Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Singer / Songwriter
It’s rare for an artist to bridge the divide between critical acclaim and dedicated fan engagement. Chris Pureka is a Portland-based singer-songwriter whose body of work has resonated deeply with these seemingly disparate milieus. Her bold vulnerability in processing the intimacies of her life in song has long appealed to those listeners who crave authenticity. Now, five years coming, she shares with us another powerful entry in her life’s work, her sixth release, the aptly titled, Back in the Ring.
Chris’s elegant emotionality as a vocalist, and her flair and immediacy as a lyricist have garnered her favorable comparisons to Gillian Welch, Ryan Adams, Bruce Springsteen, and Patty Griffin. She’s earned accolades from such distinguished taste-making outlets as The New York Times, Paste, Magnet, Billboard.com, and The AllMusic Guide. She’s shared the stage with such diverse and esteemed artists as Dar Williams, The Lumineers, The Cowboy Junkies, Gregory Alan Isakov, Martin Sexton, and Ani DiFranco. Along the way, Chris has remained fiercely independent, selling nearly 50,000 albums through her own label, Sad Rabbit Records.
Chris’s journey in music mirrors her path toward self-discovery. At 16, writing songs became a way of journaling. “I was shy and introverted, and songwriting was a very personal process. I never had any intention of performing,” she shares. Post high school, she went on to complete a biology degree at Wesleyan University, and afterwards, worked in a microbiology research lab at Smith College. Meanwhile, she established a music career parallel to her biology work through touring and issuing a clutch of wellreceived indie releases. In 2006, when Chris found herself turning down too many opportunities as a musician, she shifted her priorities to become a full-time artist.
Her latest album, Back in the Ring, is Chris’s first studio full length since 2010’s critically acclaimed How I Learned to See in the Dark. “I’m not interested in releasing songs I can’t get behind or records I don’t love,” she says of the five-year span between albums. The title of her latest playfully suggests something of an artistic comeback, but it also references the album’s themes of relationship conflict and making the decision to fight back against dark inner demons.
“My music is the outward expression of the work I’m doing internally. What I do comes from my experiences, and I strive to express these experiences authentically. Speaking my truth, and being myself, is the way that I connect with people,” Chris confides. Her rise as an esteemed artist with captivating emotional integrity has been organic and always on her own terms. For someone who never had an intention of being a professional musician, it’s been a life of far-reaching changes and unexpected rewards.
Genre: Singer / Songwriter
Auch, wenn er sein letztes Album „Paperweights“ nannte. Dank einer Kampagne für das britische Modehaus Burberry, für das er modelte und eine sehr schön gefilmte Akustik-Session einspielte, erreichte er schon recht früh in seiner Karriere ein großes Publikum. Das er allerdings nicht (nur) durch sein schönes Gesicht überzeugte, sondern vor allem durch seine bittersüßen Folkstücke und seine samtene Stimme, die so klingt, wie man sich vertonte Melancholie immer vorgestellt hat.
Seine frühe Single „Tiger Striped Sky“ vom Debütalbum „Little Giant“ aus dem Jahr 2014 ist noch immer ein Dauerbrenner und zählt allein bei Spotify mittlerweile über 42 Millionen Plays. 2015 erschien dann der eingangs erwähnte Nachfolger „Paperweights“, auf dem Roo Panes seine bewährte Songformel perfektioniert hat. Mal bricht er einem mit kaum mehr als einer akustischen Gitarre und einer verwehten Trompete das Herz (wie in „Summer Thunder“), mal schwingt er sich ins dezent Orchestrale auf und veredelt ein Stück wie „Where I Want To Go“ mit traurig schönen Streichern. Im September wird es nun noch einmal zwei Chancen geben, Roo Panes neue Stücke live zu hören.
Genre: Indie / Rock
Formed in 2002 in Halifax NS, Wintersleep has built a loyal fan base around a solid body of work and a relentless touring schedule. They have toured extensively in North America, the UK, Ireland and Europe, sharing stages with Frightened Rabbit, The Maccabees, Wolf Parade, The Hold Steady, Paul McCartney and Pearl Jam among other greats. They’ve even found themselves on stage on the David Letterman Show.
They have received a Juno Award, a Much Music Video Award and produced the chart topping single “Weighty Ghost”. Their most recent album, Hello Hum, produced “In Came the Flood,” a jubilant infectious track that charted for weeks in the top ten Alternative Rock charts in Canada. After a lengthy 2013 UK and North American tour with Frightened Rabbit that closed off the touring for their fifth LP, “Hello Hum,” the band took a year off to write and take care of family.
They regrouped in the late summer of 2014 in Halifax, Nova Scotia, to record at the legendary Sonic Temple. As if there wasn’t enough seaside air to be found in Halifax, for the final 10 days of tracking the band rented a few microphones and pre-amps and a cottage in Kingsport NS, located a few feet from the edge of a cliff that overlooked, and literally jutted out over, the Minas Basin. It was in this setting that they tracked the majority of the vocals and added the finishing details – and swam their hearts out.
“The Great Detachment” begins with the floor stomping, heart-warming proclamation that is “Amerika”, and continues assuredly, unflinchingly into a vast expanse of rock and roll and slow burning balladry that is by now a Wintersleep signature. Wintersleep has again teamed up with long-time collaborator and co-producer Tony Doogan; pairing his energetic, live-off-the-floor production approach this time around with the eclectic mixer duo Gus Van Go and Werner F (The Stills, White Horse). The forthcoming LP is scheduled for release in early 2016 via Dine Alone Records.
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots / Tropical Bass und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Line Up:
Trece (El Salvador)
Papo Yoplack (Peru)
Genre: Folk Pop
Nach Bekanntgabe des Veröffentlichungstermins der mittlerweile elften CD hat der Gründer des Folk Noir-Projekts Rome, Jérôme Reuter, jetzt sieben Termine im Herbst bestätigt, auf denen er zusammen mit seiner Band das am 12. August 2016 erscheinende neue Album „The Hyperion Machine“ (Trisol/Soulfood) live vorstellen wird. Rome treten in folgenden Städten auf: in Bochum (23. September 2016, Matrix), in Köln (24. September 2016, Stadtgarten), in Hamburg (25. September 2016, Nochtspeicher), in Frankfurt (27. September 2016, Nachtleben), in München (28. September 2016, Backstage Club), in Leipzig (30. September 2016, Naumanns im Felsenkeller) und in Berlin (01. Oktober 2016, Privatclub).
Rome nennt sich das 2005 entstandene Projekt des Luxemburger Singer/Songwriters Jérôme Reuter, der damit in einer langen Tradition von Jacques Brel, Johnny Cash, Townes Van Zandt, Tom Waits, Leonard Cohen, Michael Gira, Nick Cave steht. Architekten der Melancholie wie diese sind es, die ihre Spuren in Reuters Kunst hinterlassen haben. Der Luxemburger Grenzgänger, der mit seiner prägnant tiefen Stimme dreisprachig Deutsch, Englisch und Französisch singt, vereint in seiner Musik amerikanische Folklore mit Chanson und der getriebenen Tristesse des englischen Post Punk. Er selbst prägte dafür einmal den Begriff ‚Chanson Noir‘.
Während man in seinen ersten Werken noch deutlich die Einflüsse aus Industrial und Dark Folk erkennen kann, zeigen die Alben „Flowers From Exile“ (2009) und „Nos Chants Perdus“(2010) eine Wandlung hin zu französischem Chanson und amerikanischem Folk. Reuters Songs, meist Teil außergewöhnlicher Konzeptalben, stehen ganz in der Tradition seiner erklärten Vorbilder Jacques Brel und Léo Ferré, vermischen sich aber insbesondere bei Live-Auftritten zunehmend mit Rock/Wave und Post-Punk- Einflüssen. Inhaltlich von der Weltliteratur inspiriert, finden sich in seinen Werken auch Zitate diverser Autoren von Brecht bis Jünger, von Camus bis Celine, von Burroughs bis London. Im Studio wird fast alles im Alleingang eingespielt, live handelt es sich um eine Band, in der Reuter eher zurückhaltend agiert. Er selbst nennt es ein Projekt, um sich alle personellen und klanglichen Formate offenzuhalten. Das aktuelle elfte Album „The Hyperion Machine“ besticht durch eine Mischung aus treibenden, tanzbaren Post-Punk- Elementen und tiefgängigen Folk-Hymnen. Bereits der Titel setzt eine ganze Reihe von Assoziationen frei. Die Kette erstreckt sich von der griechischen Antike über Friedrich Hölderlin und Heiner Müller bis zu den Einstürzenden Neubauten. In seiner narrativen Wucht funktioniert „The Hyperion Machine“ wie ein Hörspiel.
Die subtile Power, mit der Reuter uns seine Geschichten erzählt, setzt sich über alle Epochen oder Kategorien hinweg. Es gibt nichts, was in dieser Musik nicht geht. Elemente aus Rock, Jazz, Klassik und Spoken Word kommen zusammen, um eine Geschichte in 3D zu erzählen, die sich nicht vor dem Ohr aufbaut, sondern den Hörer integriert. Die literarischen und philosophischen Motive sind ebenso weit gefächert wie die musikalischen Einflüsse. „The Hyperion Machine“ ist ein ganz normales Album, und doch viel mehr als das. Ein Füllhorn von konkreten und imaginären Deutungsmöglichkeiten fügt sich zu einem großen sinnlichen Kommentar über die Herkunft der Gegenwart über das Jetzt hinaus.
Genre: Edits / Reworks / Philly Soul / Post-Disco / Boogie / Discofunk
A special club night series for the secret history of Disco
w/
Fannar [meat / London]
Fixie Fate [B:East / Berlin]
Evergrace [Disco League / Berlin]
about FANNAR
DJ Fannar is an Icelandic wanderer, DJ,promoter and photographer based in London. Fannar regularly plays at The Glory (Fem-Sesh),The Eagle (Men Inc,), East Bloc (Gutterslut) and has residencies at The Kings Arms, Sketch and Dalston Superstore (Last resort party).
A truly international spirit this Viking adventurer has also taken to the decks in Berlin (House of Shame), Paris (Andy Wahloo), Reykjavik (Dolly) and Copenhagen (Jolene). Fannar is also one half of established DJ duo The Meat Boys with their South & East London Meat parties as well as hot pop gigs across London (BRUT, TheMenWhoFell2Earth, Glorias, Pleased!) and more recently in Gay Paris (Menergy, Monday is Cuming).
about DISCO LEAGUE
The DISCO LEAGUE is a special monthly club night series for the secret history and future of Disco. We support modern artists and DJs who still believe in positive vibes. Often you will hear fresh club sounds based on Philly Soul, Discofunk, Boogie, Salsoul and Post-Disco but we also play classy originals and deep tracks for diggers. We promise: At our events you can explore „The Real Disco Motion“ beyond clichées – while being together with Berlins alternative and multisexual dance scene.
Genre: Pop
Das zweite Album in der Diskographie einer Band gilt im Musikbiz immer als das schwierigste. Hatte man praktisch sein ganzes bisheriges Leben bis zum Debüt Zeit, entstehen die Nachfolger während der Erfolgsernte des Erstlings oft gestresst und beiläufig – was man dann auch hört. Dass man mit dieser Tradition auch brechen und das zweite Album als Quantensprung nutzen kann, zeigt das Berliner Frauentrio ELAIZA mit seinem neuen Werk „Restless“. Am 02.10.2016 zeigen die Mädels dieses Werk auch dem Berliner Publikum im Heimathafen Neukölln.
Vor gerade einmal drei Jahren haben sich Yvonne Grünwald, Natalie Plöger und Elzbieta „Ela“ Steinmetz mit Akkordeon, Kontrabass und Piano aufgemacht, die Grenzen zwischen Pop und dem Zauber osteuropäischer Folkelemente auszuloten. Die Ethnoeinflüsse sind dabei nicht forciert, sondern durch die außergewöhnliche Instrumentierung und die ukrainisch-polnischen Wurzeln von Sängerin und Songschreiberin Ela organisch gewachsen und unumgänglich.
ELAIZA ist es gelungen sich treu zu bleiben bzw. das, wofür sie von nicht wenigen geliebt werden, beizubehalten und trotzdem einen großen Schritt nach vorn zu machen. In Sachen Songwriting und Lyrics verblüffen die Drei durch eine beachtliche Reife und sind zudem in der Umsetzung mutiger und experimentierfreudiger denn je. Jeder Ton macht deutlich, dass hier eine echte Band am Start ist, die durch unzählige Konzerte zusammengeschweißt wurde und die merklich bei sich angekommen ist.
Gemeinsam entfalten die stets biografischen Songs eine mitreißende Wirkung, bestechen durch unwiderstehliche Hooklines und heben die Band auf ein neues musikalisches Level. Hierbei verlangen die Lieder allesamt nach einer würdigen Liveumsetzung, zu der es noch in diesem Jahr kommen wird: Ab Herbst sind die drei charismatischen Musikerinnen wieder auf Tournee! Die emotionale Reise geht weiter!
Genre: Indie / Pop
Bereits ein Jahr nachdem sein Debütalbum „From Weeds to Woods“ erschienen ist, legt Tom Klose mit der „Simple“ EP direkt nach und macht einmal mehr musikalisch einen klaren Schritt nach vorn in eine neue Richtung. Fühlte er sich bei seinem Debüt in erster Linie im Folk-Genre heimisch, legt er nun auch öfter die E-Gitarre um und bedient sich des Soul, wie etwa im Titelsong „Simple“. Die Reife, die in seiner charismatischen Stimme zu hören ist, ist nun auch umso mehr in seinen Texten zu finden, wie etwa im tragisch-traurigen Trennungssong „The End“. Besonders auch der Song „Welcome Home“, der durch die derzeitige Flüchtlingskrise in Europa inspiriert ist, zeugt von einer emotionalen Tiefe, die man so bisher noch nicht von dem jungen 27-jährigen Singer-Songwriter kannte. „Found Myself in You“ sticht besonders heraus, denn er schlägt erstmals, elektronische tanzbare Töne an, die zwar für Tom Klose eher ungewohnt, aber so gar nicht unpassend klingen. Alles in allem sind es vier neue Songs, die alle auf unterschiedliche Weise begeistern und insgesamt zeigen: Tom Klose kennt seinen Weg und bleibt sich dabei aber immer treu. Seine musikalische wie persönliche Weiterentwicklung innerhalb der letzten Zeit ist so offensichtlich hör- und spürbar, dass man wirklich nur gespannt sein kann, wohin die Reise noch gehen wird. Tom Klose ist ein junger sympathischer und sehr ambitionierter Musiker, den man heute live sehen und zukünftig im Blick behalten sollte!
Wer bisher die Chance verpasst hat Tom Klose in voller Bandbesetzung live zu sehen, kann dies bei den Konzerten der „Simple Tour“ im Herbst nachholen.
„Seen reichen mir nicht, ich brauche Meer“
Ein Mann, ein Wort. Die Band um Stimmgewalt Simon Gløde begleitet Tom Kloses ’Simple’-Tour im Duo und macht Indie Songwriter Pop zum reinlegen. Weich und warm wie schäumendes Badewasser, nach einem langen Tag. Nur mit mehr Wellengang. Entspannt und sinnlich, mit einer Stimme, die in Höhen und Tiefen schwingt, die Welt besingt und ihre facettenreichen Seiten thematisiert. Unterstützt wird er von Gitarrist Julian Elsesser, der sein Instrument nicht bloß beherrscht wie ein junger Neptun, sondern auch wahnsinnig gut duftet!
Genre: Chanson / Folk / Pop
« L’euphorie » so heisst das neue Album von CARROUSEL, das Duo mit Sophie Burande und Léonard Gogniat, die sich auf einer Caféterrase in Südfrankreich zufälligerweise getroffen haben. Und Euphorie ist hier durchaus angebracht: Gemeinsam mit dem französischen Produzenten Jean-Louis Piérot, der in Frankreich für die ganz Großen wie Bashung oder Étienne Daho am Mischpult wirkte, wurden in Paris 13 eigene, wunderschöne und abwechslungsreiche Songs eingespielt. « Er hat uns die Energie zu neuen Tönen gegeben. Dabei ist CARROUSEL sich selbst treu geblieben, kommt aber noch etwas frischer und lebendiger daher als bisher. » Vor allem aber stehen CARROUSEL gerne auf der Bühne. Weil sie den direkten Kontakt mit dem Publikum lieben. Und nach über 450 Konzerten in der Schweiz und im Ausland, von kleinen Clubs bis zu grossen Openairs, überraschen sie weiterhin das Publikum an jedem einzelnen Konzert.
