Genre: Acoustic / Singer-Songwriter

Eigentlich war Aren Emirze in Los Angeles, um das Vermächtnis seiner Noise Rock- Band Harmful zu vollenden. Doch statt dessen entdeckte er dort in der armenischen Community seine Liebe zur Musik des Heimatlandes seiner Eltern. Auf vom Moses Schneider produzierten Album „Papak“ trifft anglo-amerikanische Musik-Sozialisation auf armenische Poesie der letzten 100 Jahre. Melancholische Lieder über die Liebe, Leid, Erinnerungen, Sehnsüchte und die Natur.

Gaijin-Tour 2018

Genre: Alternative, Indie

Nach drei Alben, einer EP und einer Split-7 mit Boysetsfire, jeder Menge Touren mit Szenegrößen wie Jennifer Rostock oder Saves The Day sowie diverser Festivals gehen KMPFSPRT diesen Herbst endlich wieder auf eigene Tour! „Gaijin“ – Das japanischen Wort für ‘Außenseiter‘, das man auch mit ‘Mensch von außerhalb‘ übersetzen kann, ist der Titel von KMPFSPRTs neuestem Album. Es beschreibt das aktuelle, oft unterschwellig negativ gefärbte Lebensgefühl in all seiner Konsequenz: Ob Wahlerfolge der AfD, Polizeigewalt oder das Desinteresse einer Hipster-Generation, die nur noch um sich selbst kreist – KMPFSPRT kommentieren die gesellschaftliche Realität mit der von ihnen bekanntenDirektheit. Mit dem Album laden sie jeden ein, der gerade nicht so richtig weiß, wohin er eigentlich gehört, aber ein positives Ziel vor Augen hat und sich ebenso nach weniger Hass und Grenzen, auch in den Köpfen der Menschen, sehnt.
Im Festival-Sommer 2018 haben KMPFSPRT ihr neues Album schon mal warm gespielt. Im Oktober geht’s jetzt endlich auf ausgedehnte Headliner-Tour durch 15 Städte!

Phil Haussmann (Apples In Space)

Genre: Indie, New Wave, Guilty Pleasures

It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.
Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties.

Genre: Indie | Soul

We are celebrating our 21th birthday with a another allnighter! We invited two brilliant bands to join us on this special night of October, 20st 2018 at Privatclub in Berlin.

Stone Foundation (UK)
+ Candy Opera (UK)
+ Aftershow party with Ship Shape Club and Friends

Now, let us introduce to you the two bands that will entertain you on this very special night rounding up the 20th birthday of our fine little label, and eventually celebrating its 21st birthday!

Hailing from the poorer parts of Liverpool, Candy Opera, based around mastermind Paul Malone, will be kicking off the night. The band started in the early 1980’s, when good friend Michael Head (of Pale Fountains fame) lived just around the corner. With their musical background rooted in the 1960’s, and influenced by bands like Love and The Beach Boys, Candy Opera soon started to create their very own sound, which went way beyond classic Indie Pop. Their Sophisti-Pop can best be compared to the likes of Prefab Sprout and Aztec Camera. By augmenting their line-up and using instruments like clarinet, flute and violin, Candy Opera sounded way ahead of their time. This, unfortunately led to the band disbanding in the early 90’s, without ever releasing a record, though there was some interest from labels like EMI and Go! Discs. Finally, they are back again on stage, after having received raving reviews for the first LP „45 Revolutions Per Minute“, which was released on our very own label earlier this year. Candy Opera will be accompanied by a film team in Berlin doing a documentary on the „great lost band“. So, be prepared to watch the Liverpool band that could have been bigger than the Beatles!

Our second live band, Stone Foundation, founded by co-writers Neil Sheasby and Neil Jones in the late ’90s in London, is among the prime purveyors of British Soul today. Having been around for almost 20 years, Stone Foundation have built up a strong live following in the UK. With their distinctive horn-driven, soulful sound, with clear reminiscences of classic 60’s and Northern Soul, and yet with a very british flavour, their sound is not too dissimlar to the likes of Dexys and early Style Council. This combination of musical styles also aroused some attention by a certain Mr. Weller. In fact, Paul liked their music so much that he asked them if he could write, sing, play and produce an album with them. The resulting LP „Street Rituals“ reached no. 25 the UK album charts and no. 2 in the indie charts last year, and finally gave them the well-deserved success. With this experience, their craftmanship, and their notorious habit to make each and every live show a very unique event, Stone Foundation will surely be taking Berlin by storm! And who knows, maybe Paul Weller will be joining them on stage for a song or two…

After the show, the Ship Shape DJ-team and friends will make sure to keep you on your dancing feet. They will entertain you with their very own blend of everything you always wanted to know about good Pop Music but were afraid to ask.

Genre: Blues Rock

In der Tradition eines Rory Gallagher, Phil Lynott und Gary Moore, trägt nun Eamonn Mc Cormack die Fackel des Irish-Blues-Rock in die nächste Generation weiter. Sein neues Album „Like there´s no tomorrow“ wurde mit Gary Moore’s Bassist und Schlagzeuger eingespielt und wird auf dieser Tour ausgiebig vorgestellt. Gary selbst gefiel Eamonns Musik, Phil Lynott’s Mutter ist ein Fan. McCormack spielt High Energy Irish Blues Rock. Quer durch die Clubs und Festivals Europas hinterließ er in den letzten Jahren etliche faszinierte Zuschauer. Gleich zwei höchst arrivierte Alben wurden mit “Heal My Faith” und “Kindred Spirits” veröffentlicht, letzteres mit Featurings von Rory Gallagher, Jan Akkerman und Herman Brood.

Eamonn arbeitete, spielte und tourte mit Johnny Winter, Rory Gallagher, ZZ Top, Nils Lofgren, Pat Travers, Walter Trout, Popa Chubby und Brian Robertson (ex. Thin Lizzy) und neuerdings auch mit ex. Gary Moore Mitgliedern, mit denen er das Doppelalbum „Like There’s No Tomorrow“ eingespielt hat. Zu hören sind Jonathan Noyce am Bass und Darrin Mooney am Schlagzeug, beide werden viele als Gary Moore’s Power House Rhythmus Sektion in Erinnerung haben. Aber keine Sorge, Eamonn McCormack ist in keinster Weise ein Tribute Guitarist, sondern trägt seine ganz eigene, originelle, eingeborene Handschrift. Seine Passion für den Blues hat ihm den Respekt gerade der Legenden eingebracht, zu denen er aufstrebt.

Genre: Hip Hop

Planet Asia is regarded as one of the most recognizable voices and names within hip-hop. The veteran emcee who has had career that is now 20+ years long, is hitting the road for a small run w/ up and coming artist Jabee (Oklahoma), and the group N.B.S. (Boston).

Planet Asia has continued to produce flawless albums, and after his highly regarded release “Anchovies” in 2017 w/ Detroit Producer Apollo Brown, he has followed up with his latest album “The Golden Buddah” which dropped on January 19th. Planet Asia has continued to produce timeless albums and puts on a one of a kind live show. He has a catalog that is almost untouchable with his extensive solo career, and then his classics w/ the group “The Cali Agents” as well.

Hip-Hop duo N.B.S., worked with 9th Wonder, DJ Khalil, Slaine, AG, Wais P, Royce Da 5’9″, Bishop Lamont, Esoteric, Snowgoons, Statik Selektah, Virtuoso and many more. The Boston duo have toured extensively over the last few years. Touching down in Europe, Australia, Asia and more. Their release w/ German Super Producers The Snowgoons titled „Trapped in America“ was one of the more solid releases that came out in 2015. They are gearing up to release their latest album „Budavets 2“ this year.

Genre: Indie Pop

Der kalifornische Newcomer Michl spielt am 24.10.18 sein erstes Deutschlandkonzert im Berliner Privatclub. Viel weiß man nicht über den jungen Künstler, um den es insbesondere in den USA in den letzten Jahren viel Hype gab, seine 2016 veröffentlichte, gleichnamige EP geht aber durch Mark und Bein: Ein klarer Kommentar zur aktuellen Weltlage, dem sozialen Klima und eine Aufforderung, den Protest in die eigene Hand zu nehmen. „Zorn und Frustration sind für mich an der Tagesordnung. Trotzdem entstammen diese Emotionen der Hoffnung, dass sich irgendwann alles zum Guten ändert.“ ­­­- das sagt der Künstler selbst über sein Werk, das mit atmosphärischen Synthies und eleganten Soundstrecken überzeugt. Ergänzt durch Michls bebende Stimme, entsteht eine fast schon sinnliche Komposition, die revolutionäre Gefühle weckt.

„Mit seinem Sound und den Worten darin bricht er sämtliche Konventionen“ – HillyDilly

Auf der Bühne unscheinbar, weiß Michl trotzdem um die Schlagkraft seiner Worte und Beats und setzt diese nahezu perfekt dosiert seinem Publikum vor. Jeder Auftritt erzeugt eine ganz eigene Welt, die von Location und Publikum auf fast schon magische Weise mitgetragen wird.

