2015 erschienen Album „Auf der Welt“, der anschließenden Tour und einer von ihm mitorganisierten und auf Oetinger Audio veröffentlichten Platte mit Kinderliedern („Unter meinem Bett“), war Wolfgang Müller alle, fertig, durch mit der Musik, hatte alles gesagt und sein künstlerisches Konzept ausgereizt. Seine Gitarre hat er daraufhin ein halbes Jahr nicht mehr angefasst und stattdessen Segeln gelernt und sich viel auf dem Wasser rumgetrieben. Dann kam sein Freund der Gitarrist und Produzent Dinesh Ketelsen vorbei und wollte mal wieder ein bisschen E-Gitarre spielen. So ging’s los. Neue Stücke entstanden, Müller lud weitere Musiker ein, neue und alte Bekannte, und wie so oft fiel alles auf ganz wundersame Weise zusammen. Nach fünf Tagen im Studio war dieses Album fertig, mit dem Müller sich und seine Musik quasi neu erfunden hat. Vergleichbares findet man eigentlich nur bei Gisbert zu Knyphausen und Niels Frevert – zusammen mit Wolfgang Müller sind sie die heiligen drei Könige der feinen Liedkunst in deutscher Sprache.
Was gibt’s sonst noch zu sagen über „Die sicherste Art zu reisen“? Man wird nicht besoffen davon aber angenehm beschwingt. „Americana“ und „Brachland“ sind die ersten beiden Singles. „Vormann Leiss“ ist ein Cover der famosen Irgendwie-Punk-Band Turbostaat, das inhaltlich hervorragend zu den anderen neun Stücken passt, „denn es geht darum, dass man sich selber retten kann, dass man auch, wenn man innerlich gestrandet ist, die Möglichkeit hat, sich einfach neu zu erfinden. Dass da immer Hoffnung ist.“ Gute Reise. (Tino Hanekamp)
Wolfgang Müller – Gesang & Gitarre
Dinesh Ketelsen – E-Gitarre
Gerd Bauder – Bass
Max Schröder – Schlagzeug
Felix Meyerle – Klavier & Orgel
Mat Clasen – Querflöte & Saxophon
Genre: Indie | Folk
,Hundred Acres“ ist das dritte Soloalbum von S. Carey und der Nachfolger des, unter anderem von der New York Times, Pitchfork oder Under The Radar, hochgelobten Albums ‚Range Of Light‘ (2014). ,Hundred Acres‘ zeigt Carey als reifen und selbstbewussten Songwriter, der die bislang besten Songs seiner Karriere für dieses Album geschrieben hat. In seinem Kern ist das Album eine poetische Abhandlung über die wirklich wichtigen Dinge im Leben. Carey benutzte für ,Hundred Acres‘ eine kleinere, fokussiertere Skala von Instrumenten, die er um die Grundausstattung bestehend aus Gitarre, Synthies, Pedal Steel, Streicher und Percussion, gruppierte, immer begleitet von seiner sanften Stimme – diese jedoch ausgeprägter als jemals zuvor. ,Hundred Acres‘ wurde von Carey, in Zusammenarbeit mit den Co-Produzenten Zach Hanson und Chris Messina, produziert. Das Album wurde zu großen Teilen in der April Base in Fall Creek, Wisconsin, aufgenommen. Mit Backing Vocals von Gordi auf drei Songs, sowie einer Kollaboration mit Casey Foubert (Sufjan Stevens) und Streicher-Arrangements von Rob Moose (yMusic).
„S. Carey, der stille Bandleader Bon Ivers, hat mit „Hundred Acres“ eine herzerwärmende Liedersammlung geschnürt, die als Statement für die Ästhetik des Einfachen verstanden werden darf, zugleich aber auch durch eine kristallklare Produktion überzeugt.“ (Intro)
Genre: Singer-Songwriter
Eine Akustik-Gitarre, eine betörende Stimme, mal rauchig, mal sanft, leichtblütig und voller Leben – FEE.
Nonchalant und direkt erzählt die junge Singer-Songschreiberin Fee Mietz in ihren Liedern von der Suche nach dem richtigen Platz im Leben, nach Haltungen zur Welt, von Liebe, Verlust und Selbstbehauptung. Es sind flirrende, tiefe und schöne Lieder. Wenn sie die Bühne betritt, dann beginnt alles zu leuchten. Fee weiß andere mitzureißen, egal wohin. Und wenn sie am Ende einer diesen vielen langen, allzulangen Nächte dazu auffordert, das Leben einfach zu umarmen, auch wenn es manchmal aus der Spur springt, dann will man ihr jedes Wort glauben. Fees Lieder funktionieren wie Mantras: Wenn man sie im Kopf hat, wird das Leben ein bisschen leichter. Sie sind authentisch, ohne pathetisch zu sein; verwundert vielleicht über das Leben und seine versteckten Messer, aber immer zeugen sie von einer inneren Stärke; sie sind voller Lebenslust und Kraft, wild und frei.
Ihr Debütalbum EIN ZIMMER KÜCHE BAD, erschienen im März 2018, ist eine Ode an das Leben, wie es ist, mal laut, mal leise, getragen von einer beflügelnden Haltung zur Welt und Melodien, die sofort bleiben und das Potential haben, Licht in dunkle Tage zu bringen. Mit ihrem Debütalbum und Band im Gepäck geht FEE. im September 2018 auf Tour.
Genre: Folk, Indie, Pop
Liza Anne veröffentlichte ihr Debütalbum „Fine But Dying“ ( VÖ: 09.03.18 | Arts&Crats) gerade erst im Frühjahr. Das Album ist eine furchtlose Auseinandersetzung mit der eigenen Psyche und den Dämonen, die darin leben.
Es folgt ihrem 2015 selbstveröffentlichten Durchbruchs-Album „Two“, das bis dato weit über 20 Millionen Mal gestreamt wurde. Auf dem Album verbinden sich grobe, verzerrte Gitarren-Licks mit unvergesslichen Pop-Melodien; es klingt in Momenten, als habe sie das sonische Spektrum von Acts wie Angel Olson oder Courtney Barnett mit den lyrischen Bekenntnissen von Liz Phair und St. Vincent kombiniert.