Genre: Indie / Rock / Punk
Ein Jahr ALL ROOMS – Ein Jahr großartige Künstler. Und die bringen wir alle zusammen in den Privatclub Berlin und veranstalten das erste ALL ROOMS FESTIVAL!
Lasst euch diese großartigen Bands nicht entgehen:
Donnerstag, 06.10.2016:
The Trousers – Indie/ Garagerock (Budapest)
the One – Punk/ Rock (Kiel)
Paisley – Indierock (Dresden)
+ Special Guest
Freitag, 07.10.2016:
FINAL STAIR – Rock/ Pop (Berlin)
Ex Hands – Experimental Pop (Berlin, Dresden)
earnest and without you – Indie/ Electronica (Berlin)
+ Special Guest
Genre: Indie / Rock / Punk
Ein Jahr ALL ROOMS – Ein Jahr großartige Künstler. Und die bringen wir alle zusammen in den Privatclub Berlin und veranstalten das erste ALL ROOMS FESTIVAL!
Lasst euch diese großartigen Bands nicht entgehen:
Donnerstag, 06.10.2016:
The Trousers – Indie/ Garagerock (Budapest)
the One – Punk/ Rock (Kiel)
Paisley – Indierock (Dresden)
+ Special Guest
Freitag, 07.10.2016:
FINAL STAIR – Rock/ Pop (Berlin)
Ex Hands – Experimental Pop (Berlin, Dresden)
earnest and without you – Indie/ Electronica (Berlin)
+ Special Guest
Genre: Disco / Boogie / Leftfield Beats / Raps / Afro
Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Jeden ersten Freitag im Monat im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das worauf die Hosts IAMNOBODI, Suff Daddy und Jannis (Jakarta Records/Habibi Funk) gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hits Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!
Line Up:
Suff Daddy
Habibi Funk
Iamnobodi
+ Guests
Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop
Kiss All Hipsters is the brainchild of German booker Kristian Wolff and Dutch dj/music-journalist Arnold Scheepmaker who hosts about ten different cutting edge nights a month in different European cities (Berlin, Amsterdam, Utrecht etc.) focussing on genres like indie, electro-pop, indietronica & eclectic pop. Basically the KAH enfant terible is constantly on the run searching for cool new tunes, bringing rowdy & hyper-eclectic yet critically acclaimed nightlife mayhem, collaborating with a diverse bunch of in the know dj’s, bands, designers and photographers and adding new venues to his already full to the brim roster. Kiss All Hipsters is all about a good no-nonsense attitude when it comes to beautiful, yet ultimately empty hipster-types and has a contradictory love-hate relationship with all things fashionista. Kiss All Hipsters has been going internationally for six years, but Scheepmaker’s longest residency, a weekly night at Amsterdam’s well known venue Paradiso, has been attracting a steady 1.000 visitors for over a decade now.
During those years the KAH head honcho has played at numerous venues and festivals, while writing for magazines, newspapers and blogs like Vice and Dutch musicmag LiveXS. The line ‘you only live once, huh?’ is heard quite often when asking Arnold about his life in the fast lane at neckbreak speed.
With Kiss All Hipsters, in the Netherlands always with co-host dj Raven, he aims at the informed crowds of big metropolises who have a bigger than general interest in new releases by a wide range of indie & electro bands with cheeky side-steps to the past, short-lived hype-genres and upcoming genres. Go! Go! Go!
Some stuff we play:
Black Keys Daft Punk Foals Crystal Fighters Django Django Miike Snow Azealia Banks San Cisco Icona Pop La Roux Of Monsters and Men Lykke Li Two Door Cinema Club Disclosure Arcade Fire Foster the People Phoenix The Strokes Kakkmaddafakka Miles Kane Nelson Can Metronomy MGMT M83 Justice Baauer Hot Chip Wankelmut The Vaccines Boys Noize The View Reptile Youth The XX Florence & The Machine M.I.A. The Naked & Famous The Kooks Whitest Boy Alive Good Shoes Crystal Castles The Drums Mumford & Sons Netsky Yeah Yeah Yeahs Doctor P Kings of Leon Darwin Deez Arctic Monkeys The Bloody Beetroots LCD Soundsystem Bloc Party We Have Band The Knife The Soft Pack The Rifles Fake Blood Jamie T Vampire Weekend Major Lazer the Virgins the Gossip The Cure Santigold Chromeo Tiga Mando Diao Urban Cone Empire of the Sun Bombay Bicycle Club Blondie Editors Late of the Pier The Ting Tings Yelle Klaxons Interpol Ramones CSS Simian Mobile Disco Babyshambles Amanda Blank Franz Ferdinand Maximo Park The Sounds The Wombats Friendly Fires
Line Up:
Arnold Sheepmaker
Genre: Indie / Pop / Singer / Songwriter
Fever Dream, the new solo album from Ben Watt is released worldwide on April 8 2016 on Watt’s own imprint Unmade Road through Caroline International.
It was in 2014 – after sixteen years and nine albums as songwriter-performer-producer with Tracey Thorn in
best-selling duo Everything But The Girl, a further ten at the helm of his award-winning electronic label Buzzin’ Fly, and a radio residency on BBC 6Music – that Watt returned to his roots as a solo singer and songwriter with Hendra, his second album. Arriving thirty-one years after his UK Independent Chart No. 1 debut, it met with wide acclaim at home and abroad for its eloquent lyrics and stripped-back aesthetic; it featured prominently in end-of-year round-ups and pipped Anna Calvi and Blood Orange to win Best ‘Difficult’ Second Album at the AIM Independent Music Awards 2014.
Fever Dream – self-produced at London’s famous RAK Studio 2, and mastered by Bob Ludwig at Gateway Mastering in Maine – takes Hendra’s sonic template of open-tuned folk-jazz, distorted string-bent rock, and soulful rumination, and adds a fresh grainy intensity. It renews key partnerships with Hendra’s vaunted guitarist-sideman Bernard Butler and engineer Bruno Ellingham, and sprinkles guest vocal cameos from Boston’s dream-folk singer-songwriter Marissa Nadler and Hiss Golden Messenger’s M.C. Taylor.
‘At the album’s heart I just wanted to deepen existing relationships,’ Watt says. ‘Two years of playing live with Bernard has created a strong bond; the music we make feels spontaneous, ardent, unsentimental. We just went in and did most of it live. Small room, small band. A harder edge. Instruments spilling into each other.’ The pair are joined by drummer/percussionist and longtime ally Martin Ditcham (Talk Talk’s Spirit of Eden) and new double bassist Rex Horan (Laura Marling’s Once I Was an Eagle / Neil Cowley Trio), who in Watt’s words ‘brilliantly blurs the boundaries between folk, jazz and rock’.
‘I chose the guests to suit,’ he goes on. ‘Marissa’s sound is gothic and gauzy but tender and revealing. I pictured her with me on the key closing track [New Year of Grace] – which is a kind of answer to the album’s opener [Gradually]. She was in London for twenty-four hours recently. I just doorstepped her on Twitter, and she said yes.’
Watt’s non-fiction writing and lyrics have been integral to his recent acclaim. His second memoir Romany and Tom – a portrait of his parents’ marriage – was longlisted for the prestigious Samuel Johnson Prize in 2014. (His first, 1996’s Patient was a New York Times Notable Book of the Year). Novelist Jonathan Coe recently commented Watt is ‘beyond doubt one of the great British singer-songwriters’, while The Guardian’s senior rock critic Alexis Petridis called the writing on Hendra ‘pretty much perfect’.
Of the new songs, Watt says: ‘I got back from tour with a few notes for a new book, but life got in the way. Close friends were falling apart, my own relationships were being tested. I found I wanted to capture smaller snapshots about how love shifts over time, what endures, how we cope. And they became songs. Some came out darker and more troubled, others softer and more hopeful. And that then became the album structure. First half heavier, second half lighter. A sense of transformation, rather than just a collection of songs. I hadn’t done that before.’
It was in 1981 that Watt first appeared in London as a precocious nineteen year-old singer-songwriter-guitarist. His breakthrough 1982 EP Summer into Winter featured alt-folk icon Robert Wyatt and drew comparisons with Tim Buckley. His early solo work may be overshadowed by his subsequent successes with Tracey Thorn, but his 1983 debut solo album North Marine Drive reached No 1 on the UK Independent Albums Chart.
‘The music I heard in my teens – jazz, folk, art-rock – still cuts the deepest with me,’ he says. ‘I recently spent over ten years exploring instrumental electronic music and clubland [he was nominated for Outstanding Contribution to Dance Music at DJ Magazine Awards 2009; and was a resident DJ on BBC 6Music’s 6Mix from 2010-2014] but have come back to language and that band-in-a-room spontaneity. The raw human voice, unaffected words, pushing simple instruments to their limits – that is now what fascinates me again.’
Genre: Singer / Songwriter
Bei all den Möglichkeiten die einem das Leben bietet, muss manchmal eine Tür geschlossen werden, um mit etwas Neuem beginnen zu können. Dies war auch bei Benjamin Francis Leftwich und seinem sehnsüchtig erwartetem, neuem Album „After The Rain“ der Fall. Am 19. August wird es über Dirty Hit (Wolf Alice, The 1975) erscheinen und mit „Tilikum“ kann man auch schon den ersten Song hören.
Nach dem Release seines hochgelobten Debüt „Last Smoke Before The Snowstorm“ aus dem Jahre 2011 änderte sich Leftwitchs Lebensweg in eine unerwartete Richtung, als er durch die härteste Phase seine Lebens ging: der Verlust seines Vaters, der wichtigsten Inspirationsquelle des Künstlers.
Am bisherigen Höhepunkt seiner Karriere und gefangen zwischen Touren und der Pflege seines kranken Vaters, lud Benjamin Produzenten in seine Heimatstadt ein, um an neuem Material arbeiten zu können. Allerdings ohne großen Erfolg, so dass er beschloss eine musikalische Pause einzulegen, nachdem sein Vater verstarb.
Nun, fünf Jahre nach seinem Debüt, kehrt Leftwich mit „Tilikum“ zurück, dem ersten Stück aus dem von Charlie Andrew (Alt-J, Money) produziertem neuen Album. Ein Werk, dessen Sound den Weg Benjamins zu seinem inneren Frieden aufzeigt. Geschrieben in den Monaten, in jenen er am Tiefpunkt war, entstanden Songs zwischen Licht und Dunkelheit. Ein Album, das filigran und erhaben zugleich ist, melancholisch und doch optimistisch und jederzeit zeitlos.
Fünf lange und harte Jahre nach der Veröffentlichung seines Debüt ist Benjamin Francis Leftwich bereit sich selbst zu offenbaren: “If one person emails me and says ‘This is the most moving song I’ve ever heard and it really helped me’ – if it gets one person like that, I’d be really happy.”
Genre: Singer / Songwriter / Pop
Ebbot Lundberg & The Indigo Children kündigen zur Veröffentlichung ihres am 22. April erscheinenden Albums „For The Ages To Come“ drei exklusive Konzerte in Berlin, Hamburg und Köln an.
„Für uns war es wichtig, unser Album auch in Deutschland das erste Mal in ähnlich kleinen und intimen Clubs zu präsentieren, wie bereits im April in Schweden.“
Ebbot Lundberg, Frontmann von „The Soundtrack Of Our Lives“ und „Union Carbide Productions“ ist zurück. Der mittlerweile 50-jährige Ebbot verwandelt sein Talent nach wie vor in eindrucksvolle Schallplatten und Konzerte, mit seiner Erfahrung und der Begeisterung entführt er seine neuen Musiker „The Indigo Children“ in eine psychedelische Zeit und offenbart uns vitale Songs einer goldenen Epoche der Popmusik. „The Indigo Children“ spielten bereits vor 7 Jahren als sehr junge Band im Vorprogramm von The Soundtrack Of Our Lives. Hier treffen neugierige und hungrige junge Musiker auf eine geschichtsträchtige Pop Ikone. Der Dialog stimmt, generationsübergreifend.
Genre: Indie / Pop
OSCAR – ganz einfach, nur der Name, klassisch reduziert. (Wobei das, also er, mit Cher oder Prince oder Seal oder Sting nichts zu tun hat. Am ehesten noch mit Blur, oder besser mit Damon Albarn, an dessen Gesangstil der junge Brite entfernt gemahnt. Dann müsste man aber auch eine Menge andere Referenzen nennen, die in die Debütplatte „Cut And Paste“ eingeflossen sind. Tun wir aber nicht. Ätsch.)
Nach einigen von Fans & Kritikern hervorragend aufgenommenen Singles nun also der lang ersehnte Album-Geniestreich („Cut And Paste“, wir erwähnten es ..) des Briten. Die Energie des Indie, die harmonische Vielfalt des Pop, knackige Gitarren und schwebende Synthies formen zusammen einen Ohrwurm nach dem anderen.
Schon seine Eltern haben gemeinsam in einer Band gespielt, und sein Vater hat frühe Acid-Tracks produziert: OSCAR selbst hat also allerhand unterschiedliche Musik inhaliert. So entstand seine wilde Mischung aus Britpop, New Wave und Eastcoast HipHop der 90er. Das kann man sich zwar nicht so recht vorstellen, aber dieses Wunderkind bringt das alles und vieles anderes auf einen Punkt, hält es mit seinem Bariton zusammen und formt daraus dank Melodie und neuem Klang, Harmonie und Originalität die neue, exzentrische, britische Popmusik, auf die wir lange warten mussten.
Genre: Indie / Alternative / Rock
Sie sind jung, sie sind laut, sie sind ekstatisch und liefern eine Live-Show ab, die alle abgehen lässt und völlig erschöpft zurücklässt – bis auf die Instrumente, denen es schlechter ergeht. Sie liegen nach den Gigs gerne mal zerlegt auf der Bühne herum. Die gute alte Tradition des Gitarre-Zertrümmerns und Schlagzeug-Zertretens wird von YAK aufs Exzessivste widerbelebt. Kein Wunder, dass das Trio aus London der Liebling der heimischen Presse ist, die die Jungs feiern. Aber auch Kollegen sind voll des Lobes. So äußerte sich Harry Koisser, der Frontmann von Peace: „YAK sind sexy, gefährlich und so, so laut. Ihre Live-Shows sehen für mich aus wie unscharfe, frühe Aufnahmen von Nirvana.“ Die Band selbst sieht das ein bisschen bescheidener: „We like it to sound a bit crunchy and nasty “, sagten sie gegenüber dem DIY-Magazin. Was schon eine ziemlich Untertreibung ist, denn in Wahrheit ist das, was da über einen hereinbricht, ein Tornado.
Jetzt ist ihr Album „Alas Salvation“ erschienen, das so klingt wie ihre Konzerte: Roh, ungestüm, schnell, verrückt, explosiv, wild und ziemlich rau. Aber live ist das dann doch anders, „Das ist eine ganz andere Energie“, sagt Frontmann Oli Burslem, „du gehst auf die Bühne, schleuderst die Gitarre durch die Gegend, schreist alle an dass sie sich verpissen sollen, nach der Hälfte der Show zerdrischst du dein Instrument und schreist ,Yeah!‘ Das geht nicht auf Platte.“ Verspricht aber einiges für die Show von YAK am 13.Oktober in Berlin.
Genre: Indie / Folk
Haley Bonar hat ihr neues Album “Impossible Dream” angekündigt, das via Memphis Industries am 5. August veröffentlicht wird.
Das neue Album wurde ganz altmodisch analog in den Pachyderm Studios in Minnesota aufgenommen und von Bonar zusammen mit Jacob Hansen produziert. Es ist der Nachfolger des 2014 erschienenen “Last War”.