Genre: Pop, Soul

Der aus Sydney stammende und in London lebende Ruel ist das, was man ein wahres Naturtalent nennt. „Als ich zum ersten Mal seine Stimme hörte, habe ich fast die Besinnung verloren!“ – so wird sein Entdecker M-Phazes zitiert, Produzent von u.a. Eminem, Kimbra und Daniel Johns. Mit seiner Hilfe brachte es der gerade einmal 15 Jahre alte Sänger und Gitarrist zunächst in Austalien zu Übernacht-Ruhm, derzeit erobert er Großbritannien. Seine ersten drei Singles, „Don’t Tell Me“, „Dazed & Confused“ und „Younger“, stiegen allesamt in die australischen Charts, ebenso wie die Mitte Juni erschienene Debüt-EP „Ready“. Während Ruel nun an seinem ersten Album arbeitet, spielt er europaweit immer wieder einzelne Konzerte. Eine dieser Shows kann man auch in Deutschland erleben, am 25. Oktober in Berlin.

Es zeichnete sich früh ab, dass Ruel, im Oktober 2002 geboren, ein besonderes musikalisches Talent besitzt. Schon während der Grundschulzeit erhielt er Gitarren- sowie Gesangsunterricht und tat sich als ein Kind hervor, das eine selten intensive Gabe besitzt, seinen Gesang emotional aufzuladen. Während der weiteren Jahre schrieb er Songs und trainierte seine Fähigkeiten als Straßenmusiker auf den Strandpromenaden Sydneys.

2015 schickte der damals 12-Jährige ein Demo einer Coverversion des James Bay-Hits „Let It Go“ an den Grammy-verzierten Produzenten M-Phazes, der sich vom Fleck weg begeistert zeigte. Gemeinsam nahmen sie seinen ersten professionellen Song auf, die Ballade „Golden Years“, die es innerhalb von 48 Stunden auf über eine halbe Million YouTube-Plays brachte und seither täglich viele tausend Male angeklickt wird. Seit Ende 2017 veröffentlichte Ruel drei Songs aus seiner ersten EP als Single, jede einzelne geriet zu einem großen Erfolg in Australien und Neuseeland. Alles gekrönt durch einen überragenden Auftritt bei der Eröffnungszeremonie der Commonwealth Games im April.

Ruels Talent, Pop und Soul miteinander zu verschmelzen, wird von seinem in Hip-Hop, R’n’B, Rock und Pop gleichermaßen geschulten Produzenten M-Phazes auf besondere Weise konserviert. In diesem Duo fand sich ein Team, das Ruel sukzessive zu einem besonderen neuen Star aufbaut, dessen Jugend man unmittelbar vergisst, kaum dass man diese reife Stimme hört.

Genre: Indie Rock

Kicker Dibs – ein Rocktrio aus Berlin, das Herzen und Füße bewegt. Egal, ob kleiner schwitziger Club oder auf Kinoleinwand, ihre Musik ist laut, schnell und konfettibunt. Sie mischt Deutschrock mit Singer-Songwriter-Charme und Euphorie mit Melancholie. Die Texte sind eingängig und doch hochpoetisch, sie handeln vor allem von Liebe und Freiheit. Dass das nichts mit Kuschelrock zu tun hat, sondern irgendwo zwischen tanzbarem Deutschpop á la Bosse und rotzigem Indierock á la Kraftklub liegt, bestätigen die Jungs immer wieder auf ihren Konzerten.

2016 haben Niki Nubel (Gesang, Gitarre), Lenni (Drums, Gesang) und Tingel (Bass, Gesang) ihre erste EP auf den Markt gebracht und 2017 folgte der Soundtrack zum Kinofilm „Tigermilch“ (Constantin Film). Auch die in 2018 erscheinenden Singles werden die rockig-poetische Handschrift der Band tragen und zeigen, dass Deutschrock viel tiefgründiger und tanzbarer ist, als der Mainstream vermuten lässt

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Genre: Indie / Rock / Pop

Beinahe zufällig wurde die Berliner Gruppe SIND zur interessantesten neuen deutschen Rockband. Das in diesem April erscheinende Debütalbum „Irgendwas mit Liebe“ erzählt von gewaltigem Lebenshunger, der Suche nach Liebe und einer großen Freundschaft. Es ist Musik, die nicht nach links oder rechts guckt – und vielleicht gerade deshalb alles über das Hier und Jetzt sagt.

Hannes, Arne und Max – Nachnamen tun hier nichts zur Sache – waren zusammen auf einer Schule. Die Gitarristen Hannes und Max machen schon damals zusammen Musik, irgendwann kommt Sänger Arne dazu. Im sogenannten Berliner Kreativdorf Holzmarkt und dort im damaligen Club Kater Blau verbringen sie ihre Zeit, dort arbeiten, feiern und proben sie – und lernen den Schlag- zeuger Ludwig kennen. Der wiederum Mathias mitbringt. Mathias ist eigentlich Gitarrist, aber Gitarristen gibt es bei SIND ja schon, also spielt er Bass. Geprobt wird damals in der Clubtoilette des Kater Blau. Wer da zufällig mal sein sollte: Der Name SIND ist bis heute in den Boden geritzt.

Whitest Boy Alive, Phoenix, Techno, Zwölftonmusik, Foo Fighters, Die Toten Hosen, Blues, Klassik, Jazz, Hamburger Schule, Pink Floyd, Udo Lindenberg, Beatles, amerikanischer und Deutsch-Rap, R&B: All diese Bands und Stile spielten für die SIND- Musiker zu irgendeinem Zeitpunkt ihres Lebens eine wichtige Rolle. Eigentlich hätte das hier ein ziemliches Chaos werden müssen. Durch ihre große Freundschaft und die Tatsache, dass sie bis heute jede freie Minute miteinander verbringen, gelingt SIND nun allerdings jeden Tag aufs Neue die Quadratur des Kreises. Formell sind sie eine Rockband, aber aus dieser klassischsten aller Perspektiven gelingt SIND ein absolut frisch und aufregend klingendes Narrativ für das Hier und Jetzt. Es geht um die Liebe, das Leben in der Stadt, die täglichen Verwerfungen, die kleinen und die großen Kämpfe – und um die Frage, wie man das alles überhaupt aushalten soll. So haben SIND über anderthalb Jahre ihren Sound entwickelt und verfeinert, ehe sie dann am 16. Januar 2014 eher aus Versehen ihr erstes Konzert spielten.

Im Spätwinter 2018 sind SIND – die Wortspiele mit dem Namen lassen sich kaum vermeiden – irgendwie eine richtige Band geworden. Das Album ist fertig, es kommen: Release-Konzerte in Hamburg und Ber- lin, Sommerfestivals, eine Tour im Herbst. Nicht schlecht für eine Band, die doch eigentlich nur eins wollte: „Ich hatte immer diese Vision im Kopf, mit all unseren Freunden zu einem Festival zu fahren, wo alle umsonst trinken können, weil wir auf der Bühne stehen“, sagt Arne. Manchmal sind es die vermeintlich kleinen Ziele, die im Leben wirklich zählen.

Genre: Indie Rock, Indie Pop

Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.

Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.

Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)

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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.

But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.

Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.

Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“

Genre: Indie Rock

Das katalonische Quartett MOURN stürmte die Szene im Jahre 2014 mit ihrem schlicht „Mourn“ betitelten Debüt-Album – kantiger 90es-Indie-Rock, mit einem Selbstbewusstsein vorgetragen, der nicht dem Alter der Musiker entsprach: Die Bandmitglieder waren zwischen 15 und 18 Jahren jung! Ende 2015 sollte der Nachfolger „Ha, Ha, He“ erscheinen, der aber aufgrund eines Rechtsstreit mit ihrem spanischen Management und Tourneeveranstalter erst mit vielen Monaten Verspätung erschien. Getourt sind sie mit dem Album aus o.g. Gründen gar nicht.

Jetzt, wo die rechtlichen Zwänge endlich überwunden sind, kehren MOURN mit voller Kraft zurück und präsentieren ihr drittes Album ,Sorpresa Familia“ (deutsch: Überraschungsfamilie). Es ist ein Album voller Wut und Leidenschaft geworden. Bis zum Bersten gefüllt mit Anspannung und zurückgehaltener Frustration fügt sich ,Sorpresa Familia“ exakt in den Katalog der Band ein. Und dennoch fühlt es sich anders an: Kultivierter. Absichtsvoller. MOURN lassen vom Stapel gegen gierige Konzerne, Ausbeutung, falsche Freunde, unehrliche Autoritätspersonen, die komplexe Weltpolitik.

Die Band selbst sagt: “Everything you live builds you as a person, and we think it builds your art as well. We use songs as a way to express ourselves, to organize our ideas, and understand our own thoughts in order to grow emotionally. This album sums up everything we’ve lived during the past two years. It wasn’t easy to open up, but we did it anyway, without fear. Every frustration, disappointment, delusion…we got everything out. We liberated ourselves, and now we’re ready for anything that comes up. The lyrics are all very literal; they are our raw experiences, without makeup. Our animalistic side, reduced to our most intense and visceral emotions. Of all our recent experiences, we keep what was learned, all the mistakes and successes. Now we know that life is SORPRESA (a surprise), but above all, it is FAMILIA (family).”