„Fine But Dying“ ist Liza Annes mit Abstand bekenntnisreichste Arbeit – das Porträt einer jungen Frau, die mit sich ins Reine zu kommen sucht, mit Verlust, psychischer Krankheit und dem Erwachsenwerden als solchem. Es ist ein Album der Dualismen, zwischen Verletzlichkeit und Härte, zwischen Zuschreibungen und der Entwicklung der eigenen Identität: „Growing up, people would always say I was too happy to be depressed, or too social to have anxiety,” sagt sie: “In their eyes, because I was one thing, I couldn’t also be something else. I think we all exist in duality, though. I can be everything and nothing all at once.” Es ist jene Dualität, die sie als Songschreiberin ausmacht. „This is my woman at her wildest self album”, führt sie weiter aus.
Im September kommt Liza Anne für drei Termine nach Deutschland!
Genre: Alternative Rock, Indie-Pop
Mit einem solchen Tempo und einem vergleichbaren Nachdruck ist wirklich schon lange kein Newcomer mehr in die Medien, Charts und Herzen ihrer internationalen Hörerschaft gekracht wie Bishop Briggs. Der aus Großbritannien stammenden, aber in Los Angeles lebenden Sängerin, Songwriterin und Pianistin gelang aus dem Stand das seltene Doppel aus je einem Spitzenplatz für Debüt-Single wie -album. Ihre erste offizielle Single, der überraschende Radio- und TV-Hit „River“, der 2016 Platz zwei der Global Viral Charts bei Spotify belegte, in gleich drei verschiedenen Billboard Charts einen Platz in den Top 10 einnahm und innerhalb weniger Wochen Goldstatus erreichte, geriet zu einem Einstand, der die 25-jährige Vollblutmusikerin selber am meisten überraschte. Nach ihren ersten zwei EPs und weiteren Single-Veröffentlichungen, von denen gleich vier ebenfalls einen Platz in den Top 30 der US-Rock-Charts fanden, erschien mit „Church of Scars“ nun am 20. April endlich das lang ersehnte Debütalbum von Bishop Briggs – und auch jenes nahm umgehend hohe Positionen in den Charts zahlreicher Länder ein, darunter erneut in den USA, Australien und der Schweiz. Um diese Erfolge zu feiern, kommt Bishop Briggs im Juni für einige Konzerte nach Europa. Zwei sehr unterschiedliche Shows gibt sie in Berlin: Am 11. Juni spielt sie ein intimes Akustik-Konzert, am 24. September kehrt sie mit Band nach Berlin zurück.
Schuld war nur das Karaoke – so könnte man etwas salopp die Initialzündung für die noch junge Sarah Grace McLaughlin – geboren in London, aber aufgewachsen in Japan und Hongkong – beschreiben. Damals war sie ihren eigenen Erzählungen zufolge gerade einmal vier Jahre alt. Doch in dem Moment, in dem sie die kleine Bühne erklomm und ihre Stimme erhob, fand sie, so sagt sie, ihre ultimative Bestimmung. Bis zu ihrem 18. Lebensjahr blieb sie in Südostasien, dann zog sie nach Los Angeles, um das renommierte Musician’s Institue am dortigen College zu besuchen und ihre Solokarriere voranzutreiben.
Dass sich die Jahre des Reifens, Suchens und Ausformulierens eines eigenen Sounds in der japanischen Fremde auszahlen sollten, zeigte sich alsbald: Bei einem ihrer ersten Bar-Konzerte wurde sie gleich von dem A&R-Manager einer Plattenfirma entdeckt und ins Studio eingeladen. Dabei entstand ihre erste Online-Single „Wild Horses“, die mit ihrer frech zwischen Elektronik, Alternative und Pop angesiedelten Klangästhetik fast über Nacht zu einem viralen Hit der Social-Media-Welt aufstieg.Einige Monate später – und als zweiter Song von ihr überhaupt – folgte dann der Überhit „River“, der Rest ist Geschichte: Coldplay luden sie als Support auf einige US-Konzerte ein, Jimmy Fallon demonstrierte seine Trend-Spürnase für kommende Stars und lud sie in seine legendäre „Tonight Show“ ein, sie erhielt eine Einladung als Very Special Guest auf das Coachella-Festival und steuerte einen Song zum Soundtrack des Action-Spektakels „xXx: Return of Xander Cage“ bei. Dass sich die Veröffentlichung ihres ersten Albums bei all dieser Hysterie ein wenig verzögerte, ist dabei nur verständlich; umso beeindruckender, wie gelassen und selbstbewusst es Bishop Briggs gelang, äußere und eigene Erwartungen daran zu ignorieren und ganz auf das zu vertrauen, was ihre Intuition und ihre Gedanken ihr eingeben, sobald sie am Piano sitzt und ihrer Kreativität folgt.
Genre: Indie | Singer Songwriter
Mouyé ist eine Band im Aufbruch, eine Band auf Reisen. Kaum angekommen treibt Sie das Fernweh wieder auf die Straße.
2011 von Timo Lehne unter dem damaligen Namen You&Me gegründet und kurze Zeit später durch den Geiger Julius Kopp ergänzt bilden die beiden Musiker ein Duo, das sich schnell regional einen Namen machen kann. 2014 ergänzt der Gitarrist Jonas Wirth die Band. Auf einem gemeinsamen Roadtrip zu einem Festival in Spanien und gemeinsamen Sessions am Lagerfeuer am Strand entsteht die Idee aus dem Duo eine Band werden zu lassen. 2015 komplettiert der Schlagzeuger David Kosel, der zu der Zeit am Staatstheater Braunschweig ein Festengagement als Schauspieler hat und mit Timo Lehne einen Liederabend über mehrere Spielzeiten erfolgreich aufführt, die Gruppe.