Haley Bonar selbst sagt über “Impossible Dream”:
“Everybody wants a story. Something to sell. I’m here to tell you that there isn’t one with this album, at least in the traditional sense, but ten. I could sit here and tell you that some of the songs are about growing up in the Black Hills. Some of the songs are about my parents. Some of the songs are about homosexuality. Some of the songs are about loss of youth, teenage parenthood, the lines of social disorder for women, or the terror of jealousy and suspicion. But what I write is borne of my own set of memories and ideas, and once they are released into the world, they do not belong to me anymore.”
Haley Bonar wurde von Alan Sparhawk (Low) entdeckt, der sie in einem lokalen Pub in Duluth, Minnesota spielen sah und so begeistert von ihr war, dass er sie sofort dazu einlud, ihn und seine Band auf Tour zu begleiten. Eine Woche später wurde aus der neunzehnjährigen College Studentin Haley Bonar eine ambitionierte Studienabbrecherin, die sich mit Gitarre bepackt zusammen mit einem Drummer in einen Honda Civic quetschte, um gemeinsam mit Low zu touren.
In dem folgenden Jahrzehnt hat Haley zahlreiche erfolgreiche Aufnahmen veröffentlicht, die von Platte zu Platte mehr Lob erhielten und für die sie mit Größen wie Andrew Bird (mit dem sie regelmäßig live spielt) und Justin Vernon (der auch auf „Last War“ zu hören war) zusammengearbeitet hat.
Genre: Latino & French & African & Global Party
Line Up:
Pepe Vargas
Seekyou
Am 14. Oktober starten wir ins neue Wintersemester. Neben karibischen Klängen, Cumbia und Salsa erwarten Euch feinste französische Sounds von HipHop über Reggae bis Chanson, afrikanische Grooves und die wunderbarsten globalen Perlen aus unseren Schatzkisten. Kommt mit uns auf eine wunderbare Reise um die Welt und genießt die schönste Musik unseres Planeten.
Seit mehr als 10 Jahren ist Terrabeats eine feste Größe in der Berliner Clubszene. Jetzt ist Terrabeats erstmals im Privatclub zu erleben. Es erwartet Euch ein Best of Worldmusic, das es in dieser Form nur bei Terrabeats zu hören gibt. Gespielt werden sowohl die großen Hits, als auch das neueste aus dem globalen Underground. An den Reglern steht Mastermind Pepe Vargas, der schon Stars wie Lhasa, Tiken Jah Fakoly, Lila Downs oder Panteón Rococó mit seiner Musik begleitete. Man kann Pepe Vargas auch als einen Musik-Nerd bezeichnen, der weiß wie man Party macht. Begleitet wird Pepe Vargas immer wieder von DJ-Freunden aus Berlin und ganz Europa, die es sich lohnt zu hören. Generell gilt: Ihr wollt gute Musik hören, Ihr wollt Tanzen, Ihr wollt Spaß haben… dann ist Terrabeats Eure Party in Berlin.
Für Eure Beine gibt es:
Katzenjammer, Calle 13, Stromae, Locomondo, La Brass Banda, Magic System, Parov Stelar, Mahala Rai Banda, Rachid Taha, Systema Solar, Major Lazer, Kassav, Elvis Crespo, Fruko y Sus Tesos, Dunkelbunt, Nickodemus, Yves Jamait, Manu Chao, Los Fabulosos Cadillacs, The Cat Empire, Mad Heads XL, Panteón Rococó, El Gran Combo, La Sonora Dinamita, Tiken Jah Fakoly, Bob Marley, Khaled, Kevin Johansen, Les Yeux D’La Tête, Panjabi MC, Buraka Som Sistema, Lila Downs, Celia Cruz, Edith Piaf, Juan Luis Guerra, Chico Trujillo, Africando, La Rue Ketanou, Tarkan, Zebda, Boban & Marko Markovic Orchestra, Skazka Orchestra, Quantic, Chinese Man, Monsieur Periné, Caro Emerald, Zaz
Genre: Singer-Songwriter / Pop
„Der Junge, der rennt‘‘ handelt von Umbruch, Chaos im Kopf eines Mittzwanzigers, dem Nicht-Entscheiden-Können, der Rastlosigkeit – und dass auch gerade das Nichtankommen das Ziel sein kann.’’ Max Giesinger denkt, hinterfragt, bleibt nicht stehen, will weiter kommen. Schon mit seinem ersten Album „Laufen lernen‘‘ hat er gezeigt, dass in ihm ein Songwriter von hoher und eigenständiger Qualität steckt. Aber es braucht eben seine Zeit, um zu finden, was das ‚Eigene‘ überhaupt ist. Gerade, wenn man einen Umweg genommen hat. Sicher war seine Erfahrung, die er als Finalist bei „The Voice of Germany‘‘ sammelte, eine wichtige — – und wenn auch nur, „um herauszufinden, welchen Weg in dieser Branche ich auf keinen Fall gehen möchte‘‘, wie er nachdenklich berichtet. Nach der großen TV-Hysterie folgte nicht die große Ernüchterung. Sondern vielmehr ein „Jetzt erst Recht‘‘-Gefühl. Mit seinem Debüt- Album „Laufen lernen‘‘ setzte Max ganz auf die postmoderne Version des DIY-Gedankens — – und finanzierte das Album via Crowdfunding. Genau wie das Debüt trägt auch sein zweites Album einen programmatischen Titel – „Der Junge, der rennt‘‘. Denn Max Giesinger läuft gern weite Strecken, um zu einem Punkt zu kommen, der ihn zufrieden stellt. Das war schon immer so, kaum dass er das kleine Dorf Busenbach in der Nähe von Karlsruhe verlassen hatte, in dem er aufwuchs. Nach dem Abi zog es ihn für ein halbes Jahr nach Australien, wo er sich seinen Lebensunterhalt als Straßenmusiker verdiente. Und es wird auch jetzt wieder unmittelbar klar, wenn er den Weg zu den Songs seines zweiten Albums beschreibt: „Ich habe mich vor einem Jahr hingesetzt und wieder angefangen, Lieder zu schreiben. Ich hatte schon 15 neue Songs am Start, bis ich in einer Session mit einem Kollegen ‚Roulette‘ schrieb. Ich war total geflasht von dem Song und wusste dann in welche Richtung mein Album gehen soll, die restlichen Songs verwarf ich wieder.“ Es klingt erstaunlich, einfach so viele Songs zu entsorgen, doch wenn man sich die nun vorliegenden anhört, versteht man warum. Manche der erzählten Geschichten sind höchstpersönlich, andere hat er aus seinem Freundeskreis adaptiert und zu seinen eigenen gemacht. Betrachten wir „80 Millionen‘‘: Da ist einer, der seinen Ursprung in einem kleinen Dorf hat, aber ständig unterwegs ist. Er erlebt dadurch nicht nur viel, sondern ihm wird ebenso die unfassbare Größe dieser Welt bewusst und wie häufig der Zufall, den viele auch als Schicksal beschreiben, entscheidend ist. „Always on the run‘‘ — – diese Person ist in einer Achterbahn aus Rastlosigkeit und Gefühlen gefangen. Umso deutlicher stechen besondere Momente heraus, in denen man auf einmal ganz klar denken kann und dabei ganz ungeplant den richtigen Menschen findet: die eine Person, die einen glücklich macht, in dieser unfassbar großen Welt. Diese Tatsache feiert der Song „80 Millionen‘‘. Von einer anderen Variante der schönen Flucht erzählt „Ins Blaue‘‘ – ein Duett mit der Deutschen Künstlerin Elif – wo ein Paar ganz einfach mal für einen Tag dem Alltagsstress entfliehen möchte. All das entstand zu großen Zügen an der Ostsee, wo sich Max für zwei Wochen mit dem Produzenten Jens Schneider in einem Rentnerdorf einschloss, um fokussiert an dem Album zu arbeiten. Abgeschottet und kaum unter Menschen, war das Highlight des Tages, wenn der Hausmeister vorbei kam, um den Müll mitzunehmen. Um aus seiner Komfortzone auszubrechen, verließ Max rund um die Produktion der Platte auch seine süddeutsche Heimat und zog in den Norden, nach Hamburg, wo er nun mitten auf der Reeperbahn wohnt, was das Album ebenso geprägt hat. „Der Junge, der rennt‘‘ ist damit nicht unbedingt das Album des An-, aber des Weiterkommens. Es ist damit eine intime und intensive Momentaufnahme eines Künstlers, der bereits mit dem zweiten Album sehr viel mehr über sich weiß und versteht, als viele Kollegen, die auch beim vierten Album noch genau so klingen wie auf ihrem Debüt. Man wird darauf einen Mittzwanziger entdecken, der mit großer Freude seine gefundene künstlerische Stimme ausformuliert und in Songs kleidet, die in ihrer dynamischen Vielschichtigkeit berühren, mitreißen und auch mal für einen Moment nachdenklich stimmen. „Ich liebe es, viel unterwegs zu sein und kann eigentlich auch nicht zu lang an einem Ort bleiben‘‘, sagt Max Giesinger. Das Unterwegssein als Leitmotiv, immer in Bewegung sein, bloß nicht stagnieren. Das ist genau das, was Max Giesinger mit seinem zweiten Album getan hat.
Genre: Oldskool / 90s Hip Hop
Wenn Altmeister Dejoe und DJ Mondee (NYC) von der Born 2 Roll Crew gemeinsame Sache machen, wird es heftig. Feinster Golden Age Hip Hop fusioniert mit raren Funk & Soul Grooves zu einer unwiderstehlichen Melange, die niemanden still stehen lassen wird. For the body, for the mind, for the SOUL!
Line Up:
Dejoe
Mondee
Genre: HipHop / Rap
Genau vier Jahre ist es her, dass Crystal F sein letztes Soloalbum veröffentlicht hat.
Nachdem er die Zeit genutzt und in diesen vier Jahren mit seiner Crew eine Riesenwelle gemacht hat, zigmal durch ganz Deutschland getourt, und mit den Ruffiction-‐Alben „Ruffnecks“ auf Platz 21 und „Frieden“ auf Platz 9 der deutschen Albumcharts eingestiegen ist, geht es nun wieder zurück. Zurück zu den Anfängen. Zurück in den Keller. Dorthin also, wo vor 10 Jahren, als Ruffiction gegründet wurde, alles angefangen hat. Wo vertrocknete Blutlachen den Boden verkleben und mit Brettern vernagelte Fenster keinen Sonnenstrahl durchlassen. Denn Crystal F ist nicht nur der Splatter-‐Rapper, der diese exzessiven Gewaltszenarien beschreibt, für die ihn seine Fans lieben und seine Kritiker verachten. Er steigt hinab in die Abgründe der menschlichen Psyche und leuchtet in die finsteren Ecken, die sonst keiner sehen will. Und genau das macht er auf „Narben“.
Sein viertes Soloalbum kombiniert seine weiterentwickelten raptechnischen Fähigkeiten mit seiner Vorliebe für finstere Horrorgeschichten, und er erzählt einen Thriller, wie es ihn in der Geschichte des Deutschrap bislang noch nicht gegeben hat. In mehreren Kapiteln wird die Handlung, die ebenso vereinnahmend wie verstörend ist, ausgebreitet, durch Perspektivwechsel aufgelockert und durch Leitmotive zusammengehalten. „Narben“ ist daher nicht nur ein Rap-‐ Album. Es ist ein musikalisch und textlich perfekt abgestimmtes Gesamtkunstwerk, ein in viele Teile zerlegtes Puzzle, das der aufmerksame Hörer selber zusammensetzen muss.
Für den Albumsound hat Crystal F sich mit Erfolgsproduzent 7inch, der bis auf zwei Produktionen von Chazer One auch das komplette Album produziert hat, hingesetzt und einen Klang entwickelt, welcher der düsteren Stimmung und der abgründigen Geschichte gerecht wird. Dieses Album ist kein Standardrapalbum, das man nebenher im Auto hört. Narben verlangt vom Hörer Auseinandersetzung, Geduld und vor allem: starke Nerven. Also geh in den Keller, nimm dir einen alten, schartigen Stuhl, und setz dich. Und dann drück Play. Allerdings auf eigene Gefahr.
Genre: Indie / Alternative / Rock
The Weddos are back! Mit „George Best“ und „Bizarro“ schrieben sie Ende der 80er Indie-Geschichte, und beide Alben zählen immer noch zu dem Besten und Wichtigsten, was damals erschienen ist. Aber THE WEDDING PRESENT waren und sind keine Band, die sich auf ihren Lorbeeren ausruht. Sie veröffentlichen weitere umjubelte Alben und sind jedes Jahr auf der ganzen Welt auf Tour.
2016 feiern wir gleich zwei neue Ereignisse in der Historie der Band: Zum Einen erscheint am 2. September ihr neues, schon neuntes Album „Going, Going“. Man kann hier auf etwas ganz Besonderes gespannt sein. Denn es wird kein normales Album. Jeder der 20 Songs wird einen dazugehörigen Film bekommen und das Album als CD+DVD erscheinen.
Zum Zweiten werden The Wedding Present im Zuge ihres neuen Releases im Oktober auf große Europatournee gehen und auch in Deutschland und Österreich Halt machen.
Genre: Punk n Roll
Nomen est omen? Nicht in diesem Fall, in dem der Name der Band mit der Musik überhaupt nichts zu tun hat. Denn weiter von „Computermusik“ kann man eigentlich gar nicht entfernt sein, als The Computers aus dem englischen Exeter
Mitte der 2000er von Alex Kershaw (Gesang, Gitarre) und drei Freunden gegründet, sind The Computers zuerst noch stark von den US-Ikonen Black Flag beeinflusst und auf ihrer ersten EP mit dem hübschen Titel „You Can`t Hide From The Computers“ verschmilzt die Band Hardcore-Punk mit Garagenrock. Das britische Magazin Kerrang nennt das „stylischen UK Hardcore“ und „punk’n’roll that wants to dance as well as it does break stuff.“
2010 folgt das Debütbalbum, produziert von John Reis von der Legende Rocket from the Crypt. Die Band tourt im Vorprogramm von Johnny Depps Gay. Das zweite Album „Love Triangle Hate Squares“ – produziert von Marc Neill (Black Keys) erhält ebenfalls exzellente Kritiken. Musikalisch hat sich die Band weiterentwickelt und ihren Stil ziemlich verändert. Es geht nun in Richtung Rockabilly, britischen Pop und Northern Soul, wobei viele der, so Allmusic „catchy Songs“ an Elvis Costello, Hives, Faces oder Dexys erinnern. Tracks wie der erste Track mit dem famosen Titel „Bring Me The Head Of A Hipster“, der Titelsong oder das grossartige „C.R.U.E.L.“ sind Ohrwürmer und die Band fegt live noch den letzten Zweifel weg.
2016 erscheint nun das dritte Album von The Computers, dessen erste Single „This Ain’t Right“ bereits Großes verspricht. Der typische Garagenrock der Band, gepaart mit poppigen Hooklines und ehrlichen Texten – also genau das, was The Computers seit ihrer ersten Platte ausgemacht hat.
Mit dem neuen Album im Gepäck kehren The Computers auch wieder nach Deutschland zurück, um bei sechs Konzerten zu beweisen, dass sie live nach wie vor unschlagbar sind.
Genre: Folk / Pop
Oh Pep! sind Olivia Hally a.k.a. Liv, die in erster Linie Gitarre spielt und singt, und Pepita Emmerichs a.k.a. Pep, die unter anderem Geige und Mandoline beisteuert.
Die beiden Frauen kennen sich aus Zeiten, als sie noch in Melbourne zusammen aufs Victorian College of the Arts gegangen sind. Schnell haben sie erkannt, dass sie außer einer Freundschaft auch noch die Liebe zu der Art von Songs verbindet, die Grenzen überschreiten und mit Erwartungen brechen, und ziemlich schnell haben sie festgestellt, dass sie selbst diese Lieder schreiben können. Mittlerweile sind drei EPs erschienen und das Debütalbum „Stadium Cake“ – irgendwo zwischen Folk und Pop liegt der musikalische Fokus, aber eben ohne irgendwelche stilistische Beschränkungen zu akzeptieren.