Genre: Folk

Mit ihrem dritten Album „Celebrate“ graben sich Harmen und Heta – TOWN OF SAINTS – wieder zurück zu ihren Wurzeln als Folk-Duo. Die dunklen Folk-Rock-Songs über menschliches Verhalten während der Apokalypse wurden mit einer fünfköpfigen Band aufgenommen, aber in ihrer Essenz sind es akustische Folksongs.

Obwohl viele der Songs auf dem neuen Album vom Ende der Welt handeln, schaffen es Town of Saints, die Songs mit frischer neuer Energie, dem nötigen Humor und kraftvoller Freude zu spielen. Wenn man sie live sieht, kann man erwarten den Raum etwas leichter zu verlassen als man ihn betreten hat. Und das nicht nur weil man sich den Schweiß aus dem Körper getanzt hat, sondern auch weil nicht alles so schlecht ist, wie es manchmal scheint. Noch nicht mal das Ende der Welt.

Foto: © Fox Beach

Facebook

nothing,nowhere. Neuer König des Emo-Rap. Fulminante Mischung aus Hip-Hop & Singer-Songwriter. Im Oktober live in Köln & Berlin.

Genre: Rap

Ursprünglich wollte der in Massachusetts geborene und in Vermont lebende Joe Mulherin Filmemacher werden, und die begeisterten Reaktionen auf seine ersten Kurzfilme – darunter ein Sonderpreis beim Filmfest in Cannes – ließen auch vermuten, dass er damit auf dem richtigen Weg ist. Doch ihm kam die Musik dazwischen – oder vielmehr die überragenden Rückmeldungen auf seine ersten veröffentlichten Tracks. Inzwischen hat sich Mulherin ganz für die Musik entschieden und veröffentlicht unter dem Pseudonym nothing,nowhere. fantastische, bemerkenswert eigenständige Musik zwischen Hip-Hop und Singer-Songwriter, ein Genre, das mit „Emo-Hip-Hop“ umschrieben wird. Nach einigen rein digitalen Veröffentlichungen auf seiner Bandcamp-Seite erschien im Oktober sein offizielles Albumdebüt „Reaper“, über das ein Rezensent der New York Times schrieb: „Eines der vielversprechendsten Popalben des Jahres“. Nun kommt Joe Mulherin zwischen dem 28. und 31. Oktober erstmals nach Deutschland, für zwei Konzerte in Köln und Berlin.

Joe Mulherin wuchs in Foxborough/Massachusetts auf und interessierte sich schon früh für zwei Dinge: das Gitarrespielen und die digitale Filmherstellung. Zunächst verfolgte er letzteres Interesse mit Nachdruck, belegte bereits in der Highschool das Studienfach ‚Computerbasiertes Design‘ und besuchte im Anschluss die Filmhochschule am Burlington College. Gleich seine ersten Kurzfilme erhielten viel Aufmerksamkeit und einige Auszeichnungen. Der berufliche Weg schien damit vorbestimmt, und dementsprechend wenig Aufmerksamkeit schenkte er zunächst seinen musikalischen Ambitionen.

Dennoch lud er unter dem mysteriösen Namen nothing,nowhere. ab 2015 erste selbst produzierte Tracks auf seinen Bandcamp- und SoundCloud-Seiten hoch – und wurde überrascht von dem Feedback, das ihn dort ereilte. Umso mehr, als er aus seiner Person ein Geheimnis machte und etwa auf Fotos stets sein Gesicht versteckte. Dennoch schrieben ihn zahllose Hip-Hop- und Pop-Produzenten an, die gern mit ihm zusammenarbeiten wollten. Und so entstanden innerhalb von zwei Jahren ein Album sowie zwei EPs mit wechselnden Kollaborateuren, die Mulherin dazu dienten, seine Fähigkeiten und seinen Horizont als Musiker erheblich zu erweitern.

Erste Tourneen an der Seite solch gegensätzlicher Formationen wie Tiny Moving Parts, Thrice und La Dispute belegten, dass sein Emo-Hip-Hop weit über alle Genregrenzen hinweg funktioniert und die Hörer nachhaltig beeindruckt. Und so entschied sich Mulherin dazu, das Filmemachen an den Nagel zu hängen und sich ganz der Musik zu widmen. Mit Erfolg: Seit sein offizielles Debütalbum „Reaper“ im vergangenen Oktober erschienen ist, spricht man in gut informierten Kreisen von einer neuen Sensation, die die bedächtige Emotionalität handgeschriebener Songs auf außergewöhnliche Weise mit der Coolness von postmodernem Hip-Hop vermählt.

Website Facebook

Genre: Singer Songwriter

In einer digitalen Ära, in der Musik vorwiegend als Fastfood konsumiert wird und die Hörgewohnheiten durch die immer gleichen Geschmacksverstärker konditioniert sind, wagt der Liedermacher Milian Otto die Unverschämtheit, die Worte in den Fokus zu setzen und so mit seiner unverblümten Sicht auf die Welt, den Synapsen seiner HörerInnen ein feines Fressen vorzusetzen. Die zwölf Lieder auf Milians Debütalbum „Wahnwitz und Gelegenheit“ sind eine Auswahl aus unzähligen Liedern, die sich im Laufe der Jahre in Milians Repertoire aufgestapelt haben. Hierbei schrieb er ausschließlich sein eigenes Material, lediglich das Lied „Trotz alledem“ bedient sich einer traditionellen schottischen Melodie, zu der Milian eine Neufassung des Textes geschrieben hat. Sie reiht sich ein in zahlreiche Bearbeitungen der Ursprungsversion von Ferdinand Freiligrath (1848) – die bekanntesten unter ihnen stammen von Wolf Biermann und Hannes Wader. Neben diesen beiden Größen der deutschen Liedermachergeschichte sind es Rio Reiser, Victor Jara, Fabrizio de André und Georges Brassens, die das Fundament für Milians Liebe zum Geschichtenerzählen gelegt haben. Ihre Fähigkeit, die Welt hinter der Welt abzubilden und das Brennglas auf die klaffenden Wunden ihrer Zeit zu richten, sind für Milians Schreiben ständige Orientierung und Inspiration. Als Schauspieler ist Milian seit vielen Jahren auf den deutschsprachigen Bühnen zuhause und hat während seiner Festengagements in Düsseldorf und Zürich in dutzenden Produktionen mitgewirkt, unter anderem bei Karin Henkel, Herbert Fritsch, Jan Bosse und vielen anderen. Was das Schauspiel mit seiner Musik verbindet, ist die Lust an der Sprache, die Lust am Erzählen und der Wille, gehört zu werden. Je kleiner die Geste, desto größer der Inhalt. Kaum ein Lied, das nur eine Geschichte erzählt. Kaum ein Lied, das nicht auch ein Liebeslied ist. Kaum ein Lied, das nicht auch die eigene Ambivalenz im Großen und im Kleinen spiegelt. Viele von Milians Texten bewegen sich im Spannungsfeld zwischen den unvermeidlichen persönlichen und kollektiven Widersprüchen der menschlichen Existenz und dem zu schöpfenden Mut, die eigene Unzulänglichkeit in eine positive, verändernde Kraft umzuwandeln. So ist für ihn die Selbstdurchleuchtung, die mitunter auch erst einmal einen dystopischen Anschein haben kann, lediglich der erste Schritt zu einer progressiven Vision. Die Aufnahmen zu Milians Debüt, das er in Eigenregie selbst eingespielt hat, entstanden über einen Zeitraum von circa zwei Jahren zuhause in seinem Schlafzimmer – die knarzigen Schritte der Nachbarn haben darauf ebenso ihren Platz erzwungen wie die eine oder andere vorbeifahrende Straßenbahn. Dabei diente eine alte, widerspenstige Bandmaschine als Aufnahmegerät und prägendes Soundelement. Ob beim Songwriting oder in den Arrangements: Immer ist es Milians Anliegen, seine Lieder auf das Essentielle zu reduzieren. So bleiben neben dem Fuß-Tapping auf „Trotz Alledem“ und einigen perkussiven Elementen am Ende von „Der weiße Traum“ die verschiedenen Gitarren die einzigen Instrumente auf dem Album.

Mit „Wahnwitz und Gelegenheit“ im Gepäck (Label: Tap-Water Records), wird er im Herbst/Winter 2018 in Deutschland und der Schweiz unterwegs sein. Ende 2018 wird Milian zudem in der Roman-Adaption „Adam und Evelyn“ zum ersten Mal auf der Kinoleinwand erscheinen.

