Genre: Singer-Songwriter, Country

In diesen Tagen, in denen Ausgrenzung und Abschottung zu regieren scheinen, ist ein Künstler wie Christian Kjellvander überlebensnotwendig für unser Seelenheil. Der schwedische Singer-Songwriter ist einer, der das Fremde umarmt und das zutiefst Menschliche auslotet. Bereits der Titel seines neunten Albums „WILD HXMANS“ zeigt: Etwas ist anders, irritierend. Christian Kjellvander macht uns ein X für ein U vor. Das ist gut, denn er macht uns nachdenklich, er sensibilisiert. Wir nutzen ein X, um unsere Stimme abzugeben. Aber auch, um einen Fehler grob unkenntlich zu machen. „Einfach durchstreichen und weg – wenn Leute versuchen, dieses Prinzip auf andere Menschen anzuwenden, haben wir ein Problem“, sagt Christian Kjellvander. Und so erzählt uns der 42-Jährige in sieben rauen wie soghaften Songs zwischen Folk, Blues, Americana und Free Jazz von Abschied und Aufbruch, von Flucht und dem Gefühl, neu in einer Welt zu sein. So erschafft er einen Sound, der ruhig atmet und pulsiert, um sich dann aus dieser Intimität in eine unglaubliche Dynamik hineinzufiebern, in etwas Dunkles, Sattes, Schwüles. Mitunter scheint seine Musik zu entschwinden, um kurz darauf flirrend und transparent zu strahlen.

Christian Kjellvander ist ein emphatischer Vagabund, ein daydreaming Desperado. In „Strangers In Northeim“ lässt er das Neue, Ungezähmte in eine perfekte Kleinstadt einbrechen. „Faux Guernica“ wiederum basiert auf einem Roadtrip mit seinem jüngsten Sohn ins Baskenland. Und „Curtain Maker“ ist inspiriert von einer Begegnung in Verona mit einer Frau aus Syrien: Es geht um die Stille, die unerträglich ist nach einer Trennung, nach dem Tod. Was für eine paradoxe Aufgabe für einen Musiker, dieses ewige Schweigen zu vertonen. Und was für ein Glück, wenn es gelingt. Getragen werden die facettenreiche Lieder von Christian Kjellvanders Wunderstimme, die mal an Leonard Cohen, mal an Neil Young, mal an David Sylvian erinnert und die doch ganz eigen ist. Sein Gesang geht so brüchig in den Schmerz hinein und so hell schimmernd in die Zuversicht,
dass all die im Alltag oft verschütteten Emotionen hochgespült werden. In „The Thing Is“ reist der Hörer zurück ins Texas der 90er Jahre. Der Tod seines Vaters und seines jüngsten Bruders prägen dieses intensive Stück: „We’re all born with a weight / We get lighter for every day / Come on now, spread the love / Until we finally drift away.“ Was für eine ultimativ positive Weise, dem Ende entgegen zu leben. Und auf diesem Weg braucht Christian Kjellvander das Fremde für seine Kunst: „Ich begebe mich häufig in Situationen oder an Orte, über die ich absolut nichts weiß. Dann lerne und schreibe ich.“

***english***

In days like these, dominated by dark clouds of marginalisation and isolationism, an artist like Christian Kjellvander is absolutely critical to our spiritual salvation. The Swedish singer-songwriter embraces the foreign, the unknown and seeks out the most profound sense of humanity. Take the title of his ninth album “WILD HXMANS”: something is different, disconcertingly so. Christian Kjellvander slips us an X for a U. He forces us to think, sets our senses on edge. We cast our vote with an X, but we also use it to blot out a mistake. “Cross it out and forget about it – if this is how people treat each other, then we have a problem”, Christian Kjellvander suggests. Through seven raw, compelling songs between folk, blues, Americana and free jazz, the 42-yearold speaks to us of farewells and departures, of escape and the sensation of arriving in a new world. In doing so, he crafts a sound which breathes peacefully, pulsating as he surges headlong from intimacy into incredibly dynamic, deep, oppressive darkness. At times it seems as if his music disappears, only to resurface with a flash moments later, shimmering transparently. Christian Kjellvander is an emphatic vagabond, a daydreaming desperado. On “Strangers In Northeim” he ushers something new and untamed into a perfect little town. “Faux Guernica” is based on a road trip through the Basque country with his youngest son. And “Curtain Maker” is inspired by an encounter in Verona with a woman from Syria: it articulates the unbearable silence which follows a separation, the stillness which follows death. Could a musician face a more paradoxical challenge than creating sound to express this eternal silence? What a stroke of fortune when he actually succeeds …

These multifaceted songs are carried by Christian Kjellvander‘s wondrous voice, with echoes of Leonard Cohen, Neil Young and David Sylvian, yet distinctively his own. A voice so brittle in the presence of pain shines even brighter in the coruscating conviction that emotions routinely concealed in everyday life will rise up to the surface. “The Thing Is” transports the listener back to 1990s Texas. The deaths of his father and his youngest brother leave their mark on this intense piece: “We’re all born with a weight / We get lighter for every day / Come on now, spread the love / Until we finally drift away.” Ultimately, this represents a positive approach to life as the end draws closer. Christian Kjellvander faces up to the unknown and uses it in his art: “I often find myself in situations or places I haven’t got a clue about. So I learn and then I write.”

Genre: Indie Pop

Viele Jahre macht Simon Lewis Straßenmusik und spielt an Ubahnausgängen, um seinen selbst geschriebenen Songs Gehör zu verschaffen.

Anfang 2017 durchlebt Simon Lewis eine Trennung, und setzt alles auf eine Karte, kündigt seinen Job in einem Callcenter und zieht sich in das alte Haus seiner verstorbenen Großmutter in die Berge nach Kufstein zurück, um die Songs für sein Debutalbum zu schreiben. Dass das die richtige Entscheidung war, zeigt sich kurz darauf, als Ö3 seinen Song „All I Am“ auf Rotation nimmt. Es geht darum, zu sich selbst zu stehen und seine Träume zu leben. Damit trifft er den Nerv von sehr vielen Menschen. „All I Am“ läuft in ganz Europa über 5000 Mal im Radio. Auch mit seinem Trennungslied „Hey Jessy“ landet Simon Lewis in den großen Radiostationen. Er wird sogar als bester Songwriter für den Amadeus Award nominiert, etwas, von dem Simon Lewis sich ein Jahr zuvor nicht mal zu träumen gewagt hatte.
Nun ist das Debutalbum „Pilot“ fertig aufgenommen und erscheint am 21.9.2018. Das Label Karmarama hat ihn mit offenen Armen aufgenommen. Das Album wird großartig aktuell und zeitlos, am besten zu beschreiben als eine Mischung aus „The Calling“, „Lifehouse“ und „James Morrison“, gemischt mit Folkeinflüssen, manchmal kommen auch „Mumford & Sons“ durch. Und dann diese verrauchte Stimme von Simon Lewis, die einen alles vergessen lässt, die einen in seinen Bann zieht und nicht wieder los lässt.. Am 11.12. präsentiert er mit seiner Band sein Debutalbum im WUK. Danach geht es auf Tour durch Österreich und Deutschland.

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Genre: Indie-Pop

Popfans aufgewacht – hier kommt MAX FROST! Geradewegs aus Texas, best gelaunt und mit frisch gepresstem Debüt-Album namens GOLD RUSH (VÖ: 05.10.2018). Die vitalen und positiven Tracks des 25jährigen Sängers bieten Freunden gut gelaunter Radio-Grooves den perfekten Start in den Tag. Um mit solcher Musik erfolgreich zu sein, muss man als Songwriter früh aufstehen.

Zunächst spielte sich MAX FROST als Drummer und Gitarrist durch nahezu alle Amateurbands des Staates Texas und wurde von vielen lokalen Stilen beeinflusst. So finden sich Blues-, Jazz- oder Hip-Hop-Anleihen in seinem vielschichtigen Pop-Sound. Dank seiner Umtriebigkeit reifte der talentierte Musiker zu einem bühnenerprobten Multiinstrumentalisten, der auch ohne Band im Stande ist, abendfüllende Konzerte zu geben. Das kommt an: Bald tourte MAX FROST mit Größen wie Gary Clark Jr. oder Fitz and The Tantrums – und gewann deren Frontman, Michael Fitz, für sich.

Das Mastermind hinter Hits wie „Moneygrabber“ oder „Handclap“ produzierte MAX FROSTs Debüt und wurde zu seinem „Songwriting Fitness Coach“. So gelang es, die ansteckende Energie des Sängers in einem Electro-Soul-Album mit Guter Laune- und Mitsing-Garantie zu bündeln.

Erfrischend, dachten sich PEPSIs Marketing-Strategen und pickten den ausgekoppelten Weckruf „Good Morning“ zum Einführungssong ihres neuen Sparkling-Drinks. Den gibt’s noch nicht in Deutschland, aber MAX FROST kommt: Ausgeschlafen, sprudelnd und bereit, auch auf unseren Bühnen durchzustarten.

Foto: Felix Wittich

Website Facebook

VVaves

VVAVES was raised in Halifax, Canada surrounded by music, exposed through dance lessons and a highly musical family. She started writing music at the age of 10, and taught herself to play instruments to write her own songs and make YouTube cover videos.

VVAVES blends her singer/songwriter roots with current pop productions, creating a melodic, catchy and danceable sound. She moved to Europe and started writing for and with other artists. In 2018 she signed to Universal Music.

The single “Alive” was premiered on stage as part of Felix Jaehn’s “iLive Tour” where VVAVES joined as a special guest.

Wolf & Moon (+ Band)

Genre: Indie, Folk, Pop

*** english version below ***

… sind ein Duo moderner Storytelling-Nomaden. Ihr Debütalbum „Before It Gets Dark“ wird am 25. Januar 2019 bei AdP Records erscheinen. Wolf & Moon’s Musik lebt von der Dichotomie ihrer Stimmen und vereint verträumten Indie-Folk mit elektronischen Elementen.

Um “Before It Gets Dark” aufzunehmen haben Wolf & Moon ihr komplettes Leben in ein Auto gepackt und einen langen Sommer in Schweden verbracht. In Stockholm trafen sie auf den Multi-Platin dotierten, Grammy-nominierten Produzenten John Andersson, der sofort zum Freund wurde und schließlich auch das Album produzierte.

An diesem speziellen Album-Release-Abend werden sie zum ersten Mal mit einer kompletten Band auftreten. Macht euch also bereit für einen unvergesslichen Abend!

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… is a duo of modern-day storytelling nomads about to release their debut album ‘Before It Gets Dark’ (out 25th Jan 2019). Wolf & Moon’s music lives through the dichotomy of their voices and marries dreamy indie folk with electronic elements.