In den vergangenen anderthalb Jahren hat sich das Duo zu einem der am heißesten gehandelten Acts gemausert – zusammen übrigens mit der tollen Live-Band, deren Zusammensetzung sich gerne mal ändert, die aber keinesfalls unerwähnt bleiben darf. Mit ihren legendären Festivalauftritten und den Touren mit Lake Street Dive und Nathaniel Rateliff & The Night Sweats haben sich Oh Pep! in kürzester Zeit eine große Fanbase erspielt.
Genre: Alternative Pop Rock
From Gun Overbye’s powerfully commanding voice and thousandyard stare, to the cinematically poised guitars, pounding hypnotic toms and fuzzedup vintage organs, Lola Colt are an expansive and imposing sextet from London with a seemingly everevolving palette at their disposal.
The release of Away From The Water on Fuzz Club Records dispatched the band onto headline tours across the UK and mainland Europe. With stages drenched in oilwheel projections and filled with enough vintage equipment to make venue technicians weep, Lola Colt’s ambitious live shows proved hugely successful, having now shared stages with The Jesus & Mary Chain, The Brian Jonestown Massacre, Spiritualized, The Black Angels, The Raveonettes and British Sea Power. One senses they’re just getting started.
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Bei dem Londoner Sextett LOLA COLT wird „vintage films & visual soundscapes“ als maßgeblicher Einfluss groß geschrieben. Entsprechend gelten ihre Konzerte schon kurz nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums Away From The Water als fesselnd-dramatische Erlebnisse mit akustischer und optischer Intensität. Referenzpunkte: Wye Oak, Warpaint, Siouxsie and the Banshees, Andy Warhols Factory.
Genre: Indie / Rock / Folk / Funk
Seit 16 Jahren existiert die in München gegründete Partyreihe TOUR DE FRANCE und ist damit die älteste und langlebigste Reihe ihrer Art mit französischer und frankophoner Musik in Deutschland. Seit 16 Jahren findet die Party einmal im Monat im Münchner Muffatwerk statt. Seit Jahren steht auch Berlin regelmässig auf dem Spielplan der Disco mit französischer und frankophoner Musik.
Live: Fred Raspail
DJ: Thomas Bohnet
Fred Raspail lebt in Lyon und ist eigentlich ununterbrochen auf Tour, en route in Frankreich und in Deutschland. Die staubigen Straßen, die stinkenden Clubs, das Hoch, das unweigerliche Tief danach: Seine Lieder erzählen davon, von unerfüllten Lieben um zurückgelassene Frauen, die wie Penelope auf den ewig wandernden Odysseus (“Ulysse”) wartet.
Auf der Bühne (egal ob beim Wohnzimmer-Gig oder auf großen Bühnen als Support von Zaz) steht Fred Raspail meist alleine. Mit vorproduzierten Tracks und einer Loopmaschine legt er Schicht für Schicht übereinander bis die Illusion einer Band entsteht. Einer Rock’n’Roll Band, die einen tief hineinzieht. Fred kann es aber auch ohne imaginäre Kapelle: Mit Gitarre, Gesang und einem tieftraurigen Lied hinterlässt er ein ergriffenes Publikum. Keine Angst vor Emotionen, kein Angst vor Drama. Das ist wohl das französische an Freds Musik:
Fred singt englisch und französisch. Auch wenn Freds größtes Idol Johnny Cash ist, das Chanson bekommt man aus dem charmanten Hobo einfach nicht heraus. Und das ist gut so, weil so eine eigene Mischung entsteht: Schmutzig-lärmende Voodoo-Rhythm-Sounds, Strukturen aus Folk, Blues und Rock’n’Roll und französische Finesse geben die Form für ein neues, wildes Chanson, einen Dirty French Folk.
2014 ist sein Album „French Ghost Songs Part II“ beim Münchner Kult-Label Gutfeeling Records (G.Rag Y Los Hermanos Patchekos, Mama Rosin) erschienen. Im vergangenen Jahr gab es mit der EP „La Grappa Du Diable“ eine weitere Veröffentlichung. Am 16.10.2016 wird das langerwartete, neue Album „Warngauer Strasse“ erscheinen. Fred ist mit einem Song (La Grappa Du Diable) auch auf Thomas Bohnets aktuellem Sampler „LeTour 8“ vertreten.
Der in München lebende DJ Thomas Bohnet beschäftigt sich seit etlichen Jahren als freier Musikjournalist, DJ und Konzertveranstalter („target Concerts“) mit französischer Musik.
Seit 16 Jahren ist die TOUR DE FRANCE in München der Renner unter Exil-Franzosen und frankophilen deutschen Besuchern. Andere Städte von Zürich bis Frankfurt, Konstanz bis Saarbrücken und Düsseldorf stehen ebenfalls regelmässig auf dem Tourplan dieser ältesten „Franzosendisco“ Deutschlands. Von 2003 bis 2011 fand die Party auch regelmässig monatlich in Berlin statt. Seit 2014 gibt es die TDF auch wieder öfters in Berlin.
Tour de France – der Name ist Konzept: Geboten wird eine tanzbare musikalische Tournee durch die Stile Frankreichs. Ob Partyklassiker von Les Rita Mitsouko, Claude François, Indochine, Les Negresses Vertes. Manu Chao oder Serge Gainsbourg, neuer Rock von Noir Desir, Louise Attaque oder Mickey 3d, Nouvelle Chanson von Benjamin Biolay, Louane, Cali, Camille oder Zaz, Rai & World Music von Rachid Taha, Khaled oder Magic System. French Reggae von Sinsemilia, Alpha Blondy oder Tiken Jah Fakoly, HipHop/Rap/R&B von MC Solaar, IAM, Stromae, Massilia Sound System, Maître Gims oder Black M. Alternative von La Rue Ketanou, Tryo, Les Hurlements D` Leo bis Babylon Circus, French Pop von Lillywood bis The Avener– gespielt wird, was gefällt und tanzbar ist.
Inzwischen hat Thomas Bohnet gemeinsam mit dem Frankfurter Label localmedia (www.localmedia.de) 8 Cds zum Thema veröffentlicht: LeTour –Vol 1 bis Vol 8 mit Hits von Benjamin Biolay bis Zaz. Babylon Circus bis Magic System, Cali bis Sineemilia, Zebda, La Rue Ketanou bis Zebda. Die meisten der Titel sind deutsche Erstveröffentlichungen. So ist zum Beispiel der Riesenhit von Louise Attaque „Je t`emmène au vent“ 2003 erstmals in Deutschland veröffentlicht worden: auf LeTour 1!
Anfang 2016 ist mit LeTour 8 das neue Album erschienen: Darauf Hits von Maître Gims, Boulevard Des Airs, Black M („Sur ma route“), La Femme und Grand Corpse Malade, aber auch weniger Bekanntes von Aline, Syrano, Moussu T E Lei Jovents und Les Yeux d´la tête.
Genre: Rock / Folk
Jon and Roy kommen erstmalig nach Europa. In der kanadischen Rock Musikszene sind sie nicht mehr wegzudenken. Das Duo ist stolz, dem europäischen Publikum ihre neue CD ‘Riverside’ vorzustellen, eine tolle Ergänzung zu ihren fünf vorherigen Alben.
Obwohl Jon & Roy in Europa noch vergleichbar unbekannt sind, haben sie bereits eine Fangemeinde auf der ganzen Welt. Dies haben sie den internationalen Auftritten mit Xavier Rudd, Trevor Hall und Buck 65 zu verdanken. Ihre Musik wurde für einen Western Canadian Music Award vorgeschlagen, und die Band hat über 25.000 Alben weltweit verkauft. Jon & Roy bieten eine tolle Live Show und haben einen guten Draht zu ihrem Publikum.
Traditionelle Trommeln und eine aktustische Gitarre „1947 Gibson L4“ kennzeichnen das neueste Album des Duos ‘Riverside’. Während ihre Kreativität wächst, bleiben sie ihrem Folkstil, ihrem eigenen Tempo und ihren eindringlichen Stimmen treu, die sie durch die enge Verbundheit ihrer langjährigen Freundschaft und Musikpartnerschaft entwickelt haben.
Mit nur 22 Jahren trägt Tom James, der seine Zeit als Heranwachsender im englischen Cornwall zwischen Gitarre und Surfbrett aufteilte, bereits das Prädikat eines fortgeschrittenen Gitarrenvirtuosen und erfahrenen Songwriters.
Genre: Northern Soul / Rare Soul / R&B and Motownsounds
Der Northern Soul Allnighter ist zurück in neuem Gewand! Als Resident-DJ wird The Fisherman alle zwei Monate im Wechsel mit dem Hip City Soul Club immer am 4. Samstag des jeweiligen Monats wechselnde Gäste um sich scharen. Neben den 60’s-Sounds werden wir uns auch verstärkt denen der 70’er bis in die heutigen Tage widmen.
Line Up:
The Fisherman & Guests
Genre: Indie Pop / Krautpop
Pretty Mery K – Indie/Krautpop aus Berlin
Meryem Kilic (voc, git/bass, keys), Michael Fromme (drums, keys), Dirk Häfner (git)
EP Release: „Big Brown Eyes“ (VÖ: 14.10.2016)
Nach ihren zwei Studioalben “Oh” (2012) und “Rowboat”(2014) bringen pretty mery k aus Berlin eine neue EP mit dem Namen “Big Brown Eyes” heraus. Die 6 Songs der Platte entstanden klassischerweise als Nachbeben einer vorausgegangen Krise: Im Frühjahr 2015 trennt sich die Band von ihrem Bassisten und steht vor der Frage, wie es weitergehen soll/kann.
Sie machen weiter und zwar zu dritt. Frei nach dem Motto “was nicht passt, wird passend gemacht” vergraben sich die drei Musiker im Proberaum und arrangieren alle alten Songs neu. Die Bassfunktion wird zwischen Sängerin und Schlagzeuger aufgeteilt, die Arrangements werden reduzierter und transparenter.
Bald wird klar: Was zunächst als Kompromiss gedacht war, ist eigentlich eine Riesenchance. Neue Energien werden freigesetzt, ein neuer, kraftvoller und eigenwilliger Sound entsteht.
Mit diesem frischem Wind unter den Flügeln begeben sich pretty mery k in einen kreativen Rausch und innerhalb kurzer Zeit entstehen sechs neue Songs. Der Namensgeber “Big brown Eyes” dürfte dabei wohl der poppigste und fröhlichste Song der Platte sein. Aber auch bei ihm scheint durch, was den Sound des Trios so besonders macht: Die düstere Eleganz der Songs, ihre kaum zu verleugnende Schwermut, die deutlich wahrnehmbare, aber nie übertriebene Experimentierfreudigkeit.
Am 14. Oktober 2016 erscheint “Big brown Eyes” bei In Bloom Records.
Genre: Nu Soul
Seraleez’s music portrays the fluid connection between jazz, hip hop and popular music. Through this fusion, Seraleez creates an international language understandable and suitable for all ears. Colorful and evolving jazz harmonies, anchored by familiar grooves, sown together by a powerful yet sweet sounding voice.
Genre: Singer-Songwriter
Seit nunmehr zehn Jahren tourt der gebürtige Texaner JAY BRANNAN nun schon um die Welt. Zwischendurch macht er auch immer wieder in seiner Wahlheimat New York Halt, um Songs und Alben aufzunehmen. Im Oktober ist er nun endlich wieder zurück in Deutschland! Im Gepäck hat er fünf Alben, vollgepackt mit seinen bittersüßen Folk-Songs gepaart mit einer Prise Humor.
Neben seinen Singer-Songwriter Qualitäten, glänzte JAY BRANNAN auch in John Cameron Mitchell’s Independent-Film Sensation „Shortbus“ als einer der Hauptcharaktäre. Zudem war sein Song „Soda Shop“ der erfolgreichste des gesamten Filmsoundtracks (veröffentlicht von Bright Eye’s Label “Team Love Records”).
Im Oktober wird er bei seinem exklusiven Konzert im Berliner Privatclub dann sowohl die Songs seiner bisherigen Alben, aber auch bislang unveröffentlichte neue Lieder spielen. Fans des sympathischen US-Amerikaners dürfen also gespannt sein!
Genre: Electronica / Pop
Betrachtet man die Schaffenskraft und die unzähligen Projekte, an denen der Songwriter, Komponist und Produzent Arpen in den letzten Jahren mitgewirkt hat, so ist es mehr als erstaunlich, dass sein offizielles Solo-Debüt erst jetzt erscheint. Der Grund: Mit “Arpen” veröffentlicht er nicht nur ein selbstbetiteltes Album, es steht vielmehr für eine Transformation, eine neue Ordnung seines musikalischen Schaffens.
Genre: Indie Pop
Dürer war kein Maler, Dürer war ein Sehender. In den Strudeln einer durch Fron und Gottunterwürfigkeit weitgehend erblindeten Gesellschaft fand er Maß und Proportion, schuf wahrheitsgetreue Abbilder vom Alltäglichen, erhob es zum Besonderen. Der klare und wertfreie Blick auf das Leben fasziniert uns heute mehr, als seine eigentliche künstlerische Fertigkeit.
Gegenwart. Fron sei Franchise, Gott sei Technokrat. Wir sind informiert über äußere und innere Welten, sind aufgeklärt. Jeder Wunsch ist erfüllt. Blind sind wir geblieben. Maßlos. Doch etwas davon, vom Blick auf das Bereichernde und wirklich Wichtige, ist noch da. Der Blick auf das Leben und das Sein. Als Erbe. Als Idee.
Das Schaffen der Band DUERER begann im Sommer 2012 als reines Studioprojekt des Songwriters Daniel Matz und Texters Danny Müller-Sixer. Ihrer musikalischen Perspektivlosigkeit geschuldet, hatten es sich die beiden Freunde zur Aufgabe gemacht, die deutsche Musikszene aufzumischen. Den ersten selbst produzierten Songs folgten im Sommer 2013 mehrere Liveauftritte und aus dem Studioprojekt wurde ein Bandprojekt. Die eingängigen Indie-Hymnen der sechs Jungs ziehen ihre Kreise. Wandern zeitlos mit straighten Gitarren ins Ohr der Hörer, bedächtig und zugleich unglaublich kraftvoll. Nach der Veröffentlichung ihres Debüts „Melancholische Euphorie“ und der Teilnahme am Bundesvision Song Contest 2014 erschien am 25.03.16 eine weitere 6-Track EP, die den Namen „Luftschloss“ trägt. Ihr Sound, melancholisch und doch euphorisch! – Denn, was ist besser, als sich seiner Fehler, seiner Sehnsucht bewusst zu werden, nicht gleich zu handeln, gegenzusteuern? Es reicht doch, zu erkennen, wie die Dinge sind. Wie schön! Nichts anderes wollte Dürer. Und in dieser Tradition wird mit Gitarre und Mikrofon weitergezeichnet.
Ein voller Club an einem Samstag Abend und mitten auf der Tanzfläche ein weiches, frischbezogenes Bett – so in etwa fühlt sich Lidenbrock an.
Denn auf der einen Seite machen Lidenbrock absolut tanzbare Musik. Auf der andere Seite ist da die Stimme von Sänger Julius, die einen ganz nah ran holt und irgendwo zwischen intimer Konzentration und absoluter Entspannung hält. Wie ein guter Gastgeber führt sie durch einen Sound, der mit Klischees so sicher und raffiniert spielt, wie die vier Musiker ihre Instrumente. Dazu kommen deutsche Texte, mal dicht metaphorisch, mal leicht und aufatmend. Sie erzählen von Kleinstadtödnis, von alkoholverschmierten Erinnerungen und natürlich von der Liebe. Zusammen ergibt das eine Mischung, die so eigen und dabei so homogen klingt, wie die Vier auch live rüberkommen. Denn die Jungs leben unter einem Dach, teilen sich Wohnzimmer und Studio genauso wie die Sojamilch im Kühlschrank.
Es ist diese Mischung aus Vertrautheit und Eigenart, die Lidenbrock zum treuen Begleiter in den eigenen Lebensschieflagen macht. Es sind diese Lieder, die
einen später an den einen Sommer, die eine verdammte Trennung, das eine große Abenteuer erinnern.