Die nun komplette Band kann schnell überregionale Erfolge feiern. Beim Emergenza Bandcontest gewinnt die Band auf Bundesebene den zweiten Platz und verschafft sich so mehr und mehr das Gehör der Branche. Im Jahr 2017 folgen etliche Festivalauftritte auf dem Feel Festival, dem Artlake Festival und dem Rocken am Brocken Festival um nur einige zu nennen. In Zusammenarbeit mit Sofa Concerts, der Deutschen Bahn und Geheimtipp Hamburg landen die vier Musiker außerdem Ende 2017 einen viralen Hit, der 1,3 Millionen Mal geklickt wird.
Auf der EP „Steady Movement“ bereitet Mouyé den Zuhörer auf einen Sommer der Hochgefühle vor. Enthusiastischer Indie-Folk, der nie langweilig wird sondern den perfekten Soundtrack für einen Sommer voller Roadtrips, Festivals, Nächte am See oder im Zelt und zahlreiche neue Erfahrungen liefert.
Ihre Texte handeln von der spannenden Suche nach Freiheit, Freundschaft und Liebe. Den Weltschmerz im Hinterkopf nehmen euch die vier Musiker mit auf die Reise. Nie kapitulierend, nie resignierend trägt euch dieser atmosphärische Indie-Pop durch Täler, über Berge und Seen bis raus auf die endlosen Weiten der Meere.
Genre: Ambient, Avantgarde, Jazz
Hätte er nicht die Musik schon sehr früh für sich entdeckt, sagt der Sänger, Multiinstrumentalist und Musikproduzent Jamie Isaac, wäre er todsicher ein Filmemacher und Drehbuchautor geworden. Von dieser großen zweiten Leidenschaft erzählt nun auch seine kaum zu kategorisierende Musik, die schwerelos zwischen Folk, Jazz, Ambient, Avantgarde und Alternative schwebt und in ihren facettenreichen Arrangements geradezu klingt wie ein per Musik erzählter Spielfilm. In seiner britischen Heimat gilt der 24-jährige Londoner schon seit einigen Jahren als der neue Geheimtipp für Musikhörer, die nach dem Besonderen suchen. Seine beiden bislang veröffentlichten EPs „I Will be Cold Soon“ (2013) und „Blue Break“ (2014) sowie das 2016 erschienene Debütalbum „Couch Baby“ wurden in Großbritabnnien selbst von Mainstream-Medien wie The Guardian oder Pitchfork in den höchsten Tönen gelobt und als etwas Einzigartiges dargestellt. Nun erscheint am 1. Juni mit „4:30 Idler“ sein zweites Album, das Jamie Isaac am 28. September im Rahmen eines exklusiven Deutschland-Konzertes in Berlin erstmals live vorstellen wird.
Eigentlich war sich der in London aufgewachsene Jamie Isaac sicher, dass ihn sein Lebensweg zum Film führen wird. Allerdings kam ihm seine kraftvolle, glockenhelle Stimme dazwischen, die dazu führte, dass er bereits als kleiner Junge nicht nur Mitglied des international renommierten Knabenchors Liberia wurde, sondern nach nur kurzer Zeit dessen Solist, der auch auf vielen Plattenveröffentlichungen des Chors zum Coverhelden avancierte. Derart exponiert, wurde Jamie Isaac förmlich dazu genötigt, zu erkennen, welch stimmliches und musikalisches Potenzial in ihm schlummert.
In seinen späten Teenagerjahren begann er daher, eigene Songs zu kreieren. Vom ersten Ton an konnte man dabei allerdings seine tiefe Verbundenheit mit dem Filmgenre hören, wirken seine Stücke doch nicht vordergründig wie Songs, sondern wie Soundtracks zu imaginären Filmen. Beeinflusst ebenso von Jazz-Pianisten wie Dave Brubeck, Bill Evans und Teddy Wilson wie von Frederic Chopin oder den hymnischen Melodien der Beach Boys, kannten seine Songs von Anbeginn kaum Grenzen. Im weitesten Sinne Folk und Singer-/Songwriter-Musik, hört man in seinen wunderbar sparsam instrumentierten Stücken auch Einflüsse aus Alternative, Ambient, Jazz und avantgardistischen Klangexkursionen. Alles jedoch nie als Selbstzweck, sondern stets im Dienste des jeweiligen Songs; nur dass diese Songs eben klingen sollen wie nichts Vergleichbares.
Seine erste EP „I Will Be Cold Soon“ erschien 2016, da war Isaac gerade volljährig geworden. Neun Monate später folgte mit „Blue Break“ die zweite EP, der sich das Mixtape „Loose Grip“ anschloss. Darauf konnte man erstmals vernehmen, wie erstaunlich gut sich die bezugsoffenen Songs von Jamie Isaac zu tanzbareren oder druckvolleren Tracks remixen lassen. Dabei zu Hilfe kam ihm ein anderer in den letzten Jahren gefeierter UK-Musiker, King Krule, mit dem Jamie Isaac zufällig gemeinsam die Schulbank gedrückt hatte und der ihn mit Musikern unterschiedlichster Genres zusammenbrachte, die sich seiner Musik aus einer neuen Perspektive nochmals annahmen.
Fast folgerichtig erschien auch zu seinem ersten Longplayer „Couch Baby“, im Juli 2016 veröffentlicht, das Remix-Album „Couch Baby (Revisited)“, auf dem sich neben King Krule Künstler wie Wiki, Denzel Curry und Rejjie Snow noch einmal seinen Songs annahmen. All diese auch für Isaac selber spannenden Erfahrungen schlagen sich nun auch nieder in seinem am 1. Juni erscheinenden zweiten Album „4:30 Idler“, über dessen vorab veröffentlichte Songs der Guardian urteilte, es sei Musik, die „in jeder Sekunde Raum und Atmosphäre über das theatralische Getue von Produktionsfragen stellt“.