Genre: Ethno, Jazz, Funk, Afrobeat

Idris Ackamoor ☥ The Pyramids sind mit ihrem brandneuen Album „An Angel Fell“ (via Strut Records) zurück und feiern dies mit einer weltweiten Tour. Die Platte ist der Nachfolger des gefeierten „We Be All Africans“ von 2016 und verbindet gekonnt Jazz Funk mit Afro-Beat Grooves. „An Angel Fell“ ist ein Konzeptalbum für das 21. Jahrhundert, produziert von Malcolm Catto im Quatermass Sound Lab in London. The Pyramids und Idris Ackamoor hatten sich tatsächlich schon 1972 nach einer Reise quer durch Afrika auf den Spuren ihrer Vorfahren gegründet. Erst 2006 fanden die Musiker wieder zusammen. Mit „An Angel Fell“ setzen sie ihre intergalaktische Odysee nun fort, am 2. November auch im Berliner Privatclub.

FɅⅤS = F*ck Genres just Favorites!

Genre: HipHop, Electro, Indie, Classics, Futuresounds

Erlaubt ist, was Grenzen sprengt! Von HipHop, Electro, Indie zu Classics und Futuresounds – Hauptsache es groovt und fühlt sich gut an.

Zu diesem bedingungslos tanzbaren Konzept lädt Gastgeber Beauty & the Beats ab sofort regelmäßig in Hamburg und Berlin ein, um dich neue Sounds und alte Favoriten entdecken zu lassen.

Line Up:
Beauty & the Beats
Lenki Balboa

Manche Dinge müssen reifen… wie ein guter Wein…

Genre: Progressive Pop, Rock, Singer/Songwriter, Alternative

… wenn man sich dann entschließt, den edlen Tropfen zu öffnen, ihn atmen lässt und ihm die Möglichkeit gibt, sich zu entfalten, er sich sodann voller Stolz und Überzeugung seinen Genießern präsentiert und diese mit dem ersten Schluck sogleich auf den Geschmack kommen, nach dem ersten Glas ein wahres Glücksgefühl empfinden und mit dem Leeren der Flasche in einen berauschenden Zustand verfallen, DANN hat es sich gelohnt, 10 Jahre zu warten… So in etwa verhält es sich auch mit dem musikalischen Werdegang der 5-köpfigen Berliner Band.

Die Leidenschaft zur Musik und ein erstes Aufeinandertreffen in einer Ensemble-ähnlichen Coverband brachte die 3 Männer und 2 Schwestern von FortySeven im Jahre 2008 zusammen. Das Ziel war dabei von vornherein klar: „Wir wollen keine Band sein, die „auf jeder Hochzeit tanzt“ und die Leute mit Coversongs unterhält, ohne dies abzuwerten. Wir wollen als etwas Eigenes wahrgenommen werden, kreativ arbeiten, texten und komponieren, Werke schaffen, die es so noch nicht gibt und die man ganz klar mit uns verbindet“, so Bandchefin Anika.

Gesagt, getan. Eine Dekade später kann FortySeven auf ein genreübergreifendes Repertoire aus über 150 eigenen Songs zurückgreifen. Englisch- und deutschsprachig, mal poppiger Herzschmerz, mal jazzig angehauchte Ironie und dann fetzig-rockiger Sarkasmus. Dabei wollen Detlef, aus dessen Feder die Songs stammen, und die Band den Zuhörer gerne zum Nachdenken anregen, ihn auch mal aus der Reserve locken oder ihn einfach nur abholen oder beistehen. „Wir schreiben unsere Songs, wir spielen sie, aber lebendig werden sie erst durch das Publikum.“, sagt der Mann an den Tasten und der E-Gitarre. Was alle Songs gemeinsam haben: sie sind lebensnah und alltagstauglich, sie greifen Probleme und Sehnsüchte auf und sie geben Einblick in verschiedenste Lebenssituationen, die unterschiedlichste Emotionen hervorrufen.

Gelegenheit, die Songs nach außen zu tragen, hatte die Band in letzter Zeit viel zu selten, was verschiedenen Umständen geschuldet ist. Zum einen arbeitete man 2 Jahre am Debutalbum, welches u. a. im eigenen Studio im Proberaum stattfand und an dem noch gefeilt wird.
Der Titel „Glücksgefühl“ ist als erste Kostprobe auf Spotify, iTunes, Amazon abrufbar.

Zum anderen geht jeder der Band neben der Musik einem Vollzeitjob nach und hat Familie, beides mal mit mehr, mal mit weniger steinigen, schicksalhaften Phasen, so dass der Fokus auf die Musik schon das ein oder andere Mal pausieren musste. Aber gerade diese Lebenserfahrung und die damit einhergehende Dankbarkeit und Bodenständigkeit macht das Berliner Quintett so sympathisch. Gute Freunde der Band sagen, dass die fünf abseits der Bühne vor allem durch ständige Harmonie und respektvollen Umgang miteinander auffallen – wie eine Familie! So sieht es auch Bassist Ronny: „FortySeven ist wie nach Hause kommen.“

Zurück zur Musik. Auch auf der Bühne geht es gesanglich sehr harmonisch zu.
„47-Lady“ Mareen überzeugt mit ihrer Stimme, die eindringlich kraftvoll und zugleich bezaubernd sanft sein kann. Beeinflusst von Musikergrößen unterschiedlichster Genre räumt sich Mareen als Solistin auf der Bühne die Freiheiten ein, die sie zur Umsetzung ihrer Songs braucht. Dabei kann es auch mal schrill-tobend oder dramatisch-explosiv zugehen, bevor die 47-Lady wieder „gezähmt“ zum Hier und Jetzt zurückkehrt. „FortySeven ist lieben und leiden und leben!“
Schwester Anika mag es stimmlich eher rockig und frech, wobei die Bandchefin genauso gut gefühlvolle Balladen-Klänge abrufen kann. Als Rhythmusgitarristin der Band wechselt sie zudem auch gerne mal an die Keys.
Mareen & Anika legen viel Wert darauf, dass die Songs von ihrem harmonischen zweistimmigen Gesang getragen werden, denn das ist eine der großen Stärken der beiden und verbindet das Schwestern-Duo auf der Bühne ungemein.

Bemerkenswert ist aber auch die Vielfalt der instrumentellen Sounds und Effekte, denen sich FortySeven bedient und die vor allem aus Synthie und Leslie erklingen und welche die teilweise minutenlangen Instrumental-Passagen inkl. Rhythmuswechsel perfekt untermalen. Im Übrigen ein ganz klares Wiedererkennungsmerkmal der Band, was auch die Arrangement- und Experimentierfreudigkeit sowie die Kreativität und das Verlangen nach Einzigartigkeit der Band reflektiert. Dank Drummer Kai und Bassist Ronny erhalten die Songs dabei das notwendige Fundament und den Drive.

Der Wein ist geöffnet…

Zur Volljährigkeit geben wir einen aus! Die ersten 50 Gäste empfangen wir mit einem Shot Hemingway Sour!

Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo

Kickin‘ Ass since 2000!

Im Herbst des Jahres 2000 wurde die Soul Explosion im Pavillion am Weinbergsweg von Dj Soulpusher gegründet und seit 2005 vom Berliner Dj King Dynamite (Mark Hentschel) weitergeführt, der es liebt Partys mittels Vinylbomben in die Luft zu sprengen, bis man die Knochen im angrenzenden Park am nächsten morgen wieder einsammeln kann. Es geht also seit 18 Jahren heiss zur Sache und wir freuen uns auf weitere Jahre mit den tollen Original Scheiben der 1968 – ’74 Jahre, mit unglaublichen breaks, hypnotischen Instrumental Stücken, wildem Geschrei, das Dynamite als Soul bezeichnet, und ab und zu gibt es dann noch so richtig ein Soul Stück. Der Rest ist auf jeden fall gut für die Tanzbeine, die Dynamite regelmäßig unter Strom setztl! Superheavy dancin‘ ! Guaranteed!!!

Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.

„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.

Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum.Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!

"Goodbye for now“

Genre: Indie Pop

sagen die Jungs von Baru.
Unter diesem Namen steht unsere letzte gemeinsame Tour. Schweren Herzens müssen wir uns eingestehen, dass unterschiedliche Wohnorte, Lebenssituationen und vor allem kleine Nachkommen es zu schwierig machen die Formation Baru fortzuführen. Auch wenn Abschiede unwiderruflich mit Traurigkeit einher gehen, werden wir noch einmal alles geben, um uns gebührend bei euch zu verabschieden. Vergesst nicht eure Hand- und Taschentücher mitzubringen, wenn wir bei starkem Wellengang noch einmal die Soundgalaxien aufschäumen lassen.

Genre: Indie, Singer-Songwriter

Was sich nach Newcomern anhört, ist in Wirklichkeit eine Kollaboration der beiden Künstler Tracyanne Campbell (Camera Obscura) und Danny Coughlan (Crybaby), deren Wege sich 2013 das erste Mal kreuzten. Bereits damals wurden einige Songideen ausgetauscht, beide Künstler fanden sich aber oft zu beschäftigt mit ihren anderen musikalischen Projekten. Bis Camera Obscura alle musikalischen Aktivitäten aufgrund eines Todesfalls einstellte. Man traf sich erneut, erste Songs wurden entwickelt.