Genre: Alternative / Indie
So erobern die vier Salzburger von PLEASE MADAME die großen Bühnen Österreichs, Deutschlands und der Schweiz. Das jazzige, äußere Auftreten – Camouflage, denn spätestens nach den ersten Takten merkt man, dass hinter dem Stil von PLEASE MADAME viel mehr steckt: Kraftvoller Rock, der die Reihen springen lässt, eingängige Indie-Melodien, die die Mädchenherzen zum Schmelzen bringen sowie eine Prise moderner Hip-Hop, der die Körper zum Bouncen verführt.
Eine einmalige Gelegenheit, um aus dem Nest des Alltags auszubrechen und sich in eine ganz neue Atmosphäre fallen zu lassen.
Mit insgesamt über 100.000 Klicks auf Youtube, Airplay auf österreichischen, deutschen und vietnamesischen Radiostationen, zahlreichen Interviews in diversen Medien, einem Auftritt bei der deutschen Kultshow „Circus Halligalli“ und dem Gewinn des „Austrian Newcomer Awards“ sorgten PLEASE MADAME für einige musikalische Schlagzeilen im letzten Jahr.
Nach den bereits veröffentlichen Singles „2020“ und „Be My Ending“ folgte diesen Sommer „Ship A Dollar To Europe“ und stürmt seither die regionalen Radiosender. Außerdem feierte der Song einen Einstieg in die iTunes-Charts auf Platz 20. Mit „Into the Wild“ wartet das nächste Küken schon darauf das Nest zu verlassen.
Nun folgt der nächste Schritt: Am 13. November erschien das bereits lang erwartete Debutalbum. Die musikalische Entfaltung im Dschungel der Musikwelt erfolgt auf 13 Songs, die sich stilistisch immer wieder übertreffen und doch als Einheit eine klare Message transportieren: Der Ausbruch aus dem häuslichen Leben, der Schritt ins Ungewisse, das Sprengen der Ketten, um dann seine Flügel auszubreiten… Watch out for „Escape the Nest“!
Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots / Tropical Bass und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Line Up:
Trece (El Salvador)
Papo Yoplack (Peru)
Genre: Singer Songwriter, Indie
Englisch:
Writer of musically ambitious but emotionally intense songs, and drawing on his experience surviving as professional guitarist in London, Ben Barritt tries whenever possible to summon his international band. The result is spontaneous, virtuosic and groovy music that leaps between the introvert and extrovert, grooving one minute and reflecting the next. Ben’s lyrics are placed at the centre of a uniquely colourful fusion of musical influences only made possible by an absolute failure to sound even vaguely fashionable or cool.
Deutsch:
Nach langer Zeit als professioneller Gitarrist in London zog es Ben Barritt 2013 sowohl nach Berlin als auch zum Songwriting. Mit seiner Berliner Band hat er 2014 das Debut-Album “What Would You Like To Leave Behind?” aufgenommen und bleibt als Songwriter darüberhinaus produktiv, wobei ihm so verschiedene Vorbilder wie Joni Mitchell, Phoenix, Steely Dan, Me’Shell NdegéOcello und Paul Simon den Weg weisen. Bens Musik ist mal dancy und extro-, mal kontemplativ und introvertiert. Seine Texte stehen im Zentrum einer zeitgemäßen Verschmelzung verschiedener Songwritingtraditionen, geboren aus dem ständigen Scheitern, auch nur halbwegs cool oder trendy zu klingen.
Englisch:
Twenty-something Yusuf Sahilli [Metropolitan Indie Pop from Berlin] might sound like a blues man, or a new romantic, growling about wild nights spent searching, or letting his sweet tenor voice indulge into lustful melancholy moods. Fully buzzed on global sounds and brimming with boundless feel good passion and sympathy for the whole wide world.
Deutsch:
Mittzwanziger Yusuf Sahilli [Metropolitan Indie Pop aus Berlin] kann wie ein Bluessänger klingen, oder wie ein New Romantic. Von wilden Nächten auf der Suche knurren, oder sich mit seinen weichen Tenor lustvoll melancholischen Stimmungen hingeben. Durch und durch vibrieren von Global Sounds, überschäume vor Leidenschaft für das Gute, Wahre und Schöne und seiner Zuneigung zur Welt und den Menschen.
Genre: Pop
Madeline Juno ist eine Geschichtenerzählerin. Und obwohl sie jung ist und hinreißend schön, sind ihre Geschichten weit davon entfernt, gefällig zu sein. Sie sind vieldeutig und melancholisch. Sie erzählen von schlaflosen Nächten, verpasster Jugend und rastlosem Zweifel; sie sind heillos verliebt und hemmungslos aufrichtig. Madeline erzählt ihre Geschichten in Popmusik ohne falsche Eitelkeiten und auf die einzig glaubwürdige Art: Sie erzählt von sich.
Madelines Jugend hat sich in einer Zwischenwelt abgespielt. Vielleicht hat die Tatsache, dass ihre Eltern Musiker sind, ihre große Familie im eigenen Haus probte und beinahe jedes Wochenende auf Tour war, dazu geführt, dass Madeline auf ihrem eigenen Weg zur Musik ungestört sein musste. Oder es lag daran, dass es im Baden-Württembergischen Offenburg Ende der 2000er keinerlei Musikszene oder Bandkultur gab. Ihre Karriere begann jedenfalls allein; im Bandkeller, den sie mit 11 auf eigenen Wunsch als Kinderzimmer bezog, und mit 13 auf YouTube mit Songs, von denen sie lange Zeit niemandem erzählte. B»Überall standen Instrumente und ich habe Tag und Nacht versucht, das verdammte F hinzukriegen. Es war schaurig-schön. Mein erster Song handelte dann auch von den Schatten, die mir Angst machten und gegen die ich mit Schwertern kämpfte.« Ihre Uploads bestanden fast ausschließlich aus Songs mit englischen Texten. Weil sie es tatsächlich kann – aber ihr Faible hat auch mit ihrer Zielstrebigkeit zu tun: »Ich entdeckte die Show von Ellen DeGeneres und stellte mir vor, ich wäre in ihrer Sendung und würde nach meiner Musik gefragt. Für mich war es logisch: Wenn das mein Traum war, warum sollte ich es mir schwer machen und nicht auf Englisch schreiben?«Zunächst aber klopfte ein Produzententeam aus Hamburg an. Nachdem Madeline ihre Mutter überzeugt hatte, antworten zu dürfen, war die Zusammenarbeit noch vor ihrem 15. Geburtstag besiegelt. Die Welt, in die sie sich jetzt zurückzog war plötzlich professionell und umso mehr ihr Geheimnis. Bewusst verpasste sie Clubs, Drinks, Schwärmereien und verbrachte jede Minute im Studio, um an ihrem Album zu arbeiten.
»Ich fühlte mich verloren – war anwesend, aber nicht wirklich da. Aber ich hatte das sichere Gefühl, dass ich dieses Album herausbringen würde und damit beweisen, dass man seinen Traum leben kann. Darauf habe ich mich konzentriert.« Als sie mit 18 ihr Abitur bestand, war der Weg frei für „The Unknown“. Ihr Debütalbum, das so weltbewegend für sie war, dass der Schriftzug heute auf ihrem Unterarm verewigt ist. „Es kannte ja fast niemand meine Songs – das Album war das Unbekannte, in das ich meine Fans mitnehmen wollte.“ Zum ersten Mal öffnete Maddy offiziell die Welt, in der sie so lange allein gelebt hatte. Den Keller in ihrem Herzen; den Teil von ihr, den kaum jemand kannte. „The Unknown“ wurde ein Erfolg. Für sie persönlich – und mit Songs wie „Error“, der als Titelsong des Kinohits „Fack ju Goethe“ ausgewählt wurde und dessen Clip weit über zwei Millionen Mal geklickt wurde. Was für eine Last muss mit dem Release von „The Unknown“ von ihr abgefallen sein, denn das Sich-Öffnen ist eigentlich eine ihrer größten Triebfedern. »Die Menschen sollen wissen, wer ich bin. Ich möchte, dass die Zuhörer spüren, dass sie nicht alleine sind, wenn sie zweifeln – weil ich fühle wie sie.«
Eine Befreiung, die ihr neues Album „ Salvation“ erst möglich gemacht hat. Die Befreiung aus der verpassten Jugend, die die heute 20-Jährige in „Youth“ verarbeitet – und die titelgebende ‚Erlösung’ aus selbstauferlegten Zwängen. »Früher hatte ich Angst, zu poppig zu klingen, diesmal war ich viel freier: Ich habe im Studio verrückte Sachen ausprobiert und mir alles erlaubt. Soundtechnisch aus der Melancholie auszubrechen zum Beispiel, und mich nicht nur darüber zu definieren.« Geholfen hat ihr eine neue Welt, in die Maddy sich selbst begeben hat: Zum ersten Mal ließ sie andere Musiker an ihren intimen Geschichten und am Entstehungsprozess der Songs teilhaben. »Mit anderen zu arbeiten war eine Erlösung. Vorher dachte ich, dass ich quasi nur weinend am Klavier schreiben kann und darf. Als ich die richtigen Menschen in meine Musik ließ, habe ich viel dazugelernt. Ich bin erwachsener geworden, selbstsicherer.« „ Salvation“ ist der Aufbruch aus einer limitierten Klangwelt und einer eingeengten Selbstwahrnehmung. »Ich verändere mich jeden Tag und will mir selbst gar nicht mehr vorgeben, wie ich zu sein habe. Zu Polarisieren finde ich jetzt eher spannend und kann genau deshalb auf meinem neuen Album mehr ich selbst sein als jemals zuvor.« Ihre Fans werden bestätigen, dass Maddy auf „ Salvation“ trotz aller Veränderung genauso aufrichtig ist, wie sie es auch auf ihrem Debüt war. Warum sonst ist die erste offizielle Single ein Song namens „Stupid Girl“, womit sie sich tatsächlich selbst meint? „Stupid Girl“ ist ein zunächst vermeintlich eindeutiger Pop- Track, der erst auf den zweiten Blick seinen doppelten Boden aus Zweifel und Unsicherheit freigibt und damit die große Schwester von „Cliché“ ist. Maddy bringt das Glatteis auf den Punkt, das man betritt, wenn man seine Gefühle auf dem Silbertablett serviert: Now every little thread is like a lifeline, and I’m tearing at the seams. But then again I know I’d still get wasted on a cheap wine so you’d take advantage of me.
»Wenn ich verliebt bin, bin ich 300% verliebt. Ich schaue dann in die Zukunft und bekomme Angst vor all diesen Dingen, die ich sagen oder tun möchte.«
Auch „Toes“ ist eine frappierend freimütige Reflektion, in der sich der Zuhörer unmittelbar wiedererkennt. Beim Schreiben des Songs fühlte Maddy sich wie die Tänzerin auf einer Schmuckschatulle, die sich hilflos um sich selbst dreht: I’ll hold my breath. Will you build a home in my chest? I’ll hold my breath. God, I hope I’m acing your tests. I confess. Keep me on my toes. Die einzige offensichtliche Ballade auf „ Salvation“ ist „Please Don’t Have Somebody Else“ und geht uns durch die zärtliche, wehmütige Akkordprogression nah, die die eine allumfassende Frage untermalt: Maybe you’d be someone that I’m good at? Während das elektronisch verdichtete „Yellow Car“ uns mit unbeschwert mitreißendem Chorus und dem unverblümten Everytime I see a yellow car, I’m really missing you in Sicherheit wiegt, ist „You Know What“ nicht ganz so leicht zu deuten. Die durchdachte Komposition mag mit Akustikarrangement und 80er-Anmutungleichtfügig daherkommen, aber wer gut zuhört, entdeckt eine erstaunliche Portion Fatalismus und vielsagende Metaphern wie Guess you’re Enoch and I’m Annabel – die Protagonisten aus einem ihrer beiden Lieblingsfilme. Vom anderen stammt übrigens die Inspiration für Maddys Künstlernamen: „Juno“. »Ich kann heute noch besser ausdrücken, was und wie ich es will. Ich bin meinem Team sehr dankbar, dass sie mich haben ‚Chef’ sein lassen. Ich konnte frei entscheiden und ‚Salvation’ genauso produzieren, wie ich es mir erträumt habe.« Nach einem Jahr Produktionszeit erscheint „ Salvation“ Anfang 2016 mit dreizehn Tracks, die 100% Madeline Juno sind. Noch ein paar Prozent mehr bekommen die Fans, die sich sehnlichst zwei ihrer raren deutschen Songs auf CD gewünscht haben: Auf der Deluxe-Edition von „ Salvation“ werden neben drei englischen Bonustracks auch „Herzchen“ und „Küss die kalten Jungs“ sein – quasi Klassiker von Maddy. »An ‚Herzchen’ mag ich, dass es wirklich lustig ist – das haben wir live oft als Zugabe gespielt. Und auf den Text von ‚Küss die kalten Jungs’ bin ich auch heute noch richtig stolz.« Zu Recht. Das tätowierte Mädchen mit der Gitarre ist zu einer selbstbewussten Musikerin gereift, die jetzt ihre neuen Geschichten freilässt, damit auch sie flügge werden. Geschichten, die sie eines Tages sicher auch Ellen DeGeneres erzählen wird.
Genre: Blues / Soul
Schon der Rolling Stone nahm ADIA VICTORIA in seine Liste der „10 neue(n) KünstlerInnen, die sie kennen sollten“ auf und die Vogue kürte die Newcomerin, unabhängig von ihrer Musik, zu den „5 Schönheiten, die sich dem rebellischen Ruf des Afropunks neigen“. Sie gilt bei den meinungsmachenden Medien als unheimliche und zugleich faszinierende Songwriterin und wird für ihre schaudernden Gitarren Riffs gefeiert. Nun kommt die junge, aus den USA stammende Künstlerin nach Deutschland und spielt drei Shows im Herbst.
Letzte Woche erst veröffentlichte ADIA VICTORIA ihr Debütalbum „Beyond The Bloodhounds“ (Warner Music). Ihr Erstlingswerk, an dem sie über drei Jahre arbeitete, handelt von jugendlicher Selbstwahrnehmung und stiller Beobachtung. Das Album strotzt vor mystischer Atmosphäre und überzeugt durch Arrangements, die Adias Südstaaten-Wurzeln widerspiegeln. Die in Nashville beheimatete Künstlerin bewegt sich zwischen Rock, Afropunk und Country, ist jedoch fest im Blues verankert.
Nun wird ADIA VICTORIA ab Oktober „Beyond The Bloodhounds“ live vorstellen und mit ergreifenden Erzählungen einer reisenden, bücherliebenden Frau, fernab des Status quo, das Publikum in ihren Bann ziehen.
Genre: Indie / Folk / Pop
„Wir spielen zwar erst seit etwas über zwei Jahren gemeinsam in einer Band, doch waren wir alle schon viele Jahre zuvor miteinander befreundet. Ich glaube einfach, dass wir unsere Freundschaft und den Spaß, den wir gemeinsam auf der Tour erleben, mit auf die Bühne tragen. Das ist es, was uns ausmacht.“
Wer beim Newcomer Contest von Radio Energy als unsigned Act die hochkarätige Konkurrenz auf die Plätze verweist und sich den Siegerpokal holt, muss vor allem eines haben: Talent. Andreas Jäger, der Sänger und Songschreiber von Me & Reas, hat zweifelsohne Talent.
Seine Geschichte beginnt im Sommer 2012 in der Straßenmusikszene seiner Heimatstadt Nürnberg. Woche für Woche zieht er mit Gitarre und Gesang die gestressten Großstädter für einige Minuten in seinen Bann. Seine Auftritte beim europaweit größten Weltmusikfestival, dem Bardentreffen, begeistern Hunderte. Seine erste, im heimischen Wohnzimmer aufgenommene und in Eigenregie hergestellte CD verkauft sich über 5000 Mal.
