Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Glam Rock, Indie-Pop
Wie viele Nebenprojekte, sind auch die Mini Mansions ursprünglich das Resultat einer Zwangspause. Nach der Queens of the Stone Age-Welttournee zum Album „Era Vulgaris“ nahm sich die Band eine Auszeit. Diese nutzte QOTSA-Bassist Michael Shuman, um mit zwei guten Freunden die Mini Mansions ins Leben zu rufen. Was 2009 als experimentelles Seitenprojekt begann, wuchs von Auszeit zu Auszeit zu einer festen zweiten Band mit starkem Charakter und einer aufregenden ästhetischen Handschrift. Nun erscheint mit „Guy Walks Into a Bar…“ am 26. Juli bereits ihr dritter Longplayer und bringt die Formation, wenige Wochen später im August, für drei Termine nach Deutschland.
„Für uns geht es darum, die Lieder für sich sprechen zu lassen und zu schauen, wo sie einen hinführen“, beschrieb Bandgründer Michael Shuman den ersten Ansatz seines Projektes. Und fügte erklärend hinzu: „Man hört nicht einfach nur eine Platte. Es ist eher so, als würde man wie wahnsinnig die Kanäle auf einem kaputten Fernseher wechseln. So lange, bis es anfängt, irgendeine Form, Sinn und Struktur zu ergeben.“ Auf eine erste EP folgte 2011 dann das selbstbetitelte, tatsächlich noch sehr experimentelle, Debütalbum.
Auf dem zweiten Album „The Great Pretenders“ fanden Shuman und die Mini Mansions zwar deutlich mehr zum klassischen Song, gleichzeitig aber auch zu einer psychedelischen Verspieltheit und intuitiven Spontaneität. Gerade im Konzert lösen sich bei ihnen Zeit und Raum auf und münden in einer fortwährenden Schleife aus Tönen, Klängen und erstaunlich luftigen Rhythmen. Ihr Stil ist wild und farbenfroh, erfrischend und gerade heraus.
Besonders das Luftige scheint auch für das kommende dritte Album von großer Bedeutung, wie die bereits im Februar erschienene Vorab-Single „GummyBear“ belegte: Eine lustvoll verschmitzte Hommage an die goldene Ära des Discosounds der 70er. Tatsächlich habe man, so Shuman, kurz ernsthaft überlegt, aus „Guy Walks Into a Bar…“ eine lupenreine Discoplatte zu machen. Als Kontrast zu den auf dieser Platte sehr ehrlichen, oft unverblümt selbstkritischen Texten. Aber er verspricht: „Noch näher kommen wir den Bee Gees auf der Platte nicht.“ Ob nun Rock, Disco, Kopfkino oder kaputter Fernseher – ein Satz, welchen QOTSA-Gründer Josh Homme bereits 2010 geäußert hat, gilt immer bei den Mini Mansions: „Sie sind durch und durch psychedelisch und verfügen über großartige Hooks. Man muss sie nur ein einziges Mal hören und wird sie nicht mehr aus dem Kopf bekommen.“ Ein Versprechen, das das Trio Mitte August mit seinen drei Shows in Köln, München und Berlin todsicher einlösen wird.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Psychedelic, Rock, Indie
Hypnotische Klangwände und psychedelischer Krautrock: The Warlocks sind mit neuem Album „Mean Machine Music“ zurück!
1999 gegründet werden The Warlocks völlig zu Recht als Psych-Rock Veteranen gefeiert. Für ihr neues, sehr experimentelles Album holt die Band sich Unterstützung von Phillip Haut (Ariel Pink, Centimeters). Die Platte ist inspiriert von Stereolab über Krautrock bis Death Rock. Mit „Mean Machine Music“ wollen die Psych-Rock-Meister aus LA an die Erfolge des Vorgängers „Songs from the pale eclipse“ anknüpfen. Live zu sehen gibt es das am 24.08. im Berliner Privatclub.
Genre: Singer-Songwriter, Folk, Country
Der Ausnahmekünstler Dylan LeBlanc ist mit neuem Studioalbum „Renegade“ (VÖ 07.06. via ATO Records) zurück. Für sein neustes Werk holt LeBlanc sich keinen Geringeren als Grammy-Preisträger Dave Cobb (Brandi Carlile, Chris Stapleton, Sturgill Simpson) als Produzent und seine Band „The Pollies“ als Unterstützung mit ins Boot.
“I wanted to write the same type of songs that matched the atmosphere the band and I were bringing live. So, I started with „Renegade“ which was fitting since I felt myself going in a new, more intense direction with this record. In the studio, I let go almost absolutely and let Dave Cobb do his work. It was a different experience for me—how focused Cobb was and how quickly we would get live takes down. I couldn’t be more excited to share it with you.“, so Dylan LeBlanc über das Album.
Manche sehen in Dylan LeBlanc bereits den zweiten Neil Young. Seine ersten beiden Alben wurden von Kritikern hochgelobt. Wirklich zufrieden war der Künstler selbst damit aber nicht und so geriet er in einen Trug aus Alkohol und Selbstzweifel. Im Alter von 23 Jahren kehrte der Musiker zurück nach Alabama um sein Leben neu zu schreiben und ein weiteres Album, „Cautionary Tale“ aufzunehmen – ein inhaltlicher Cut, weg von Songs über innere Zerrissenheit, hin zu Themen mit größerer Aktualität. Mit dem Nachfolger „Renegade“ will Dylan LeBlanc jetzt noch einmal eins drauflegen.
Um das neue Album gebührend zu feiern, wird LeBlanc im Frühjahr und Sommer 2019 eine ausgedehnte Headline-Tour spielen. Neben Shows in DC’s Pearl Street, Brooklyn’s Rough Trade, Chicago’s Schubas & Nashville’s Basement, wird der Künstler mit der außergewöhnlichen Stimme am 30.08. im Berliner Privatclub auf der Bühne stehen.
Support: THE POLLIES
https://www.facebook.com/thepollies/
Genre: Americana | Alt-Country
Respect for tradition with the sophistication to shake it off. Deadpan expression of a staunchly honest vision. Edmonton based Altameda (æl-tah-MI-da) have evolved into a band with a bold, and unrelenting sound. It’s the culmination of experience, both musical and rawly human, that makes Altameda the band they are. Hitting festival circuits and stages across Canada and the UK, they’ve toured extensively since releasing their much-celebrated debut album, Dirty Rain (2016). Full and resounding, cutting and dynamic, Altameda’s sophomore record, Time Hasn’t Changed You, is full of all that makes life a beautiful mess. Brought along by warm bass lines, bluesy rhythms and the sweet whir of the wurlitzer, vocalist Troy Snaterse’s lyrics burn with nostalgia and present desire, made vivid by his talk-like cadences and emotional peaks. It will lift you out of your seat—then all at once send you spiralling down to the kitchen floor. It’s love lost and gained and lost again. It will stay with you even after vinyl and needle have parted ways. Time Hasn’t Changed You, produced by Aaron Goldstein (City & Colour, Daniel Romano, Kathleen Edwards), will be released by Pheromone Recordings in March of 2019.
“Altameda’s ‘Dirty Rain’ is the perfect summer soundtrack” – Exclaim!
“As soon as I heard their first song, I knew I had a new band-crush. They manage to sound classic and new at the same time, like Blue Rodeo crossed with [The] War On Drugs.” – Gus Van Go (Producer)
“Tinged with country and accented with Americana, Edmonton’s Altameda revel in western twang ‘n’ jangle. Whether it’s in a borrowed suit or a secondhand dress, the band is dead-set on repurposing classic hooks against the vibrant backdrop of their prairie sound.” – Sled Island Festival
“Dirty Rain has a mature sound that brings to mind Ryan Adams with classic ‘70s-era Elton John flourishes on the keyboards, and hints of Blue Rodeo. It’s clear the members of Altameda have become musical brothers spending most of their time together, jamming, writing new music and touring internationally almost non-stop since the album first dropped. Like dirty rain on an old tin roof —
Altameda’s alt-country, rootsy sound will find a way in.” – Calgary Folk Fest
“[Rolling Back To You] cuts across a bunch of different sounds – 70s FM rock, a country swing and strut and a big horn-led chorus, draped in gang backing vocals. It has that soul thing happening too, making it a great summer anthem – all carefree sun-kissed afternoons, hot sand and melting asphalt.” – Post To Wire (Australia)
Genre: Country
Frankfurt, 25. März 2019 – Nach einer fünfjährigen Pause und mit dem neuen Album „Masterpiece“ im Gepäck kommt das Country-Duo Thompson Square jetzt endlich auch nach Deutschland. Keifer und Shawna Thompson haben schon mit ihrem Debüt 2011 in den USA Superstar-Status erreicht, jetzt setzen sie zum ersten Mal über den Großen Teich. Das Ehepaar hat im Rahmen seines Deutschland-Debüts drei Shows hierzulande bestätigt: Thomson Square spielen in folgenden Städten: in Hamburg am 3. September 2019 im Nochtspeicher, in Berlin am 4. September 2019 im Privatclub und in Köln am 5. September 2019 im Blue Shell.
Keifer und Shawna Thompson gehören seit einigen Jahren zu den neuen Stars der US-Country-Szene und kommen jetzt endlich auch nach Deutschland. Schon mit ihrem selbstbetitelten Debütalbum kann das Ehepaar im Februar 2011 eine Hitsingle produzieren: „Are You Gonna Kiss Me Or Not“ erreicht die Nummer 1 der Hot Country Songs-Charts und erhält Doppel-Patin, das Album Gold. Bei den Academy Of Country Music Awards 2012 werden die beiden als ‘Top Vocal Duo‘ ausgezeichnet. Auch das zweite Album „Just Feels Good“ (2013) enthält mit „If I Didn’t Have You“ eine weitere Nummer Eins. Ein Start, wie er im Buche steht:
Kennengelernt haben sich die beiden, die unabhängig voneinander in den 2000ern nach Nashville ziehen, bei einem lokalen Wettbewerb und beschließen danach, ihre Karriere als Duo fortzusetzen. Schon bald werden die beiden aufgrund ihrer Stimmen mit Johnny Cash und June Carter verglichen.