Genre: Indie / Rock / Pop
Finnlands größte und erfolgreichste Indie-Band beendet nach zehn Jahren ihre Karriere: Satellite Stories veröffentlichen im September ihr fünftes und letztes Studioalbum, gehen auf Tour und lösen sich danach auf. 2008 haben sich Esa Mankinen (Gesang, Gitarre) Marko Heikkinen (Gitarre) Jyri Pesonen (Bass) Olli Pekka Ervasti (Schlagzeug) in Oulu zusammengetan und mit „Phrases to Break the Ice“, „Pine Trails“, „Vagabonds“ und zuletzt „Young Detectives“ vier großartige Platten voller großartigem Indie-Pop produziert.
Zig Millionen Streams weltweit und Hunderte von Live-Shows später beenden die Vier nun diese Erfolgsgeschichte und begründen das so: „Zehn Jahre, fünf Alben, unzählige Erinnerungen, wunderbare Menschen, die wir auf unserem Weg kennen lernen durften, lange Tage und Nächte und fantastische Erlebnisse liegen hinter uns. Aber jetzt kommt die Zeit, das Schlusskapitel der Satellite Stories zu schreiben. In der Band ist alles großartig, wir fühlen uns einander näher als je zuvor. Aber die Strapazen, die einem die Musikindustrie abverlangt, fordern ihren Tribut, körperlich wie geistig. Darum wollen wir jetzt mit einem Knall Schluss machen, solange wir das noch können. Wir starten das Finale jetzt mit der Single „Coupons“, dann folgen ein paar weitere Stücke und im Herbst dann unser letztes Album. Es war uns eine große Freude, daran zu arbeiten. Wir haben jede Minute davon genossen und haben die Musik geschrieben und produziert, die wir schon immer machen wollten. Für vier ganz normalen Jungs aus dem kalten Norden Finnlands war der Erfolg überwältigend, und überwältigend wart auch Ihr, unsere Fans. Wir möchten uns an dieser Stelle ganz ausdrücklich bei Euch bedanken und hoffen, dass wir Euch alle bei unserer Greatest- Hits-Abschlusstournee sehen werden. Dann wollen wir uns noch einmal ganz persönlich bei Euch bedanken, und wir feiern gemeinsam eine letzte, große Party. Esa, Jyri, Marko und Olli-Pekka“
Eine große, gut gelaunte, freundliche und wunderbare Band macht Schluss, ohne Bitterkeit und voller Dankbarkeit und Liebe. Grund genug, zusammen mit den Satellite Stories ein letztes Mal ein Fest zu feiern, wenn sie im Oktober auch nach Berlin kommen.
Genre: Electro Pop
Rod Thomas, aka Bright Light Bright Light, hat die letzten Jahre damit verbracht sich einen Ruf als hart arbeitender Popmusiker aufzubauen, mit dem man aber auch jede Menge Spaß haben kann. Sein farbenfrohes, mit feinsten Gastmusikern gespicktes letztes Album ‚Choreography‘ hat Fans und Kritiker gleichermaßen überzeugt und begeistert, genauso wie das dazugehörige, knallbunte Artwork. 2016 und 2017 war er mit dem Album auf großer Tour.
Einige seiner größten Vorbilder haben ihn zudem persönlich ausgewählt, zusammen mit ihnen auf Tour zu gehen und ihre Shows zu eröffnen, dazu gehört niemand geringeres als Elton John, mit ihm spielte er sage und schreibe 54 Konzerte (!), sowie die Scissor Sisters, John Grant und Ellie Goulding. Von Januar bis März dieses Jahres war er dann mit Erasure zusammen in Großbritannien und Europa auf Tour!
Und gerade frisch von dieser ausverkauften Tour kommend freut sich Rod, nun auch wieder eine eigene Tournee bekannt geben zu können: Diesen Herbst wird er in Großbritannien, Deutschland, Frankreich und Holland auf Tour kommen. Eine EP mit neuem Material wird rechtzeitig vor der Tournee veröffentlicht werden und die Reihe seiner bisherigen drei Alben erweitern.
Genre: Pop
„Großartige Musik dreht sich immer um eine gute Melodie und eine schöne Stimme“, sagt Samuel Hope, er fügt schnell einen entscheidenden Vorbehalt hinzu: „… auch wenn diese ‚Stimme‘ ein Instrument ist, wie Louis Armstrongs Trompete.“
Die Debüt-Single „Carried Away“ hat ihr eigenes Gefühl für Stimme und strahlt sowohl Leidenschaft als auch Frustration in ein paar wenigen Minuten voller Verwundbarkeit aus.
Im Sommer 2018 erscheint Samuel Hopes Debüt-Album „Other Man“ (Filter Music Group). Für die Aufnahmen dazu kam der aus New York City stammende Multiinstrumentalist mit Pete Davis (New Order, Björk, Dido), Sally Herbert (Muse, Robbie Williams) und dem Produzenten Mike Hedges zusammen.
Im Oktober 2018 kommt Samuel Hope mit seinem ersten Album auch nach Deutschland
Genre: Singer-Songwriter
Marc Broussard ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, dessen musikalischer Stil auch als “Bayou Soul“ beschrieben wird, da er Elemente aus Rock, Blues, R&B und Soul miteinander vereint. Einen wesentlichen Einfluss haben auch seine “Southern Roots“, denn Broussard wuchs als Sohn eines Gitarristen in Louisana auf. Seit er 18 ist, lebt der mittlerweile 36-Jährige von der Musik und spielt bis zu 150 Konzerte pro Jahr. Er tourte mit Musiklegenden wie Dave Matthews Band, Zac Brown oder Bonnie Raitt und performte in US-Talkshows wie “Tonight Show with Jay Leno“, “Late Night with Conan O`Brien“ oder “Jimmy Kimmel Live“. Marc Broussard setzt sich außerdem für eine Vielzahl von Wohltätigkeitsprojekten ein, die er u.a. mit den Erlösen seiner Albumeinnahmen fördert. 2016 gründete er selbst eine Organisation namens “SOS Foundation“ und unterstützt seit 2017 mit seinem eigenen Label “Artist Tone Records“ junge lokale Musiker in Louisana. Das im September 2017 erschienene Album EASY TO LOVE wird MARC BROUSSARD bei seinen vier exklusiven Shows im Oktober in Deutschland vorstellen.