The album was recorded when they packed their whole lives into one car and went off for a long Swedish Summer. In Stockholm they met multi-platinum Grammy nominee, John Andersson, who became an instant friend and the producer of the album.

On this special album release night they will perform in a full band setting, for the first time. Get ready for an unforgettable performance!

Alex St Joan

*** english version below ***

… ist das Solo-Synth-Pop-Projekt der australischen Musikerin und Produzentin Alexia Peniguel. Wenn St. Vincent, Laurie Anderson und Christine and the Queens in einer Tiefseegrotte mit einer Drum-Machine, einem Mellotron-Orchester und einem synthetischen Saxophon-Quartett zusammenkämen, könnte das Ergebnis ähnlich klingen: durchdringend, zart und raubtierartig.

ALEX ST JOAN freut sich die Veröffentlichung ihrer zweiten Single „Unbroken Thread“ von ihrer bevorstehenden E.P. mit Wolf & Moon im Privatclub am 25. Februar zu feiern.

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… is the solo, synth-pop project from Australian musician and producer Alexia Peniguel. If St Vincent, Laurie Anderson and Christine & the Queens got together in an underwater cave with a drum machine, a mellotron orchestra and synthetic saxophone quartet, it might sound something like this: bold, tender and carnivorous.

ALEX ST JOAN’s is thrilled to be celebrating the release of her second single, “Unbroken Thread”, at Privatclub with Wolf & Moon on February 25.

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Dieses Projekt wird von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa aus Mitteln des Europäischen Fonds für regionale Entwicklung gefördert und von Ticketmaster unterstützt.

Genre: Indie

Odetta Hartmans neues Album „Old Rockhounds Never Die“ ist ein wundervolles Sammelsurium, dem man anmerkt, dass die New Yorkerin ihre universitäre Abschlussarbeit über den legendären Soundsammler Alan Lomax geschrieben hat. Hartman arbeitet genauso gern mit Field Recordings und trägt ihr Aufnahmegerät stets bei sich, wie sie die Klänge und Töne auf der Platte häufig aus dem Alltag fischt. Aus dem Rauschen des Wasserhahns wird die Snare Drum und eine Pfeffermühle benutzt sie ebenso selbstverständlich als Perkussionsinstrument wie Schlüssel, die entlang der Heizung klappern, und Pistolenschüsse. Entscheidend dabei ist, dass das niemals zum Jux oder Selbstzweck wird, sondern immer im Dienste der Musik steht. Das unterscheidet Hartman von anderen simplen Sample-Königen: Sie entwickelt eine neue Ton- oder Geräuschsprache und fügt sie nahtlos in ihre elektronisch verfremdete Klangwelt ein, die sie wahlweise als „Cowboy Soul“ oder „Future Folk“ bezeichnet. Sie spielt ihre Instrumente selbst, die quietschende Violine, das lustige Banjo, das klimperige Western-Piano, alles.

Keinesfalls darf dabei die Arbeit ihres Produzenten Jack Inslee unterschätzt werden, mit dem sie gemeinsam all die Töne zu einem zutiefst harmonischen und wunderbar einheitlichen Gebilde zusammengefügt hat – bis hin zum Ende, dem ruhigen Ausklingen im Vogelgezwitscher; wären da nur nicht die seltsam verfremdeten Intro und Outro, die fast wie eine Rahmenhandlung das Geschehen umschließen. Odetta Hartman – sehr passend übrigens benannt nach der Folk-Göttin und Stimme des Civil Rights Movements Odetta Holmes – singt, flüstert, krächzt, heult und schreit dazu über eine Vielfalt von Themen und über Beats, die sie selbst zusammengebastelt hat und dabei genauso Gespür für HipHop beweist wie für verquere Blues-Rhythmen. Ob das Folk für den Rest des 21. Jahrhunderts ist oder eine neue urbane Landlust-Musik, sollen andere entscheiden.

Ganz sicher aber ist das, was Odetta Hartman hier vorlegt, große Kunst, und man darf gespannt sein – in diesem Fall stimmt diese Floskel wirklich – wie sie ihre Musik im Februar live umsetzt.

Ein Gebet für die Liebe: Angelo de Augustine

Genre: Singer Songwriter

Angelo de Augustine besitzt eine lange und komplizierte Beziehung zum Songwriting. Schon seit jüngsten Jahren ist Musik für ihn generell verknüpft mit Trennung und Herzschmerz, und „Tomb“, sein nunmehr drittes Album – und zugleich das erste, das er in einem richtigen Studio aufnahm – rundet all diese Erlebnisse ab, bringt sie nicht nur zu einem Ende, sondern zu einem neuen Anfang. Der Titel (zu Deutsch: „Grab“) sei dabei eine metaphorische Anspielung auf all die unverarbeiteten traurigen Emotionen, die jeder von uns tief in seinem Herzen begräbt. Mit diesem Album, produziert von dem großartigen Klangschmied Thomas Bartlett (Sufjan Stevens, Glen Hansard, Ryhe), gelingt es dem Kalifornier de Augustine auf berührende Weise, seine bislang sehr spartanisch orchestrierten Songs in einen größeren musikalischen Kontext zu stellen. Angelo de Augustine wird die Songs von „Tomb“, das am 18. Januar erscheint, im Rahmen einer exklusiven Berlin-Show am 27. Februar 2019 erstmals live in Deutschland präsentieren.

Ursprünglich war Musik für Angelo de Augustine enorm negativ behaftet. Der Sohn eines Schlagzeugers und einer Sängerin musste nämlich im Alter von fünf Jahren miterleben, wie sein Vater die Familie verließ; hierfür machte er in einem größeren Zusammenhang stets die Musik verantwortlich, beziehungsweise die vielen Tourneen, die sein Vater spielte. Schon deshalb hatte er nicht nur kein Interesse, seinen Eltern beruflich nachzueifern, seine Aversion ging noch weiter: „Bis in meine späten Teenagerjahre konnte ich einfach keine Musik aus Genussgründen hören. Es ging schlicht nicht.“ Stattdessen war sein Plan eine Profikarriere als Fußballer, die anfangs auch sehr erfolgversprechend schien. Kurz bevor er den internationalen Profizirkus betrat, machte ihm eine schwere Verletzung jedoch einen Strich durch seine Rechnung. An eine Fußball-Karriere war danach nicht mehr zu denken.

Stattdessen fand er plötzlich doch Halt in der Musik. Noch während er an seiner Verletzung laborierte, installierte er in seinem Badezimmer ein technisch höchst minimalisiertes Homestudio und begann, eigene Songs aufzunehmen. Schon sein erstes, sehr spartanisch gehaltenes Album „Spirals of Silence“ wies dabei eine hohe kompositorische Qualität auf, gepaart mit einer Stimme, die sich in ihrer emotionalen Brüchigkeit unmittelbar im Gehörgang festsetzt. Mit ähnlich minimalen Mitteln nahm er auch sein zweites Album „Swim Inside the Moon“ auf, mit dem er die Aufmerksamkeit von Sufjan Stevens auf sich zog, der sowohl das Album als auch Angelo de Augustine selber daraufhin für sein eigenes Label Asthmatic Kitty unter Vertrag nahm. Tourneen durch ganz Nordamerika folgten.

Am 20. Dezember 2017 kündigte sodann eine E-Mail in seinem Postfach die Trennung von seiner damaligen Freundin an. In den Gründen für die Trennung fand de Augustine erschreckend viele Parallelen zu jenen, die damals zur Trennung seiner Eltern geführt hatten. Vieles von damals kam hoch, lange übertünchte Emotionen suchten sich freie Bahn, und de Augustine verwandelte all diese ernüchternden Gedanken und Gefühle in neue Songs. Vier Tage später, am Weihnachtsabend, hatte er sämtliche Songs für das neue Album „Tomb“ geschrieben – eine selbsttherapeutische Arbeit von selten kreativer Dichte.

Im Frühjahr flog er sodann nach New York und nahm erstmals in einem richtigen Studio und geführt von Thomas Bartlett diese neuen Songs auf, die nun Mitte Januar als eines der intensivsten Herzschmerz-Alben erscheinen werden, die die Welt je gehört hat. Es ist gleichwohl ein leiser Herzschmerz, die Art universelles Gefühl, die sich im Laufe der Jahre aufstaut und nach einer Erlösung herbeisehnt. Trotzdem ist „Tomb“ kein klassisches Trennungsalbum geworden, es stellt für de Augustine vielmehr einen Neuanfang dar – sowohl emotional als auch in seiner Karriere.

Genre: Gothic Americana

The Denver Broncos UK (kurz DBUK) sind Munly Munly, Lord Dwight Pentacost, Rebecca Vera und Slim Cessna von Slim Cessna’s Auto Club. Im Gegensatz zu den tobenden Klängen von SCAC, besinnt sich das Gothic Americana Quartett aus Denver, Colorado auf die ruhigen, intimen und dunklen Momente.

Im November letzten Jahres veröffentlichte DBUK ihr zweites Studioalbum „Songs One Through Sixteen“ auf Glitterhouse Records. Wie der Titel vermuten lässt, besteht das Album aus 16 Songs: „A beautifully haunting brand of stark acoustic-gloom that will inevitably send shivers down the spines of the most seasoned fans“ beschreibt die Band ihre Musik. Sänger Jay Munly arbeitete als Alternative Country Songwriter schon mit Künstlern wie Devotchka, Tarantella und David Eugene Edwards von 16 Horsepower zusammen. Seine Stimme erinnert an die von Peter Murphy oder Nick Cave und ergänzt sich perfekt mit der Falsett Stimme von Rebecca Vera. Die dramatische Stimmung, die dem Album zugrunde liegt, wird von Dwight Pentacost und Slim Cessna an den Saiten- und perkussiven Instrumenten erzeugt. Zusammen erschufen DBUK eines der beschwörendsten Alben, die das Gothic Americana Genre in den letzten Jahren hervorgebracht hat.

"Fridays with Jakarta" is back!

Genre: Hip Hop, Funk, Jazz, Disco

Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Alle zwei Monate im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das, worauf wir gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hit-Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer Acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!

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Fridays with Jakarta this time with Paul Souljoy the founder of the Berlin Bass Gang. His influence in the Berlin club scene has been huge, as he established his own sound and curated many events in Berlin and other parts of Germany. He comes alongside his colleague Bafouboy, the tour dj of our artist JuJu Rogers.
Last but not least – the two residents for the night:

Suff Daddy
Habibi Funk

Genre: Alternative

Bomrani was formed in 2008, The tracks they composed and performed until 2010 were released in an unofficial album “Naked Socks”. They performed in various charity projects.

They had several creative collaborations with Iranian reputable theater directors and composed successful theater music pieces. Thanks to their multiplicity of their pieces, they were known as the most hard-working and active band in theater music in 2011 by the public relations of The City Theater, the most well-known performing arts complex in Tehran.