Nach den Erfolgen der ersten beiden Alben und Tourneen mit Jason Aldean, Lady Antebellum und Luke Bryan und zwei Grammy-Nominierungen erfolgt 2016 mit der Geburt ihres Sohnes Rigney Cooper eine Zäsur: Man trennt sich von dem langjährigen Label und beschließt, das dritte Album „Masterpiece“ unabhängig zu produzieren und herauszubringen. Mit an Bord sind dabei die Top-Produzenten Nathan Chapman, Dann Huff und Ilya Toshinskiy. Der neue Ansatz bringt auch einen neuen Sound: Zum Country kommen Ausflüge in Reggae, Arena Rock und auch R&B – eine Kombination, die bei den Kritikern und den Fans gleichermaßen gut ankommt. Shawna dazu: „Das Album ist unglaublich vielseitig, das stimmt. Keifer und ich sind Fans von unterschiedlicher Musik, wir haben das Ganze nicht geplant, es ist einfach so passiert, es kommt alles von Herzen.“
„Let’s Do Something Stupid“ zum Beispiel kommt mit einer langsamen Prise R&B daher und beschreibt im Prinzip ihre gemeinsame Geschichte, bei der sie sich sofort für einander entschieden haben. Das Album hat viel zu bieten, vom relaxten „Good Day“ bis zum rockigen „Up In Smoke“ ist eine stilistische Bandbreite vertreten, wie man sich in diesem Genre äußerst selten findet: „A Love Like This“ könnte auch auf einem U2-Konzert funktionieren und das augenzwinkernde „Millionaires“ ist an Selbstironie nicht zu toppen, wie Keifer grinsend zugibt: „Man nehme eine Liebe und mache daraus Geld. Wenn die Leute Thompson Square hören, denken, sie an Liebe und wir nehmen das als Kompliment gerne mit.“
Aber es sind vor allem die dunkleren Stücke auf „Masterpiece“, die dem Albumtitel alle Ehre machen: „Breakers“ ist ein Stück über die Verletzlichkeit, die zu einer großen Liebe dazu gehört, vorgetragen von der unvergleichlichen Stimme Shawnas. „Das Stück mussten wir mehrmals aufnehmen, weil ich mich zurückhalten musste, um nicht ständig zu weinen. Ich glaube, man kann die Tränen sogar noch in meiner Stimme hören“, gibt die Sängerin zu.
Aber das Album wäre nicht perfekt ohne das herausragende Titelstück, das Keifer eines Morgens nach dem Aufwachen eingefallen ist. „Ich habe auf mein jetziges Leben geblickt, auf dieses Familienidyll und dachte mir nur eins: Wenn ich heute sterben würde, wäre trotzdem alles perfekt. Alles nur, weil ich meine Frau und meinen Sohn so liebe.“
Mit einem im März 2019 neu abgeschlossenen Deal mit Reviver Music (u.a. Big & Rich, John Carter Cash) sehen sich Thompson Square endlich wieder auf der Erfolgsspur. „Dieses Album zu machen, war mit Sicherheit der befreiende Moment unserer bisherigen Karriere“, erklärt Keifer. „Es macht einfach Spaß, bei Thompson Square zu sein.“
Genre: Progressive Rock
LEBOWSKI are a band whose style the musicians themselves refer to as „music for a nonexistent film“, music which is a mix of art-rock, progressive rock and film music.
Their debut album „Cinematic“, released in 2010, is a tribute to the outstanding figures of Polish cinema; the music is interspersed with and complimented by original quotes from some of the classic films of Polish and world cinematography.
The band, independent of major record labels, has managed to make a long and impressive journey. „Cinematic“ was met with an enthusiastic response by listeners of ambitious rock music not just in Poland but world-wide. This response was marked by the excellent CD sales of more than 7,000 copies and a sold-out vinyl LP limited edition; hundreds of reviews in around 30 countries world-wide and numerous appearances and radio interviews.
Lebowski have appeared in numerous Opinion polls and album rankings in Poland, Canada, Finland, Italy and Brazil. The „Polish Album of the Year“ and „Debut of the Year“ titles were given to „Cinematic“ by readers of Metal Hammer monthly magazine and listeners of the Italian radio station, Radio Rock FM. Favorable reviews and articles have also appeared in music magazines such as Teraz Rock (Poland), Lizard (Poland), Nocturne (Serbia), Inferno (Finland) and many more.
In June 2017, a live album, „Lebowski plays Lebowski“ was released, consisting of 10 tracks, including 6 newly released titles, It was recorded during the band’s performance at the Tennis Music Festival in Szczecin, Poland in 2016. The release of the album was met with a warm reception by listeners and reviewers alike. A review in Metal Hammer gave the release 5 stars.
For Lebowski 2018 is marked by the release of a new studio album, „Galactica“. For the recording of this album the quartet invited, among others, the legend of world jazz, the outstanding German trumpeter – Markus Stockhausen who also collaborated with Lebowski on their 2013 single release, „Goodbye My Joy“ which spent 17 weeks in the Hit List of the Polish radio station Radiowa Trójka. Recently, the long-term bassist of the group, Marek Żak, was replaced by Ryszard Łabul, well-known from the Indios Bravos group.
The band’s concert performances combine spectacular sound and visual settings, making them unforgettable both in intimate club conditions as well as on a big stage in front of a large audience. Recent performances include the International Rock Conspiracy in Berlin, the Ino-Rock Festival in Inowrocław alongside Brendan Perry (Dead Can Dance) and the Swedish band Pain Of Salvation and the 2018 Progressive Rock Festival in Toruń where Lebowski was the headline act.
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Indie, Alternative
Die Noise-Rock Supergroup Ice Balloons kommt im September 2019 für eines von drei exklusiven Deutschlandkonzerte nach Berlin.
Ice Balloons gründeten sich 2014 in einem dunklen Keller in Brooklyn. Der Sänger der auch als Sean Kennerly von Samiam bekannt ist, tritt bei diesem Projekt als menschliche Fliege auf. Kyp Malone von TV ON THE RADIO macht Noise und Lyla Vander von The Trashbags spielt Schlagzeug. Ihr selbstveröffentlichtes gleichnamiges Debüt brachten sie 2015 heraus. Es folgten vier Tourneen quer durch die USA. Nach dem 2017 veröffentlichten Album „Fiesta“ ist in diesem Jahr über Muddguts Recordsdie 7-Inch „Body in the Park“ erschienen.
Wer zelebriertes Chaos mag, sollte die Band auf ihrer ersten Europa-Tournee nicht verpassen.
„I came up with concept of the band as a skeletal punk rock band led by a fly around which swirled layers of chaos noise (synthesizers) and the name Ice Balloons. For some reason it seems appropriate that most of the songs be about insects”, beschriebt Sean Kennerly die Gründungsidee der Band.
Genre: Rock, Nintendocore, Progressive
The Protomen aus Nashville, Tennessee sind mehr als nur eine Konzeptrock Band. Sie sind Botschafter auf einem eiserenen Hengst (meint einen mickrigen, latent miefenden Tour Bus) mit der Mission, die wohl teuflischste Rock ‚n‘ Roll Geschichte zu verbreiten, die die Welt je gekannt hat. Mit mehreren Alben und einer sagenumwobenen Live Show, liegt die Zukunft in ihren Händen. Zum ersten Mal in ihrer Geschichte kommen THE PROTOMEN im September für ausgewählte Club Shows nach Europa.
Genre: Alternative, Surf, Indie Folk
Mit „Your Mind Is A Picture“ veröffentlicht Sean Koch in diesem Jahr sein erstes Album. Und damit das bunte Bild der sonnigen Live-Auftritte in 2018 noch farbenfroher wird, hat sich auch in der Besetzung der Band einiges getan. An seiner Seite werden neben Co-Songwriter Shaun Cloete nun auch die langjährigen Freunde Adrian Fowler (Drums) und Dean Bailey (Bass) für noch mehr „Good Times“ sorgen, als es die Fans bisher schon gewohnt sind.
Mit so viel positiver Energie vom Südkap Afrikas werden die Jungs mit Sicherheit die mitreißenden Shows der ersten drei Europa-Tourneen noch toppen. Auf der Bühne ist der surfenden Horde anzumerken, wie viel Energie ihr liebster Ort, das Meer, ihnen mit auf den weiten Weg zur Nordhalbkugel gibt. Und so wie sich Mother Ocean stetig wandelt, hat sich auch ihr Sound seit ihren letzten Auftritten massiv weiterentwickelt.
Aufgewachsen im kleinen Dorf Kommetjie vor den Toren Kapstadts, zusammen mit seinen Freunden Jeremy Loops und Alice Phobe Lou und dem Ozean im Vorgarten, verbringt er den größten Teil seiner Zeit auf dem Surfbrett oder mit der Gitarre am Strand.
Anfang 2016 veröffentlicht der Singer-Songwriter seine erste EP „Natural Projection“ und tourte seit dem als Sean Koch Trio dreimal durch Europa, wo er jeden Gig in eine ausgelassene Party verwandelt.
Genre: Singer-Songwriter
Ami braucht nicht viele Worte, um zu sagen, was sie sagen will. Ihre Texte wirken ungefiltert, unverbogen und direkt. Und diese Direktheit macht den großen Charme von Amis Songs aus. Nichts ist verklausuliert, trotzdem zeichnet die Klarheit der Sprache Bilder zu den Melodien, die im Kopf bleiben.
Ami kann voll und tief singen, dann wieder klar und leicht. Ihre Stimmfarben passen perfekt zusammen. Und sie passen perfekt zu ihren neuen Songs, die sie – wie auch schon für die beiden Vorgängeralben – selbst komponiert hat.
Nach der Veröffentlichung ihres ersten Albums „Part of me“ 2014 wird die junge Münchnerin mit Wurzeln in Aruba von den Feuilletons als eine der vielversprechendsten Newcomerinnen Deutschlands gehandelt. „Seasons“, das zweite Album, wird 2016 veröffentlicht – und klingt ganz anders als sein Reggae- und Bluesgefärbter Vorgänger. Reifer, gelöster, mit hypnotischen Beats und souligen Balladen. Gleichzeitig – und von Anfang an – schreibt Ami auch deutsche Songs. Leichte, poetische Lieder, ohne erhobenen Zeigefinger, ohne Pathos, aber sehr berührend. Amis Kunst ist, durch ihre Worte eine große Vertrautheit zu schaffen, eine Nähe zu ihren Zuhörern, durch die man sich angenehm verstanden fühlt. Ihre Songs wirken entspannt und sind gleichzeitig von einer Intensität, die sofort berührt. Amis Publikum ist hingerissen, und was zunächst nur ein kleiner Teil des Live-Programms war, wird immer mehr eingefordert. Das neue Programm ist komplett auf Deutsch. Nicht kitschig, nicht überladen – sondern einfach: Ami. Mit einfachen Worten und einzigartiger Stimme macht sie eine ganz neue Gefühlswelt auf, mit der man sich sofort verbunden fühlt. Ami singt aus dem Herzen, mehr denn je.
Genre: Indie-Rock
Das Manchester-Trio Cassia begleitet im März als Support die Crystal Fighters in Paris, Amsterdam, Köln, Berlin und Hamburg und verlegt seine geplanten Deutschland-Termine in den September.
In ihrer Heimat Großbritannien erspielten sich Rob Ellis, Lou Cotterill und Jacob Leff innerhalb kürzester Zeit mit ihrem „Calypso-Flavoured Afro-Rock“ eine beachtliche Fanbase. Auf zahllosen Shows zeigten sich Cassia als explosive und schweißtreibende Liveband, was ihnen eine Shortlist-Nominierung als „Best Live Act“ beim Association of Independent Music Award einbrachte. In ihrer Heimatstadt haben sie vor kurzem eine eigene Headlinershow mit 1.500 Fans ausverkauft und für ihre kommende Album Release Tour in U.K. waren die Karten innerhalb eines Tages restlos vergriffen.
Neben Auftritten beim diesjährigen Eurosonic Noorderslag in Groningen und dem SXSW Festival in Austin ist die Band im Sommer auf den hiesigen Festivalbühnen zu sehen und kommt ab September für einige Clubshows nach Deutschland.