Genre: Alternative
MICHAEL KREBS & die Pommesgabeln des Teufels spielen krachend schöne Piano-Songs mit Texten auf die Zwölf. Der Exilschwabe mit der Aversion gegen den Flüsterfuchs feiert mit seiner Band bei Liveshows den kalkulierten Kontrollverlust. „Jedes Mal nehme ich mir vor, einfach Musik zu machen und die Ansagen wegzulassen“, sagt MICHAEL KREBS, „doch das klappt nie. Ich quatsche einfach zu gerne.“ Und im Grunde ist es auch egal ob er quatscht oder singt, beides macht verdammt viel Spaß.
Zusammen mit den Pommesgabeln des Teufels fegt der Songwriter mit dermaßen viel Verve und Partylaune durch seine Songs, dass man sich dem nicht entziehen kann. „Speed-Entschleunigung für die to-go-Gesellschaft“ sagt Krebs dazu. Das gilt für die Songs seines aktuellen Albums „An mir liegt’s nicht“ genauso wie für Krebs-Klassiker wie „Das Mädchen von der Jungen Union“, „Leude“ oder „Grundschullehrerin“.
In seinen Songs bringt KREBS die Dinge auf den Punkt. Mit viel Rock’n’Roll und political incorrectness. Sogar anstrengende Themen wie Selbstvermessung, Fremdenfeindlichkeit und Bio-Flugmangos. Und weil er dazwischen für sein Leben gern improvisiert, hat jeder Abend einen ganz eigenen Höhepunkt. Das Trio aus Berlin klingt so vielfältig und unberechenbar, als hätten sich Jamie Cullum, Die Ärzte und Marc-Uwe Kling zeitgleich ins Studio verirrt.
„Die Pommesgabeln des Teufels“ sind zwei knuffige Thrash-Metal-Musiker, die der Pianist und Sänger Michael Krebs beim Metal-Festival in Wacken aufgegabelt hat. Am Schlagzeug Onkel alias der „Oheim des Todes“ (Alligatoah, Ohrbooten), und am Bass „Boris the Beast“.
Genre: Indie
The Magic Gang vermischen die Widescreen-Popsymphonien der Beach Boys mit Weezers Hang zum Verschmelzen verzerrter Gitarren mit schrillen Pop-Hooks. Jack Kaye (Gesang/Gitarre), Kristian Smith (Gesang/Gitarre), Angus Taylor (Bass) und Paeris Giles (Schlagzeug) aus dem britischen Brighton waren bei den NME Awards als Best New Artist nominiert und spielten letzten Oktober die Europa-Tour von Wolf Alice als Support.
Im März veröffentlichte „eine der aufregendsten neuen Bands des Planeten“ (Dork) ihr „mit unfassbar smartem Art-Rock und astreinen Pop-Hooks“ (Clash) versehenes selbstbetiteltes Debütalbum, produziert von Jolyon Thomas, der auch schon für die Alben von Royal Blood und Slaves verantwortlich war. Die Platte ist voller zeitgenössischer, aber ebenso klassischer Hymnen, geprägt von ansteckenden Hooks, freudigen Melodien und liebestollen Lyrics. Zwölf Tracks umfasst das Debütalbum, die in ihrer Gesamtheit das beeindruckende Klangspektrum von The Magic Gang präsentieren.
Bereits im vergangenen Winter überzeugten The Magic Gang live beim „Mucke bei die Fische“-Festival und waren mit The Wombats auf Tour. Im Herbst kommt das Quartett erstmals auf Headliner-Tour nach Deutschland.
Genre: Pop, Singer-Songwriter
„Eine höchst bodenständige Australierin mit der Stimme eines Engels“ – so urteilte das stets höchst trend- und stilsichere i-D Magazine in einer seiner letzten Ausgaben über Cloves. Die unter diesem Pseudonym agierende Sängerin und Songwriterin Kaity Dunstan, mittlerweile 22 Jahre alt, schreibt bereits seit 11 Jahren eigene Songs. Nach ihrer Teilnahme an der zweiten Staffel von ‚The Voice Australia‘ begann sie, peu à peu eigene Songs online zu präsentieren. Mit stetig wachsendem Erfolg: Sowohl ihre Singles „Frail Love“, „Don’t Forget About Me“, „Better Now“ und „California Numb“ als auch ihre bislang einzige EP „XIII“ weisen rasend steigende Klickzahlen auf allen Online-Musikdiensten auf. In diesem Jahr wird nun ihr Debütalbum erscheinen, im Anschluss geht Cloves erstmals auf Welttournee, die sie zwischen dem 15. und 16. Oktober auch für zwei Konzerte in Berlin und Köln nach Deutschland führen wird.
Kaity Dunstan aka Cloves erinnert sich eher mit Schrecken an ihre ersten Live-Auftritte. Damals war sie 13 Jahre alt und trat zusammen mit ihrer älteren Schwester in Pubs in und um Melbourne auf. „Ich war damals noch echt schlecht“, sagt sie lachend. „Und oft mussten wir die Konzerte in der Mitte abbrechen, nachdem der Pub-Betreiber mein Alter erfahren hatte. Ich hätte damals ja nicht einmal Zutritt zu diesen Pubs haben dürfen!“ Und doch seien all diese kleinen Gigs eine gute Schule gewesen – vor allem dafür, wie sie sagt, „meinen eigenen Stil zu finden und mich nicht beirren zu lassen in dem, was ich für gut und richtig halte“.
Mit einem entsprechenden Selbstbewusstsein trat Kaity Dunstan dann auch bei der zweiten Staffel von ‚The Voice Australia‘ im Jahr 2013 an. Damals war sie 17 und wollte sich von den Coaches nichts erzählen lassen – erst recht nicht, nachdem ihre Interpretation von Melanies Song „Brand New Key“ bis auf Platz 40 der australischen Singlecharts schoss. Ihre Anti-Haltung führte im weiteren Verlauf zwar dazu, dass sie nicht ins Finale von ‚The Voice‘ kam; der Boden für eine Musikkarriere war indes bereitet.