Aus einem ambitionierten Singer & Songwriter Projekt wird eine 5-Mann-Band, die auf Anhieb den Radio Energy Newcomer Contest gewinnt und ihren ersten Gig im Nürnberger Club Stereo ausverkauft. Es folgen Supportgigs für Yalta Club, Mighty Oaks, Namika oder Mark Foster und Einladungen zum Bayreuther Uni Open Air und dem Nürnberg.Pop Festival.
Mit ihrem Sound zwischen Straßenmusik, tanzbarem Folkpop und Indierock erspielen sich Me & Reas ein stetig wachsendes Publikum, im Frühjahr 2016 gehen sie erstmals auf eine kleine Clubtour und spielen auf dem Pfingst Open Air, dem Slow Down Festival und dem Munich Mash. Derweil wird an jedem freien Tag irgendwo zwischen den gemeinsamen WG-Zimmern und den Berliner Nowak Studios (u.a. Kontra K, Itchy Poopzkid, Lena) an der neuen EP „Where We Know All The Names“ gefeilt. Die erscheint am 14. Oktober über das Schweizer-Deutsche Label Radicalis und beinhaltet die erste offizielle Single von Me & Reas, „We Own The City“.
Zur Veröffentlichung der EP gehen Me & Reas auf Tour durch Deutschland und die Schweiz. Dabei bleiben sie auch abseits der Clubbühnen unbekümmert wie eh und jeh. Sie haben sich ein Wohnmobil organisiert und werden den einen oder anderen Nachmittag der Reise spontan dort bespielen wo sie herkommen: auf der Straße.
El Rancho spielen den Soundtrack zu ihrem ganz persönlichen Roadtrip quer durch ferne Wüstenlandschaften und die Szenerie des Alltags. Das Duo aus München um Sänger und Synchronsprecher Patty Roche und Gitarrist Luca Wollenberg erschafft mit charismatischem Gesang und eingängigen Melodien einen unverwechselbaren Mix aus Pop, Country und Folk. Dieser eigenständige Sound bescherte El Rancho bereits diverse Konzerte im Vorprogramm internationaler Künstler (u.a. Ryan Bingham und Ashley Hicklin) und sogar eine ausgedehnte Tour mit Konzerten in ganz Deutschland und Österreich im Vorprogramm der texanischen Band Del Castillo. Nach 2 offiziell veröffentlichten Alben (via The Music Agents – Blue Label) gehen El Rancho im Herbst mit ihrer neuen Single-EP ‚HOME‘ auf Deutschland-Tour. Ihre ambitionierte Reise führt das Duo nun zu ihrem bis dato größten Projekt: Im Frühjahr 2017 nehmen El Rancho ihr drittes Album unter den Fittichen des renommierten Produzenten Rick del Castillo, der bereits Filmmusiken zu großen amerikanischen Produktionen wie ‚Es war einmal in Mexiko‘ oder ‚Kill Bill: Vol.2‘ beisteuerte, in Austin, Texas (USA) auf. Eine groß angelegte Crowd-Funding Kampagne auf www.startnext.com/elrancho (Zeitraum: 1.9 – 11. 11) soll dieses außergewöhnliche Projekt mitfinanzieren.
Genre: Soul / Jazz
Everybody wants to be somebody but nobody wants to be themselves! I have gone through life thinking I wasn’t good enough and that I had to be like others to be liked or understood. After all these years I am finally free to be the imperfect me and love who I have become. I will speak my mind, do what makes me happy and love with all my heart. This album is about love, hope and politics, and has a piece of me in every part.
Die Geschichte der britischen Soul-Musik ist im Kern auch eine Geschichte der Suche nach einer künstlerischen Identität. Der in Ghana geborene und heute in Cambridge lebende Sänger, Musiker, Produzent, Designer und Regisseur Myles Sanko leistet mit seinem dritten „Just Being Me“ einen hörenswerten Beitrag zum langen Prozess dieser Suche. Mit elf neuen Kompositionen blickt „Just Being Me“ genauso nach Innen wie es sich durch seine stilistische Bandbreite nach Außen öffnet. Die reichhaltige Instrumentierung und ausgefeilte Arrangements lassen das Album eine so deutliche Sprache sprechen, wie es ein echtes Soul-Album tun sollte.
„Für mich ist Musik der Schlüssel zur Kommunikation zwischen den Menschen. Wenn ich komponiere, singe oder Musik spiele plane ich nicht, dass es ‘Soul’ oder ‘Jazz’ werden soll – es kommt einfach wie es kommt,” erläutert Myles Sanko. Mit seinem authentischen, emotionalen und direktem Style weiß Sanko Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander zu verknüpfen. Soul ist in Großbritannien seit den sechziger Jahren immer schon populär gewesen, beim Beat-Boom angefangen über den Northern Soul und den Acid Jazz bis hin zum heute massiv erfolgreichen Crossover von Soul zum Pop. Die Ikonen der britischen Soul sind so unterschiedlich wie sie eine unverkennbare Handschrift haben: Dusty Springfield, Tom Jones, The Real Thing, Soul II Soul, Adele oder Amy Winehouse. „Um ehrlich zu sein, ich fühle mich nicht als Teil einer bestimmten Szene. Natürlich inspirieren mich die klassischen Sounds der sechziger und siebziger Jahre aus Detroit, Memphis oder Philadelphia. Aber ich bin auf dem Land in England aufgewachsen. Bei uns gab e kein Ghetto oder Aufstände in den Straßen. Nichtsdestotrotz, wenn Du als Einwandererkind in eine konservative Nachbarschaft geworfen wirfst, must Du Dir eine starke, eigene Strategie entwerfen um Deine Träume zu verwirklichen.”
Ein Kernpunkt dieser Strategie war es, die Karriere in die eigene Hand zu nehmen, Nachdem Myles Sanko mit Top-Genre-Bands wie Speedometer gearbeitet hatte, nahm er sein Solo-Debüt “Born In Black & White” mit minimalem Budget in Cambridge sowie Paris auf und veröffentlichte es 2013 auf seinem eigenen Label 213 Music. “Born In Black & White” verkaufte sich ohne Vertrieb und Marketing so gut, dass Myles Sanko wusste: Ich bin auf dem richtigen Weg. Er stellte seine eigene Band zusammen, tourte durch die Clubs in Großbritannien und machte sich an Komponieren und die Aufnahmen zum zweiten Album. „Forever Dreaming“ wurde in Deutschland, Japan, Frankreich soviel einer Reihe von weiteren Ländern veröffentlicht. “Meine Fans machten ‘Forever Dreaming’ durch Crowdfunding möglich. Das war fantastisch. Schon mit meinem zweiten Album war es mir möglich, überall in Europa zu spielen. Sogar Gregory Porter lud mich ein, ihn auf seiner Deutschland-Tour als Support zu begleiten,” erinnert sich Myles Sanko an die ereignisreichen Jahre 2014 und 2015. Somit war es 2016 wieder an der Zeit, neue Musik zu schreiben und einzuspielen. “Die Band, mit der ich zu ‘Forever Dreaming’ getourt bin wurde zur Familie. Wir reisten sowie und so weit miteinander, das es ganz natürlich war mit diesen Jungs die neuen Songs auch im Studio aufzunehmen.“
Mit „Just Being Me“ ist Myles Sanko angekommen. „Auf diesem Album geht es um Liebe, Hoffnung und Politik. An jeder Stelle reflektiert es einen Teil von mir,” heißt es in den Liner Notes. Der Opener „Freedom” ist ein in den Titeltrack übergehender instrumentaler Prolog, nicht weit weg von Donny Hathaway. Das Album startet so mit einem starken Statement über die Suche nach der eigenen Mitte und dem Wunsch, seine eigenen Ansprüchen und Zielen treu zu bleiben. “Promises” ist Soul par excellence: Glaub nicht dem Hype, schau was hinter leeren Versprechungen steht. Und tanz dazu. “This Ain’t Living” erinnert daran, dass es viel mehr als den eigenen, kleinen Kosmos gibt und fordert die spirituelle Revolution, begleitet vom höchst attraktiven, orchestralen Soul-Jazz, den man sich diesseits von Matthew Halsall oder Cinematic Orchestra vorstellen kann, nicht zuletzt dank des Streicher-Trios Wayne Urquhart, Antonia Pagulatos und Stella Page. “The Sunshine” kommt auf den Punkt – und den Sonnenschein. “For You” geht seine Botschaft ebenso klar wie direkt an und malt die ultimative Metapher: “Die Liebe zur Musik!”
„Land Of Paradise“ eröffnet die zweite Seite des Vinyl-Albums und auch das zweite Kapitel von “Just Being Me”. Die Botschaft von Vertrauen und Hoffnung wird durch die markanten Bläser und ein pointiertes Klavier transportiert. So versetzt „Land Of Paradise“ die universelle, urbane Jazz Poetry von Gil Scott-Heron oder den Last Poets auf subtile Art in die Straßen von London oder Manchester: “Dieses Mal habe ich mich für eine klassische Jazz-Produktion entschieden, aber trotzdem den Soul behalten und den Groove nie aus dem Blick gelassen. So ich wollte ich meine musikalische Reise von den Hip-Hop-Anfängen meiner Jugend zur heutigen Faszination von Soul und Jazz dokumentieren und meinen Fans die Möglichkeiten geben mich zu begleiten,“ erzählt Myles. “I Belong To You“ schlägt in dieselbe Kerbe, eine zeitlose Soul-Ballade, man stelle sich Bill Withers vor wie er mit Maxwell auf der Bühne steht und kommt der Sache ziemlich nahe. „Forget Me Not“ bleibt im Hier und Jetzt, unmittelbar melodisch und außerordentlich funky. „Missing You“ holt “Just Being Me” auf den Boden zurück, ganz im Sinne der akustischen Soul-Stilistik eines Bobby Womack, während „Empty Road“ das emotionale Ende einer wunderbar erzählten Geschichte manifestiert.
“Just Being Me’ markiert einen Neubeginn für mich. Das Album handelt von mir als Mensch, es geht aber auch Gemeinschaft und das Teilen,” betont Myles Sanko. “Was kann man als Komponist und Musiker überhaupt beitragen? Du hast das ultimative Werkzeug, um Deine Ideen und Gefühle mit anderen zu teilen, auf der Bühne aber auch mit Deinen Platten. Das ist seltenes Geschenk, mit dem Du als Künstler viel gestalten kannst.”
Genre: Country
Mit 64 Jahren zählt Doug Seegers zu den ältesten Newcomern in seinem Genre, jetzt kommt der Country-Sänger zum ersten Mal nach Deutschland, Österreich und Schweiz, um sein Ende Mai 2016 erscheinendes zweites Album „Walking On The Edge Of The World“ live vorzustellen.
Doug Seegers wird 1952 in Long Island/New York geboren. Nach einigen ersten Gehversuchen in den Clubs von Austin/Texas in den Achtzigern zieht es ihn wieder in seine Heimat New York, wo er eine Familie gründet, als Schreiner arbeitet und zwei Kinder groß zieht. Nach der Scheidung zieht er später ins Country-Mekka Nashville, wo er sich als obdachloser Straßenmusiker durchschlägt.
Nach einem Alkoholentzug nimmt er regelmäßig an einer Wohltätigkeitsveranstaltung in West Nashville teil, wo der Singer/Songwriter und Produzent Aaron Espe auf ihn aufmerksam wird und – ohne weiteren nennenswerten Erfolg – einen kurzen Ausschnitt von Seegers Song „Going Down To The River“ im Internet verbreitet. Erst knapp anderthalb Jahre später, im Herbst 2013, ändert sich alles: Als die schwedische Musikerin und TV-Journalistin Jill Johnson eine sechsteilige Dokumentation über Nashville dreht, empfiehlt ihr ein Straßenhändler den gegenüber auf einer Parkbank sitzenden Seegers, dieser habe „die ungewöhnlichste Stimme im Country“. Johnson ist von Seegers dermaßen begeistert, dass sie dem damals 62-Jährigen eine Aufnahme in Johnny Cashs Studio „The Cabin“ anbietet.
Doug Seegers ist trotz oder gerade wegen seines vorangeschrittenen Alters ein absolut authentischer Musiker, der die Höhen, vor allem aber die Tiefen des Lebens wie kaum ein anderer in seinen Songs beschreibt und eine im wahren Wortsinne „echte“ Bereicherung im Country-Genre darstellt.
Genre: Metal
Disillusion haben mit ihrem 2004er Meisterwerk Back to Times of Splendor die Messlatte für Melodic Death in kaum erreichbare Höhen gehängt um dann mit ihrem 2006er Folgealbum Gloria das Genre komplett neu zu definieren. Seither ist Leipzig auf der internationalen Landkarte des extremen Metals nicht mehr wegzudenken, trotz oder vielleicht auch wegen der langen Schaffenspause, mit der die Band ihre Fans nun seit knapp zehn Jahren quält. Doch die Wartezeit neigt sich dem Ende zu. Disillusion sind zurück und die Reise zu neuen Horizonten beginnt mit der Single „Alea“, die am 7. Oktober 2016 erscheint.
Mit 5 Live-Terminen und dem neuen Song im Gepäck gehen Disillusion im November auf Tour und lassen mit und für Euch das brandneue epische „Alea“ sowie natürlich auch die legendären Disillusion-Sounds zum Leben erwecken.
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With their masterpiece Back to Times of Splendor (2004), Disillusion raised the bar for Melodic Death in nearly untouchable highs, only to give the genre a completely new definition with their following album Gloria (2006). Since then Leipzig is no longer a blank spot on the world map of extreme metal, despite the long waiting time because of a musical hiatus, with wich the band is torturing their fans for about ten years now.
But the waiting time is coming to an end and a journey to new horizons will start with the single „Alea“, which will be released on the 7th of october 2016. With 5 live dates and the new epic song in the bag, Disillusion will be on tour in november and finally let „Alea“ come alive together with their legendary songs oft the past.
Genre: Pop
Lyrische Beobachtungsgabe. Prosaisches „Auf-den-Punkt-bringen“. Eingängige Melodien. Peter Pux. Die vierköpfige Band vom Bodensee hat inzwischen auf über 300 Konzerten bewiesen, warum die Popakademie Mannheim sie in Ihren „Bandpool“ aufgenommen hat. Aus erlauchtem Kreise der Geförderten entstammen Karrieren, wie die von OK KID, Revolverheld oder Frida Gold, um nur ein paar zu nennen. Knapp zwei Jahre nach der Aufnahme haben die Mannen von und um Peter Pux hinsichtlich Themen, wie Business, Partnerschaften und auch in puncto Professionalität so viel gelernt, dass die Zeit gekommen ist, den Unterstützern „Danke“ zu sagen und das behagliche Nest in aller Freundschaft zu verlassen: Mit dem Release der „Stadtland“-EP sind Peter Pux flügge geworden!
Bereits auf ihrem Debütalbum „Nackt bis auf die Haut“ war die lyrische und thematische Bandbreite der Band herauszuhören. Die Songs erzählen von Beziehungsbrüchen und Enttäuschungen aber auch von
Freiheit, Sommertagen und Schwerelosigkeit. Da beobachtet ein junger Mensch sehr aufmerksam was in seinem Umfeld und auf unserer Welt passiert und ist gleichzeitig in der Lage die Komplexität des Erspähten auf beeindruckende Weise in seinen Liedtexten auf den Punkt zu bringen. Zeitgemäße Lyrik eben. Neben der Stimme Ihres Sängers und dem blinden musikalischem Verständnis untereinander, zeichnet Peter Pux eben auch eine Besonnenheit aus, die für das Alter der Musiker nicht selbstverständlich ist.
Hektik und Hype sind Ihres nicht – lieber zweimal nachdenken und dann etwas Beständiges sagen – untypisch für die Jungend von heute oder? Beständigkeit also. Ist Ihnen auf „Stadtland“ gelungen. Und so abgedroschen der Satz auch klingt: Man darf gespannt sein, was da in Zukunft noch von Peter Pux kommen mag! Aber für das Hier und Jetzt haben uns Peter, Florian, Steffen und Thilo mit „Stadtland“ erst einmal eine Songsammlung mit Bestand dagelassen. Noch vor Kurzem als offizieller Supportact der Band „Luxuslärm“ hoch gepriesen und gefeiert, begeben sich Peter Pux nun auf die Reise ihrer eigenen Clubtour durch die Republik – Mit „Stadtland“ ist nicht nur das aktuelle Werk der vier betitelt, sondern idealerweise auch die bevorstehende Tour.