The variety of the music they composed in theater attracted various people with different tastes. Hence, they were commissioned by Chekeh Records to release an album for children in 2012. The album “Red Bus” as their first commissioned album was released on June 13th, 2014 and received great attention.

In the same year, they started recording “Common Vent” and, finally, the album was released on May 30th, 2015 in “Vartan House” in Tehran among their fans and shortly after performed in Shiraz and Isfahan . next album “Leaving and Passing By” was released in January 2017. This album received considerable attention shortly followed by successful concerts in the same year.

Since 2016, the band started giving numerous successful performances across Europe.
They will be performing their upcoming album “1340” on February and March 2019 in several cities in Europe.

Jeden ersten Samstag des Monats im Privatclub!

Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo

Kickin‘ Ass since 2000!

Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.

Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.

„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.

Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!

Month Of May

Genre: Singer Songwriter | Pop

Nachdem es im vergangenen Jahr ruhig war um Kafka Tamura, meldet sich das Duo nun mit neuer Musik zurück. Anknüpfend an ihrem großen Streaming-Erfolg ihres Debüt Albums “Nothing To Everyone” mit über 15 Millionen Streams weltweit hat, kommt nun der erste musikalische Vorgeschmack auf das für Herbst 2019 angekündigte zweite Album des Duos. Mit “Month Of May” definieren sich Emma Dawkins aus Southampton und Gabriel Häuser aus Leipzig neu und bleiben gleichzeitig doch dem typischen Kafka Tamura Sound treu.“Month Of May” kündigt das nächste Kapitel an; immer präsent, die unverkennbar großartige Stimme von Emma Dawkins. Viel ist passiert, seitdem Emma damals im zarten Alter von 15, zusammen mit Bandkollegen Gabriel, Kafka Tamura gegründet hat. Sie tourten mit Milky Chance durch Europa, gefolgt von mehreren Headliner Touren durch Deutschland, Österreich und die Schweiz.

Im März 2019 wird das Duo das neue Material bei drei exklusiven Deutschland-Terminen erstmals live präsentieren, ein Appetizer für die im Herbst folgende Club Tour.

Pressestimmen
“… like a female fronted Alt – J (without the bleating sheep vibes) mixed with the minimalist cool of the
xx.” (Noisey)

„… out to impress with their debut ‘Somewhere Else’; a catchy, stripped – down track, boasting the
addictive voice of singer Emma Dawkins” (The Line Of Best Fit)

“…. placing themselves in the league of rising contemporary British pop acts who balance the accepted
with the cutting edge” (Pigeons and Planes)

Devon Gilfillian: Wiedergeburt der Coolness

Genre: Blues

Mit der Musik von Devon Gilfillian erleben die traditionellen Genres der amerikanischen Südstaaten – Blues, Gospel und Soul – eine wunderbar frische, zeitgemäße Auferstehung. Zwar steht der begnadete Sänger und Gitarrist ganz in der Tradition dieser Genres, sieht sich selber aber nicht als einen Künstler der nostalgischen Verklärung, sondern als ein Musiker, der mit beiden Beinen im Hier und Jetzt steht. Wie hervorragend dem jungen Musiker dieser Spagat zwischen dem Gestern und Heute gelingt, beweist seine selbstbetitelte Debüt-EP, auf der er die klassischen Werte dieser Genres mit einer Aktualität vermählt, die seiner Musik eine seltene Frische verleiht. Nicht ohne Grund wurde seine Musik bereits mit dem Begriff „Rebirth of Cool“ belegt, also „Wiedergeburt der Coolness“. Am 6. März kommt Devon Gilfillian mitsamt seiner Begleitband erstmals nach Deutschland für eine exklusive Show in Berlin.

Devon Gilfillian wuchs auf in den Randbezirken von Philadelphia in einer Familie, in der das Singen allgegenwärtig war. Daheim bei seinen Eltern studierte er bereits als junger Knirps die Platten von Al Green und Ray Charles bis Jimi Hendrix, bereits als Teenager galt er als ein wandelndes Musiklexikon, das eine genaue Vorstellung davon hatte, mit welchen Mitteln diese Stars ihre musikalische Karriere vorangetrieben hatten. Im Alter von 14 Jahren griff er erstmals zur Gitarre und übte in den folgenden Jahren wie besessen, um ein wahrer Meister an diesem Instrument zu werden. Während seiner College-Zeit spielte er in einer Coverband, die bald jeden 60s-Hit zwischen The Meters und The Beatles adaptierte und ihm zusehends half, seinen eigenen Ton innerhalb dieser Genres zu finden. Denn eines war für ihn über all diese Zeit stets klar: Letztlich würde er mit seinen eigenen Songs reüssieren und die Welt verzücken.

Um diesem Ziel näher zu kommen, zog Gilfillian nach der Schule nach Nashville, um seinen Helden auch geografisch näher zu sein und in dem musikalischen Spirit dieser Stadt seine eigene künstlerische Mitte zu finden. Und so erschien 2016 mit „Devon Gilfillian“ seine Debüt-EP, deren fünf Songs belegen, was für ein außergewöhnlich guter Musiker in ihm steckt. Begleitet von einer sparsam, aber extrem pointiert agierenden Begleitband hört man darauf einen Künstler, der sich ganz dem Southern Soul, Gospel und Delta Blues der 60er-Jahre verschrieben hat, diese Genres aber zugleich in die Gegenwart holt und mit großer Grandezza darbietet. Seither wartet die Welt gespannt auf eine weitere Veröffentlichung dieses besonderen Musikers, der sich jedoch alle Zeit nimmt, um das bestmögliche Ergebnis zu präsentieren. Man darf also gespannt sein.

Genre: Indie-Folk

Wenn man einen Blick auf seine Familiengeschichte wirft, wird eins schnell klar: HENRY JAMISON wurde geboren, um Songs zu schreiben. Auf der einen Seite ist da sein Vater, ein klassischer Komponist, und auf der anderen Seite seine Mutter, eine Englischlehrerin, die ihn stets inspiriert und ermutigt hat. Doch wenn man einen weiteren Blick auf den Stammbaum der Familie JAMISON wirft, fallen noch weitere Namen auf. Geht man zurück ins 19. Jahrhundert sticht sofort der Autor George Frederick Rood ins Auge, einer der populärsten Songwriter der Bürgerkriegszeit. Noch weiter zurück in der Vergangenheit angelangt, im England des 14. Jahrhunderts um genau zu sein, taucht zudem Dichter John Gower auf, der bekanntlich ein Freund von Chaucer und Richard II. war.

Mit seinem beeindruckenden Debütalbum „The Wilds“ ist JAMISON nun bereit, seinen Platz in einer langen Reihe bemerkenswerter Geschichtenerzähler einzunehmen. Zarte Klänge seiner Akustikgitarre und seines Banjos mit programmierten Percussion-Loops und Synthesizern vereinend, setzt sich der aus Vermont stammende Songwriter in seiner Musik mit den Unstimmigkeiten des modernen Lebens auseinander, während er sich gleichzeitig bemüht, die Konflikte zwischen unserem inneren und äußeren Selbst, der natürlichen Umgebung und der von uns konstruierten Gesellschaft in Einklang zu bringen. Seine glänzende Art mit Worten umzugehen und sein feines Gehör für einprägsame Hooks erinnern gleichsam an den Barock-Pop von Sufjan Stevens und die unerschütterliche emotionale Ehrlichkeit von Frightened Rabbit, doch JAMISONs Umsetzung ist einzigartig – subtil und gleichzeitig umwerfend. Er ist ein Solokünstler, der seine Musik nicht nur komplett selbst schreibt, sondern auch aufnimmt und arrangiert, einschließlich aller umwerfenden Streicharrangements, die auf seinem Album zu hören sind. „The Wilds“ ist somit das reine Spiegelbild der Welt, so wie er sie sieht.

Aufgenommen in den Bergen von Goshen, Vermont, während der Ahornzuckersaison, tritt „The Wilds“ nun in die Fußstapfen von JAMISONs Debüt-EP „The Rains“ aus dem Jahr 2016. Mehr als 20 Millionen Mal wurden die Tracks des Albums auf Spotify gestreamed, nachdem seine einzigartige lyrische Umsetzung Lobeshymnen bei den Kritikern auslöste. NPRs World Café stellte Jamison als einen der erfolgversprechendsten neuen Künstler vor und schwärmte, dass seine „Beschreibungen der Orte so ehrlich klingen und die subtilen Feinheiten der Produktion hervorstechen“ während Vice Noisy schrieb, dass sein „sanftmütiger Folk […] die Nerven beruhigt“ und Consequence of Sound ihn als „visuellen Textdichter“ lobte, der Musik schreibt, die „wie ein Traum klingt, der Gestalt annimmt“. Diese EP ermöglichte Jamison Auftritte mit Big Thief, Lady Lamb und Tall Heights sowie Festivalslots und Shows in ganz Europa.

Genre: Techno, House

Neues Jahr, neuer Club, neuer Kiez, doch immer noch die alte Leier…

Wir entlassen euch aus der Winterpause und gehen mit der Therapie in die nächste Sitzung!

Erst einmal big Love an all unsere treuen Stammpatienten für den großartigen Support und Treueschwur im vergangenen Jahr.

Nun wollen wir mit euch den nächsten größeren Schritt wagen und haben uns dafür eine ganz besondere Überraschung ausgedacht:

Ihr werdet alle zu Privatpatienten, und wo lässt sich dieser soziale Aufstieg wohl besser feiern als im Privatclub.

Die Therapeuten eures Vertrauens:
Daniel Jaeger (Criminal Bassline | Katermukke | Bordel Des Arts)
Bud Dancer (Club Liberté | HairSweetHair Music)
justUS Berlin (Beschäftigungstherapie)
Chris Plettenberg (Beschäftigungstherapie)

Bei Fragen lesen sie bitte die Eventbeschreibung und fragen ihren Therapeuten oder Straßenapotheker.

Website Facebook

Der Multiplatin US-Popstar gnash ist vieles: Bissiges Blumenkind, grooviger Gutmensch, singender Songwriter, Producer/Chartstürmer/Clubgründer. Letzteres ist dem Youngster aus L.A. eine wahre Herzensangelegenheit.

Genre: Pop

Mit seinem (the) broken hearts club erschuf und verfolgt gnash ein popkulturelles Release-Konzept, das gebrochenen Herzen Trost durch warmherzige Songs vermitteln soll – aber nicht nur ihnen. So führt die namensgebende Single die ‘ClubLosung‘ „Where The Lonely, Makes The Lonely, Feel Less Lonley” in gerappter Form auf und erklärt, was Vereinsamte jeder Art von gnash auf Tracks und Touren erwarten dürfen: Geborgenheit durch Gemeinsamkeit und supergute Popsongs!