Erst zwei Jahre später erschien mit „Frail Love“ ihr erster eigener Song, der sofort auf viel Beachtung stieß. Seither hat Cloves in unregelmäßigen Abständen weitere Lieder veröffentlicht, viele davon wurden lizenziert für TV-Spots oder als Soundtrack für TV-Serien. Sie trat 2016 bei Coachella sowie beim Lollapalooza Festival auf und veröffentlichte parallel ihre erste EP „XIII“. Derzeit arbeitet sie nun mit dem Produzententeam Justin Parker (Lana del Rey, Rihanna) und Rich Cooper (Tom Odell, Mumford & Sons) an ihrem Debütalbum, das eine feine Mischung aus akustischem Songwritertum und verspielter Elektronik bieten wird.
Genre: Pop
Kiddo Kat (27) ist wie eine Sonnenbank für die Seele – ein musikalischer Ausflug in die Sonne, weit weg von dem Melancholie-Einheitsbrei. Die Wahlhamburgerin aus dem Schoße der Hauptstadt schießt mit ansteckender Lebensfreude und Beat-betonter urbaner Popmusik wie mit Leuchtraketen um sich und beweist allen Schwarzmalern, dass englischsprachige Musik aus Deutschland den internationalen Vergleich nicht scheuen muss. Genau dies wird Kiddo Kat mit ihrer unbändigen Energie in sieben deutschen Städten zu Beweis stellen und sieben Abende in bunte Farbe tauchen. Wenn das nergiebündel mit den ellenlangen blonden Haaren live Ihre Flying-V Gitarre um den Hals hängt und mit einer lässigen Selbstverständlichkeit spielt, als hätte sie nie etwas anderes gemacht, wickelt sie Ihr Publikum um den Finger wie Kaugummi. Auf der anstehenden Tour präsentiert Kiddo Kat ihr neues Album. Im April 2016 landet Kiddo Kat über Nacht einen viralen Megahit im Internet, als sie mit einer Kollegin (Heidi Joubert) in eine Frankfurter S-Bahn steigt und mit nichts als einer Gitarre und einer Cajon innerhalb weniger Minuten den Wagon in ein Party-Abteil verwandelt. Das Video Ihrer Kiss-Cover-Version bei der spontan ein Fahrgast rappend in die Performance einsteigt wurde weltweit mittlerweile über 100 Millionen Mal angeklickt. Daraufhin kann sie sich vor Presse-Anfragen kaum noch retten, gibt Interviews für zahlreiche deutsche Radiostationen und Zeitungen, sitzt bei Markus Lanz in der Sendung und landet auf der Titelseite des Hamburger Abendblattes. Die Erfolgs-Welle trägt sie nur einen Monat darauf in Zusammenarbeit mit der Konzertdirektion Karsten Jahnke auf ihrer ersten Headliner-Tour durch Deutschland und wenig später zu diversen Support Shows für u.a. Jamie Lidell und Lucky Chops. Um all die Eindrücke und Erfahrungen aus dieser intensiven Zeit zu verarbeiten, zieht sich die junge Musikerin 2017 ins Studio in Ihrer Heimatstadt Berlin zurück, wo sie in enger Zusammenarbeit mit dem Produzenten Patrik Majer (Echogewinner und u.a. Wir Sind Helden/Rosenstolz) ihr Debüt-Album aufnimmt.
Das neue Album „Piece Of Cake“ erscheint am 13.07.2018 und scheint einem Stück Kuchen gleich: Danach geht es einem besser. Nur eben ohne Hüftgold. – Mit einer charmant dreckigen Power-Stimme verbindet sie international anmutende Pop-Hooks mit rotzigem Sprechgesang, den sie in akzentfreiem Englisch performt. Wer in Ihre Lyrics eintaucht, trifft auf eine selbstbewusste Frau mit viel Selbstironie.
Genre: Indie, Alternative Pop
Mit dem aus Dallas stammenden und in Nashville lebenden Sänger und Multiinstrumentalisten Conner Youngblood erhält das Singer-Songwriter-Genre eine neue, fulminant instrumentierte Färbung. Von Folk-Größen wie Bob Dylan und Elliott Smith ebenso beeinflusst wie durch die Gorillaz, findet in Youngbloods Sound die Simplizität des Akustischen auf eine höchst spielerische Weise zusammen mit elektronischen Versatzstücken und einer signifikant eigenen Instrumentierung. Zu hören ist dies auf bislang drei digital erschienenen EPs, von denen die besten Songs als Vinylplatte über das Ninja Tune-Tochterlabel Counter Records unter dem Titel „Generation of Lift“ veröffentlicht wurden. Zuletzt konnte man ihn im Vorprogramm auf der Europa-Tour von Aurora erleben, zwischen dem 9. und 17. Oktober kommt Conner Youngblood für zwei Konzerte in Hamburg und Berlin nach Deutschland.
Schon auf der Highschool war Musik für Conner Youngblood ein existenzielles Mittel zum persönlichen Ausdruck. Das Persönliche war dabei so wichtig, dass er sich allen Vorgaben widersetzte. Als er etwa vom Musiklehrer seiner Schule verboten bekam, neben der Klarinette auch noch Oboe zu lernen, wandte er sich daraufhin ausschließlich Instrumenten zu, die auf seiner Schule gar keine Berücksichtigung fanden, wie etwa Harfe, Charango, Cuatro oder eine sechssaitige Ukulele. Auch durch diese herrliche Antihaltung fächerte sich sein eigener Sound immer weiter auf in instrumentale Regionen, die sonst von kaum einem anderen Musiker belebt werden.