Genre: Alternative Rock, Pop
Carlie Hanson – ein Name, den man sich zukünftig merken sollte. Denn der jungen Amerikanerin steht eine vielversprechende musikalische Karriere bevor. Superstar Taylor Swift ist schon ein riesiger Fan der Singer-Songwriterin und ihr Zenit ist noch lange nicht erreicht. Am 15. September kommt Carlie Hanson mit neuen Songs im Gepäck für ein intimes Konzert in den Privatclub Berlin.
Carlie Hanson hat es fast wortwörtlich von der Tellerwäscherin zum Popstar geschafft: Aufgewachsen in einer Kleinstadt in Wisconsin, arbeitet sie in einer Fastfoodkette, um sich über Wasser zu halten. Schon mit 14 Jahren fängt Carlie an Coversongs auf YouTube zu laden, in der Hoffnung, eine Karriere wie Justin Bieber hinzulegen. Zwei Jahre später nimmt sie an einem Radiowettbewerb teil, covert den britischen Pop-Sänger Zayn und lädt es bei Instagram hoch. Schnell erregt sie mit ihrem Post Aufmerksamkeit und wird von einem Talent-Scout entdeckt, der sie kurzerhand zu einer Session einlädt.
Kein Jahr später veröffentlicht Carlie Hanson 2017 mit „Why Did You Lie?“ und „Only One“ ihre ersten Singles. Auch Taylor Swift ist von dem Talent der jungen Sängerin überzeugt und packt „Only One“ in ihre eigens kuratierte Spotify-Playlist. Die Single ist ein viraler Hit und wird zusammen mit drei weiteren Songs, die sie in Eigenregie veröffentlicht, über 60 Millionen Mal gestreamt.
Mit „Numb“ erscheint im Dezember 2018 nicht nur ein weiterer ausgefeilter Song voll von düsteren Klängen, sondern auch ein Video, das nichts für zarte Gemüter ist. Inspiriert von Stephen Kings Horrorklassiker Misery spielt Carlie Hanson im Video ihre eigene Version der Annie Wilkes.
Und auch 2019 steht ganz im Zeichen von Carlie Hanson. Ende April erscheint mit „Back in My Arms“ der erste Vorbote für die Debüt-EP „Junk“, die am 7. Juni auf den Markt kam. Eine Platte mit fünf Songs, die voller musikalischer Ideen sprudeln und Ohrwurmcharakter haben.
Im September kommt Carlie Hanson im Rahmen ihrer „Where U At Tour“ für einen Termin auch nach Deutschland. Am 15. des Monats kann sich Berlin im Privatclub von dem neuen Popstar ein Bild machen – so intim wie man es wahrscheinlich nie wieder erleben wird, wenn sie erst die Hallen füllt.
Genre: Indie
September. Bräune wird Blässe, Cocktails zu Cabernet, Sommer zu Herbst. Im Ringkampf um Farb- und Gefühlswelt verbeißen sich die Jahreszeiten ineinander. Wer jetzt das besondere Spiel im Gegenlicht sucht, streift durch leuchtende Wälder oder lauschige Live Clubs. Hier sind die Bühnen für eine Tour bereitet, die jedes Verlangen nach spannenden Newcomern in dieser goldenen Konzertsaison stillt – die INDIEAN SUMMER TOUR! Isso. Wirklich. Auch 2019 geht die herbstliche Indiereise dreier Bands wieder durch die Republik.
BELLE MT. ist das Projekt des britischen Singer/Songwriters Matt Belmont, welches er zusammen mit zwei weiteren Musikern live auf die Bühne bringen wird. Für BELLE MT. entzog sich der junge Matt Belmont für eine längere Schaffensphase der heimischen Zivilisation: In einem rustikalen Ferienhaus eines Freundes, am Fuße der französischen Alpen, experimentierte und schrieb er Tage und Nächte lang an seiner Musik. Vom Tal bewegt sich der junge Mann seither unbeirrbar Richtung Gipfel und weist mittlerweile zahlreiche Auftritte und umjubelte Konzerte vor, unter anderem mit Bruno Mars oder auf dem 1 LIVE Popfest 2018 in Gelsenkirchen, welches er für Acts wie Clean Bandit und Macklemore eröffnete. Nun, ohne große Namen aber mit großen Klängen, kommt das Trio mit auf INDIEAN SUMMER TOUR!
CASEY LOWRY, der Wahl-Londoner aus Chesterfield, ist der zweite Act auf der diesjährigen INDIEAN SUMMER TOUR. Der junge Musiker durchlief einen intensiven musikalischen Reife- und Schaffensprozess, ohne sein Ziel aus den Augen zu verlieren. Sein erster Song „Trampoline“, den er im zarten Alter von nur 14 Jahren schrieb, hat es mittlerweile zu hunderttausenden von Streams auf Spotify gebracht. Jetzt kommt der heute 21-Jährige nach Deutschland und wird das Line-Up der diesjährigen INDIEAN SUMMER TOUR durch zahlreiche weitere unglaublich mitreißende Eigenkompositionen bereichern!
Einen (also: den!) dritten Act werden wir demnächst bestätigen (neudeutsch: ankündigen) können!
Genre: Indie-Rock
Konzerte in Berlin, Köln, München, Stuttgart, Frankfurt im September 2019
Aktuelles Album „Bloody Lovely“ weiterhin im Handel
Tickets ab sofort im Pre-Sale erhältlich
Frankfurt, 03. Mai 2019 – Im August 2018 waren sie zum letzten Mal in Deutschland, jetzt kündigt das australische Dance-Punk-Trio DZ Deathrays eine weitere Tour hierzulande an. Shane Parsons (v, g), Simon Ridley (dr, bv) und Gitarrist Lachlan Ewbank werden dabei ihr noch unbetiteltes viertes Album, das im Frühsommer erscheinen soll, promoten. DZ Deathrays treten in folgenden Städten auf: am 19. September 2019 in Berlin im Privatclub, am 22. September 2019 in Köln im Blue Shell, am 23. September 2019 in München im Feierwerk (Kranhalle), am 24. September 2019 in Stuttgart im Goldmarks und am 25. September 2019 in Frankfurt im Nachtleben. Außerdem spielt die Band auf dem Reeperbahn-Festival am 21. September 2019.
Ab Freitag, dem 3. Mai 2019 – 10:00 Uhr bieten die Ticketanbieter Myticket und CTS Eventim Presales an.Der allgemeine Vorverkauf beginnt am Samstag, dem 4. Mai 2019. Tickets sind unter www.myticket.de sowie telefonisch unter 01806 – 777 111 (20 Ct./Anruf – Mobilfunkpreise max. 60 Ct./Anruf) und bei den bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.
Eine Band, die das Kunststück vollführt, dem Garage Rock-Revival mit Mitteln des Dance-Punks eine neue Note zu verpassen? In diesen Tagen kaum denkbar. Aber dieses Review zur dritten DZ Deathrays-Scheibe „Bloody Lovely“ (2018) spricht Bände: „Jeder, der die beiden ersten Alben kennt, weiß inzwischen, dass DZ Deathrays nur eins im Sinn haben: Spaß. Das Duo aus Brisbane will auch das Rad nicht neu erfinden, sondern bleibt stattdessen bei seinem erfolgreichen Rezept: große Riffs, donnernde Drums und rauer Gesang.“ Mit anderen Worten: Sie machen keine großen Pläne und lieben keine Änderungen. Shane Parsons, Simon Ridley und seit Neuestem Lachlan Ewbank beweisen jedem Kritiker mit ihrem Mix aus tanzbarem Punk und lautem Indie-Rock, wie ernst sie es meinen: Parson und Ridley kennen sich aus ihrer gemeinsamen Brisbaner Zeit in der Rockband Velociraptor. 2008 entschließen sie sich, allein zu zweit weiterzumachen. Für ihre Musik schmeißen sie nach dem Uni-Abschluss ihre Jobs hin, denn Gigs lohnen sich mehr als ein Büro-Job. „Das ist der einzige Beruf, bei dem du am Anfang der Schicht einen Kasten Bier und am Ende Applaus von einem Haufen Menschen bekommst. Wir hatten eine Menge Jobs, aber so etwas haben wir nie bekommen; noch nicht einmal Kaffee“, meint Ridley zu ihrem Lebensstil. Sie treten zuerst nur auf House-Partys auf, auf denen sie auch ihre erste EP „Ruined My Life“ live aufnehmen, die 2009 erscheint. Nach zwei weiteren EPs („No Sleep“ und „Brutal Tapes“) werden sie 2011 von den Foo Fighters auf deren Welttour eingeladen. 2012 nehmen sie ihre Debüt-CD „Bloodstreams“ in nur zwei Wochen mit Produzent Richard Pike in Queensland auf. Der Erstling gewinnt auf Anhieb den „Independent Music Award“ in der Kategorie „bestes Independent Hardrock-Album“ und den wichtigsten australischen Musikpreis, den ARIA Award, als „bestes Hardrock/Heavy Metal-Album“ und wird von den heimischen Medien genauso gefeiert wie von der britischen Presse. Der renommierte NME schreibt im Mai 2012: „Dieses Album hat das Potenzial, deine kleine Schwester dazu zu bringen, sich den Kopf zu rasieren und sich Hotpants aus Lederimitat zu kaufen. Es ist die verfasste Verführung für eine Wochenende voller Verantwortungslosigkeiten und einen Montag mit schlechten Entschuldigungen.“ Im Januar 2014 entsteht mit Produzent Burke Reid in der Nähe von Sydney innerhalb von erneut nur zwei Wochen der zweite Tonträger „Black Rat“, den Parsons als Scheibe beschreibt, die „ihre wahre Wirkung erst nach 21 Uhr entfaltet“. Bevor „Black Rat“ im Mai 2014 in den USA und Europa erscheint, spielen sie zum ersten Mal in Großbritannien. Auch „Black Rat“ gewinnt den ARIA Award. Mittlerweile hat das Duo nicht nur einige australische, sondern auch über 20 internationale Tourneen absolviert und dabei mit Bands wie Blood Red Shoes, Cerebral Ballzy und Band Of Skulls zusammen auf der Bühne gestanden. DZ Deathrays sind auch auf einigen der bekanntesten Festivals weltweit zu sehen, u.a. treten sie in Reading & Leeds, SXSW, CMJ, CMW, The Great Escape internationally und Falls Festival, Splendour In The Grass auf. 2016 veröffentlichen sie zwei Singles: ‘Blood On My Leather’ und ‘Pollyanna’ sind allerdings nicht auf dem dritten Album „Bloody Lovely“ enthalten. Das erscheint im Februar 2018, ist erneut von Burke Reid produziert, hat mit ‘Shred Of Summer‘ und ‘Total Meltdown‘ zwei weitere Hits zu bieten und landet auf Platz 4 der australischen Charts. Um eine weitere Kritik zu zitieren: „Ist es zu früh, dieses Album zum besten des Jahres zu küren?“ Das vierte Album ist übrigens fertig und sollte zur September-Tour erhältlich sein.
Genre: Rock
Nach vier Jahren akribischen Songwritings stellen Radare mit Der Endless Dream ihr viertes Album vor. Im Gegensatz zum in Eigenregie produzierten Vorgänger Im Argen, nahm die in Wiesbaden und Leipzig beheimatete Band dieses Mal gemeinsam mit Lari Eiden im Lunar City Studio in Darmstadt auf. Resultat dieser Kollaboration ist ein Klangbild verschiedenster Grauschattierungen, geprägt von synthetischen Drones, sanften Bläsern und hypnotischen Western- Gitarren.