„If we feel together, we’ll feel better.”

So lautet gnash‘s Social Media- und Konzert-Mantra – und spätestens jetzt muss dieser Text eines klar machen: gnash ist kein weiterer, zartbesaiteter Akustikgitarrist mit Stich ins Depressive oder Esoterische. Dafür sind seine Lyrics zu clever, sein Rap zu fordernd und seine neuen Bilder zur alten Einsamkeit zu überraschend. Verteilt auf etliche EPs und verortet zwischen Alternative-Indie und Harmony-Pop, traf gnash in den 2016/17/18ner Jahren damit genau in den Nerv einer natürlich wachsenden Zielgruppe – denn Herzen brechen immer und überall.

Deshalb macht der broken hearts club des begnadeten Musikers einfach nur Sinn und Spaß – und die Ankündigung, dass er damit und seinem Debüt-Album auf Tour kommt, besonders große Freude! Denn gnash’s Megahit „i hate u, i love u“ und sein Mitwirken bei MAX‘ „Lights Down Low” oder Goody Grace‘s „Two Shots“, machte unsere Popwelt tatsächlich um einige Stücke schöner. Wie schön die live sein können, erfährt man am besten in der ersten Reihe auf seinen Club-Shows in Deutschland.

Jewish Monkeys auf Tour mit neuer Single

Genre: Klezmer Punk

Die Jewish Monkeys veröffentlichen im Herbst ihr neues Album „Catastrophic Life“. Eine erste Single, „All the Great Things“ erscheint am 8. März pünktlich zu einer kleinen Frühjahrstour. Im Sommer stehen Festivals an und im Herbst/Winter dann eine große Releasetour. Dabei präsentiert sich die Band mit einem neuen Line-up: Ihr alter Wegbegleiter Ran Bagno (Akkordeon) konzentriert sich wieder auf Filmsoundtracks, Ballett- und Theatermusik. Eylon Tushiner (Saxophon) stieß zu Yaron Ouzana (Posaune). Beide bilden einen explosiven Bläsersatz, der von Funk und Afrobeat befeuert ist. Neben satirischen Songs und jiddischen Gassenhauern aus ihrem Repertoire stellt die Band einige ihrer neuen Songs vor.

Die Jewish Monkeys entspringen der aufregenden und kosmopolitischen Szene der Mittelmeermetropole Tel Aviv. Der Sound der Band ist eine einzigartige Fusion aus energetischem Rock’n’Roll, Surf-Gitarren und einer explosiven Rhythmusgruppe kombiniert mit einem Bläsersatz, angeführt von zwei charismatischen Sängern, die das Publikum auf den Füßen hält. Seit 2014 tourt die Band durch die ganze Welt und spielte einige der wichtigsten Festivals wie Sziget (zweimal hintereinander 2017 und 2018), das Wiener Donauinselfestival, Marseilles Babelmed, große Festivals und Clubs in Kanada, London und in ganz Europa und war Gast von Shantel & Bucovina Club Orkestar auf ihrer Tournee durch Deutschland, Österreich und Holland.

Genre: Indie | Folk | Singer Songwriter

„Unser Leben wurde seltsam und schwierig in den letzten Jahren – sowohl persönlich als auch in der Welt um uns herum.“ Mit etwas mehr als einem Jahrzehnt ihres musikalischen Lebens als Rue Royale veröffentlichen Brookln und Ruth Dekker mit „In Parallel“ ihr nunmehr viertes Album. Ein Album mit mutigen, eindringlichen und deutlich rhythmischeren Songs, die alle in einer ebenso schönen wie unruhigen Zeit entstanden sind.

„In Parallel“ wächst durch ständiges Hinterfragen und Verfeinern. Und mit Hilfe von Sean (Bon Iver, S. Carey). Durch seinen rhythmischem Einfallsreichtum, der nun als neue Textur in der Musik von Rue Royale zu hören ist, vor allem aber wegen des deutlich gereiften Songwritings ist „In Parallel“ das beachtlichste Album der Band.

Neben der Mitarbeit von Sean Carey wurde „In Parallel“ von Brookln und Brian Joseph (Bon Iver, Sufjan Stevens) aufgenommen und von Zach Hanson (The Tallest Man On Earth, The Staves, Low) gemischt und gemastert. „Es war toll, mit Sean zu arbeiten“, sagt Brookln. „Obwohl die Stücke an sich schon breiter angelegt waren als unsere vorherigen Songs, hat er uns wirklich geholfen, an diesen neuen Punkt zu kommen. Er steuerte viele kühne rhythmische Ideen bei, dazu ein paar melodische Schätze auf Klavier und Keyboards. Auf ein paar Liedern singt er sogar.“ Finanziert wird das Album dann durch eine Online-Crowdfunding-Kampagne – Beweis für die starke Bindung zu den Fans, die Brookln und Ruth über viele Jahre hinweg pflegen.

Das in Nottingham ansässige anglo-amerikanische Duo ist unermüdlich unterwegs und spielt über 1.000 Konzerte in 16 Ländern. 2014 nimmt sich das Paar jedoch erstmals eine Auszeit. Nach sieben Jahren praktisch ununterbrochenem Leben auf der Straße brauchen sie eine Pause, um durchzuatmen. Stattdessen bekommen sie ein Kind. Und das oft bemühte Klischee von Freud und Leid, die ein aufwachsendes Kind mit sich bringt, wird in ihrem Zuhause Wirklichkeit. Während die beiden sich außerdem mit Trump und Brexit den politischen Umwälzungen in ihren zwei Heimatländern stellen.

Ruth und Brookln, die sowieso schon von unterschiedlichen Kontinenten stammen, bemerken über die Jahre beachtliche Unterschiede in ihrer beider Wahrnehmung und Erfahrung, während sie Schulter an Schulter ihr gemeinsames Leben und ihre gemeinsame Band führen. Die parallele Existenz und parallele Sichtweise verstärken sich indes in den Monaten und Jahren nach der Geburt ihres Kindes; während eine glückselig schwebt, taumelt der andere gefährlich herum.

„Wir kamen vom Touren nach Hause und stellten fest, dass wir uns von der ‚realen Welt‘ aus Freund_innen und Familie abgeschottet hatten“, reflektiert Ruth. „Unsere wunderschöne Tochter kam auf die Welt und riss uns nur noch weiter vom Lenkrad weg, während wir versuchten, die Herausforderungen in Einklang zu bringen, unabhängige Künstler_innen zu sein und eine Familie mit neuen Aufgaben zu haben.“

Wieder raus zu gehen ist für die Dekkers selbstverständlich – nun eben mit Kinderbetreuung für unterwegs. Ihre künstlerische Reise beginnt 2006 in Chicago, das zu der Zeit ihre gemeinsam Heimatstadt ist. Sie veröffentlichen 2008 ihr erstes selbstbetiteltes Album und ziehen nach Großbritannien. Zwei weitere Alben folgen – 2012 „Guide To An Escape“ und 2014 „Remedies Ahead“ – während das Paar seine eigene Heimindustrie startet, Tausende CDs in selbst genähten Hüllen verschickt und sich jede Menge anderes originelles Merchandise ausdenkt. Sie werden auf BBC 6 Music gespielt, sind auf Soundtracks wie dem von „Grey’s Anatomy“ vertreten, und eines ihrer Stücke findet sich als Sample in J Cole’s „Miss America“, wieder – der ersten Single von dessen Billboard No.1 Album „Born Sinner“.

„Wir sind uns bewusst, dass es vielleicht etwas länger gedauert hat, um wieder in Gang zu kommen. Länger als wir, und alle anderen, die unsere Band verfolgen, erwartet haben“, sagt Ruth. „Wir nehmen jetzt unsere unterschiedlichen Wahrnehmungen an. Und gleichen die Ungleichgewichte aus. Wir bewegen uns mit Zuversicht und einer Art Weitwinkelblick, der sich aus unseren Parallelwirklichkeiten zusammensetzt und diese Themen und Gefühle erforscht – wie auf ‚In Parallel‘.“

New Yorker Duo reüssiert nach Pause mit viertem Album. „Just Business“ ist im Juli erschienen

Genre: Garage Rock, Punk

Mit ungeheurer Wucht und einer selten erlebbaren Spielfreude scheppert das New Yorker Duo Bass Drum Of Death durch eine Vielzahl an Genres zwischen Punk, Noise, Indie, Pop und Blues. Stets stehen dabei im Mittelpunkt zwei kontrastierende Aspekte: Zum einen die kraftvollen Melodien ihres Frontmanns John Barrett, zum anderen die angriffslustig krachende Musik aus Schlagzeug und Gitarre, die bewusst immer wie ein kleines bisschen übersteuert wirkt. Seit zehn Jahren treibt die Band ihr Unwesen im Underground und hat in dieser Zeit vier Alben veröffentlicht. Nach einer längeren Pause erschien am 27. Juli mit „Just Business“ ihr vierter Longplayer, der in den einschlägigen Gazetten erneut höchst gelobt wurde. Derzeit touren Bass Drum of Death durch die USA, bevor sie im Frühjahr nach Deutschland kommen: Zwischen dem 11. und 14. März spielt die Band drei Shows in Köln, Hamburg und Berlin.

Mal abgesehen davon, dass Bass Drum Of Death ein geradezu genialer Name für eine Noise- und Punk-Band ist, hat der Name auch durchaus einen faktischen Hintergrund: Denn die erste Inkarnation dieser Formation war eine Ein-Mann-Band, bei der der Sänger und Gitarrist John Barrett zu seinen wütenden Punk-Kompositionen mit aller Kraft mit dem rechten Fuß eine Bass Drum bediente. In diesem „Line-Up“ nahm Barrett auch die ersten beiden Alben vollkommen allein auf: „GB City“ erschien 2011, „Bass Drum Of Death“ zwei Jahre später. Mit diesen Alben legte Barrett den Grundstein für ein treues Gefolge in den ganzen USA, mehrfach tourte er allein quer durch die Staaten. Als es ihm irgendwann zu anstrengend wurde, parallel Gitarre, Gesang und Schlagzeug zu bedienen, rekrutierte er mit Len Clark einen festen Schlagzeuger; seither ist die Bass Drum Of Death ein Duo.

In dieser Formation nahmen sie auch das dritte Album „Rip This“ auf, das 2014 erschien, weitere Tourneen folgten. Aufgrund des stets enorm hohen Energie-Haushaltes ihrer Konzerte verspürten beide Musiker nach den langen Tourneen zum dritten Album eine derart starke Erschöpfung, dass sie das Projekt für mehr fast zwei Jahre komplett auf Eis legten. Erst 2017 kamen Barrett und Clark wieder zusammen und gingen das aktuelle Album „Just Business“ an. Die Auszeit hat ihnen spürbar gutgetan: Die Platte ist ihre bei weitem Stärkste bislang, sie zerplatzt geradezu vor lauter Spielfreude, Druck und Punk-Noise, stets aber gepaart mit guten Pop-Hooks. Um der Brachialität dieser Platte gerecht zu werden, gehen Bass Drum Of Death nun generell als Trio auf Tournee, verstärkt um den zusätzlichen Gitarristen Josh Hunter. Die namensgebende Basstrommel des Todes steht dabei aber nach wie vor schön im Mittelpunkt ihres Punk gewordenen Wahnsinns.