Nach der Schule studierte er zunächst Amerikanistik in Yale, bevor er sich wieder verstärkt seiner Musik zuwandte. Jene wird getrieben von diesem aufregenden Gegensatz, dass seine Kompositionen generell schlicht gehalten sind, während die Instrumentierung in die unterschiedlichsten Richtungen driftet und dabei mal elektronisch und dann wieder fast klassisch orchestral klingt. Ergänzt um eine warme Stimme, die man, einmal gehört, nicht mehr vergisst, fressen sich die Songs von Connor Youngblood förmlich in die Gehörgänge und setzen sich dort auf schönste Weise fest.
Alle paar Monate veröffentlicht er nun digital eine weitere EP mit atemberaubend schönen Songs. Ein offizielles Debütalbum ist zumindest vorerst nicht geplant: In Zeiten der digitalen Musikveröffentlichung sieht Conner Youngblood keine Notwendigkeit für eine solche Platte; stattdessen stellt er für jede Tour in bester DIY-Ästhetik ein spezielles Album mit seinen aktuellen Lieblingssongs zusammen und verkauft es auf seinen Konzerten. Neue Impulse für Musik und Leben findet er ebendort, auf Reisen: Stets sind es Orte, die ihn zu neuen Songs inspirieren.
Genre: Indie | Soul
We are celebrating our 21th birthday with a another allnighter! We invited two brilliant bands to join us on this special night of October, 20st 2018 at Privatclub in Berlin.
Stone Foundation (UK)
+ Candy Opera (UK)
+ Aftershow party with Ship Shape Club and Friends
Now, let us introduce to you the two bands that will entertain you on this very special night rounding up the 20th birthday of our fine little label, and eventually celebrating its 21st birthday!
Hailing from the poorer parts of Liverpool, Candy Opera, based around mastermind Paul Malone, will be kicking off the night. The band started in the early 1980’s, when good friend Michael Head (of Pale Fountains fame) lived just around the corner. With their musical background rooted in the 1960’s, and influenced by bands like Love and The Beach Boys, Candy Opera soon started to create their very own sound, which went way beyond classic Indie Pop. Their Sophisti-Pop can best be compared to the likes of Prefab Sprout and Aztec Camera. By augmenting their line-up and using instruments like clarinet, flute and violin, Candy Opera sounded way ahead of their time. This, unfortunately led to the band disbanding in the early 90’s, without ever releasing a record, though there was some interest from labels like EMI and Go! Discs. Finally, they are back again on stage, after having received raving reviews for the first LP „45 Revolutions Per Minute“, which was released on our very own label earlier this year. Candy Opera will be accompanied by a film team in Berlin doing a documentary on the „great lost band“. So, be prepared to watch the Liverpool band that could have been bigger than the Beatles!
Our second live band, Stone Foundation, founded by co-writers Neil Sheasby and Neil Jones in the late ’90s in London, is among the prime purveyors of British Soul today. Having been around for almost 20 years, Stone Foundation have built up a strong live following in the UK. With their distinctive horn-driven, soulful sound, with clear reminiscences of classic 60’s and Northern Soul, and yet with a very british flavour, their sound is not too dissimlar to the likes of Dexys and early Style Council. This combination of musical styles also aroused some attention by a certain Mr. Weller. In fact, Paul liked their music so much that he asked them if he could write, sing, play and produce an album with them. The resulting LP „Street Rituals“ reached no. 25 the UK album charts and no. 2 in the indie charts last year, and finally gave them the well-deserved success. With this experience, their craftmanship, and their notorious habit to make each and every live show a very unique event, Stone Foundation will surely be taking Berlin by storm! And who knows, maybe Paul Weller will be joining them on stage for a song or two…
After the show, the Ship Shape DJ-team and friends will make sure to keep you on your dancing feet. They will entertain you with their very own blend of everything you always wanted to know about good Pop Music but were afraid to ask.
Genre: Blues Rock
In der Tradition eines Rory Gallagher, Phil Lynott und Gary Moore, trägt nun Eamonn Mc Cormack die Fackel des Irish-Blues-Rock in die nächste Generation weiter. Sein neues Album „Like there´s no tomorrow“ wurde mit Gary Moore’s Bassist und Schlagzeuger eingespielt und wird auf dieser Tour ausgiebig vorgestellt. Gary selbst gefiel Eamonns Musik, Phil Lynott’s Mutter ist ein Fan. McCormack spielt High Energy Irish Blues Rock. Quer durch die Clubs und Festivals Europas hinterließ er in den letzten Jahren etliche faszinierte Zuschauer. Gleich zwei höchst arrivierte Alben wurden mit “Heal My Faith” und “Kindred Spirits” veröffentlicht, letzteres mit Featurings von Rory Gallagher, Jan Akkerman und Herman Brood.
Eamonn arbeitete, spielte und tourte mit Johnny Winter, Rory Gallagher, ZZ Top, Nils Lofgren, Pat Travers, Walter Trout, Popa Chubby und Brian Robertson (ex. Thin Lizzy) und neuerdings auch mit ex. Gary Moore Mitgliedern, mit denen er das Doppelalbum „Like There’s No Tomorrow“ eingespielt hat. Zu hören sind Jonathan Noyce am Bass und Darrin Mooney am Schlagzeug, beide werden viele als Gary Moore’s Power House Rhythmus Sektion in Erinnerung haben. Aber keine Sorge, Eamonn McCormack ist in keinster Weise ein Tribute Guitarist, sondern trägt seine ganz eigene, originelle, eingeborene Handschrift. Seine Passion für den Blues hat ihm den Respekt gerade der Legenden eingebracht, zu denen er aufstrebt.
Genre: Indie / Rock / Pop
Beinahe zufällig wurde die Berliner Gruppe SIND zur interessantesten neuen deutschen Rockband. Das in diesem April erscheinende Debütalbum „Irgendwas mit Liebe“ erzählt von gewaltigem Lebenshunger, der Suche nach Liebe und einer großen Freundschaft. Es ist Musik, die nicht nach links oder rechts guckt – und vielleicht gerade deshalb alles über das Hier und Jetzt sagt.