Letztes Jahr dann der Weg ins Studio. Herausgekommen ist eine musikalische Symbiose, die irgendwo zwischen Lou Reed, The Flamingos und The Roches schwebt. Ein Sound, der sich nirgendwo so richtig ein- schon gar nicht unterordnet. Alle Songs wurden mit älteren, gebrauchten Instrumenten eingespielt. Unter Mitwirkung der schottischen Legende Edwyn Collins fügt sich so alles wunderbar zu einem ersten Album „Tracyanne & Danny“ (Cargo Records) der beiden zusammen, das im Mai dieses Jahres das Licht der Welt erblickte.

Genre: Pop, Singer-Songwriter

Allein die Musik war es, die Grace Carter den Mut gab sich ihrem eigenen Schmerz zu stellen und ihn in etwas Außergewöhnliches zu verwandeln. Ihr Gesang ist kraftvoll und authentisch, sie transportiert für eine 20-Jährige beeindruckend tiefgehende Emotionen und überzeugt dabei nicht durch Überzeichnung, sondern durch Zurückhaltung. Flüsternd zieht sie ihre Zuhörer in den Bann. Ohne großes stimmliches Feuerwerk, niemals überproduziert, sondern mit roher, kompromissloser Ehrlichkeit und Individualität. Die Veröffentlichung ihrer ersten Single „Silence“ zeigte unmittelbar Carters Bereitschaft, ihre aufrichtige Kunst in die Welt zu tragen. Was sofort gelang: Innerhalb weniger Wochen trug sich der Song mit einer Million Spotify-Klicks um die Welt, inzwischen steht er dort bei sieben Millionen. Und auch die nachfolgende Single „Ashes“ bringt es auf viele Millionen Streams. Nach UK-Tourneen im Vorprogramm von Dua Lipa und Dermot Kennedy arbeitet Grace Carter aktuell an der Fertigstellung ihres Debütalbums. Bis zu ihren ersten deutschen Headline-Shows am 6. November in Berlin und 7. November in Köln dürfte jenes sicher fertiggestellt sein.

„Alles, worüber ich singe, hat einen authentischen Ursprung“, erklärt Grace Carter, die im Alter von 13 Jahren von ihrem Stiefvater ihre erste Gitarre geschenkt bekam und im anschließenden Schreiben ihres ersten eigenen Songs „eine unbeschreibliche Befreiung“ empfand. „Anfänglich habe ich einfach nur für mich selbst geschrieben“, erzählt sie weiter, „aber im Laufe der Zeit wurde mir klar, dass sich die Leute mit der Ehrlichkeit der Lieder und deren Verbindung zu ihrem eigenen Leben identifizieren können.“ Mit 15 verwandelte sie ihr Kinderzimmer daher in ein kleines Heimstudio und begann, ihre eigenen Lieder aufzunehmen. Doch erst 2017 eröffnete sie ihren eigenen Spoitfy-Channel und lud ihre erste Single „Silence“ hoch. „Als der Song nach vier Tagen schon 2.000 Streams hatte, dachte ich: ‚Wow, da hören aber viele Kumpels mein Lied’“, erinnert sie sich. „Nur wenige Wochen später waren es eine Million. Da wusste ich: Es scheint an meiner Musik etwas zu geben, das die Menschen anspricht.“

Aufgenommen wurde der Track während einer zweiwöchigen Aufnahmesession in Spanien, bei der Carter imposante Gesangskonstrukte erschuf, um ihrer Vision den gewünschten Klang zu verleihen. Mitgeschrieben wurde „Silence“ vom Produktions- und Songwriting-Team The 23rd. Ein einfaches aber dennoch fesselndes Arrangement, in dem Schlagzeug und Piano das Grundgerüst bilden, bietet Grace Carter die Freiräume für eine atemberaubende Gesangsperformance, die denen von Künstlerinnen wie Adele oder India Arie in Nichts nachstehen. Ähnlich entschlackt und zugleich prägnant, aufrichtig, dringlich und emotional zeigen sich auch alle weiteren Songs, die Grace Carter seither veröffentlichte. Durch ihre Musik hat sie aus ihrem eigenen Chaos etwas Bedeutsames erschaffen, einen bleibenden Schmerz in bezaubernde Kunst verwandelt. Sie hat ihre Stimme gefunden und schweigen ist ab sofort ausgeschlossen.

Genre: Indie, Indie-Rock

Kann Karate.
Nein, das ist nicht Euer alter Tomate-Tomate-Oma-kann-Karate-Witz. Das ist vertonte Ehrlichkeit und eines der wenigen Lösemittel für all den Mist auf der Welt, der sich plötzlich in messerscharfen Gitarrenriffs und großen Indie-Melodien, bitterer Ernsthaftigkeit und selbstschützenden Fluchtgedanken auflöst. Irgendwas zwischen Post-Punk und Indierock. Zwischen Turbostaat und Vierkanttretlager.

Aber von vorn:
Alles fing 2015 an – mit einem von vielen Arbeitstiteln, der bis heute als einziger von vielen nicht peinlich klang: Kann Karate eben. Oder genauer: Eric (Gesang), Chris (Bass), Bastian (Schlagzeug) und Daniel (Gitarre). Im verrauchten Berliner Proberaum entsteht die erste Demo, die aus Versehen auch zur ersten Platte wird. Zu ›Ecke Revaler‹ wird. Einfach so. Ohne Masterplan. Komplett DIY – ohne Label, ohne Verlag, ohne Vertrieb. Was soll der Schnickschnack? Wer Bock hat, macht.

Vor allem live, wenn krautige Beats auf schrammelnde Gitarren treffen und sich Eric mit heiserem Sprechgesang die Seele aus dem Leib schreit und schwitzt. Im weitetesten Sinne ist das, was dann auf der Bühne passiert, Post-Punk – aber die Art von Post-Punk, die neben all der existenziellen Verzweiflung das Herz nicht vergisst. »Wir haben’s versucht, gehofft, verpasst, nochmal, von vorn, versagt, verdammt«, singt Eric, während der Bass tief knurrt. »Versucht, gehofft, verpasst, nochmal, von vorn! « – und ja, verdammt, für einen Moment fühlt man sich stürmisch umarmt. Die Art von Umarmung, bei der einem das Bier in der Hand übers Shirt schwappt und man sich einig ist: »Läuft nicht so, aber hey, passiert!« Manchmal muss man die Fäuste ballen. Und manchmal muss man sie öffnen, um für einen Moment ein bisschen Sonne über den ganzen Scheiß zu schütten.

Darlingside im Herbst erstmals in Deutschland

Genre: Folk

Ersetzt man das „S“ im Bandnamen durch ein „C“, kommt man dessen Bedeutung etwas näher: Mit Darlingcide verweist das Quartett aus Cambridge, Massachusetts auf den Rat des Schriftstellers Arthur Quiller-Couch, die eigenen Lieblinge um die Ecke zu bringen – und Stellen, die einem selbst wichtig erscheinen, die aber das Tempo und den Lesefluss stören, einfach zu kürzen: „Kill your darlings!“. Das gilt im übertragenen Sinn auch für die Musik von Darlingside: Ihre Folk-Balladen kommen direkt auf den Punkt. Trotz musikalisch aufwendiger Gestaltung ist hier kein Ton zu viel, kein Bogen zu weit gespannt, kein Arrangement zu überladen. Mehrstimmiger Gesang, akustische Gitarren, Geigen, Banjos, elektrische Elemente, ein klein wenig Pathos und gute Songs verbinden sich zu einer neuartigen Version von Folk, der seine Wurzeln in den 60ern genauso hat wie im Hier und Jetzt. Klassische Arrangements, schwellende Harmonien und Gespür für modernen Indierock – und das auch noch mit cleveren Texten – charakterisieren die Songs von David Senft (Bass), Don Mitchell (Gitarre, Banjo), Auyon Mukharji (Violine, Mandoline) und Harris Paseltiner (Cello, Gitarre). Die vier ausgebildeten Musiker sind alle auch Sänger, fungieren als Multiinstrumentalisten und setzen jedes Teil ihrer Musik im Kollektiv zusammen. Ihre spielerisch erscheinende Vierer-Vokal-Kunst fließt über faszinierende Soundlandschaften, und die leichtfüßigen elektronischen Sounds verbinden sich unauffällig mit den traditionell gezupften Saiten, Ambient-Gitarren und sich selbst oszillierenden Delays. Anfang März erschien mit „Extralife“ der dritte Langspieler von Darlingside, ein Beinahe-Konzeptalbum voll großartiger und tiefsinniger Lyrics – die man oft fast versäumt, wenn man dem schwelgerischen Harmoniegesang folgt. In diesem Herbst kommen Darlingside erstmals nach Deutschland und präsentieren uns ihre großartigen Songs live.

Die ‘Tipps’ sind zurück.

Genre: Indie Pop

Nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums Hornissen (Waterfall Records, 2014) und einer Tour durch Deutschland und die Schweiz, pendelte die Berliner Indie-Pop Band, Tipps für Wilhelm, zwischen ihrem kleinen Studio in Berlin und der Mecklenburgischen Seenplatte, wo sie in einem umgebauten Pferdestall zwei Jahren lang an den neuen Songs arbeiteten.