Phil Haussmann (Apples In Space)

Genre: Indie, New Wave, Guilty Pleasures

It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.

Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties

Genre: Hip Hop, Rap

Nie oder jetzt: vier Jahre nach der »Weit entfernt« EP und gut eineinhalb Jahre nach »Ich und mein Bruder«, dem erfolgreichen gemeinsamen Album mit Mädness, ist Döll immer noch eine Kämpfernatur – und endlich wieder ganz bei sich selbst. Die ständige Arbeit an neuem Material, die unablässige Bewegung und die Ahnung, immer noch am Anfang einer ganz großen Geschichte zu stehen: all das ist Döll, einer der innovativsten Rapper seiner Generation, ehrlich, eigensinnig und kompromisslos. Im März 2019 geht Döll mit großem Gepäck auf Solotour – Tickets gibt es ab sofort.

Genre: Alternative Rock

Die Alternative Rock-Band aus dem schwedischen Örebro kommt für vier Headline Shows nach Deutschland, um ihr brandneues Album „White Flag“ erstmals live vor Publikum zu präsentieren.

Gegründet werden Normandie im September 2013 von den Sängern Philip Strand und Johan Lindström, den beiden Gitarristen Joel Felix und Håkan Almbladh, sowie Bassist Stefan Timmerholm und Schlagzeuger Jesper Malmberg in der schwedischen Stadt Örebro. Bereits wenige Tage nach der Bandgründung erscheint am 11. September eine selbstbenannte EP mit vier Titeln. Dann verlassen Johan Lindström und Joel Felix die Gruppe, diese macht als Quartett weiter. Im Februar 2016 veröffentlicht die Band ihr Debüt-Album „Inguz“ selbst, das nach ihrem Signing beim US-Indielabel InVogue Records nur einen Monat später erfolgreich neu aufgelegt wird. Platz 20 in den Billboard-Chart in der Rubrik ‚Alternative New Artist‘ und Platz 60 der Top New Artists‘ stehen zu Buche.

Im Oktober 2018 erschien dann ihr aktuelles Album „White Flag“. Allein in der ersten Woche erreichte das Album mehr als 2 Millionen Streams auf Spotify. Nun holen wir die schwedische Rock-Band für vier Shows nach Deutschland.

Genre: Indie, Folk, Pop

The Strumbellas haben einen Plan. Das Sextett mag ja vor zwei Jahren mit „Spirits“ einen Welthit gelandet haben und mit der zugehörigen Platte „Hope“ ihrer Musik und dem Folkrock eine neue Richtung gegeben haben. Für die jüngste Single „Salvation“ geht es aber wieder an die Anfänge ihrer Karriere zurück. Dabei werden Ideen verarbeitet, die schon 2009 bei den Arbeiten an ihrer Debüt-EP entstanden sind. Musik machen sei wie ein Puzzle, sagt Sänger, Gitarrist und Songwriter Simon Ward; man finde immer wieder T eile, die zusammenpassen. Ein kleiner Tempowechsel, eine Modifikation in der Melodie, und schon zündet es. So war es auch im Falle des neuen Songs. Nachdem jedes Mitglied seine Gedanken geteilt und seinen Beitrag geleistet hat, wurde aus den alten Ideen ein neuer Sound. Waren The Strumbellas bislang eher für ihre dunklen Sounds und Themen bekannt, ist „Salvation“ eine geradezu fröhliche Hymne, hoffnungsvoll und positiv. Das steht den Kanadiern durchaus gut zu Gesicht und ist das, was sich die Band schon lange vorstellt: „Unser Traum war es immer, coole, kanadische Kleinstadt-Musik zu machen, mit viel Spaß und einem poppigen Gefühl“, sagt Ward, „mit jeder Platte kommen wir diesem Ziel näher.“ Wie gesagt: The Strumbellas haben einen Plan. Dabei darf man sich sicher sein, dass sie sich auf ihrem neuen Album, an dem sie gerade arbeiten, nicht gar zu weit von ihren Ursprüngen entfernen werden, schließlich war dieser Wechsel zwischen dem melancholischen Herzschmerz mit ehrlichen Texten und dem gut gelaunten Alternative Folkrock schon immer ihr Markenzeichen. Im März kommen The Strumbellas dann mit ihren neuen Songs zurück auf unsere Bühnen.

Ural Thomas – Vocals Scott Magee – Drums, Vocals Brent Martens – Guitar Arcellus Skys – Bass Steve Aman – Keys Willie Matheis – Tenor Sax Dave Moonie – Trumpet Bruce Withycomb – Baritone Sax

Genre: R'n'B, Soul

If life was at all fair Ural Thomas would be a household name, his music slotted into countless sweet, seductive mixtapes between James Brown, Otis Redding, and Stevie Wonder (all of whom Thomas has performed with.) Straddling the line between hot soul shouter and velvety-smooth crooner, Thomas released a few singles in the late 60’s and early 70’s; most notably “Can You Dig It”, which featured backing vocals from soul luminaries Merry Clayton, Mary Wells and Brenda Holloway. Thomas played over forty shows at the legendary Apollo Theater before turning his back on an unkind business and heading home to Portland, OR.

It goes without saying that a man practically built out of rhythm would never stop playing music. Thomas began hosting a regular Sunday night jam session at his home that ran for nearly twenty years. A de facto mentor to many of the younger players, Thomas reminds us all that “If you care about what you’re doing, you need to build those muscles and do the work. Don’t get discouraged, do it for love. Even if you’re digging ditches, do it with passion.”

In 2014, local soul DJ Scott Magee sat in on drums. The two became fast friends and at Magee’s urging Thomas decided to give his musical career another shot. Magee became the musical director, they put together a band, and in 2016 released a self-titled album on Mississippi Records.

In 2017 Thomas signed with Tender Loving Empire and began work on what, in many respects, will be his debut full length. Diving deep into lifetime of melodic creativity, Thomas and his band got to work. Recorded in Magee’s studio Arthur’s Attic, The Right Time features the air-tight work of Magee on drums, percussion, and backing vocals, Bruce Withycombe (The Decemberists) on baritone sax, Portland jazz scene fixture Brent Martens on guitars and vibraphone, Arcellus Sykes on bass, Steve Aman (Lady Rizo) on piano and organ, Dave Monnie on trumpet, Willie Matheis (Cherry Poppin’ Daddies) on tenor sax, and Jasine Rimmel, Joy Pearson, Sarah King, Rebecca Marie Miller on backing vocals. The Arco Quartet performed the strings, and the record was engineered and mixed by Jeff Stuart Saltzman (Blitzen Trapper) and mastered by JJ Golden (Sharon Jones, Ty Segall).

One might think after a sizeable taste of early success Thomas would be more than a touch bitter – yet the opposite is true. “We have to be positive if we want the world to get better” Thomas advises. “We’ve come a long way, but if you carry a grudge with the whole world you’ll stop your growth. We’re a family, all just brothers and sisters, descendants of Adam. You can’t get anywhere without an open heart.”

A developing artist at nearly eighty years old, for Thomas music has always been about bringing people together. “If we play for twenty people we cook it like it’s twenty thousand” says Thomas. “If we make someone smile we’re satisfied. They’re ain’t no difference between us. It’s all love and brotherhood. If folks listen to my record and feel that I’ll feel very blessed.”

Standing in bold defiance of the idea that aging is a reason to slow down and stop living, for Thomas the right time to get down is the next time someone plugs in a guitar or puts on a record. Ural is ready – are you?

Genre: Post-Punk, Indie

Dynen. Das sind dreckiger Pathos, hängende Schultern, Ra(s)tlosigkeit. Mit mehr Herz als Verstand haben sich Musiker der Bands Minitimer Katzenposter, DIAS, The Flexfitz und Subbotnik zusammengetan, um sich in Dynen neu zu (er-)finden. Widerspruch wird provoziert, Harmonie und Dissens in Songs vereint, Gitarren-Wände treffen auf Brüchigkeit in den Texten. Den deutschen Michel verschonen sie dabei ebensowenig wie den eigenen Narzissmus. So singen sie selbst: “Wir sind die Mauer, die deine Grenzen ersetzt”. Klingt ein bisschen Emo? Ist es auch.

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Die Gruppe König ist die bandgewordene Fusion aus Post-Punk und Grunge – roh, pessimistisch, karg. Die Musik des Rostocker Trios – durchsichtig, aber fern von Leichtigkeit – steht im Raum wie dichter Kneipendunst und beschäftigt sich mit den Möglichkeiten und Unmöglichkeiten eines jeden.

GREAT GOOGAMOOGA - GIMME TWO BLOCKS LINE, ´CAUSE BABY IT´S HIP CITY TIME !

Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul

WOWZER ! Wir sind extrem happy den grandiosen Abend aus dem März letzten Jahres wiederholen zu können: Mit Gast–DJ MICHAEL ROBINSON aus NYC, USA !
Wer letztes Jahr nicht dabei sein konnte, wird wohl von diesem legendären Abend gehört haben. Wer nicht, dem sei gesagt:
Be there or regret for the rest of the year …. and thereafter!

***

Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.

Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!

– THE REAL DEAL –

Resident:
Franz Heidl

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Genre: Soul, Blues, Rock, Gospel

Woher stammt nur diese ausdrucksstarke, zeitlos schöne Stimme, die vor einigen Jahren in Memphis, Tennessee den Spitznamen „The Young Old (TYO)“ erhielt?Tiwayos vom 1960er und 70er Soul, Rock, Blues, Gospel und Reggae beeinflusster Sound wurde in schlaflosen Nächten, Auftritten in der U-Bahn und auf Reisen in den USA und Europa geprägt. Aufgewachsen ist er in einer Pariser Vorstadt, aber seine spirituelle und kreative Heimat liegt im Süden der USA.

Obwohl das Debütalbum des jungen französischen Musikers erst am 18. Januar 2019 veröffentlicht wird, hat er schon im Vorprogramm bekannter Künstler wie Norah Jones, Seal, Marcus Miller, Patrice oder Curtis Harding gespielt. Der französische Rolling Stone nannte Tiwayo „ein kleines Soul-Genie“ und Paris Match schrieb, er habe „eine außergewöhnliche Stimme“.