Hannes, Arne und Max – Nachnamen tun hier nichts zur Sache – waren zusammen auf einer Schule. Die Gitarristen Hannes und Max machen schon damals zusammen Musik, irgendwann kommt Sänger Arne dazu. Im sogenannten Berliner Kreativdorf Holzmarkt und dort im damaligen Club Kater Blau verbringen sie ihre Zeit, dort arbeiten, feiern und proben sie – und lernen den Schlag- zeuger Ludwig kennen. Der wiederum Mathias mitbringt. Mathias ist eigentlich Gitarrist, aber Gitarristen gibt es bei SIND ja schon, also spielt er Bass. Geprobt wird damals in der Clubtoilette des Kater Blau. Wer da zufällig mal sein sollte: Der Name SIND ist bis heute in den Boden geritzt.
Whitest Boy Alive, Phoenix, Techno, Zwölftonmusik, Foo Fighters, Die Toten Hosen, Blues, Klassik, Jazz, Hamburger Schule, Pink Floyd, Udo Lindenberg, Beatles, amerikanischer und Deutsch-Rap, R&B: All diese Bands und Stile spielten für die SIND- Musiker zu irgendeinem Zeitpunkt ihres Lebens eine wichtige Rolle. Eigentlich hätte das hier ein ziemliches Chaos werden müssen. Durch ihre große Freundschaft und die Tatsache, dass sie bis heute jede freie Minute miteinander verbringen, gelingt SIND nun allerdings jeden Tag aufs Neue die Quadratur des Kreises. Formell sind sie eine Rockband, aber aus dieser klassischsten aller Perspektiven gelingt SIND ein absolut frisch und aufregend klingendes Narrativ für das Hier und Jetzt. Es geht um die Liebe, das Leben in der Stadt, die täglichen Verwerfungen, die kleinen und die großen Kämpfe – und um die Frage, wie man das alles überhaupt aushalten soll. So haben SIND über anderthalb Jahre ihren Sound entwickelt und verfeinert, ehe sie dann am 16. Januar 2014 eher aus Versehen ihr erstes Konzert spielten.
Im Spätwinter 2018 sind SIND – die Wortspiele mit dem Namen lassen sich kaum vermeiden – irgendwie eine richtige Band geworden. Das Album ist fertig, es kommen: Release-Konzerte in Hamburg und Ber- lin, Sommerfestivals, eine Tour im Herbst. Nicht schlecht für eine Band, die doch eigentlich nur eins wollte: „Ich hatte immer diese Vision im Kopf, mit all unseren Freunden zu einem Festival zu fahren, wo alle umsonst trinken können, weil wir auf der Bühne stehen“, sagt Arne. Manchmal sind es die vermeintlich kleinen Ziele, die im Leben wirklich zählen.
Genre: Rap
Ursprünglich wollte der in Massachusetts geborene und in Vermont lebende Joe Mulherin Filmemacher werden, und die begeisterten Reaktionen auf seine ersten Kurzfilme – darunter ein Sonderpreis beim Filmfest in Cannes – ließen auch vermuten, dass er damit auf dem richtigen Weg ist. Doch ihm kam die Musik dazwischen – oder vielmehr die überragenden Rückmeldungen auf seine ersten veröffentlichten Tracks. Inzwischen hat sich Mulherin ganz für die Musik entschieden und veröffentlicht unter dem Pseudonym nothing,nowhere. fantastische, bemerkenswert eigenständige Musik zwischen Hip-Hop und Singer-Songwriter, ein Genre, das mit „Emo-Hip-Hop“ umschrieben wird. Nach einigen rein digitalen Veröffentlichungen auf seiner Bandcamp-Seite erschien im Oktober sein offizielles Albumdebüt „Reaper“, über das ein Rezensent der New York Times schrieb: „Eines der vielversprechendsten Popalben des Jahres“. Nun kommt Joe Mulherin zwischen dem 28. und 31. Oktober erstmals nach Deutschland, für zwei Konzerte in Köln und Berlin.
Joe Mulherin wuchs in Foxborough/Massachusetts auf und interessierte sich schon früh für zwei Dinge: das Gitarrespielen und die digitale Filmherstellung. Zunächst verfolgte er letzteres Interesse mit Nachdruck, belegte bereits in der Highschool das Studienfach ‚Computerbasiertes Design‘ und besuchte im Anschluss die Filmhochschule am Burlington College. Gleich seine ersten Kurzfilme erhielten viel Aufmerksamkeit und einige Auszeichnungen. Der berufliche Weg schien damit vorbestimmt, und dementsprechend wenig Aufmerksamkeit schenkte er zunächst seinen musikalischen Ambitionen.
Dennoch lud er unter dem mysteriösen Namen nothing,nowhere. ab 2015 erste selbst produzierte Tracks auf seinen Bandcamp- und SoundCloud-Seiten hoch – und wurde überrascht von dem Feedback, das ihn dort ereilte. Umso mehr, als er aus seiner Person ein Geheimnis machte und etwa auf Fotos stets sein Gesicht versteckte. Dennoch schrieben ihn zahllose Hip-Hop- und Pop-Produzenten an, die gern mit ihm zusammenarbeiten wollten. Und so entstanden innerhalb von zwei Jahren ein Album sowie zwei EPs mit wechselnden Kollaborateuren, die Mulherin dazu dienten, seine Fähigkeiten und seinen Horizont als Musiker erheblich zu erweitern.
Erste Tourneen an der Seite solch gegensätzlicher Formationen wie Tiny Moving Parts, Thrice und La Dispute belegten, dass sein Emo-Hip-Hop weit über alle Genregrenzen hinweg funktioniert und die Hörer nachhaltig beeindruckt. Und so entschied sich Mulherin dazu, das Filmemachen an den Nagel zu hängen und sich ganz der Musik zu widmen. Mit Erfolg: Seit sein offizielles Debütalbum „Reaper“ im vergangenen Oktober erschienen ist, spricht man in gut informierten Kreisen von einer neuen Sensation, die die bedächtige Emotionalität handgeschriebener Songs auf außergewöhnliche Weise mit der Coolness von postmodernem Hip-Hop vermählt.