Das von Monsieur Tomorrow und der Band produzierte und vom alten Freund Simon Frontzek (Tomte, Burkini Beach) abgemischte zweite Album, erscheint am 9.11.2018.

Über das neue Album: “Weit und groß, romantisch und auf warme Art düster, wahnsinnig intim und trotz allem lebenshungrig. Die Texte sind prosaisch, so gut geschrieben wie die besten Kurzgeschichten, die in Klagenfurt gelesen werden. Dieser Gesang will erzählen, er achtet manchmal sogar gar nicht auf die Melodieführung, er begleitet die Lieder, deren Sog sich parallel entwickelt. Fast wirkt das Album zurückhaltend, doch dann spürt man, wie die Erde beben kann unter der Gitarre und dem Schlagzeug, mit welcher Gewalt die Drei ausbrechen können. Trotz dieses Hamburger Schule-Vibes ist diese Musik progressiv und kein Blick zurück, und nichts ist hier Zufall. Sie haben keine Angst vor den großen Arrangements, ebenso wenig vor Sentimentalität und Liebe. Das Album ist ehrlich, aber nicht auf eine direkte, beichtende Art, sondern auf eine eindringlich poetische. Es transzendiert, es brennt unter der Haut.” – Christian K. L. Fischer

Tipps für Wilhelm sind Guillermo Morales (Gesang, Gitarre), Thomas Wosnitza (Gesang, Bass) und Ruud van der Zalm (Drums).
Live sind sie zu viert unterwegs.

Die Veröffentlichung und das Record Release Konzert werden am 9. November 2018 im Privatclub Berlin gebührend gefeiert. Mit dabei, ein noch geheimer Supportact.
Bei der im Anschluss, von den Tipps organisierten Party, wird weiter gefeiert und das Tanzbein bis in die Morgenstunden geschwungen.

Auch zu Musik von diesen Damen und Herren:
Suzi Quattro I The Strokes I James Brown I The Cure I Kings of Leon I Phil Collins I Rihanna I Stevie Wonder I Tina Turner I Michael Jackson I Nirvana I Kim Wilde I Bilderbuch I Gloria Gaynor I Tocotronic I Salt n Pepa I Prince I Tomte I Roxette I Coldplay I Familjen I Justin Timberlake I Aretha Franklin I Pharrell Williams I Madonna I Kettcar I David Bowie I TLC I The Smiths I Vampire Weekend I The Strokes I I’m From Barcelona I Oasis I Kat Frankie I Bruce Springsteen I La Roux I Marvin Gaye I Wham! I Rolling Stones I Destiny’s Child I Wham! I Metronomy

Genre: Pop-Rock

Verschiedene Musikstile vereint in einer Band, die unterschiedlicher nicht seien könnten. Die Berliner Band PuddingShop beschreibt ihre Musikrichtung als alternativ-deutsch-pop, arrangiert ihre Songs mit Einflüssen aus dem Singer-Songwriter, untermalt mit Rock/Pop- und Bluesrhythmen, verfeinert mit modernem Gitarren- und Keyboardsounds. Das Programm reicht von ruhigen melancholischen bis hin zu abgehenden Rocksongs mit Ohrwurmcharakter. Mehr Informationen zu PuddingShop und für Ticketvorbestellungen unter www.puddingshop.berlin.

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Den Abend wird ein talentierter Künstler aus Canada einleiten: Adam Wendler! Er ist Singer-Songwriter und hat sein erstes Soloalbum “Never Go Unknown“ im Juli letzten Jahres veröffentlicht. Unter anderem spielt er am Tag der Deutschen Einheit. Wer ihn da verpasst, der hat am 10. September 2018 hier im Privatclub eine zweite Chance. Mehr Informationen unter www.adamwendlermusic.com.

DJs: Sascha Schlegel & Tabeah B.

Genre: Rock'n Roll, 60s

Am 10. November kehren wir mit GOOD VIBRATIONS zurück – ALL DAY AND ALL OF THE NIGHT. Erneut präsentieren wir die glorreiche Musikära der 60er Jahre: zwischen David Bowie und James Brown ist immer auch Platz für The Hollies oder The Zombies. Seid dabei und lasst euch WITH A LITTLE HELP FROM OUR FRIENDS zum TWIST AND SHOUT einladen.

Genre: Pop

“Cris Cosmo ist ist ein Botschafter für Völkerverständigung, Toleranz und eine weltoffene Gesellschaft.Seine Konzerte sind bunte Feste guter Laune, die zugleich Zeichen setzen.“(LEO, Juli 2017)

Cris Cosmo mischt deutsche Popmusik mit Reggae, Dancehall, Latin und Electronica zu einem tanzbaren Sommercocktail. Die Energie, die er bei seinen Shows freisetzt, ist seine größte Leidenschaft. Cris holt verschiedenste Menschen mit einem spontanen Freestyle ab, bringt sie zum Tanzen und schickt alle mit einem strahlenden Lächeln nach Hause.

Unterhaltung hat für Cris Cosmo mit Haltung zu tun. In seinen Lyrics geht es um Individualität und Körperkontakt und um eine Welt für alle Menschen. Um Sommer, Liebe und Revolution. Die tiefgehenden Texte folgen dem treibenden Puls von Cris’ groovender Gitarre. Ob im Duo mit seinem Drummer oder mit seiner über Jahre gewachsenen, tighten Band mit Brass, Percussions, Drums, Keys und Bass – das Publikum ist immer der wichtigste Teil des Abends.

Auch 2018 geht Cris Cosmo wieder ausgiebig auf Tour. Mit Songs aus vier veröffentlichten Alben, neuen Tracks für Longplayer Nummer fünf, mit der für den German Songwriting Award nominierten vorab-Single „Blaues Gold“(VÖ 01.06.2018) und dem nagelneuen Track „Namasté“(VÖ 12.10.2018). Nach einem heißen und erfolgreichen Festivalsommer ist der Echo-Nomineeund Bundesvision-Songcontest-Teilnehmer auf Clubtour durch ganz Deutschland unterwegs und bringt den Soundtrack und die Party zum bewussten Lebensstil weltoffener Menschen.

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„VIVIEN steht für pure Energie und Songs, die auf die Bühne gehören. Mit Urban Hip Pop Beats und lebensnahen Texten wird das Publikum durch jegliche Emotionen geschleudert und kommt am mitgrooven nicht vorbei. Deutsch Pop neu gemacht.“

Das Berliner Hippie-Duo Berge geht im November wieder auf ausgedehnte Tour

Genre: Singer-Songwriter

Die Songs ihres letzten Albums ‚Vor uns die Sinnflut’ haben noch alle im Ohr. Berge haben sich mit ihren Hits ,Glück’, ,Wir sind frei’ und vor allem mit der Tierschutzhymne ,10.000 Tränen’ tief in die Herzen von Menschen jeden Alters und jeder Herkunft gesungen. Im Netz wurde ihre Botschaft von Freiheit und Liebe millionenfach gehört und geteilt.

Jetzt sind Berge mit neuen Liedern zurück und stellen diese zum ersten Mal der Öffentlichkeit vor. Dafür hat sich das Berliner Singer-Songwriter-Duo etwas Besonderes vorgenommen: Noch vor der Veröffentlichung ihres neuen Albums laden Marianne und Rocco zu einer kleinen, intimen Akustik-Tournee ein.

Beim gemeinsamen Lauschen und Singen in familiärer Atmosphäre steht für Berge vor allem eines im Vordergrund: Menschen zu verbinden, miteinander heilsame Erlebnisse zu erschaffen und ein positives Lebensgefühl zu teilen. Eine Haltung, die in Zeiten zunehmender Anonymität inspirierend und dringend notwendig ist.

Für die Tour sind Berge eine Partnerschaft mit den Förderverein Green Guestlist e.V. eingegangen. Mit Spenden, die bei den Konzerten unter anderem von Besuchern mit Gästelistenplatz gesammelt werden, unterstützen Marianne und Rocco das Projekt ‚Mensch Umwelt Tier’ (M.U.T. e.V.). Das Projekt setzt sich für gemeinnützige Einrichtungen wie Seniorenheime, Schulen, Kinderbauernhöfe und Menschen mit Behinderungen ein und verfolgt das Ziel, Menschen, Umwelt und Tiere in sinnvoller Weise miteinander zu verbinden.

So folgen Berge auf der ‚Für die Liebe’-Tour folgen Berge weiter ihrer Mission, die Welt durch ihre Musik ein kleines bisschen besser zu machen. Die Auftrittsorte, die sich Berge dafür ausgesucht haben, sind klein. Wer dabei sein möchte, sollte sich sein Ticket schnell sichern, bevor es zu spät ist.

Genre: Pop

Deutsche Pop-Poesie

Eingängige Melodien, emotionale Texte, und eine eindringliche Stimme die ins Herz trifft: Das ist neue deutsche Pop-Poesie. Damit ist kein intellektueller Pathos gemeint, es ist vielmehr ein freimütiges Plädoyer für Musik mit Verstand und Gefühl. Das ist Körner. Ein ausdrucksstarker Künstler, der als Person gleichzeitig zurückhaltend bleibt. Für ihn steht seine Musik im Vordergrund: »Wenn es gut ist oder echt«, ein Satz aus seinem Lied Gänsehaut, der in Verbindung mit Körner Bände spricht und ihn mit nur zwei schlichten Worten treffend beschreibt.