Genre: Indie / Folk / Ambient / Pop
Viel neues im Hause Rue Royale – nach gefühlt durchgängigen Touren, stetigen Alben- Veröffentlichungen und überhaupt dem Herzensprojekt Rue Royale des angloamerikanischen Duos immer an erster Stelle, folgte zuletzt eine ungewohnt lange Pause. Für die Familie und das neugeborene Kind der beiden. Doch nach drei Alben (2008 „Rue Royale“, 2011 „Guide To An Escape“ und 2013 „Remedies Ahead“) war klar, dass sich trotz Baby-Pause und -Stress auch einige neue Songs ansammeln würden. Entstanden die Songs zuletzt meist während ausgedehnten Touren, irgendwo zwischen Auftritten, langen Fahrten, Soundchecks und an fremden Plätzen, genoss das Duo die Ruhe um ausgiebig am neuen Album zu arbeiten. Dafür zog man sich mit Sean Carey (Bon Iver/S. Carey) zurück ins Studio in Eau Claire, Wisconsin und schuf eine umso größere Version von Rue Royale, die gerade im Sound noch mal aufblühte. Brookln sagt dazu: „Sean really added something to the Rue Royale sound, playing drums, piano, singing and more“. Doch Rue Royale wären nicht Rue Royale wenn sie nicht auch nach der Geburt des ersten Kindes stetig weiter an Songs, Touren und ähnlichem arbeiten würden. So folgen dieser Tage die ersten Tour-Termine, es wird fleißig am finalen Schliff der kommenden EP und des kommenden, vierten Albums gearbeitet, die man zuletzt schon via Kickstarter durch die Fans des Duos finanzieren konnte. Und die Vorfreude steigt!
Genre: Singer-Songwriter
Lou Rhodes könnte einigen bereits als die Sängerin der genre-überschreitenden Trip-Hop Band „Lamb“ bekannt sein, deren Songs man aus Audi und Opel Werbespots kennt. Nach insgesamt sechs Alben mit „Lamb“ und bereits drei Solo Alben, inklusive dem für den Mercury-Preis nominierten Song „Beloved One“, hatte Rhodes ausreichend Zeit, um ihre Fähigkeiten als Songwriter und Künstler auszubauen. Dabei klingt sie stets authentisch und nie formelhaft.
Ihr viertes Solo-Album widersetzt sich jeglicher Genre-Einordnung. Singer-Songwriter Elemente werden mit einer breiten Palette an Klavier-Klängen, vielschichtigen Gesängen, transzendenten Harfen und Streichern angereichert. Man verpacke das Ganze noch in ein Vintage-Gewand und fertig ist das Album „theyesandeye“.
Rhodes selbst sagt zum Album: „Ich hatte ein paar Songs geschrieben, wusste aber nicht, in welche Richtung ich mit ihnen gehen soll. Mein Bauchgefühl sagte mir, mit leicht psychedelischen Klängen zu experimentieren und zufällig traf ich dabei Simon Byrt (Co-Produzent) im Studio eines Freundes. Es stellte sich heraus, dass er eine große Leidenschaft für Vintage Echos hat und so haben wir uns kurzerhand dazu entschlossen, dass wir ein Album zusammen machen wollen.“
Das Album wurde in genau diesem Studio eines Freundes in der ländlichen Umgebung von Wiltshire aufgenommen. Es ist ein Paradies für Analog-Fans, mit alten Mischpulten (von denen eines bei den „Smile Sessions“ der Beach Boys zum Einsatz kam), Vintage-Mikrofonen und Bandmaschinen. Vervollständigt wurde die Sammlung durch Byrt´s private Sammlung von Hall-Geräten. Die Akustik-Gitarre wurde von Rhodes eingespielt, weitere Gitarren, Bass, Klavier und Synths von Byrt, abstrakte Pedal-Steel-Gitarre von Ian Kellet, Schlagzeug von Nikolaj Bjerre, Streicher-Arrangements von Danny Keane und die Harfe von Tom Moth.
Genre: Indie / Emo
„This is music to pore over, fall in love with, and have your heart broken to” (USA Today). „Standards“ wird in Amerika mit Lob überhäuft und unter anderem Spin, Noisey und Pitchfork sind begeistert von Evans neuem Werk. Für seine Fans ist es eine weitere Gelegenheit, zu erfahren, wie aktiv der Chicagoer Singer / Songwriter seit der Tour mit Texas Is The Reason war und wie sich seine neuen Songs mit einer kompletten Band anhören- und fühlen – Postrock trifft auf Jazz, Postpunk trifft auf E-Piano.
Als Special Guest sind Tancred mit dabei, eine Pop-Rock Band aus New England.
Genre: Pop
Vor zwei Wochen verkündete der Schauspieler und Musiker Jonas Nay das Ende der Band „Northern Lights“. Nun sind er und seine Band zurück – mit neuem Namen, neuen Songs und neuem Look.
Unter dem Namen PUDELDAME haben sich die vier Musiker aus Lübeck und Hamburg neu aufgestellt. Mit der ersten Single „Der Erbe“ beschreiten sie musikalisch und visuell neue Wege. Der Single-Release ist am 23. September 2016.
Im Herbst ist eine Clubtour durch Großstädte geplant (9. – 12. November).
„Die netten Jungs von nebenan gibt es nicht mehr“, so Sänger und Schauspieler Jonas Nay, der aktuell mit Schauspielkollege Axel Prahl für die Komödie „Kuddelmuddel“ vor der Kamera steht. „Das Versteckspiel mit englischsprachigen Texten und political correctness ist vorbei. Wir lieben die neuen deutschen Texte, die in der Zusammenarbeit mit David Schütter entstanden sind und musikalisch legen wir richtig einen drauf. Die PUDELDAME ist ausgerissen und zum Straßenköter geworden. Sie ist dreckig und verrucht und das soll jeder hören. #Siewerdenauchdichentzücken.“
Die Band – JONAS NAY VOCALS & KEYS / DAVID GRABOWSKI VOCALS & GUITAR / JON ANDER KLEIN DRUMS / FRANZ BLUMENTHAL BASS – bleibt in ihrer unsprünglichen Besetzung bestehen und wird künftig ausschließlich deutschsprachige Songs in ihrem musikalisch ganz individuellen Stil präsentieren. Mit ihrem neuen Style und dem passenden Auftreten geben sich PUDELDAME als die parodistische Antwort auf die versnobten Reichen und Schönen.
Genre: Singer-Songwriter
Mit dem italienischen Musiker Niccolò Fabi kommt einer der aktuell erfolgreichsten italienischen Singer Songwriter im Herbst 2016 für zwei Konzerte nach Deutschland, um sein aktuelles Nummer 1 Album „Una Somma Di Piccolo Cose“ live vorzustellen. Niccolò Fabi spielt am 10. November 2016 in Berlin im Privatclub.
Niccolò Fabi beginnt seine Karrierre in der Live Musik Szene der frühen Neunziger und erlangt größere Popularität mit seinem Auftritt beim berühmten Festival della Canzone Italiana in Sanremo, das ihn mit dem Kritikerpreis in der Kategorie Newcomer auszeichnete.
Seine insgesamt neun Studioalben markieren Niccolò Fabis künstlerische Laufbahn, die sich durch seine besondere Aufmerksamkeit auf die Musikalität der Worte charakterisiert. Neben seiner Tätigkeit als Sänger schreibt er auch Songs für andere Künstler wie z.B. Laura Pausini und hat für die Musik für diverse Filme komponiert wie Gabriele Salvatores’ “As God commands” oder Giuseppe Bonito’s “Pulce non c’è”.
Gemeinsam mit den befreundeten Songwritern Daniele Silvestri und Max Gazzè veröffentlichte Niccolò Fabi das Album “Il padrone della festa“, gefolgt von einer ausverkauften Hallentournee durch Italien sowie Auftritten in ausgewählten europäischen Hauptstädten. Im Mai 2015 spielten Fabi, Silvestri und Gazzè in der legendären Arena die Verona und im Juli 2015 vor 20.000 Besuchern in ihrer Heimatstadt Rom.
Im Sommer 2015 tritt Fabi bei zahlreichen Kulturveranstaltungen auf, entweder solo oder mit dem GnuQuartet, um im Herbst 2015 die Aufnahmen an seinem bis dato erfolgreichsten Album “Una somma di piccole cose” zu beginnen. Das in einem Landhaus selbst produzierte und komplett in Eigenregie aufgenommene Werk erscheint am 22. April 2016 und erreicht Platz 1 der italienischen Album Charts. Zum ersten Mal in seiner Karriere.
Am 18. Mai 2016 beginnt Fabi seine Tournee zum Album, die ihn in die schönsten Theater Italien führt, mit ausverkauften Konzerten in Rom, Bologna, Mailand, Turin und Verona. Für die zweite Etappe seiner Tournee Juli 2016 sind Amphitheater und historische Plätze gebucht bevor Niccolò Fabi im Herbst im Rahmen seiner Europa Tournee für zwei Konzerte nach Deutschland kommt.
Genre: Alternative / Rock
Sechs Monate und zehn auf zwei EPs verteilte Songs genügten Palace, um in der britischen Hauptstadt zu einem der meistdiskutierten Newcomer aufzusteigen. Die Printmedien sind voll des Lobes für das Quartett und nannten ihren zutiefst melancholischen, tiefschürfenden und bisweilen auch komplex konstruierten Sound unter anderem „perfekte Baby-mach-Musik“ – was die Band für das schönste Kompliment hielt, das man ihnen machen konnte. Im vergangenen Sommer erschien mit „Chase The Light“ ihre zweite EP, die wie schon der Vorgänger „Lost In The Night“ höchste Rotation auf BBC One erhielt und unter anderem die Radio-Legenden Zane Lowe und Huw Stephens zu aufrichtigen Palace-Fans reifen ließ. Gegenwärtig arbeitet die Band an ihrem Debütalbum, zwischenzeitlich wurden zwei Deutschland-Shows für den November angekündigt.
Die getragene Größe der Maccabees, die stets durchscheinende Melancholie der Smiths, die verhuschte Reverb-Ästhetik von Gravenhurst, aber auch die hochmelodiöse, mehrstimmige Einzigartigkeit der Beatles: All das findet sich in den verletzlichen Epen von Palace, die in ihrer Selbstverständlichkeit beileibe nicht nach einem Newcomer klingen. Ihre Songs wirken in ihrer perfekt produzierten, verhallten LoFi-Eigenwilligkeit eher wie das unbemühte Spätwerk langgedienter Britpop- und Indie-Helden. Aus dieser Souveränität, stets nur einem eigenen Weg zu folgen, speist sich auch die landesweite Begeisterung, die Palace in Großbritannien gegenwärtig widerfährt.
Gefunden haben Sänger/Gitarrist Leo Wyndham, Gitarrist Rupert Turner, Bassist Will Dorey und Schlagzeuger Matt Hodges ihren individuellen Sound des Rückzugs und der Entschleunigung in „The Arch“, einem kreativen Epizentrum junger Künstler, Designer und Musiker in einer Seitenstraße im tiefsten Tottenham. Beeinflusst durch visuelle Kunst und separiert von der sonst häufig sehr trendorientierten Londoner Musikszene, fanden Palace hier ihren eigenen klanglichen Korpus und Ansatz ans Songwriting. Ihre Kompositionen sind nicht auf Hittauglichkeit oder vorsätzliche Zugänglichkeit gebürstet, sondern zuweilen regelrecht komplex und abstrakt – einige Songs funktionieren eher wie ein impressionistisches Bild, das ein Gefühl vermittelt, statt sich auf eine besonders griffige Hookline zu konzentrieren.
Im Oktober 2014 erschien ihre Debüt-EP „Lost In The Night“: Fünf Songs, die neben den beschriebenen, musikalischen Eigenheiten sich vor allem durch Leo Wyndhams außergewöhnlich einfühlsame Lyrics auszeichnen, die das ewige Thema des Zwischenmenschlichen in höchst poetische Worte kleiden. Zeilen wie „I’ve played heart-strings before but not in your key“, appellieren an innere Turbulenzen, mit denen sich jeder verbinden kann, ungeachtet seiner Lebens- und Liebessituation. Neben den britischen Printmedien verdanken Palace ihre enorm wachsende Popularität vor allem den beiden BBC-Radio-Legenden Zane Lowe und Huw Stephens, der die Band bereits zu einer Live-Session ins Studio einlud. Spätestens wenn ihr Debütalbum erscheint, dürften Palace zu den wichtigsten Newcomern des Jahres zählen.
Genre: Singer-Songwriter
Zwischen Himmel und Erde passieren viele unterschiedliche Dinge, die niemand erklären kann. Unter anderem wie Robert Carl Blank es alleine nur mit seiner Gitarre und Stimme schafft, eine Masse von mehr als 1000 Menschen so zu verzaubern, als würde er für jeden einzelnen singen. Der Konzertbesucher vergisst einen Abend mit dem sympathischen Fallschirmspringer aus Hamburg nur schwer, nachdem seine Songs einmal den Weg in den Gehörgang gefunden haben. Robert ist einziges lebendes Roadmovie, der in seinen Liedern seine Erfahrung wiedergibt und das Freiheitsgefühl mit jeder Pore ausstrahlt. Mr. Blank ist der Prototyp der neuen Generation von Songwritern, die ein aufregendes, spannendes und freies Leben führen und ihre Erfahrungen teilen wollen.
„Welcome all you volunteers, jokers, clowns and puppeteers“ heißt es gleich in der ersten Zeile seines neuen Albums „Fairground Distractions“, das am 16.09.2016 auf den Markt kam. Robert macht hier ein großes emotionales Fass auf: Ein Album über die Liebe zum Leben in seiner ganzen Unvorhersehbarkeit – die große Freiheit gepaart mit bittersüßen Rückblicken. Es ist aber auch ein Album über Entscheidungen im Leben geworden. Das Album zeigt wieder einmal, wie groß das Talent dieses Mannes ist, einfach gute Songs zu schreiben und zu interpretieren. Im Gegensatz zum letzten Album ist der Sound hier 60er Jahre Pop mit vielen Anleihen bei den Großen der Zeit. Den Hamburger mit den tschechischen Wurzeln interessieren keine Schubladen, da ihm das Leben in seiner ganzen Vielfalt dafür viel zu schade wäre. Der inzwischen schon inflationär gehandelte Titel des „Singer/Songwriters“ ist bei Robert daher auch nur reine Nomenklatur, denn der Popsänger und Songschmied ist viel mehr als das. Er ist ein rastloser und leidenschaftlicher Idealist, der sich für ein kompromissloses Musikerleben entschieden hat.
Bei der November Tour gibt es das große Pop Kino mit 5-köpfiger Band, und in Berlin feiern die Jungs am 12.11. im Privatclub ihren Tourabschluß.
Genre: Blues / Folk / Rock
Nach der Tour ist vor der Tour! Kaum eine Woche ist vergangen, seit die Tournee von JESPER MUNK mit mehreren ausverkauften Konzerten in der Muffathalle München vor vollem Haus zu Ende ging. Bereits heute kündigt der Blues-Gitarrist neue Konzerte für den Hebst an und wird bei 14 Live- Terminen in Deutschland sein aktuelles Album CLAIM präsentieren. Für sein Major-Debüt und Live-Auftritte erntete der Sänger und Songwriter jüngst viel Lob und Anerkennung seitens der Medien und wachsenden Fangemeinde. „JESPER MUNK haut auf „Claim“ Bluesrock-Bretter raus, die Jack White den Angstschweiß auf die Stirn treiben würden” (Sueddeutsche Zeitung), „Großartig schmirgelnde Stimme“ (Neue Osnabrücker Zeitung), bei seiner ausverkauften Show im Kölner Stadtgarten lieferte er „ein elektrisierendes Konzert ab“ (General- Anzeiger).