2017 trat Tiwayo mit Mark Neill (The Black Keys) in Kontakt, um ihn zu fragen, ob er sein erstes Album produzieren könnte. Tiwayo dazu: „Die Geschichte ist völlig verrückt, weil sie so einfach ist. Es war ein guter Zeitpunkt, mit den Aufnahmen zu beginnen, und ich war ein großer Fan von Marks Arbeit mit Dan Auerbach, deshalb fühlte ich mich schon sehr mit ihm verbunden, noch bevor ich ihn traf. Also schickte ich Mark einige Demos und er antwortete sehr schnell: „Das klingt gut. Was wäre dein Traumalbum?“

Zwei Monate später lebte Tiwayo seinen ganz eigenen amerikanischen Traum und nahm auf einem 16-Spur-Rekorder in Mark Neills Soil of the South Studios in Valdosta, GA unter der Ägide des Grammy-Preisträgers erste Songs auf. „Ich war natürlich wahnsinnig aufgeregt“, so Tiwayo, „und erklärte ihm, dass ich genau nach dem gesucht habe, was er macht – ein auf Bass und Schlagzeug basierendes Album mit einem starken Rhythmusblock und Klavier sowie einem einfachen Ansatz.“ In Ermangelung einer einzigen musikalischen Schublade, in die Tiwayos Musik passen könnte, kam bald der Begriff „Gypsy Soul“ auf – ein unkonventioneller Sound ohne Anker, der durch die Welt, durch Zeiten und Klänge reist.

Wie in einem Notizbuch dokumentiert Tiwayo auf dem Album persönliche Geschichten mit universellen Widerklängen wie in „A Place to Call My Own“ oder der ersten Single „Wild“, gehetzt auf der Reise wie in „Night Train“ oder der Reise ins Ich wie in „Full Moon“. Abgemischt in Paris von Philippe Weiss (Selah Sue, Kendrick Lamar, Madonna), klingt The Gypsy Soul of Tiwayo wie ein analoger Soundtrack und eine Ode an die Emanzipation.

Tiwayo war 2018 für den begehrten ANCHOR Award des Reeperbahn Festivals nominiert und trat daher im Rahmen des 2018er Festivals zwei Mal auf. Den Preis erhielt Tiwayo zwar nicht, aber begeistert hat er mit seinen Konzerten viele – darunter auch den legendären Produzenten Tony Visconti, der in einem Interview mit Le Monde über den jungen französischen Künstler sagte: „Ich mochte vor allem Tiwayo. Ich fand ihn authentisch, voller Soul. Wenn er mit seinen Backgroundsängerinnen singt, ist es, als ob man in einer Kirche ist.“ Und auch der Rezensent der Welt zeigte sich angetan: „Ein Besuch… beim… für den Anchor Award nominierten, aber leider leer ausgegangenen Franzosen Tiwayo, der im Imperial-Theater ein fulminantes Konzert ablieferte und minutenlanges Standing Ovation bekam, haften lange in der Erinnerung.“ Der Rezensent der Schwäbischen Zeitung urteilte über Tiwayos Konzert beim Aalener Jazzfest Anfang November: „Sänger und Gitarrist Tiwayo… ist auf jeden Fall ein großer Musiker, ein wahrer ‚Bluesman‘. Wenn auch keiner, der nur den Blues kennt. Soul, Gospel, Rock, Reggae, auch gerne mal nur mit der akustischen Gitarre begleitet, alles dabei, alles getragen von einer großartigen Stimme…“.

Genre: Alternative, Indie

Nach dem sehr gefeierten zweiten Album „Drifter“ von FIRST BREATH AFTER COMA, das nominiert war als europe’s best independent record of 2016, kommt im Frühjahr 2019 der Nachfolger “NU”.

Nu (oder “new”) im englischen für “neu” meint aber “naked” (nackt) in der Muttersprache der 5 Musiker aus Portugal, was sich wiederum in den neuen Songs wiederspiegelt. FBAC haben sich weiter vertieft in ihren unverwechselbaren Sound aus “introspective indie-rock and dreamy soundscapes, with subtle traces of gospel choirs and ethnic music”, wie sie es selber benennen.

Genre: Deutschrock, Indie-Rock

Kapelle Petra ist zurück. Und zwar nackt. Und zum Glück für alle Beteiligten nicht im naheliegenden körperlichen Sinne. Viel mehr hat sich die Kapelle musikalisch und inhaltlich etwas freier gemacht. Auf das Wesentliche beschränkt: Drei Musiker in einem Raum spielen live zusammen ein. Ohne viel Schnickschnack. Das ergibt ein Soundbild, das nun viel mehr dem ähnelt, was bei Kapelle Petra schon seit Jahren auf der Bühne passiert. Eine druckvolle, bestens aufeinander eingespielte Band, die jeden Konzertbesucher vom Feinsten unterhält. Denn neben ihrer musikalischen Versiertheit (die man nach 21 Jahren Bandgeschichte nun auch wirklich zurecht erwarten darf) und textlicher Raffinesse, darf vor allem eines nicht zu kurz kommen: Die Unterhaltung. Und die bekommt man von Ficken Schmidt, Opa und Siepe serviert. Mit dem ganz großen Löffel – und zwar erst recht in 2019.

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Genre: Indie

Toronto singer, producer and multi-instrumentalist MorMor returns to share a new single. „Pass The Hours“ expands upon the blueprint for his own brand of pop music that he showcased with his critically-acclaimed debut EP Heaven’s Only Wishful released earlier this year. The dynamic new track is a sweeping demonstration of MorMor’s own interpretation of pop song structures, bringing a renewed energy to the genre.

Along with the new track, MorMor is announcing headlining tours supported by a full band to happen in both Europe and North America in 2019. Following a European jaunt that launches in late March, he will return to the US for a 12-date tour beginning April 16 in Washington DC before wrapping in Los Angeles on May 7th.

Genre: Hip Hop, Rap

Multiinstrumentalist, Produzent, Sänger. Der im Jahr 1997 geborene Nugat ist all das und noch viel mehr: ein eigenständiger Künstler mit einer Vision, viel Talent und noch mehr Ehrgeiz. Seine Musik: Ein Spiegel seines zerrissenen Innenlebens, musikalisch wie inhaltlich.

Kein Künstler mag die Betitelung als Wunderkind. Wer ist schon gern ein »Wunder«? Bedeutet das nicht auch gleichzeitig man sei früh vollendet, also bereits so gut, dass man nichts mehr zu verändern braucht, beziehungsweise soll? Nugat ist genau das passiert, vor gut vier Jahren, als er noch in seinem Jugendzimmer in einer Kleinstadt lebte und wegen seiner ersten veröffentlichten Songs von der Musikpresse (JUICE, Noisey u.v.m.) mit Vorschusslorbeeren überschüttet wurde. Der Grund: seine EP »Beats x Beer x Green«; eine Samplelastige Arbeit im Sinne deutschsprachiger BeatKoriphäen wie Dexter oder Brenk.

Aus dem schmalen Korridor, den Nugat am Anfang seiner musikalischen Laufbahn bespielte, ist mittlerweile gewissermaßen ein großzügig geschnittenes Apartment geworden, in dem eine Mischung aus kontemporären Rap & R’n’B musikalisch wie lyrisch den offensichtlichsten Platz einnimmt, allerdings neben vielfältigen Pop& RockEinflüssen. Die Wichtigste Veränderung: Seine Musik ist mittlerweile deutlich Vocallastiger. Die Gesangsstimme? Nugat selbst. »Der Gesang war tatsächlich immer meine große Leidenschaft, schon als Jugendlicher«.

Das Schlüsselerlebnis, das in Nugat das Bedürfnis auslöste, Lyrics zu schreiben und selbst einzusingen war ein Düsteres: 2016 wurde er wegen Depressionen und einer Persönlichkeitsstörung ins Krankenhaus eingeliefert. Noch während Nugat darum kämpfte eine eigentlich unkontrollierbare Krankheit unter Kontrolle zu bringen, entstand auf Station 8 mittels Laptop, Mic & MidiKeyboard die EP »Ward 8«, auf der er Einsamkeit, Persönlichkeitsstörungen, irrationale Ausraster und Identitätskrisen lyrisch und musikalisch verarbeitete. Seine Stimme hatte Nugat auf Englisch gefunden, weil die Fremdsprache es ihm ermöglichte tonnenschwere, persönliche Themen auf eine wie er findet gelassenere, weichere Art und Weise auszudrücken.

»Wer bin ich?« Das ist seitdem die zentrale Frage, die Nugat versucht mit seiner Musik zu beantworten. Und obwohl diese Musik oft von Realitätsverlust und Angstzuständen erzählt, vergisst sie aufgrund ihrer Schönheit und Energie zu keiner Zeit: da ist Hoffnung. Und das ist es vermutlich letztlich, was den NugatSound so greifbar, identifikationsstiftend und fühlbar für seine Hörererinnen und Hörer macht: Er entsteht aus der Dunkelheit heraus, in der nur ein Funken Licht glimmt, nimmt diesen und macht aus ihm ein Feuerwerk.

Und nun: Wir spulen vor. Es ist der Rekordsommer 2018, Nugat hat ihn beinahe komplett im Studio verbracht und ein paar Dutzend Songs recordet, die er nun – nach und nach – der Öffentlichkeit präsentiert. Den Anfang macht er mit dem Track für Track veröffentlichten »Intelligence«Projekt, dessen komplette Bandbreite seine Hörer erst dann verstehen werden, wenn im November 2018 der letzte Baustein auf das Fundament gesetzt wurde. Es ist – nach dem Mixtape »Antisocial« – der zweite Teil einer Trilogie, die Anfang 2019 mit der »The Intelligence of an Anti Social«EP vollendet sein wird.

Genre: Soul | Funk | Indie

Stone Foundation have raised the bar higher once again with their stunning new studio album Everybody, Anyone released on August 24 th .

Everybody, Anyone features 11 new songs and as before, there’s a sprinkling of guest musicians who feature on the album including Kathryn Williams, Dr Robert, Mick Talbot, Steve White, The Average White Band’s Hamish Stuart. And unable to stay away, Paul Weller (who produced and featured on the last album) sneaks back in with a bit of piano, guitar and BVs on a couple of tracks.

The Midlands based band’s 5th studio album was recorded at Paul Weller’s Black Barn Studios in Surrey and produced by Stone Foundation founding members Neil Jones and Neil Sheasby and engineered by Charles Rees.

The band, buoyed & encouraged by the reception to their last album Street Rituals (chart position: 25), have taken a slightly different direction and hit upon a creative formula that clearly works. After a long period of extensive touring, which included headline shows at Shepherds Bush Empire and a storming set at Glastonbury, the band were so stoked that they went straight back to the studio to start work on Everybody Anyone while the creative juices were still flowing.