Von Gestern bis…

Geboren wurde Körner im hohen Norden in ein musikalisches Elternhaus. Doch die scheinbar heile Welt hat Kratzer: »Meine Kindheit ist wie ein zerrissenes Blatt Papier.« In der Sprache und Musik findet er einen Weg, seine Gefühle zu verarbeiten. Schon mit neun Jahren entstehen erste Gedichte. Und er singt, laut, fröhlich, immer und überall: »Seit ich lebe, singe ich. Und wenn ich singe, lebe ich.« Zu Schulzeiten finden sich die ersten Bandprojekte und schon bald steht er öfter auf kleinen Bühnen als im Klassenzimmer. Irgendwie klappt es trotzdem mit dem Abschluss, doch die Musik lässt nicht mehr los. Körner beginnt für andere Künstler zu schreiben und entwickelt in dieser Zeit seine eigene musikalische Sprache. 2015 folgt dann das entscheidende Puzzlestü̈ck, als er in einem Münchner Tonstudio auf die beiden Produzenten von Achtabahn trifft. Das Trio verbindet musikalische Liebe auf den ersten Blick, noch in der selben Nacht schreiben sie den ersten Song: »Marie P«. Diese Hymne über eine Mary Poppins aus dem Rotlichtmilieu schlägt, kaum veröffentlicht, große Wellen
und sammelt millionenfach Klicks – die Reise beginnt.

…Gänsehaut

2016 folgt dann „Gänsehaut lügt nie“, die erste Single aus dem kommenden Album. Aus dem Stand gelingt Körner damit wohl einer der berü̈hrendsten deutschen Songs seit langem: Bestechend einfach, menschlich und tiefgründig zugleich. Konfetti für die Seele, auch in schwierigen Zeiten. Das Lied ist ein imposanter Auftakt, erobert die Airplay-Charts und Herzen der Fans. Auch die sich anschließende Tour wird mit ausverkauften Konzerten zum fulminanten Erfolg.

Auf eigenen Wegen

Körner ist kein glatter Künstler, er zeigt Stil und Kante, hat etwas zu sagen. Das gilt auch für das lang ersehnte Debütalbum, das 2017 erscheinen wird. Gemeinsam mit seiner Band und seinen Produzenten hat Körner auf diesem handgemachte Klänge und moderne Sounds verschmolzen. Dabei treffen eingängige Melodien auf poetische und emotionale Texte. Und immer schwingt die positive Botschaft mit: Das Beste liegt vor uns und alles bleibt anders. Es geht um den »Sturzflug nach oben«, diesen Sprung ins
Ungewisse nach vorn, der sich immer richtig anfühlt und den er gerade selbst erlebt.

Körner zeigt, dass Pop mehr sein kann. 2018 endlich mit Debütalbum live auf großer Deutschlandtour!

Genre: Singer-Songwriter / Folk / Americana

„Der rote Faden in meiner ganzen Musik, meinen Texten, meinen Shows und meinem Artwork bin ich“, sagt Jade Bird. Und niemand sollte sie daran hindern, dies auch in Zukunft so zu halten, denn was dabei herauskommt, wenn die Britin ihr Innerstes, ihren Charakter, in ihre Kunst einfließen lässt, kann einen nur in Staunen versetzen – wobei es egal ist, ob man sich die Vollversionen ihrer Stücke anhört, deren akustisch reduzierten Varianten oder ihre eigenständigen Coverversionen. Die pure Intensität, die die 20-Jährige ausstrahlt, kommt einfach von jedem künstlerischen Ausdruck an ihr: der robusten und hohen Stimme, dem musikalischen Mix aus, wie sie selbst sagt, „kind of country, kind of blues, kind of pop and kind of none of that“, dem Spiel auf dem Klavier und noch mehr auf der Gitarre, und der Leidenschaft, mit der sie sich in ihre Lieder stürzt. Da ist es auch kein Widerspruch, dass Bird das eher konservative Songwriting von Dolly Parton genauso schätzt wie lyrische und musikalische Freiheit von Patti Smith und beide genauso als Vorbild nennt wie Avril Lavigne und Bruce Springsteen, Kelly Clarkson und The Smiths.

Jade Bird begann mit 13 Jahren aufzutreten, zunächst mit Coversongs, später auch mit eigenen Stücken. Es sei seltsam gewesen, sich vor Fremde zu stellen und ihnen vorzusingen, und es gab Clubs, in denen der Besitzer sie anschrie, sie solle mit dem Pop-Scheiß aufhören. Aber diese Erfahrungen hätten sie gelehrt, wie man ein Publikum gewinnt und wie man noch bessere, noch größere Songs schreibt. Darum sind ihre Shows von ungewöhnlicher Tiefe und voller überraschender Momente. Im vergangenen Jahr erschien ihre erste EP „Something American“. Mit der Single „Lottery“ gelang ihr mehr als ein Achtungserfolg, insbesondere in den USA.

Genre: Rock n' Soul

Niederländisches Quintett beschwört die goldene Ära der Rockmusik Im November erstmals auf Headliner Tour durch Deutschland

Während viele Bands sich schwer damit tun, ihre eigene Musik zu kategorisieren,haben The Grand East keinerlei Scheu, sich unter dem Label Rock’n’Soul einzuordnen. Was schlicht und ergreifend eine absolut zutreffende Umschreibung ist, denn ihr energiegeladener, bluesdurchtränkter Rock verbindet den SouthernGroove der Allman Brothers mit dem hypnotischen Sound der Doors sowie dem Storytellingeines Captain Beefheart oder Tom Waits.

Ihr Debut ›Movano Camerata‹ stieß in den Niederlanden auf euphorische Kritiken. So seelenvoll wie The Grand East ihren Sound zelebrieren, hat man lange keine europäische Rockband mehr gehört. Kein Wunder also, dass die Begegnung mit der Band besonders live zu ekstatischen Publikumsreaktionen führt: Anders als bei den meisten Rockbands stehen bei The Grand East alle Bandmitglieder am Bühnenrand, während ihr Frontmann, einem Baptistenprediger gleich, mit rauer Soul-Röhre voller Inbrunst den Blues singt, als habe er soeben seine Seele dem Leibhaftigen überschrieben.

Kein Wunder also, dass der Band in ihrer Heimat längst der Ruf als absolute Bühnen-Macht vorauseilt. Die Tournee zum Release ihres Debuts war nicht nur in Windeseile

restlos ausverkauft, sondern geriet zu nicht weniger als einem Triumphzug durch die legendärsten niederländischen Rockclubs. Logischerweise durften The Grand East 2017 auf keinem Festival in Benelux fehlen – und erweiterten ihre Fanbasis dadurch beträchtlich.

Nach Support-Shows für die hierzulande bereits bekannteren Retro Rocker DeWolff folgt nun im November die erste Deutschland Tournee von The Grand East als

Headliner – und, jede Wette, ihr hochexplosiver Rock’n’Soul wird auch das deutsche Publikum im Sturm erobern!

Genre: Indie Pop

Brian Fennel ist Studierender der Simplizität. Unter dem Synonym SYML (ausgesprochen „simmel“), das walisische Wort für „simpel“, schreibt Fennel gefühlvolle atmosphärische Pop- Songs, die das Ethos seines musikalischen Ichs einfangen. Mit zartem Klavier, feinen Streicherklängen und Fennels souveränem Gesang verkörpern die Songs seiner Debüt-EP „Hurt For Me“ und der EP „In My Body“ ein komplettes Freilassen aller Emotionen – eine seelische Reinigung durch Musik. Als Adoptivsohn, entdeckte Fennel seine walisischen Wurzeln erst im erwachsenen Alter und verarbeitet nun seine Herkunft in seiner Musik, mit seinem Künstlernamen und als Filter, durch den er die Welt betrachtet. Obwohl es letztendlich die Gegenüberstellung zwischen seinem eigenen Glück und dem Inhalt seiner Musik ist, die am lautesten klingt.

„Ich beschreibe meine Musik generell als ziemlich traurig oder dunkel, aber der wirkliche Ursprung, ist ein allgemeines Rätsel, das sich hinter meiner persönlichen Geschichte verbirgt“, sagt Fennel.

Auf den EPs HURT FOR ME und IN MY BODY beleuchtet FENNEL den Willen eines Menschen, der trotz Schmerz und Verlust weiterlebt und die Menschlichkeit in den Gedanken und Gefühlen, die wir alle haben, wenn wir nachts unsere Augen schließen.

Letztendlich ist es die liebenswürdige und wahrheitsgetreue Darstellung von Emotionen, verankert in seiner herzzerreißenden gesanglichen Darbietung, die SYML davon abhält, rührselig und sentimental zu klingen. Wie der Name schon sagt, ist es der simple Ansatz – die Dinge sind hart, reden wir darüber – der SYML nachempfindbar werden lässt und die Themen, über die er singt, greifbar macht.