Der Endless Dream ergründet die Irrungen und Wirrungen jugendlicher Sehnsüchte in einer Abfolge szenischer Ausschnitte und dient in der Tradition vergangener Alben der Band als Soundtrack für einen Mystery-Film im Kopfkino des Hörers.
Wurde das 2010 erschienene Debüt Infinite Regress noch von einer ungestümen Heaviness und Rohheit dominiert – ein Sound, den die Band bereits auf dem 2011 veröffentlichten Hyrule hinter sich ließ –, verwirklichte das 2015 erschienene Album Im Argen (ebenfalls auf Golden Antenna) durch Rhodes Piano und mit Besen gespielten Drums eine reflektierte, in sich ruhende Klangästhetik. Beeinflusst von den repetitiven Kompositionen von Slint, der bleiernen Melancholie von Bohren & Der Club of Gore und dem sehnsuchtsvollen Spätwerk von Talk Talk, kreieren Radare auf Der Endless Dream einen durch experimentelle Gitarren und Synthesizer weiterentwickelten Sound. Das Line-up um Fabian Bremer (Gitarren, Synthesizer), Henrik Eichmann (Schlagzeug, Klarinette) und Jobst M. Feit (Gitarren, Synthesizer) wird dabei von Dominik Fink komplettiert, welcher Ende 2017 das langjährige Bandmitglied Matthias Jurisch am Bass ersetzte und mit seinem Tenorsaxophon zusätzlich eine neue Klangfarbe zum Gesamtbild hinzufügt.
Der Endless Dream wurde von Henrik Eichmann gemischt, Harris Newman ( Timber Timbre, Arcade Fire) war – wie bereits bei Im Argen – für das Mastering verantwortlich. Grafik und Packaging wurden von Fabian Bremer realisiert. Das Album wurde bereits am 29. März 2019 als CD, Vinyl und im digitalen Format auf Golden Antenna Records veröffentlicht.
Genre: Indie
Den Kopf voller Blitze in den Wolken! Die Zeichnung auf dem neuen Cover ist für das fünfte Album der Band aus Montreuil tonangebend. Die unter Storm stehende Scheibe Billy Believe wird mit Sonnenenergie betrieben – das Storyboard bringt eine Band ewiger Träumer zum Kochen. In den 12 Tracks dieses Kaleidoskopartigen Albums kreuzen wütende Adrenalinschübe Pop.Melodien, um das Feuer einer Welt am Ende des Rennens zu entfacher.
Es ist wieder einmal unmöglich, nicht dem gewaltigen und fast ritterlichen Fieber zu erliegen, das Stuck In The Sound zu einer einzigartig bewegenden und ehrlichen Band macht, wie wir sie seit Ihrer Gründung vor 12 Jahren und dem Urschrel der ersten Platte „Toy Boy“ kennen. Durch die Gründung ihres eigenen Labels (Beam!) haben Stuck In The Sound ihr Schicksal selbst in die Hand genommen und können so mit dem neuen Album von der belebenden Frische profitieren. Natürlich finden sich Anspielungen auf die amerikanische Indie-Rock-Szene der 90er, die ein Teil der struppigen DNA der Band ist („See You Again“ oder „Vegan Porn Food“), aber auch Hzmnen wie die erste Single „Alright“, die wir uns bereits im Feuer Ihrer energiegeladenen Konzerte vorstellen können und, noch aufregender, Pophits voll Power, die eure Herzen erobern werden, wir „Forever Days“, „Serious“ oder das grandiose „Brek Up“, die Story eines Bruchs, die sich in eine funkige Tour verwandelt – mit Kopfstimme zu singen, weil selbst in stürmische Zeiten das Beste noch bevorsteht.
Genre: Singer-Songwriter
Louis Baker, einer der überzeugendsten Singer/Songwriter Neuseelands, veröffentlichte vor kurzem sein Debut-Album „Open“ (VÖ 21.06.2019) und wird dieses im September bei zwei exklusiven Konzerten in Köln und Berlin vorstellen.
Bereits mit 11 Jahren brachte sich Louis Baker das Gitarrespielen selber bei. Die Leidenschaft für dieses Instrument führte ihn zunächst durch eine Metal-Phase und anschließend, inspiriert durch Jimi Hendrix, hin zum Rhythm and Blues. Nach der High-School studierte der begabte Baker an der New Zealand School of Music. Seine erste Single „Even In The Darkness“ wurde 2011 veröffentlicht. Nur zwei Jahre später schaffte er es einen der begehrten Plätze an der angesehenen Red Bull Music Academy in New York zu ergattern. Hier lernte er von Gast-Dozenten wie Brian Eno, Questlove (The Roots) und Q-Tip (A Tribe Called Quest) und stand dabei unter anderem schon mit dem legendären Hip Hop Produzenten Just Blaze zusammen im Studio. 2014 nahm er mit dem Produzenten Andy Lavegrove in London seine Debut-EP auf, die unmittelbar nach Veröffentlichung auf den dritten Platz der neuseeländischen Albumcharts einschlug. In den Jahren 2016 und 2017 brachte Baker vier weitere Singles heraus: „Rainbow“, „Fade“, „Gave It All Away“ und „Addict“, welche bereits im ersten Jahr nach Veröffentlichung weltweit zusammen über 7,5 Millionen Mal gestreamt wurden. Darüberhinaus tourte Louis Baker in den letzten Jahren mehrfach durch Neuseeland, Australien, Großbritannien und Europa, wobei er auf den angesagtesten internationalen Festivals auftrat, wie Field Days(London), Sonar Festival (Barcelona), Sziget Festival (Ungarn) und The Great Escape (Brighton). Das lang ersehnte Debut-Album „Open“ wurde in London, Los Angeles, Sydney und Neuseeland, in Zusammenarbeit mit dem Grammy-nominierten Produzenten Steve Rusch (Kendrick Lamar, Solange, Cody Chesnutt) und der mehrfach platin-gekrönten Songwriterin Lindy Robbins (Andra Day, Chromeo) geschrieben und produziert. Baker nimmt uns hierbei mit auf eine ganz persönliche Reise, beginnend bei seinen musikalischen Wurzeln, hin zu einer offenen, strahlenden Zukunft. Bei den zwei exklusiven Konzerten in Köln und Berlin, kann sich das Publikum auf herzergreifende Songs, tiefgreifende Lyrik und „eine geniale, reife Stimme von großer Bandbreite“(NRZ) freuen.
Genre: Indie Rock
Jocke Åhlund und Frans Johansson, zwei alteingesessene Stockholmer Rockstars (u.a. Teddybe- ars, Caesars, Fireside), haben sich 2011 mit Martin ‘Konie’ Ehrencrona und Nino Keller zusam- mengetan und drei Jahre später die atmosphärische, Gitarren-getriebene „Back to Bagarmos- sen“-EP veröffentlicht. Auf das Debütalbum „They Worshipped Cats“ und die LP „Congratulati- ons“ folgte 2017 mit „Iran Iraq IKEA“ dann ein mutiger Mix aus langjährigen Rockeinflüssen und kreativer Freiheit.
“It’s about classic topics like love and failure. And about being older and feeling like you’ve pissed your life away, It’s about regrets and wishing you’d done things another way,” beschreibt Åhlund das Album.
Die Bühne teilen, werden sich die beiden Schweden mit vier Britinnen: Jenny (Leadsängerin/Gi- tarre), Alexa (Bass), Jess (Gitarre) und Rebecca (Gesang), die erst vor einigen Tagen ihre Debüt- single „Petalhead“ veröffentlicht haben. Der Indie-Rock-Song ist die perfekte Mischung für einen trüb-heißen Sommerabend: triefäugiger Bass und sonnengebleichter Gitarrensturm lassen den Sound eines 90er Jahre Demobands entstehen, bevor Jennys Stimme diesen wie Himbeersirup durchbricht.
‘Petalhead’ is for my twin sister”, beschreibt Jenny. “She was feeling a long stretch of joylessness, […] and I wanted to send her a positive charm of some kind to connect us because I couldn’t be with her.”
Genre: Singer-Songwriter, Indie-Pop
Manche kennen John Van Deusen noch als Sänger von The Lonely Forest, die in 10 Jahren immerhin vier Alben veröffentlicht haben und vor allem mit ihrem dritten Werk “Arrows” (2011) für Aufsehen sorgen konnten. So wurden sie von NPR als “Best New Artist” ausgezeichnet und van Deusen vom Seattle Weekly als “best male vocalist“. Kein Wunder!
John Van Deusen trägt eine Ehrlichkeit in sich, die auf viele etwas verstörend wirken mag und kleidet diese in seinen ganz eigenen Power-Pop, der zum Teil sonderbare Einflüsse hat. Das resultiert dann in seine spezielle Art von Indie-Rock, der zu einem Teil bekannt vorkommt und an die 90er Jahre erinnert, zum anderen aber doch auch recht eigenartig anmutet. Die Hooks sind eingängig und zum Teil sogar leicht, aber dies wird von der emotionalen Komplexität seiner Musik dann etwas konterkariert – überhaupt gibt es zurzeit wenige, deren Intimität und Verletzlichkeit so absolut sind.
Singt er auf der einen Seite von Vertrauen, so behandelt er auch seine Zweifel, Depression und Selbstmordgedanken mit aller Ernsthaftigkeit. John Van Deusen ist ein Künstler der Gegensätze, der uns mit unglaublichen Melodien und Songs beglückt und fesselt, uns auf der anderen Seite aber auch an seinen dunklen Gedanken teilhaben lässt, die nicht minder fesselnd sind.
Musik, die so energetisch und zugänglich ist, sollte vielleicht nicht so persönlich und offen daherkommen, aber John Van Deusens künstlerische Persönlichkeit ist mit allen Höhen und Tiefen nun mal auch seine wahre Persönlichkeit. Seine Alben sollten in diesem Kontext verstanden werden, zeichnen sie doch ein Portrait der menschlichen Seele in all ihrer Unordnung und Unbeschreiblichkeit. In Würdigung dieses Kontextes entschied sich Van Deusen zu einer ganzen Serie von sehr persönlichen Solo-Alben, die “(I Am) Origami” betitelt sind und so unterschiedlich diese musikalisch verschiedenste Stimmungen transportieren, stammen sie alle von derselben Person.
“John Van Deusen has perfected indie power pop of actual substance in a way that makes me feel things I didn’t know music that sounds this good could make me feel” – Steven Graham, host of Locals Only on 107.7 The End, KNDD Seattle
Nach der Anfang 2016 veröffentlichten Single „Human“, geht es für die schwedische psych-pop Band Melby immer weiter!
2017 veröffentlichten sie ihre Debüt EP, welche ihnen in der schwedischen Indie-Szene einen sehr guten Namen verschaffte. Nach zwei weiteren Singles erschien dann dieses Jahr ihr Debüt Album „None of this makes me worry“ über Rama Lama Records (ROW) und Sinnbus (G/S/A). Die Songs auf dem Album variieren von mitreißendem Pop bis zu emotionaler Melancholie. Auch wenn sich durch das Album ein immer bekanntes Thema zieht, kam für jedes Lied die Inspiration aus einer anderen Richtung.