Everybody, Anyone sees a harder, heavier funk vibe than it’s predecessor but with the great grooves comes great songs. Talking about the album, bassist Neil Sheasby says: “In recent years I’ve heard a lot of records with great grooves but there’s no song, the message & melodies were still key to the records creation. To me it sounds like a very cohesive collection of tunes, a body of work that hangs well as a complete album. The next natural step for Stone Foundation”

Singer and guitarist Neil Jones adds “We wanted to make tunes that would unite people no matter what their background or beliefs may be and also for the first time in a while explore topics closer to home that effect us all, such as family, loss and finding comfort in some of the darker times we all face. It was important we changed the sound and made it harder and heavier and ultimately funkier and to me these 11 tracks sound like 8 musicians maturing and developing as players (with a little help from some good friends)”

Foto: Susann Klauck

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1991 hat Mastermind Olaf Schumacher, bis dahin Sänger und Songwriter der Most Wanted Men und nebenbei Northern Soul-DJ, THE GROOVY CELLAR formiert. Benannt nach einem Londoner Club der frühen 80er Jahre, war die Band seitdem mehr oder weniger kontinuierlich aktiv. Die Gruppe veröffentlichte neben nur einem Album eine Reihe von Singles und EPs für Twang!, Marsh-Marigold und Firestation Records, sowie etliche Compilation-Beitrage weltweit. Live teilte sich THE GROOVY CELLAR die Bühne mit so unterschiedlichen Künstlern wie Cleaners From Venus, Ian Brown (Stone Roses), Television Personalities, Liga der Gewöhnlichen Gentlemen oder Fehlfarben.

Deutlich beeinflusst vom klassischen Songwriting der Sixties haben sich die Veröffentlichungen der Band doch nie auf kurzlebige ideologische Raster projizieren lassen waren. THE GROOVY CELLAR sind einfach Pop, oder -sagen wir- Indie-Mod-Pop wäre treffender.

Im März 2019 erscheint das 3. Album „SOULMATES“. Ausgedacht von fünf gereiften Individuen, ist ein äußerst abwechslungsreicher Longplayer entstanden: Von dem Soul-Stomper „Soulmates“, dem 60s Beat-Kracher „Limelight“, herrlich verschleppten „Another You“ mit Beach Boys-Anklängen, dem obskuren „How Do You Sleep“ bis zum catchy Sixties Soul des „Fool For You“. Die Spielarten und das Instrumentarium sind weit gefächert, aber nie beliebig oder überladen. Produziert wurden die Songs erneut von Alex Ott (Doctorella, Dick Brave & the Backbeats, Spermbirds, Bottrops). Pass the paintbrush, honey …

Foto: Pitch & Smith

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Genre: Singer-Songwriter

Als einzige Sängerin aus Malaysia, die es weltweit zu Starruhm gebracht hat, ist es YUNA gewöhnt, Erwartungen zu übertreffen. Die junge Sängerin und Songschreiberin wird zwar oft mit Norah Jones, Feist, Ellie Goulding und Adele verglichen, hat mit ihrer Musik aber längst eine eigene Spur gefunden. Das zeigte sich schon 2012, als sie ihr erstes internationales Album “YUNA” herausbrachte, das den von Pharrell Williams produzierten Hit “Live Your Life” enthielt. Mit dem zweiten Album “Nocturnal” folgte der nächste Hit “Falling”, den sie gemeinsam mit dem Produzenten Robin Hannibal (Rhye, Kendrick Lamar, Cee Lo Green, Chairlift) schrieb. Mit ihrem jüngsten Album “Chapters” ließ sie ihre Einflüsse Folk, Jazz und Pop hinter sich und prägte einen eigenen Stil. Hip-Hop und R’n’B der 90er vereinen sich auf dem Album ebenso wie DJ Premier, Usher oder die Neo-Soul-Sängerin Jhené Aiko. Produziert wurde vom Grammy nominierten Duo Fisticuffs und einer Legende der Zunft, David Foster (Whitney Houston, Michael Jackson, Madonna, Beyoncé). Die Zusammenarbeit mit diesem Kreativ-Team zählt zu den Erfolgen ihres langen Weges, der sie von Malaysia in die USA und dort in die Top-Liga der Studio-Szene führte.

YUNA begann ihre Karriere als Sängerin mit 14 Jahren auf den Bühnen der Jazzcafés und Kaffeehäusern von Kuala Lumpur. Sie war noch ein Teenager, als sie mithilfe von sozialen Medien zu einem nationalen Superstar aufstieg. Übergesiedelt nach L.A. erregte sie mit ihren Alben und einer Coverversion des Beatles-Songs “Here Comes The Sun” u.a. Oliver Stones Aufmerksamkeit, der den Song in seinem Film “Savages” einsetzte. Während sich ihre Musik über H&M-Werbekampagnen verbreitet, bereitet YUNA emsig ein neues Album vor. Die Arbeiten daran verzögern ihre für diesen Herbst angesetzte Release-Tour.

Der für November geplante Termin in Berlin verschiebt sich daher auf den 1. April 2019. Die Tickets für die ursprünglich auf den 20.11.2018 terminierte Show im Berliner LIDO behalten keine Gültigkeit und müssen zurückgegeben werden. Tickets für die in den Privatclub verschobene Show im April gibt es an unten genannten VVK-Stellen.

Foto: Felix Wittich

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Die 22-jährige Sängerin, Songwriterin und Produzentin Emma Sophia Rosen, aka VVAVES, wurde schon von Geburt an einem musikalischen Umfeld ausgesetzt. Ob singend am Klavier mit ihrem Vater, 60er und 70er-Jahre-CD’s der Eltern hörend im Kinderzimmer oder während Tanz- und Musikstunden in der Schule: die gebürtige Kanadiern lebt und atmet Musik. Im Alter von 10 Jahren begann sie, sich das Songwriting selbst beizubringen und fing an, ihre eigene Musik zu produzieren und aufzunehmen. Nebenbei erlernte sie, Instrumente wie Gitarre und Klavier zu spielen, um ihre Lieblingssongs zu covern und auf Youtube hochzuladen.

Im Rahmen eines Schulaustauschs kam sie 2011 nach Hamburg, Deutschland, wo sich ihr Drang nach musikalischer Selbstverwirklichung verstärkte. So kam es, dass sie sich nach Abschluss der Schule in Kanada wieder auf den Weg nach Deutschland machte und anfing, als selbstständige Studiosängerin und Songwriterin zu arbeiten.

Ihr Traum, irgendwann mit eigenen Songs selbst auf der Bühne zu stehen, wurde durch ihre Arbeit mit Produzent Phil Speiser, mit dem sie VVAVES erschuf, in die Tat umgesetzt. VVAVES verbindet Emmas & Phils musikalischen Hintergrund mit internationalem Pop- Sound und Emmas fröhlicher und authentischer Art, ihr Gesang bringt ihre Liebe zur Bühne zum Vorschein.

Mit „Fall Apart“ veröffentlichte VVAVES 2016 ihren ersten Song, der auf Spotify und Soundcloud schnell Aufmerksamkeit generierte – 2017 unterschrieb sie einen Künstlervertrag bei der Universal Music Group.

Ihr erster Majorrelease „Alive“ im Jahr 2018 lenkte den internationalen Fokus auf VVAVES und sie trieb ihre Karriere, durch ihr Mitwirken an der Felix Jaehn „I Live Tour 2018“, wo sie auf der Bühne neben den Felix Jaehn Hits auch ihre eigene Single performte, auf das nächste Level.
Wir sind gespannt was als nächstes kommt!

Genre: Psychedelic, Blues, Rock

JD Simo gilt hierzulande zwar noch als Geheimtipp, in den USA wird der Ausnahmekünstler aber schon als „the next big thing“ gehandelt. In Chicago geboren, wuchs JD Simo in Phoenix/Arizona auf und zog vor einigen Jahren nach Nashville. Kaum einer lebt den Psychedelic-Blues-Rock derart wie der Frontmann der nach ihm benannten Band Simo.

Sein erstes Soloalbum „OFF AT 11“ erscheint in Kürze und ist inspiriert von den unterschiedlichsten Eindrücken wie u.a. Jimi Hendrix Experience, Captain Beefheart, Miles Davis, the Allman Brothers, Lightnin’ Hopkins und BB King. Alles steht dabei unter dem Motto „Liebe“.

“There’s an underlying theme of LOVE that permeates the album. Both outward love but also inner and self love. These days, everything is so heavy, but I just want to point out some joy, love and deep passion; in this world, we all share that spirit. OFF AT 11 does that.”

JD Simo nimmt den Hörer mit auf eine Reise durch seine Welt: Psychedelic Rock trifft auf traditionellen Blues, Psychedelic, Folk und Soul.

Genre: Indie-Pop

Lazy Day nahm seinen Ursprung 2014 als Schlafzimmer-Solo-Projekt von Tilly Scantlebury. Die Britin nahm ihre Songs mit Hilfe von Garageband auf, veröffentlichte sie auf ihren Online-Kanälen und wurde instantan von Blogs und Musik-Websites entdeckt. Die Nachrichten über diese ungewöhnliche Künstlerin verbreiteten sich so rasch, dass sie ziemlich schnell ihre inzwischen vierköpfige Band zusammenstellen musste. Die Debüt-EP „Ribbons“ erschien 2017 und beruht mit ihren vier Songs und den drei titelgebenden und Genre-fremden kurzen Interludes ebenfalls auf einem ungewöhnlichen Konzept. Wobei die Frage nach dem Genre sowieso nicht ganz einfach zu beantworten ist. Dieser verschattete Garagenrock speist sich aus impressionistischen Soundsplittern ebenso wie aus gradem Rock, aus nervösem Schlagzeug und aus Scantleburys verhangenem Gesang. Das Fachblatt Noisey zog den Songwriter Elliott Smith als Referenz heran, aber auch die halligen Shoegazer von Slowdive und den sensiblen Pop von Kate Bush. All das sorgt zusammen für ein kleines und immer wieder überraschendes Indie-Rock-Klangwunder. Nach der EP folgten eine erste Headline- Tour, etliche ausverkaufte Shows in ganz UK und in diesem Jahr, neben weiteren Auftritten, die Arbeit an einer zweiten EP, die Anfang 2019 erscheinen soll. Im April kommen Lazy Day dann erstmals für eine Tour nach Deutschland.

Hier kommt Abruzzo!

Genre: Indie, Singer Songwriter, Folk, Americano

Die Hamburger Band OVE geht 2019 mit ihrem dritten Album wieder auf Deutschland Tour. Der Sound von „Abruzzo“ katapultiert die Band in neue Sphären der Vielseitigkeit und zieht wunderbaren Stories vom Scheitern und Aufstehen
ein federleichtes Kleid an. Sixties-Referenzen mit Falsettchören im Background und glasklaren Folk-Harmonien treffen auf edle Bassläufe mit famosem Funk, Afrobeat-Gitarrenlicks auf zurückgelehnten Yacht-Pop. Das ergibt einen pulsierenden, lässigen, neuen Style, und der steht dieser Band vorzüglich. Man spürt: OVE haben tüchtig
Spielbock. Die neuen Songs wollen ausgebreitet, all die neuen Geschichten möchten erzählt werden. Sie haben es verdient.