Nach erfolgreichen intimen Konzerten Anfang des Jahres, kommt Syml nun für vier weitere Termine nach Deutschland. Denn Syml ist „engaging…a voice that embodies comfort and kindness.” (NPR)

Genre: Alternative Rock

The Holy haben bereits mehr als 100 Shows in zehn Ländern in den ersten beiden Jahren ihres Bestehens gespielt. Das hat sich zusammengeschweißt und war ein extremer Test für alle. Live zu spielen ist auch die Priorität Nummer 1. “It’s where we really feel alive,” erklärt Eetu. “We like to let it totally loose on stage.”

Dem Publikum steht eine einzigartige Erfahrung der Songs von The Holy bevor: “I never actually let go of developing the songs, so all the live versions are a bit different from the recorded ones. The live versions are the supercharged ones, having more edge and cut on all levels, like more sweat & tears, daggers & knives and tar & feathers… The small continuous changes also keep the live playing interesting for the band and keeps everybody on their toes in a good way.” wie der Sänger abschließt.

Genre:

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Genre: Blues Rock, Folk Rock

Genre: Electronic Pop

Lydmor ist die in Kopenhagen wohnhafte Jenny Rossander, die als Produzentin elektronischer Musik, Songschreiberin, Sängerin, Texterin und selbsternannter Störenfried ihr Publikum immer wieder in den Bannkreis ihrer mitreißenden Energie zieht. Mit „I Told You I’d Tell Them Our Story“ veröffentlicht sie im September ein erstaunlich vielschichtiges neues Soloalbum moderner elektronischer Popmusik. Neugierig und schonungslos reflektiert Lydmor die Welt, die sie umgibt und nimmt den Hörer mit auf ihre sehr persönliche Reise, zwischen Verletzlichkeit und Provokation, zwischen Wehmut und Aufbruchsstimmung.

Auf dem Album kollidieren Impulse grüblerischer Selbstbeobachtungen mit durch Bitcrusher-Effekte verzerrten Synthie-Sounds und erschaffen eine facettenreiche, elektronische Klangwelt, die Lydmor mit ihrem Gespür für bestechend metaphorische Texte und eindringlicher Stimme zum Leuchten bringt. Ihr Album stellt sie im November live in Berlin vor!

Genre: Folk, Indie, Singer-Songwriter

Caoilfhionn Rose (ausgesprochen Keelin) ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Manchester. Nach einer Stippvisite bei den Berliner Kesselhaus Acoustics Ende Juli kommt das Jungtalent im November zum ersten Mal auf Tour nach Deutschland. Ihr Debütalbum „Awaken“ erscheint am 05. Oktober.

Caoilfhionn kommt aus einer vielfältigen Musikszene und verbindet die Spuren der musikalischen Vergangenheit Manchesters mit der sich entwickelnden Gegenwart. Sie hat bereits mit Musikern aus der ganzen Welt zusammengearbeitet wie beispielsweise Vini Reilly von der legendären Post-Punk Band The Durutti Column. Zu ihren Einflüssen zählen The Mummers, Rachel Sermanni, Melody’s Echo Chamber und Broadcast. Eine weitere Inspiration ist ihre unmittelbare, räumliche Umgebung, besonders der Fletcher Moss Park in Manchester. Ihre Musik ist einnehmend, fragil und experimentell, ein Klangteppich, der auf Folk, Psychedelic und subtilen Electronica Einflüssen basiert.

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Genre: Rock

David Judson Clemmons, in Richmond, Virginia geboren und später von Los Angeles nach Berlin übergesiedelt, hat sich als Songwriter und Kopf der Bands JUD und THE FULLBLISS und DAMN THE MACHINE in den USA wie in Europa schon längst einen Namen gemacht. Dave ist ein genialer Songschreiber. Inspiriert durch die Musik u.a. von Leonard Cohen, Neil Young, Pink Floyd oder auch durch Filmmusiken wie zu „Paris Texas“ oder „Out of Rosenheim“ hat David Judson Clemmons eine eigene balladenreiche Musik kreiert, die unter die Haut geht. Sein Stil ist einzigartig und Dave verleugnet seine Herkunft Virginia dabei keineswegs. Elemente von Country-Americana und Folk werden in wunderbarer Weise in seinen Blues, mit einem Hauch New-Wave basierenden Liedern verwoben. Mit seiner charismatischen Stimme mit feinstem Feeling für Stimmung und Dynamik singt David Judson Clemmons über Illusionen und über andere Gemeinheiten, die das Leben für einen bereit hält. Die Lieder handeln von erschütterter, aber auch von wieder gewonnener Zuversicht. Hervorragendes Songwriting eben, das für geballte Atmosphäre sorgt. Genau das richtige Konzerterlebnis für einen Herbstabend

David Judson Clemmons & Band
mit:
Thomas Götz (Beatsteaks)
Earl Grey (The Fullbliss).
Robert Goldbach (Jaari/Kalteis)
Chris Lastelle (The Fullbliss)

Genre: Indie

Auf seinem fünften Solo-Album klingt Gruff Rhys ein wenig wie der walisische Lee Hazelwood. Ursprünglich wurden die 10 Tracks für „Babelsberg“ bereits 2016 in einer dreitägigen Session unter Mithilfe von Stephen Black (Sweet Baboo), Osian Gwynedd und dem Drummer Kliph Scurlock (ex-Flaming Lips) aufgenommen. Gruffs Vision für das Album war allerdings von Anbeginn eine andere, er wollte es nämlich mit einem Orchester neu arrangieren. Weitere 18 Monate sollte es deshalb dauern, bis der im walisischen Swansea lebende Komponist Stephen McNeff die Orchesterpartituren fertig geschrieben hatte. Kennengelernt hatte Rhys den klassisch ausgebildeten Komponisten, als er mit ihm zusammen an einem dystopischen Opernstück schrieb, das im postapokalyptischen Wales spielt. Eingespielt wurde „Babelsberg“ schließlich vom 72-köpfigen BBC National Orchestra Of Wales.

Ein wenig greift auch „Babelsberg“ die Endzeit-Thematik auf. Es handelt davon, dass sich die Menschheit untereinander immer weniger versteht und ein immer größeres Chaos zur Folge hat – wie eben beim Turmbau zu Babel. Das Babelsberg von Gruff Rhys ist ein zeitlos klingendes Album, dessen bissige Texte hingegen einen aktuellen Bezug haben und sich mit der unsicheren Zeit beschäftigen, in der wir leben. „Babelsberg“ ist eine kleine Parabel über den täglichen Horror, der mittlerweile in jedem menschlichen Alltag stattfindet – sei es Krieg, Diskriminierung, durchgedrehte Staatsoberhäupter, Alltagsgewalt oder die voranschreitende Gentrifizierung. Die Botschaft: Wenn sich Menschen nur ein wenig mehr Respekt und Verständnis entgegenbringen, macht das die Welt zumindest ein kleines Bisschen besser.
Gruff ist ein romantischer Optimist geblieben, der uns mit Babelsberg ein Stück musikalische Hoffnung gibt und den man für seine sympathisch positive Art schon seit nunmehr 30 Jahren liebt.

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Genre: Singer Songwriter, Indie

Wer 2017 nachmittags oder am frühen Abend durch den Monbijoupark geschlendert ist, hat ihn wahrscheinlich schon mal gesehen – und gehört, denn Thomas Bewernick ist dort zu diesem Zeitpunkt als Straßenmusiker tätig.

In Bad Segeberg geboren, tritt er 2008 Mr Brown bei, der Band seines Bruders Daniel. 2004 hatte sie das Emergenza-Festival gewonnen, 2007 war ihr von Ronald Bood (Mando Diao, Death by Chocolate) produzierte Debüt „It’s All Happening“ erschienen.

2012 bis 2014 arbeiten die Geschwister an einem Album mit dem Titel „Colour My Life“, das Daniel unter dem Namen Daniel Green 2015 veröffentlicht. Thomas reißt im Anschluss als Straßenmusiker durch Europa und Kalifornien, schreibt dabei eigene Songs und zieht schließlich nach Berlin. Dort veröffentlicht er 2016 die EP „(Don’t) Give It Up“, die Tom Robinson in Großbritannien in seiner Show „Introducing“ ins Programm aufnimmt.

Bei einem Auftritt lernt Thomas den Songwriter und Gitarristen Dirk Homuth alias Almost Charlie kennen. Gemeinsam arbeiten sie ein Jahr lang an Thomas‘ Solodebüt „The Gold In Everything“, auf dem sie fast alle Instrumente selbst einspielen.

Das Album erscheint im Februar 2018 beim Berliner Label Solaris Empire unter dem Namen „The Gold In Everything“. Das Eishockeyteam Eisbären Berlin nutzt den Track „The Art Of Being Alone“ für einen Werbespot & der Song schafft es in die Radio Eins Rotation.

Mittlerweile verstehen sich Thom and the Wolves als Band und nehmen gemeinsam mit Produzent Matteo Pavesi (Alice Phoebe Lou, Pavlov) ein Folgealbum auf.