Melby sind: Matilda Wiezell (Vocals, Keyboard), Are Engen Steinsholm (Gitarre), David Jehrlander (Bass) und Teo Jernkvist (Drums).
Genre: Blues, Singer-Songwriter
Die Premiere war ein voller Erfolg, 2017 gab Jade Jackson drei umjubelte Konzerte in Deutschland. Keine Frage also, dass die charismatische Kalifornierin auch für ihr zweites Album „Wilderness“ wieder bei uns Station machen wird. Die Singer/Songwriterin spielt in München am 20. September 2019 im folks! club, in Hamburg am 23. September 2019 in der Nochtwache, in Berlin am 24. September 2019 im Privatclub und in Köln am 25. September 2019 im Blue Shell. Begleitet wird sie dabei von dem Kölner-Duo Roads & Shoes.
Mit ihrem zweiten Werk „Wilderness“ enthüllt Jade Jackson ihren privaten Bereich, den sie auf ihrem Debütalbum noch vor neugierigen Blicken geschützt hatte. „Gilded“ (2017, Anti/Epitph) war eine meisterliche Einführung in ihre Welt, voll eingängiger Musik und Geschichten aus den Augen ihrer Protagonisten gesehen. Für die neue Scheibe entschied sich Jade Jackson, über das zu schreiben, was sie am besten kennt: ihr eigenes Leben.
Im Zentrum ihrer Lieder steht ein Unfall, den sie 2012 erlitt, und seine Folgen. Zwei Tage nach ihrem 20. Geburtstag wanderte Jackson als Studentin des ersten Semesters am CalArts College in Santa Clarita im nahe gelegenen Sand Canyon, als sie aus fünfzehn Fuß Höhe auf einen Felsen fiel. Sie erlitt schwere Verletzungen, von zerbrochenen Wirbeln und Bandscheiben bis hin zum verletzten Steißbein. Sie war sich nicht sicher, ob sie je wieder gehen könnte. Eine Medikamentenallergie im Krankenhaus führte zu Krampfanfällen. Als sie schließlich entlassen wurde, musste sie in einem Hotel leben, trug eine Rückenstütze und saß im Rollstuhl. Dazu bemerkte sie, dass sie von den Schmerzmitteln abhängig war, die ihr verschrieben wurden. Die Folge: ihr Körper und Gehirn gerieten in eine Depression. „Unnötig zu erwähnen, dass ich zum ersten Mal nicht mehr an meine Musik geglaubt habe“, verrät Jackson. „Wegen meiner Depression mochte ich mich selbst nicht mehr, daher konnte ich mir unmöglich vorstellen, dass jemand anderes mein Werk mochte. Aber selbst das konnte mich nicht davon abhalten zu schreiben, das Songwriting blieb meine Therapie.“ Jackson hat noch nie zuvor ausführlich über den Unfall gesprochen. Jetzt hofft sie, andere mit ihrer Geschichte inspirieren zu können, indem sie darüber singt wie sie sich durch diese unbekannten, trüben Tage und Nächte navigierte.
„Wilderness“ zeigt, dass Melancholie eine mächtige Waffe sein kann, vor allem in Form von Roots Rock- oder Country-Songs. Während einige Melodien wenig hoffnungsvoll klingen, leuchtet ein heller Hoffnungsschimmer in anderen. Auffällig ist die rohe, reine Herangehensweise, mit der Jackson sich selber heilen will.
Vom explosiven „Bottle It Up“ bis zum letzten Flüstern von „Secret“ zeigen ihre Lieder mehrere kraftvolle Ebenen. Zu hören sind Twang-Gitarren und pfiffige Backbeats, schwere und leichte Melodien. „Wilderness“ wurde wie „Gilded“ von Mike Ness produziert, der SoCal-Punkrock-Legende. „Dieses Mal hatte ich eher eine Vorstellung davon, was ich wollte, unsere Zusammenarbeit war kooperativer“, blickt Jackson zurück. Der Chef der Punk-Pioniere Social Distortion half ihr, Handwerk und Sound zu verbessern, sie nennt ihn „einen Meister des Gefühls und des Rhythmus“.
„„Wilderness“, der Titel meines Albums, ist dieser Zwischenbereich, in dem ich mich als Musikerin momentan befinde. Es ist das Unbekannte – wenn wir auf Tour sind, wissen wir nicht, wo wir spielen oder schlafen werden, was wir essen werden oder wo die Monitore auf der Bühne stehen“, sagt Jackson. „Ich bin unglaublich dankbar für den Start meiner Karriere, aber ich hatte immer diesen Drang, vorwärts zu gehen. Im Moment gehe ich durch die Wildnis, sammle Werkzeuge, lerne immer noch und mache meinen Weg.“
Genre: Pop
Starke Texte, tiefe Emotionen – ein neuer Singer-Songwriter aus dem hohen Norden stürmt die Szene der Deutsch-Poeten – sein Name: Florian Künstler.
Geprägt durch seine Vita schafft der Singer-Songwriter aus Lübeck ganz besondere Momente im Publikum. Sein Ziel seit jeher – Menschen mit seiner Musik zu begeistern – und das schafft er immer wieder auf seine ganz eigene charmante und authentische Art. Durch die Verbindung seiner persönlichen und reflektierten deutschen Texte mit typischen und modernen Elementen der Folkmusik setzt Florian Künstler neue Maßstäbe in der deutschsprachigen Musikszene. Dass er live ganz besonders überzeugt, hat er bereits auf zahlreichen norddeutschen open Mic Sessions und Poetryslams bewiesen. Heinz Rudolf Kunze merkt im Zuge des Wettbewerbs „NDR Schleswig Holstein Hammer“ treffend an: „Die anderen seien zwar gut, aber Florian Künstler hat Talent!“. Und das hat er wahrlich.
Nicht nur verkaufte er gerade das Hamburgkonzert seiner ersten eigenen Tour „Träumen dürfen“ aus, auch im Studio geht es fleißig voran und das Debutalbum lässt nicht mehr lange auf sich warten.
Genre: Indie, Alternative Rock
Hutch Harris war Sänger, Songwriter und Gitarrist von Portlands Indie-LoFi-Garagen-Pop-Punk-Band The Thermals. Nach 15 Jahren und 7 Alben verkündeten sie im April 2018 ihre Auflösung. Schon im November 2018 veröffentlichte Hutch Harris mit „Only Water“ überraschend und fast heimlich sein erstes Solo-Album und kommt nun zum ersten Mal solo nach Berlin, um Songs von seiner neuen Platte zu spielen. Aber auch ein paar Thermals-Songs sollen sich in sein Programm eingeschlichen haben.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Genre: Indie
The Bland trafen sich zum ersten Mal in einem Park in Neuseeland. Das ist schon ein seltsamer Ort, um sich genau dort als schwedische Band zum ersten Mal zu treffen. Anton hat seine Gitarre dabei, spielte ein wenig und Axel stieg darauf ein. Die musikalische Verbindung war direkt da. Eine Verbindung, wie Axel später sagte, auf die er sein gesamtes Teenagerdasein wartete.
Die Wege trennten sich erst einmal wieder – doch man versprach sich, miteinander in Kontakt zu bleiben. Zurück in ihrem Heimatland Schweden brachte sie der Zufall erneut zusammen und Axel Öberg hatte die Möglichkeit ein großes Haus zu mieten, in dem genug Platz für alle war. Zum ersten Mal hatte The Bland eine Probe – im Keller.
Sie dachten nicht viel über eine Karriere nach, halfen einem Freund dabei, auf einem Festival Milchshakes zu verkaufen und spielten in ihren Pausen ein paar Songs für die Leute vor Ort. Bald gesellte sich eine kleine Produktionsfirma dazu, nachdem sie hörten wie The Blands Folkpop in der schwedischen Sonne verschwamm. Zu diesem Zeitpunkt wussten The Bland noch nicht, dass sie eingie Jahre später einmal auf einer der größten Bühnen dieses Festivals stehen würden – und mit eben dieser Produktionsfirma ein Musikvideo gedreht hätten.
Auf die Proben in ihrem Keller folgten plötzlich ganze Tourneen. Und das tun die Freunde um The Bland bis heute. Wenn ihr sie auf Tour mal erwischt, gibt es sicher mal ein gemeinsames Getränk – so sind die Dinge mit The Bland eben, eng und freundschaftlich.
Oh, und gerade nehmen sie ein neues Album auf, welches sie Ende August veröffentlichen werden. Ich habe gehört, dass das verdammt großartig wird.
-geschrieben von einem Freund
Genre: Country
Der 25-jährige Singer/Songwriter und Musiker Billy Raffoul kommt diesen September zum ersten Mal auf Deutschlandtournee. Fans von Billy dürfen sich auf ein intimes Akustik-Set in Köln (25.09.19 | Yuca), Hamburg
(26.09.19 | Häkken), Stuttgart (28.09.19 | Im Wizemann), München (29.09.19 | Milla) und Berlin (30.09.19 | Privatclub)
freuen. Tickets für die Termine sind ab dem 14.08.19 | 10 Uhr exklusiv via www.eventim.de und ab dem 16.08.19 | 10
Uhr an allen autorisierten VVK-Stellen erhältlich.
Billy Raffoul‘s hymnische Debüt-Single „Driver“ ist eine starke Visitenkarte für den jungen Kanadier. Sein
charakteristischer Sound ist ein roher, tiefgründiger Rock, der an Jeff Buckley, Neil Young und Joe Cocker erinnert.
Angetrieben wird Raffouls Sound von seiner rauen, gefühlvollen Stimme und tief empfundenen Texten. „Das ist eine
wichtige Sache für mich – ein Song muss von etwas handeln, das ich erlebt habe oder das jemand, der mir nahe steht, durchläuft“, sagt Raffoul über seine Inspirationsquellen. „Ich gehe zurück zu Momenten aus der Vergangenheit, nehme diese kleinen Erfahrungen auseinander und baue sie in größere Dinge um. Ich möchte, dass die Leute wissen, dass die Lieder echt sind, dass sie gelebt wurden.“
„Driver“ ist einer dieser erlebten Momente. Der Song ist inspiriert von einem Tramper, den seine Familie eines Nachts
mitgenommen hatten. „Dieser Typ war wirklich fertig, also blieb er am Ende ein paar Stunden bei uns“, sagt Raffoul. Am folgenden Wochenende erzählte Raffoul dem Songwriter Simon Wilcox und dem Songwriter-Produzenten Nolan
Lambroza während einer songwriting session in Los Angeles seine Geschichte vom Tramper. „Wir haben es in etwas
Sentimentaleres verwandelt, indem ich nicht darüber singe, dass sich jemand am Straßenrand etwas verloren fühlt,
sondern über jemanden, der sich im Leben verloren fühlt und nicht weiß, wohin er gehen oder was er tun soll“, erklärt er. Raffoul war sich von klein auf ziemlich sicher, was er mit seinem Leben anfangen wollte. Er wuchs in einer kreativen Familie in der kleinen Farmstadt Leamington, Ontario, auf. Seine Mutter ist Künstlerin, Schriftstellerin und Lehrerin, und sein Vater Jody Solokünstler und Lokalheld in seiner Heimat. Raffouls erste musikalische Einflüsse kommen von seinem Vater. „Die Beatles waren wie Jesus in unserem Haus“, erinnert er sich und fügt hinzu, dass er auch Soul-Sänger wie Otis Redding und Sam Cooke hörte. An seinem zehnten Geburtstag erhielt Billy eine Gitarre von seinem Vater und begann, sich das Spielen selbst beizubringen.