Website Facebook

Genre: Singer-Songwriter

Der 26-jährige Sänger, Pianist und Komponist Billy Lockett blickt bereits auf einen weit verzweigten künstlerischen Weg: Seit 2013 veröffentlicht er seine Songs online und hat seither zwei radikale stilistische Wendungen vorgenommen, die sich auch in jeweiligen Umzügen ausdrückten. Nach einigen Jahren in London ist er 2015 in seine Heimat Northampton zurückgekehrt und hat seine Musik noch einmal komplett neu gedacht – wie sich nun auch auf seiner ersten offiziell über Warner veröffentlichten EP „Burn It Down“ zeigt, die direkt auf Platz 8 der britischen iTunes-Album-Charts schoss und bislang über 6 Millionen Mal gestreamt wurde. Mit „Empty House“ erschien im Frühjahr die erste Single seines kommenden, derzeit noch unbetitelten Debütalbums, das in diesem Jahr erscheinen soll. Am 26. September kommt Billy Lockett für ein exklusives Konzert nach Berlin.

Billy Lockett war Anfang 20, als er begann, in seinem Schlafzimmer-Studio erste Songs zu produzieren, die er anschließend online stellte. Erst trug sich die Kunde seiner gefühlvollen Musik, die ebenso an Bon Iver erinnert wie an die versponnenen Arrangements von Radiohead, durch die Region Northamptons – und von dort weiter nach London. Nach diesen ersten Songs entschied er deshalb, nach London zu ziehen, um dort sein Glück als Profimusiker zu suchen.

Es entstanden weitere Songs, oft getragen von seinem gefühlvollen Pianospiel und seiner markanten Stimme, meist allerdings im Anschluss angereichert durch zahlreiche Schichten an zusätzlichen Instrumenten und Klangschnipseln. Ein tragischer Einschnitt in sein Leben veränderte alles: Als 2014 sein Vater, der renommierte Maler und bildende Künstler John Luce Lockett, verstarb, stellte der Sohn seine eigene Kunst auf den Prüfstein. „Ich fragte mich, warum ich diese Songs, die ich geschrieben hatte, so gestaltete, wie ich es bis dahin getan hatte“, erzählt er. „Und fand die Antwort darin, dass ich damit letztlich nur eines wollte: berühmt werden. Als mir das klar wurde, habe ich London sofort wieder verlassen und bin zurück in meine Heimat gezogen.“

Zwei Jahre ging Billy Lockett in eine Art innere Klausur und überprüfte seine Kunst auf ihre Aufrichtigkeit. Jeder Ton, der nicht seiner tiefsten Empfindung entsprach, wurde gelöscht, zum Vorschein kam ausschließlich die reinste Authentizität – die sich, wie seine neuen Songs beweisen, nun in einer beachtlichen Reduktion auf das Wesentliche äußert. „Meine Musik ist nichts für Partys, sie ist gedacht für intime Momente der Innenbetrachtung, etwa bei langen nächtlichen Autofahrten.“

Mit diesem neuesinger sonn, reduzierten Sound wuchs die Beachtung für ihn immens. Die erste EP in diesem neuen Klang, seine offizielle Debüt-EP „Burn It Down“, geriet entsprechend zu einem vielbeachteten Stück Musik auf allen Musikdiensten und wurde viele Millionen Mal gestreamt. Bei Support-Shows für Lana del Rey, Birdy, Leon Bridges und andere Künstler bewies der junge Komponist, dass sich seine Songs in der Live-Situation wieder ganz anders darstellen. „Ich mag den Gedanken sehr, dass ein Künstler live ganz anders klingt als im Studio“, sagt er. „Erst dadurch wird ein Song für mich zu einem echten Kunstwerk.“ Live sind Billy Locketts Songs Ende September dann auch in Deutschland zu erleben.

Genre: Dance, Electro, Pop, Rock

Es ist ziemlich kalt. Nebel liegt über dem kleinen Idyllischen Dorf im Frankenland. Auf einem der Bauernhöfe begrüßt ein Hahn lautstark den Morgen. Warmes Licht fällt aus den Fenstern und vermischt sich mit den zaghaften Sonnenstrahlen, die sich durch den winterlichen Nebel kämpfen. Motorengeräusche durchbrechen plötzlich das ländliche Idyll. Der schwarze Transporter am Straßenrand erwacht zum Leben. Die Scheinwerfer wie Augen in die Ferne gerichtet. Hin zu den Städten, zu den Metropolen. Es ist soweit. Good Weather Forecast geht auf Clubtour.

Mit im Gepäck die Songs von ihrem neuesten Album Superhumans (Starwatch Entertainment). Songs die so gar nicht nach fränkischer Beschaulichkeit klingen. Viel eher nach den Metropolen dieser Welt. Da ist die Single “Superhumans” so groß und schillernd wie New York. Songs wie “House Of Cards” und “Even If”, die mit ihrem urbanen Sound eher an die schmutzigen Straßen Berlins erinnern. “Dancing with Dragons” ist ein verrauchter Pub in London und “Steal Your Time” das pulsierende Leben in LA.

Jeder Song eine andere Welt. So vielfältig wie das Leben selbst. Man darf sich auf die Live Umsetzung dieser Platte freuen. Zumal die Jungs von Good Weather Forecast auf eine beeindruckende Live Erfahrung mit über 500 Konzerten auf drei Kontinenten zurückgreifen können. So viel ist sicher. Es ist wird ein vielschichtiger Abend. Voller Energie, voller Leben. Großer Momente und intimen Tönen. – Die Good Weather Forecast „Superhumans“ – Club Tour 2019.

Jeden ersten Samstag des Monats im Privatclub!

Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo

Kickin‘ Ass since 2000!

Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.

Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.

„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.

Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!

Genre: Hip Hop / Rap

Verschnaufpause? Für den Augsburger Rapper ERRDEKA ein Fremdwort. Stattdessen veröffentlichte er mit »Liebe« gleich das zweite Album in einem Jahr – und legte am 05.10.2018 nach tiefgründiger Sinnsuche und experimentellem Soundbild auf »Solo« eine straighte HipHop-Platte mit entspanntem Vibe vor. Produziert wurden die 15 Tracks auf »Liebe« komplett von dem Augsburger DVNNY DRVMV, der als Daniel Bortz mit seinen DJ-Sets und über Label-Institutionen wie trndmusik, Suol und Pastamusik veröffentlichten Tech-House-Edits und Tracks von Ibiza bis Chicago für Aufsehen sorgt.

Im April geht ERRDEKA auf kleine Le Tour de L’Amour-Tour durch sechs Städte!

Genre: Singer/Songwriter

Hallo liebe Aren & Chima Familie.

Schweren Herzens müssen wir den Release und die dazugehörige Tour im April
auf den Herbst verschieben.

CHIMA veröffentlicht jetzt doch schon im Februar, also quasi zeitgleich, seine erste Single. Er schreibt dazu:
„Nach vielem Hin- und Herüberlegen, bin ich zu dem Schluss gelangt, dass es besser ist die jeweiligen Kampagnen richtig, und ohne Ablenkungen zu fahren. Es wäre mir nicht möglich zwei gleich-terminierte Veröffentlichungen organisatorisch unter einen Hut zu bekommen. Die Termine hätten sich – gerade in der Promo-Phase – überschnitten und ich mich zwei- und dreiteilen müssen. Das wäre nicht im Sinne des Erfinders. Ich will sowohl als CHIMA, als auch als AREN&CHIMA voll am Start sein.
Mein urplötzlicher CHIMA-Single-Release hat mich selbst etwas überrumpelt.
Ich hoffe ihr seid nicht böse auf mich und dass ihr uns weiterhin die Stange haltet.
Wir sehen uns bei den Ausweichterminen.

07.10.2019 Saarbrücken, Garage
08.10.2019 Köln, Helios 37
09.10.2019 Hamburg, Häkken
10.10.2019 Hannover, LUX
11.10.2019 Berlin, Privatclub
13.10.2019 Leipzig, Moritzbastei
14.10.2019 München, zehner
15.10.2019 Stuttgart, Schräglage
16.10.2019 Mannheim, Kulturbrücken
19.10.2019 Frankfurt, Brotfabrik

Die Aren&Chima EP ‚Von nun an glücklich‘ wird jetzt am 16.August veröffentlicht.

Liebe,
Aren & Chima

Genre: Deutschpop

MORITZ GARTH ist einer der erfolgreichsten deutschen Social Media Stars mit über 480.000 Abonnenten auf Youtube und 358.000 Followern auf Instagram. Als „einer der ganz großen Durchstarter der YouTube-Musikszene“ (WAZ), hat er nicht zuletzt mit seiner Single „Bumerang“ eindrucksvoll bewiesen, dass er auch über die Plattform hinaus mit seiner Musik begeistert – und wurde dafür bereits in 2018 mit dem ABOUT YOU Award und der Goldenen Kamera digital ausgezeichnet.

Mit fünf Singles auf dem Markt ist MORITZ Teil der neuen Generation deutscher Singer-Songwriter und kann mit erfolgreichen Künstlern wie Wincent Weiss und Max Giesinger allemal mithalten. Seine elektrisierenden und emotional aufgeladenen Popsongs schreibt der 23-Jährige selbst und in Zusammenarbeit mit anderen Songwritern wie Philipp Klemz (Glasperlenspiel, „Geiles Leben“), Mathias Ramson (Ben Zucker) oder auch Lukas Loules. Während seiner 1Live „Wahnsinns-Tour“ oder auf seinen Shows im Rahmen der Glow Convention, der VideoDays oder der Stylorama, konnte er bereits sein Talent auf der Bühne beweisen. Ab Oktober 2018 wird er Singer-Songwriterin LEA als Special Guest unterstützen und sich auf seine eigene große Headliner-Tour im April 2019 vorbereiten.

Genre: Indie Folk

Die fragilen, kleinen Songs von Hollie Fullbrook entfalten ihren ganzen Charme besonders in der Live-Darbietung. Die Neuseeländerin mit der rauchig-zarten Stimme ist Poetin, Songwriterin und Pop-Chanteuse zugleich und mit ihrer Band Tiny Ruins nicht weniger ein Erlebnis. Wer auf Nick Drake-artigen Indie-Folk mit Frontfrau extraordinaire steht, sollte am 10.04.2019 in den Privatclub gehen, um der Dame zu lauschen. Es lohnt sich!