Seit einer Weile lebt Raffoul in Nashville und Los Angeles, wo er in den letzten Jahren mit anderen Songwritern
zusammengearbeitet und langsam aber sicher sein Debütalbum fertiggestellt hat. „Da es meine erste Platte ist, fühlt es sich so an, als hätte ich es mein ganzes Leben lang geschrieben“, scherzt er. Neben den Aufnahmen zu seinem Album kann Raffoul es kaum erwarten auf Tour zu gehen um mit seinen Fans live eine Verbindung zu schaffen denn das war schon immer sein Ziel.
Genre: Singer-Songwriter, Indie-Folk
SIRENS is the debut LP from American singer-songwriter and indie-folk artist Jon Campbell. It is his first release since his EP ‚About a Boy’ debuted in 2016.
The album’s 10 tracks oscillate between alt-country and indie folk, with melancholic country ballads like its title track and the song “Broke Me” interspersed with a lo-fi, drum-machine-driven ode called “Lior”, or a jubilant celebration of gay love in the track “Rebels Without a Cause”, which features Berlin’s Pet Shop Bears Choir.
Jon will present all 10 tracks live at Privatclub on October 1st together with his „pocket symphony“ of 12 musicians. With only a couple of exceptions, the musicians playing this night are the same ones who played on the record.
“All of the songs on the record explore themes of gay love – in different ways and to varying degrees – whether in the form of heartache, infatuation, lust, enchantment, or nostalgia… when you boil it down, they’re all love songs.” says Campbell.
The album’s debut single “Francis” was released on April 12th to considerable acclaim in queer and alternative press:
“Francis showcases Jon’s subtleties and vulnerability as a songwriter. For me personally, it was that feeling of deep sincerity that made the biggest impact – it can be heard in his music, in his voice and it’s conveyed in his paintings. His ability to convey his deepest emotions in music and on canvas is quite startling and unforgettable.”
-Alex Gallacher, Folk Radio UK
“I almost called the album “Francis” because the song was so instrumental in the creation of the whole record. He was like gatekeeper at the floodgates of a bunch of songs: once he came about, song after song kept coming out of me, sometimes on a daily basis.
It came to me at a very dark period in my life, and it felt like a map to get out of hell. I think of Francis like an inner child, beckoning me to go on the two-year journey that became ‘Sirens’, showing me the way out of a dark place.”
– Campbell for Zap!Bang! Magazine
On the title, Campbell says:
“‘Sirens’ is also the name of second track I wrote for the album – I’d written it immediately after “Francis” and once I did, it was clear that I was making a whole record. From that point on I knew the album would also be called ‘Sirens’. The idea of ships lost at sea, sirens wailing through the dark – for rescue or for ruin – and the confusion or congruence of those two things, as well as a strong sense of danger and emergency – all signified so much of what I was feeling at the time the songs were conceived. I wrote many of the album’s arrangements with this idea in mind, and personified the instruments in my mind, like characters in a play.”
SIRENS are the intimate recollections of a journey through love and heartbreak as well as destruction and recovery, as told from several perspectives; each song representing different instruments, presenting their stories in their own distinct settings.
The self-produced record’s 10 tracks were recorded in the Berlin-based artist’s bedroom, with additional recordings made at Berlin’s Famous Gold Watch, O’Deer in Brooklyn, The Pool in London and Funkhaus in Berlin.
Campbell presents his own original arrangements on seven of the album’s ten tracks. Tracks 3, 4 & 10 feature arrangements by Jamie Irrepressible. The album is comprised almost entirely of acoustic instrumentation, including acoustic guitar, strings, piano, double bass, drums, brass, oboe, saxophone, banjo and more.
Side A features the album’s title track, as well as two remastered tracks from the ‚About a Boy‘ EP. Tracks 3 & 4 were produced by Jamie Irrepressible.
SIRENS features performances by 25 musicians, including guest appearances from The Pet Shop Bears‘ Choir, Jamie Irrepressible, Mikey, Joel Gibb, Malte Schiller, Joey Steffens, Vladislav Nachev, Monk, and Caroline Potter.
Genre: Alternative, Indie
Seit über zehn Jahren macht der Niederländer Christof van der Ven Musik. Er tourte als temporäres Mitglied mit Bands wie Bear’s Den, The Staves und The Boxer Rebellion, lebte viele Jahre in Irland und mittlerweile in London, reiste um die Welt, veröffentlichte vier EPs. In all den Jahren sammelte er Material für sein Debütalbum „Empty Handed“, welches schließlich 2018 das Licht der Welt erblickte. Zwischen dem 02. und 05. Oktober kommt Christof van der Ven für drei Shows in Berlin, Hamburg und Köln nach Deutschland.
Christof van der Ven wuchs in der Nähe von Eindhoven auf. Ständig berieselt von der Musik der Mutter, zwischen Klassik und dem Protest-Folk der 60er- und 70er-Jahre. Als junger Erwachsener zog er ins irische Galway, blieb vier Jahre und nahm in der Zeit mit der finanziellen Unterstützung einiger Freunde seine ersten beiden EPs auf. Es folgte ein Umzug nach London, wo er gewissermaßen durch Zufall zunächst eine andere „Karriere“ machte: Aufgrund seiner kreativen Kochkünste stieg er buchstäblich vom Tellerwäscher zum Chefkoch auf – eine Beschäftigung, die ihm zwar Spaß brachte, aber niemals die Musik hätte ersetzen können.
Nach und nach sprachen sich in der Londoner Musikszene die Qualitäten des jungen Niederländers herum – mit großem Feinsinn versteht er es, sein Spiel stets ganz in den Dienst eines Songs zu stellen und diesem dabei gleichzeitig einen unverkennbaren Stempel aufzudrücken. Eine ganze Reihe Bands bedienten sich in der Folge dieser Qualitäten, allen voran Bear’s Den, mit denen Christof van der Ven mehrfach auf US- und Europa-Tournee war.
Währenddessen schrieb und arrangierte er seine eigenen Songs peu à peu weiter. Ohne jeden Druck, sondern allein mit dem Ziel, jeden einzelnen Song zu etwas Einzigartigem zu machen. Wie sein Debütalbum „Empty Handed“ belegt, ist ihm das hervorragend gelungen. Seine Songs basieren im Kern alle auf dem Anti-Folk jüngerer Jahre, umgarnt von vielen klanglichen Spielereien: Massiver Einsatz von Keyboards, seltsame Field Sounds und einem höchst individuellen Klangästhetik-Empfinden. Es dürfte dementsprechend eine wunderbare Klangerfahrung sein, diese reichhaltigen und vielschichtigen Songs im Rahmen seiner drei Deutschland-Konzerte in Berlin, Hamburg und Köln zwischen dem 02. und 05. Oktober live zu erleben.
Genre: Folk Pop
PAULA & KAROL tauchten vor einigen Jahren auf den polnischen Folkpopbühnen auf und eroberten das Land. Paula, polnisch-kanadische Soziologin, traf Karol, den Warschauer Musiker. Gemeinsam begannen sie Musik auf Englisch zu schreiben, Konzerte an Straßenecken und in Hinterhöfen zu spielen. Schnell wurden sie zu Pionieren der nun immer schneller wachsenden Indiepopszene Polens. Über die Jahre versammelten sie um sich die wundervolle Mischung an Warschauer Musikern, die sie als Band auf hunderten Shows begleiteten, in Polen aber auch immer öfter im Ausland.
Ihre Alben produzieren sie mal gemeinsam in ihren Wohnzimmern, mal mit dem Grammy-nominierten Producer Ryan Hadlock. Im Sound spiegelt sich ihre Attitüde wider: DIY und doch Detailverliebtheit, herzerwärmende Texte und Melodien mit Ohrwurmpotenzial – balancierend an der Grenze zwischen Pop, Folk und Punk. Ihre Liveshows machten die Band bald bekannt, warm und emotional, grenzwandelnd am Psychedelischen singen sie über das Leben ihrer Generation, ihre Songs so persönlich wie nur eben möglich.
Genre: Aletrnative | Indie | Rock
City Calm Down kommen aus England der mittleren 80er? Nein, das Quartett kommt aus dem Melbourne von heute, spielt aber durchaus mit den Klängen, die schon Joy Division und New Order, aber auch The Horrors oder Editors groß gemacht haben. Wenn man dann weiß, dass City Calm Down live noch einmal eine Spur besser und vor allem deutlich druckvoller daherkommen, freut man sich gleich doppelt auf die Auftritte der Australier im kommenden Oktober.
Genre: Singer-Songwriter, Indie, Pop
Ten Tonnes ist der 22 Jahre alte Ethan Barnett aus Hertford. Der Engländer ist für seine charismatischen Texte, eingängigen Melodien und einprägsamen Hooks bekannt.
Ohne ein Album in der Hinterhand trat er 2016, 2017 und 2018 gleich drei Jahre hintereinander beim Reading & Leeds Festival auf. Ende 2018 war er Supporting-Act auf der Europa-Tour seines älteren Bruders George Ezra – nachdem er auch schon für Tom Grennan, Rat Boy und die Stereophonics im Vorprogramm aufgetreten war. Wie macht der junge Mann das, fragt man sich. Seine Antwort ist simpel: „Things do come out, it’s just that you’re not necessarily aware of that at the time. I suppose that’s the magic of songwriting. You like to think you’re in control, but most of the time you’re not.“
Barnetts größtes Ass im Ärmel ist seine echte Leidenschaft für Musik. Kreativ sein? Sich selbst ausdrücken? Für Ethan funktioniert das via Musik. Er begann ein Musikproduktionsstudium und merkte, dass Musik für ihn keine Theorie ist, sondern einfach etwas, das er machen will – fühlen will. Das Ergebnis dieser Erkenntnis ist Ten Tonnes. Und ein Sound, dem man die Fröhlichkeit und Leichtigkeit der „Let’s smash it“-Mentalität deutlich anmerkt.
Anfang Mai erschien sein Debütalbum, schlicht nach ihm selbst benannt und produziert von Hugo White und Dan Grech, die schon für Acts wie The Killers oder Liam Gallagher ganze Arbeit leisteten. „Ten Tonnes“ beinhaltet auch die bisherigen Singles „Lucy“, „Cracks Between“, „G.I.V.E.“ und „Better Than Me“. Im Sommer wird Ten Tonnes beim Southside und Hurricane auftreten, und dann im Oktober noch einmal für seine erste Headline-Tour nach Deutschland zurückkehren.
Genre: Pop
„Stella“, Luca Vastas neues Album, wurde an einem unspezifischen Ort geboren. Jenseits sprachlicher und nationaler Grenzen, gänzlich dem Vielfaltsgedanken zugewandt, fand Luca Vasta zu sich selbst, zu neuer Selbstbestimmung als Künstlerin, Sängerin, Komponistin und Charakter. Ein Merkmal, das ihre neuen Songs stolz und selbstbewusst nach vorne preschen lässt. „Ehe ich die Platte zusammen mit meinem Produzenten Philipp Steinke schrieb und konzeptionierte, hatte ich mir ein klares Ziel gesetzt: ich wollte etwas schaffen, was es in diesem Moment in dieser Form nicht gibt“, sagt Luca. Wie auch? Es gibt ja nur eine Luca Vasta, will man an diesem Punkt am liebsten einwerfen. Aber es brauchte mehr als eine Zielsetzung. Lucas Mut, autonom von großen Plattenfirmen und Marketingleuten in jedem Punkt der Albumentstehung, von den Studiosessions, über die Cover-Gestaltung bis hin zum Foto-Shooting, Regie zu führen, zahlte sich aus. „Stella“ ist ein Musica Festa Italiana, weil in der Platte eben keine zeitgeistigen Italo-Klischees bedient werden. Viel mehr standen originelle Cantautori wie Lucio Battisti und der Filmkomponist Nino Rota Pate für „Stella“.
Aber auch Film Noir und die französische Yéyé-Popauffassung des großen Serge Gainsbourg, lugen neben der Nonchalance des dunklen Schlagers der 60’s hier und da in „Stella“ hervor.
Sämtliche der 11 neuen Songs verströmen das unwiderstehliche, sinnliche Odeur des Castello Vasta. Der Titel „Old Italian Songs“ ist Programm: Luca Vasta greift die Canzone-Kultur auf, deutet sie modern, beraubt sie aber nicht ihres Charakters.
Es gibt viele großartig-antizyklische Momente auf dem Album. Während die Pop-Gegenwart praktisch keine harmonischen Deutungen mehr kennt, feiern die Akkorde auf „Stella“ ein zeitlos-schönes Freudenfest. Man kann sie auch als Wegweiser verstehen: ist das Stakkato einmal ausgetanzt, wächst die Sehnsucht nach großen, breitwand-artigen Arrangements. Der trägt „American Dream“ mit 60’s-Beat und atemberaubend orchestrierten Chören Rechnung. Eine politische Dimension misst Luca Vasta dem „Märchen“-Song, wie sie ihn augenzwinkernd nennt, übrigens nicht bei. Vielmehr wird darin über die riesige Auswanderungswelle von Sizilianern in den 70er-Jahren Richtung Amerika aus der Perspektive einer verliebten jungen Frau erzählt. Das erste Knutschen, die erste Zigarette, die erste Rollerfahrt – vor aufbegehrender Energie berstet „Modica“, der fröhliche Opener des Albums. Die heiße, sommerliche Luft Siziliens, und die Gerüche der Insel lässt Luca darin förmlich schmecken und riechen. Ihre Geschichten packt Luca Vasta nicht mit Fingerspitzen an. Als Lebensneugierige ist sie jeweils mittendrin, mit jeder Faser ihres Seins. Abwechselnd mit angezogenem Tempo, dann aber auch mit der Stille als bestem musikalischen Ratgeber, hat sie ein vielfältiges Album geschaffen. Auf „Stella“ gibt es viel zu entdecken – vor allem den mitreißenden Charme der Geschichtenerzählerin Luca Vasta.
Im September und Oktober wird sie das Album erstmals mit ihrer Band Live präsentieren.
Genre: Electro Pop
Im letzten Jahr holten Off Bloom den begehrten EBBA Award für Nachwuchskünstler – eine europäische Auszeichnung für ihren ersten internationalen Erfolg. Am 7. Oktober kommt das dänisch-britische Produzenten-Trio für ein exklusives Konzert nach Deutschland und wird mit ihrer ekstatischen Live-Show den Privatclub Berlin in seinen Bann ziehen.
Mads Christensen und Alex Flockhart spielen schon mit 16 gemeinsam in einer Band und auch nach deren Ende machen die beiden weiter zusammen Musik. Ihr Sound wird mit der Zeit instrumentaler und poppiger. Für ein paar Tracks suchen sie nach einer passenden Stimme und holen schließlich Mette Mortensen ins Boot. Die Chemie ist so perfekt, dass man mehr zusammen erschaffen will – die Geburtsstunde von Off Bloom. Direkte Assoziationen zu Nirvana sind beim Bandnamen durchaus gewollt. Von Anfang an ist es Off Bloom wichtig, einen eigenen musikalischen Weg zu finden, ohne jeglichem Trend hinterherzurennen.
Im Oktober 2016 erscheint mit „Love To Hate It“ ihre Debüt-EP, die Off Bloom in Eigenregie geschrieben und aufgenommen haben. Denn alle drei sind nicht nur Musiker, sondern auch als Produzenten tätig. Der Sound klingt vielschichtig, ist inspiriert von der Elektro-Szene Glasgows und vom Krautrock der 70er Jahre, der traditionelle Songstrukturen aufbricht.
Und auch die 2017 folgenden Singles „Falcon Eye“ und „Lover Like Me“, von der gleichnamigen zweiten EP, klingen alles andere als nach typischem skandinavischen Pop: Bei den Songs verbinden sich stampfende Beats mit orientalischen Flöten-Samples und entführen in ein modernes Tausendundeine Nacht.
2018 erscheinen mit „Love Actually“ und „Not Sorry“ zwei weitere Songs und sorgen für Aufsehen in der internationalen Kunst- und Musikszene. Dabei verlieren Off Bloom nie ihren Fokus und die eigenen Wurzeln. In Interviews betont die Band immer wieder, wie wichtig die Freunde um sie herum für ihre Musik und ihren Werdegang sind.
Nach „Not Sorry“ wird es kurz etwas ruhiger um Off Bloom, sie ziehen sich aus der Online-Welt zurück, reisen umher und konzentrieren sich auf das Songwriting. Ein erstes Resultat lässt auf inspirierende Musik hoffen: Am 3. Mai wird mit „Am I Insane?” eine neue Single auf den Markt gebracht, die es direkt in verschiedene Playlisten der Streaming-Anbieter schafft.
Erst im Juni haben Off Bloom ein Konzert der britischen Indie-Rock-Band The 1975 eröffnet, jetzt stehen wieder eigene Konzerte an. Zu erleben gibt’s den dänischen State-of-the-Art-Pop mit einer energiegeladenen Live-Show am 7. Oktober im Privatclub Berlin.
Genre: Singer-Songwriter, Alternaive Rock
Robyn Hitchcock ist einer von Englands beständigsten zeitgenössischen Singer/Songwritern und Livemusikern. Er ist ein surrealistischer Poet, ein talentierter Gitarrist, ein Kult-Artist, ein Musiker für Musiker.
Hitchcock gehört zu den Vaterfiguren des Alternative Rock und befindet sich gleichzeitig in musikalischer Nähe zu Bob Dylan (von dem er wiederum beeinflusst ist). Seitdem Hitchcock 1976 The Soft Boys gegründet hat, hat er mehr als 20 Alben aufgenommen. Außerdem war er Protagonist in „Storefront Hitchcock“ (1998), einem Konzertfilm des Regisseurs Jonathan Demme („Stop Making Sense“).
Hitchcock verbindet Folk und Psychedelia mit einem ironisch-verschrobenen britischen Nihilismus. Er selbst beschreibt seine Musik als „paintings you can listen to“. Sein aktuelles Album aus dem Jahr 2017 heißt einfach „Robyn Hitchcock“ und ist sein 21. Album als Solokünstler. Das Album wurde produziert von Brendan Benson (The Raconteurs) und wird vom Künstler selbst beschrieben als „ekstatisches Werk voller Negativität ohne einen einzigen langweiligen Groove“.
„A gifted melodist, Hitchcock nests engaging lyrics in some of the most bracing, rainbow-hued pop this side of Revolver. He wrests inspiration not from ordinary life but from extraordinary imaginings…“ – Rolling Stone
„These 10 gems slither, rock, roll, glide and shapeshift, coalescing around Hitchcock’s typically anxious, strained but striking and immediately identifiable vocals.“ – American Songwriter
„Beloved of everyone from Led Zeppelin to REM, Hitchcock has only enhanced his status with this wonderful outing.“ – Hot Press
„Witty, moving and seriously catchy, Robyn Hitchcock is a glorious return for a man who wasn’t really gone in the first place.“ – Paste Magazine
Genre: Singer/Songwriter
Frankfurt, 24. Oktober 2018 – Nachdem der Release der ersten gemeinsamen Veröffentlichung der Frankfurter Musiker Aren Emirze und Chima Onyele feststeht, hat sich auch der Tourkalender der Beiden für 2019 ordentlich gefüllt. Die EP „Von nun an glücklich“ kommt am 15. Februar 2019 via Soulfood in den Handel und ab dem 2. April 2019 stellen Aren & Chima diese in elf Städten in Deutschland. Die ursprünglich für November angedachten Termine in Frankfurt und Mannheim finden nun ebenfalls im April 2019 statt. (Alle Termine weiter unten)
Aren, gebürtiger Armenier, und Chima, gebürtiger Nigerianer, sind beide mit starken kulturellen Einflüssen ihrer Herkunft in Frankfurt aufgewachsen. Der Umgang mit einschränkenden Lebensräumen, schlechten Kompromissen, Vorurteilen, Identitätsfindung und der Sehnsucht nach einer völlig überladenen, nie wirklich ausformulierten Idee von Heimat sind Parallelen, die sich in den Lebensgeschichten der beiden Musiker wiederfinden.
Das thematische Fundament für die fruchtbare Zusammenarbeit bildet jedoch eine andere und weitere Gemeinsamkeit von Aren und Chima: die Auseinandersetzung mit Paar-Beziehungen, ihre ganz persönliche Schwierigkeit; diese zu halten, sie auszuformulieren, durch sie schonungslos ehrlich gespiegelt zu werden, bis hin zu belastenden Trennungen von denen am Ende auch unschuldige Dritte betroffen sind.
„Von nun an glücklich“ umarmt die Krisen des Lebens liebevoll und akzeptiert am Ende, dass sie eben zu einer gesunden Biographie dazugehören. „Glücklich-sein“ ist, nach Auffassung von Aren und Chima, kein Geschenk sondern vor allem eine Entscheidung, die jeder für sich selbst treffen kann. Im November 2017 gaben die Musiker in Berlin und Frankfurt ihr Live-Debüt und stellten die ersten Songs aus ihrer Debüt-EP vor.
Die dominierenden Dynamiken der Songs sind Emotionen wie Leidenschaft, Eifersucht, Zweifel und Schuldgefühle aufgrund von Untreue. Spannend ist dabei die Erkenntnis der beiden (Männer), dass sich ihre Vernunft kaum gegen diese überwältigenden Gefühle durchsetzen kann und eigene Verlustängste längst notwendige Entscheidungen auf unbestimmte Zeit hinauszögern.
Vorverkauf 8 € direkt bei der Band: [email protected]
Genre: Pop-Rock
2006-2019.
Das sind 13 Jahre Last Doorway.
13 Schöne Jahre mit viel Musik, vielen Freunden, vielen netten Menschen und vielen schönen Erinnerungen.
Und da ja alles, außer der Wurst, ein Ende hat, ist es nun auch bei uns soweit.
Wir werden uns ein letztes Mal auf die Bretter die so viel bedeuten begeben und das machen, was wir ganz gut können; Musik.
Es soll ein unvergesslicher Abend werden und wir freuen uns über alle Gesichter die wir in den 13 Jahren kennengelernt haben und an dem Abend wieder sehen dürfen.
Kommt alle vorbei und habt ein letztes Mal spaß mit uns!
Wir freuen uns auch sehr das BYE MON AMI als Vorband extra aus dem „Rheinland“ zu uns kommen.
Ein Teil der Band ist nämlich unter anderem unser lieber Freund und Ex-Bandkollege FlowRyan!
Genre: Pop
Fußball oder Musik? Das war die Frage, die der jugendliche Jonas Monar sich stellte. Er war ein richtig guter Rechtsaußen und liebäugelte mit einer Profi-Karriere. Am Ende siegte die Musik. „Ich komme aus einer sehr musikalischen Familie, hatte schon mit sechs Jahren Klavierunterricht und habe mit Elf angefangen, Songs zu schreiben“, berichtet er. Später startete der Multi-Instrumentalist seine Schulband, spielte viele kleine und einige große Gigs, darunter im Vorprogramm von Silbermond und Sunrise Avenue. Seine Bandkollegen hatten irgendwann die Nase voll, Jonas wollte weitermachen und zog von Hessen nach Berlin. Seine Fähigkeiten, sowohl als Sänger, aber auch als Songwriter sorgten auch bei Produzent Tom Deininger (Klee) für Begeisterung. Deininger nahm ihn unter seine Fittiche. Jonas arbeitete Tag und Nacht in den Tempelhofer Bauteil3- Studios. In kürzester Zeit entstanden über zwanzig Songs. „Ich mache meine eigene Musik, schreibe meine Texte selber, spiele selbst Gitarre und Klavier und bleibe dabei bei mir. Ich mache Musik, weil ich einfach Musik machen muss. Das muss irgendwie raus aus mir! Ich glaube diesen natürlichen Vorgang spürt der Zuhörer früher oder später“, meint Monar selbstbewusst. Auch Nena konnte sich dem Charme des Jonas Monar nicht entziehen und engagierte den Neu-Berliner für das Vorprogramm ihrer Tournee 2018.
Als Vorbote seines Debütalbums hatte der Mitt-Zwanziger die Single „Playlist“ veröffentlicht. Kurz darauf erschien sein Album „Alle guten Dinge“, das eine respektable Chart Position 57 erreichte. „Das anstrengendste und schlimmste und gleichzeitig schönste ist das Texten. Das ist der härteste Job! Aber wenn Melodien dazukommen und man das Gefühl hat, dass das Gesamtpaket grob steht, ist das immer ein besonderer Moment. Ein bisschen sexy! War der eine Song so gut wie fertig, war ich immer schon wieder am nächsten dran. Und so weiter“, verriet Monar der Berliner Zeitung. Heute hat der Wahl-Berliner bereits über 13 Millionen Streams auf Spotify und drei Singles in den Top100 der deutschen Radiocharts platziert. Der erste Vorbote zum neuen Album ist die Single „#dubistmirwichtig“, die bereits im September 2018 erschienen ist. Der Song unterstützte mit einem Video die Online-Suizidprävention-Kampagne der Caritas zum Welttag für Suizidprävention am 10. September 2018. Die 2. Singleauskopplung ist für Mitte Februar geplant. Nun sind wir ziemlich gespannt auf das neue Album „2 Planeten“, das im Herbst 2019 pünktlich zur Tour veröffentlicht wird.
Genre: Singer-Songwriter
Der australische Sonnyboy Harrison Storm kommt im Rahmen seiner bisher größten UK- und Europa-Tour für vier Konzerte im Oktober 2019 nach Deutschland. Das Publikum in München, Berlin, Hamburg und Köln kann sich auf einen entspannten Abend mit Kurzurlaub-Feeling freuen, wenn der Singer-Songwriter mit seiner Akustikgitarre die Bühnen der Clubs bespielt.
Aufgewachsen am Strand der Halbinsel Mornington Peninsula, trieb Harrison Storm seit jeher die Abenteuerlust voran. Sein Vater nahm regelmäßig an Surf-Wettbewerben teil und die ganze Familie verbrachte ihre Wochenenden damit, ihm zuzusehen. Oft forderte der Vater seinen Sohn heraus, indem er Harrison unter turbulenten Bedingungen dazu brachte, „vom Ozean zu lernen“. Später reiste Storm am liebsten mit Freunden in einem Van quer durch Down Under und genoss nach ausgiebigen Surf-Sessions die Weite des Kontinents. Diese grenzenlose Freiheit ist es, die sich gespickt mit einem Hauch Fernweh und Sehnsucht immer wieder in der Musik des Künstlers findet.
Mit zwanzig Jahren organisierte Harrison Storm erstmals die in seiner Heimatstadt sehr beliebte „akustische Nacht“. Nur zwei Jahren später schmiss er sein Studium, um sich komplett auf die Musik zu konzentrieren. Von da an verbrachte er jede freie Minute damit, die Touristen auf den Straßen von Melbourne zu begeistern. Am Ende hatte er als Straßenmusiker so viel Geld eingespielt, dass er 2015 seine Debüt-EP „Sense of Home“ aufnehmen konnte. Allein der gleichnamige Titeltrack generierte nach seiner Veröffentlichung mehr als 19 Millionen Streams und brachte Harrison Storm den langersehnten Plattenvertrag.
2017 veröffentlichte der Australier seine zweite EP „Change It All“. Auch diese vier Songs knüpften an den Erfolg des Debüts an und ermöglichten ihm erste Konzerte weltweit. Ende Februar 2019 erschien seine aktuelle Single „Run“, inklusive eines sehr bewegenden Videos. Regisseurin Anna Phillips verrät: „Die Geschichte handelt von dem Verlust einer Person, die der Klebstoff war, der alles zusammengehalten hat und den Folgen, die dieser Verlust hat. Es geht um eine Familie und ihre Verbindung mit dem Meer sowie die starke Bindung zwischen einem Vater und seinem Sohn.“
Harrison Storm kann es kaum erwarten wieder aus dem Koffer zu leben und seine erste große Headliner-Tour quer durch UK und Europa zu spielen. In Deutschland ist der Australier zwischen dem 12. und 24. Oktober in München, Berlin, Hamburg und Köln zu erleben.
Genre: Bluesrock, Jamrock
Zum letzten Mal waren sie im Sommer 2014 hierzulande auf Tour, jetzt kündigt die amerikanische Southern Blues Rock-Band North Mississippi Allstars nach fünf Jahren eine exklusive Deutschland-Show an. Die mehrfach Grammy-nominierte Gruppe um die Brüder Luther und Cody Dickinson tritt am 18. Oktober 2019 im Berliner Privatclub auf.
Vor seinem Tod im Jahr 2009 arbeitete ihr Vater Jim Dickinson in den vier Jahrzehnten seiner Musik- und Produzenten-Karriere mit solchen Größen wie den Rolling Stones, Bob Dylan, Ry Cooder und Primal Scream zusammen, von daher war die musikalische Laufbahn seiner Söhne Luther (g, v) und Cody (dr, k, v) im Prinzip schon voraussehbar. „Wir müssen bei hundert Sessions dabei gewesen sein“, erinnert sich Cody. „Wir erlebten unseren Vater, als er mit Replacements und Spiritualized arbeitete. Ich war damals noch so klein, dass ich das Gefühl hatte, mich in einem Raumschiff zu befinden.“
Studio- und Bühnenerfahrung sammeln sie also bereits als Teenager. In der ersten Hälfte der 90er-Jahre gründen sie die punk-inspirierten D.D.T. und treten mit Replacements, Spin Doctors, Jakob Dylan und Ice-T auf. Als sie in der High School auf den Bassisten Chris Chew stoßen und ihr Material unter dem Namen Gutbucket in akustischer Version spielen, beschließen sie, traditionelle Südstaatenelemente in ihre Musik einzuflechten.
1996 nennt sich das Trio in North Mississippi Allstars um. Nach Auftritten mit dem damals 91-jährigen Flötenspieler Otha Turner sowie dem Bluesmann R.L. Burnside entstehen die Alben „Shake Hands With Shorty“ (2000) und „51 Phantom“ (2001), auf denen sie auch Beck und Oasis huldigen. Beide Alben werden für den Grammy nominiert.
Als „die interessanteste neue Band“ gepriesen, „die aus dem Lehm des Südstaatenrocks und des Blues“ entstanden ist, ernten sie Vergleiche mit den Althippies von Little Feat, die ebenfalls viele traditionelle Genres in ihrer Musik vermischen. Eine Ähnlichkeit, die sich auf den engen Kontakt zu den Fans ausdehnt: Beide haben lokale ’street teams‘ gegründet, die sich um die Promotion ihrer Alben und Konzerte kümmern.
Nach eigenen Angaben als Drei-Platten-Projekt entstanden, liefern die North Mississippi Allstars 2003 mit „Polaris“ ihr angeblich letztes Werk. Durch den Zugang von R.L. Burnsides Sohn Duwayne gewinnt ihre Musik an Tiefe. Die instrumentale Grundlage bilden Gitarren, Bass, Klavier, Schlagzeug, Orgeln und ein Waschbrett; den Gesang teilen sich Luther und Cody Dickinson. Zwischen Rock, Pop, Blues und Country angesiedelt, begeistern sie Noel Gallagher (Oasis) so sehr, dass er als Gast auf dem Stück „One To Grow On“ zu hören ist. 2005 folgt mit „Electric Blue Watermelon“ dann das dritte North Mississippi Allstars-Album, das erneut eine Grammy-Nominierung einfahren kann. Zwischenzeitlich tourt man mit John Hiatt, dessen Album „Master Of Disaster“ (2005) sie mit einspielen.
Obwohl Luther Dickinson 2007 für vier Jahre bei den Black Crowes einsteigt, nimmt die Band weitere erfolgreiche Alben auf, tourt 2011 mit Robert Plant und 2013 mit der Dave Matthews Band. Zahlreiche Nebenprojekte laufen parallel: Seit 2009 bildet Luther mit Alvin Youngblood Hart und Jimbo Mathus die South Memphis String Band. Ab 2012 ist er auch mit einer fünfköpfigen Folk-Band mit Shannon McNally , Amy LaVere , Valerie Juni und Sharde Thomas
(Otha Turner-Enkelin) unterwegs. 2012 veröffentlicht er ein Solo-Akustik-Album („Hambone‘s Meditations“), das ihm eine weitere Grammy-Nominierung einbringt.
Auch Cody ist nicht untätig, wird zu einem künstlerischen Unternehmer in den Bereichen Musik, Film und TV. Er produziert u.a. die letzten Alben des britischen Blues-Gitarristen Ian Siegal, The Skinny (2011) und Candystore Kid (2012). Mit der Hill Country Revue hat Cody eine zweite Band am Start und bis jetzt zwei Alben veröffentlicht.
2010 nehmen die Brüder „Keys To The Kingdom“ auf, um damit auch den Tod und das Leben ihres Vaters zu verarbeiten. Nach „Freedom & Dreams“ (2015) steigt Bassist Chris Chew aus, seitdem arbeiten die Brüder Dickinson überwiegend mit Session-Musikern. Das achte Album „Prayer For Peace“ erscheint 2017 und erreicht Platz 1 der Billboard-Blues-Charts.
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