Wenn JESPER MUNK seine Stimme erhebt, klingt es, als hätte er mindestens doppelt so lang gelebt, wie er jung ist und dabei eine Menge Whiskey und Zigaretten genossen. Kurz gesagt: großartig! „Um den Nachwuchs muss sich der zeitgenössische Blues keine Sorgen machen“ (Tonspion). In der Vergangenheit begeisterte der einst als Wunderknabe gefeierte Deutsch-Däne bei Auftritten mit u.a. Michael Hurley, Willard Grant Conspiracy, Eric Burdon & The Animals, deutschen Top-Acts von Bosse bis Sportfreunde Stiller sowie seinen eigenen Headliner Tourneen und Festivalterminen. Heute zählt JESPER MUNK zu einem der größten musikalischen Talente, die man unbedingt im Auge behalten sollte.
Der Vorverkauf startet demnächst auf koka36.
Genre: Rock
In der hektischen Welt einer Rockband sind sechs, acht oder zehn Jahre eine durchaus respektable Zeitspanne. Die US Rails, sozusagen die Blue Rose Supergroup, wollen jedoch mehr sein als nur ein Kurzzeit-Eintrag in den Musik-Geschichtsbüchern. Sie wollen weitermachen und neue Fans gewinnen, sowohl in Europa wie auch in den USA. Nach drei Studioalben und einer Handvoll Live-CDs könnte niemand den US Rails einen Vorwurf machen, wenn sie eine Pause einlegen würden. Aber für die US Rails sind Pausen keine Option.
Seit Ende 2015 sind die US Rails, die sich einst in Philadelphia gründeten, mit dem freundschaftlichen Abschied von Joseph Parsons wieder auf den Kern der Band geschrumpft: Ben Arnold, Scott Bricklin, Tom Gillam und Matt Muir. Arnold, Bricklin und Gillam haben alle im vergangenen Jahr Soloalben auf Blue Rose veröffentlicht und unter eigenem Namen getourt.
Währenddessen hat die Band weiter gemeinsam an ihrem bisher ambitioniertesten Album “Ivy” gearbeitet. Ebenso wie die Efeuplanze, nach der das Album benannt ist, ist die Band voller Leben, hartnäckig und ständig wachsend. „Ivy“ enthält wieder den einzigartig amerikanischen Sound, den Fans der US Rails lieben. Rock, Soul, Folk und die Atmosphäre von Kalifornien in den 70ern verschmelzen nahtlos, die Stimmen der Bandmitglieder klingen weiterhin wunderbar zusammen und stehen im Mittelpunkt nahezu jedes Songs. Die US Rails freuen sich darauf, „Ivy“ im Herbst auf Bühnen in Deutschland, Italien, Spanien, Frankreich, Österreich und der Schweiz zu bringen.
Obwohl alle Mitglieder auch außerhalb der US Rails ihre musikalischen Karrieren verfolgen, so gibt es doch eine starke Verbundenheit und große gegenseitige Inspiration in der Band. Es gibt noch viel zu sagen, große gemeinsame Energie und deshalb keinen Grund, dass dieser Zug demnächst stoppen sollte!
Genre: Singer-Songwriter
Nach einer kurzen erfolgreichen Konzerttour durch Deutschland im letzten Jahr kehrt er nun mit seiner Band für ein paar ausgewählte Konzerte zurück.
„John Southworth ist einer der außergewöhnlichsten Verwundeten unserer Zeit.“ – Spiegel Online
„Ein unwahrscheinliches Meisterwerk ohne Ansage, ohne Anzeichen, ohne Vorschusslorbeeren und prominenten Zuspruch“ – Rolling Stone über „Niagara“
Neue Single „Second Childhood“
Genre: HipHop / Rap
Nach der Veröffentlichung von Punch Arogunzs „Frontal“ im Juli und Baba Saads „Saadcore Reloaded“ im Dezember 2015 folgen nun, am 05. August 2016 gleich zwei neue Alben der beiden selbsternannten Halunken! Umso erfreulicher ist es, dass der Label Head der „Halunkenbande“ Baba Saad nun bekannt gab, d ass er im Oktober und November gemeinsam mit seinem Freund und Label – Kollegen Punch Arogunz durch die Clubs der Republik touren wird. Baba Saad, der auf eine nunmehr zehnjährige Karriere blicken kann, verspricht, dass die Fans sich gleichermaßen auf seine Hits, wie auf völlig neue Songs freuen dürfen.
Selbiges gilt auch für Punch Arogunz, der zuletzt gleich zwei Mal den Sprung in die Top20 der Charts schaffte und völlig zurecht zu einem der vielversprechendsten Newcomer des Landes zählt – kürzlich einmal mehr bestätigt durch seine erste Headliner – Tour im vergangenen Januar! Treffender könnte der Titel nicht gewählt sein – in Anlehnung an einen ihrer meist umjubelten gemeinsamen Songs „Primitiv Effektiv“ startet die gleichnamige Tour am 27.10.2016 in Stuttgart. Anschließend folgen sechs weitere Konzerte in Saarbrücken, Bochum, Köln, Berlin, Hannover und Hamburg.
Genre: Jazz / Soul
In 2011, KING independently released their debut EP to much acclaim- The Story, Supernatural, and Hey made up the 3-piece introduction to their carefully crafted sound. Fueled by word of mouth excitement and social media posts from supporters including Prince, Gilles Peterson, Erykah Badu, Solange, Nile Rodgers, Sam Sparro, Janelle Monae, Questlove and a host of others, their story and songs have spread wide and made new fans of many. Since the release of their initial EP, KING have been touring, performing as a headlining act to sold out crowds in Los Angeles, New York, Atlanta, Chicago, London, and Amsterdam amidst a host of other US cities.
KING’s eclectic sound is relatable yet not simply defined. Though they play with the boundaries of their many influences, throughout each song is the common thread of a certain soulful authenticity. The smooth vibe, intricate production, and harmonic style of their music evolved beautifully in their home studio, a product solely of the three women and a result of their Minneapolis and Los Angeles roots.
Paris produces KING’s songs, while Amber and Anita are the primary singers. The three work together on songwriting and arrangements to create their unique sound, garnering such accolades as NPR’s Song of the Day and 10 Songs Public Radio Can’t Stop Playing, Billboard’s 10 Best R&B Songs of 2014, The Guardian’s New Band of the Day and Best Albums of 2013, Metro UK’s Singles of the Week, Glamour Magazine’s 2013 Free Holiday Music Campaign, and the 55th GRAMMY Award for ‚Move Love‘, their collaboration with Robert Glasper on his Best R&B Album ‚Black Radio‘. KING have completed their long-awaited debut album and are excited to invite listeners further into their sonic kingdom; listen to their conversation on NPR’s All Things Considered about their music-making process for the upcoming record.
Genre: Alternative Pop / Dance-Pop
Inna Modja ist eine der modernen Stimmen aus Mali. Sie gehört zur jungen, kritischen und politisch engagierten Generation afrikanischer Künstler. Für ihre Musik wird sie gefeiert. Inspiriert von der elterlichen Plattensammlung und ihren sechs Geschwistern, die alle auf Hip Hop, Disco und Heavy Metal standen, entschloss sich Inna Modja selbst Musik zu machen. Der legendäre malische Musiker Salif Keita stand ihr dabei als Mentor zur Seite.
Ihr neues Album „Motel Bamako“, das am 27. September erscheint, spiegelt ihr vielfältiges Engagement wider und bedeutet gleichzeitig eine Wende ihres musikalischen Stils – zurück zu ihren Wurzeln nach Mali. Prominente Gäste auf dem Album sind Sängerin Oumou Sangaré (Mali), Rapper Baloji (Kongo), Rapper Oxmo Puccino (Frankreich), Jazz-Griot Kaabi Kouyaté (Guinea). Ein spannender Mix aus traditioneller afrikanischer Musik mit modernen Soul-, Hip Hop- und Dance-Elementen.
Das Model, die Schauspielerin, Texterin und Komponistin Inna Modja engagiert sich aktiv für Themen die ihr wichtig sind. Unter anderem setzt sich die malische Sängerin für den Kampf gegen die Beschneidung oder Gewalt gegen Frauen und für medizinische Hilfe in Afrika ein.
Genre: Pop / Singer / Songwriter
Der Schein trügt. Denn die kalifornische Künstlerin Margaret Glaspy ist nicht das zarte Folk-Stimmchen, nach dem sie aussieht. Glaspys Musik klingt auch reduziert und verzerrt, vor allem aber nach ganz viel Blues: “Live she’s pure American muscle. Guitars snarl and spit, stares are deep and wise.” (NME) Im November ist Margaret Glaspy erstmals auf Deutschland Tour. Zuvor steht sie aber u.a. mit drei Support-Shows für das Singer/Songwriter-Duo BOY auf der Bühne.
Gerade hat die junge Künstlerin ihr Debüt Album ,Emotions and Math’ (VÖ 17.06. PIAS) veröffentlicht. Nach unzähligen Konzerten mit verschiedenen Bands ebnet das Album nun den Weg für Margaret Glaspys Soloprojekt. ,Emotions and Math’ ist durchzogen von packender Ehrlichkeit und reflektiert ein breites Sprektrum an Emotionen. Verblüffend heftige Gitarren-Riffs und herausstechende Vocals fügen sich perfekt in die Kollektion aus verdichtetem Grunge-Rock und luftigen Liebesliedern.
Wer Margaret Glaspy bei einem ihrer Konzerte erlebt, wird sich nur zu leicht von ihrer unbekümmerten Art, der beschwingten Energie und der warmen Vertrautheit berauschen lassen. Tickets für alle Shows sind ab sofort unter fourartists.com erhältlich.
Genre: Indie / Post Rock
Sarah Neufeld ist eine Violinistin und Komponistin aus Montreal, Kanada. Neben ihrer langjährigen Mitwirkung beim Indie-Rock-Ensemble Arcade Fire und auch bei Bell Orchestre kennt man sie auch durch ihre Zusammenarbeit mit dem mehrfach preisgekrönten Saxofonisten Colin Stetson.
Ihre Song-Formen erinnern an Bela Bartok und auch an Arvo Pärts Kompositionen, die auf den Sound moderner Komponisten/Performer wie Julia Holter oder Arthur Russell treffen.
Nach ihrem von Nils Frahm produzierten Debüt-Album „Hero Brother“ (erschienen auf dem kanadischen Label Constellation), erschien ihr zweites Solo-Album in diesem Frühjahr. Als Gäste wirkten u.a. Colin Stetson, Tim Hecker und Arcade Fire Drummer Jeremy Gara mit.
Live wird sie im Duo mit dem kanadischen Schlagzeuger Stefan Schneider spielen.
Genre: Electro Pop
Parcels ist eine fünfköpfige Elektro-Pop Band aus Byron Bay, Australien. Während dem Abschlussjahr der High School fanden die Musiker zueinander und nahmen ihre erste und selbstproduzierte EP ‚Clockscared‘ in Wohnzimmern und dunkel beleuchteten Garagen auf. Weitläufige Synthesizer Landschaften und elektronische Rhythmen treffen auf der debut EP auf lebhafte Gitarren und 5 stimmige Gesangsharmonien. Kurz nach ihrer ersten Veröffentlichung verließen alle 5 Bandmitglieder ihre australische Küstenstadt um in Europas Zentrum für musikalische Inspiration zu ziehen: Berlin.
Im Frühjahr 2016 haben Parcels einen weltweiten Plattenvertrag bei Kitsuné unterschrieben, die deren Song ‚Herefore‘ bereits auf ihrer Kitsuné Maison Compilation 17 veröffentlichten. Patrick Hetherington (19), Louie Swain (19), Noah Hill (19), Anatole Serret (19) und Jules Crommelin (21) arbeiten aktuell an neuem Material und blicken gespannt auf die bevorstehenden Veröffentlichungen.
Genre: Singer / Songwriter
Naima Husseini kommt in den Wirren der 80er in Hamburg zur Welt und wächst in einer hochmusikalischen Familie auf (ihre Eltern nennen sie nach einem Stück von John Coltrane).
Sie studiert Kunst, bricht ab. Das machen Musiker so, um in Bands zu spielen. 2011 erscheint auf Universal ihr selbst betiteltes Debüt, ein schillerndes Kleinod voller Songs und Samples aus der echten Welt, entstanden in enger Zusammenarbeit mit Olaf Opal (produzierte u.a. The Notwist, Sterne).
Was dann folgt, nennt man Odyssee (nicht nur Männer mit Löwen auf dem Rücken können das). Sie spielt im Vorprogramm von Cäthe, geht auf TV-Noir-Tour mit Alin Coen.
Sie vertieft sich in die Kunst des Songwritings, allein und mit Anderen, zum Beispiel auf einer einsamen schwedischen Insel mit den Leuten von Peter, Björn and John, nur um dann zurück in Berlin wieder ganz andere Wege einzuschlagen. Mit Oliver Welter (Naked Lunch) und Charlotte Brandi (Me And My Drummer) schreibt sie auch einige Songs zusammen. Daraus entsteht der Titelsong Immer Alles. Die Konturen, wie ein neues Album klingen könnte, nehmen Form an.
Wenn man ahnt, wie es wird, kann man arbeiten und wird nie müde. Naima schrieb, sammelte Sounds und Melodien, sampelte wie eine Wilde, sie wollte die Freude, die Hoffnung und die Melancholie, schöne und kaputte Klänge, Intimität und Weite, auf einer Platte bündeln. Und was wir jetzt hören, nach Jahren Arbeit, allein und mit ihrem Co-Musiker und Co-Produzenten Johannes Wehrle, ist tatsächlich Immer Alles.
Sollte nicht sowieso jeder, der sich Künstler nennt, immer alles wollen, um dann mit jedem Lied eine ganze Welt zu schreiben. Naima Husseini macht das.
Diese Musik ist hochauflösend, verzweigt sich immer weiter, jeder Ast bringt einen neuen hervor, jede Wand ist ein Spiegel.
Hölzer, Klangplatten, Klavier, Rhodes mit Tremolo auf Anschlag, Metallophon, 808-Toms, E-Gitarren mit Endlos-Delay und Federhall. Das sind einige der Werkzeuge, mit denen Naima diese Welt gebaut, gestrichen, gehämmert hat. Nicht nur die akustischen Instrumente, auch die Drum-Machine-Kicks und Snares wurden von Hand auf Pads getrommelt. Das erklärt einiges an Gefühl, was von diesem Album ausgeht. Hier warten keine Plugins auf Midi-Trigger-Signale, um loszulegen, nein – hier sind Menschen am Werk. Außer Naima noch Fabian Stevens an den Drums, der gemeinsam mit Irma Samuelis an den Tasten Naimas Live-Band bildet.
Das Immer in Immer Alles deutet auch auf die Gleichzeitigkeit der Musikgeschichte im Kontext dieses Albums hin. Einmal erinnert eine Gesangslinie an Stevie Wonder, woanders hört man den symphonischen Dschungel von Grizzly Bears Veckatimest oder die Hallräume von Beach House, ein Song beginnt wie Schoolly Ds Gangster Boogie, ein anderer endet mit einem Anklang an Dr. Dres The Next Episode. Soul, Shoegaze, Indierock, Oldschool-Rap, das Puzzle passt, nichts ist hier plump zitiert, alles ins Licht von Naimas Welt getaucht. Das klingt hell und neu.
Habe ich schon vom Tanzen gesprochen und davon, dass Naima Husseini Hits in Großbuchstaben schreiben kann? Schwer in Wörter zu fassen, schlage vor, die Single Immer Alles laut aufzudrehen, spätestens an der Stelle, wo Naima bestimmt fordert, dass alles in Bewegung zu sein hat und dann die Marimbas, Claps und Ohh Ohh’s losrollen, muss man, wenn man kein Stein ist, durch Wohnzimmer, Club oder Waldlichtung tanzen, egal, wer dabei zusieht.
Eine weitere sehr Besonderheit dieser Platte offenbart sich in der Single Sterne: Die Texte. „Wie hoch dein Lachen mich hebt.“
Ich weiß nicht, wann ich das letzte Mal eine derart berührende Zeile gehört habe. Und wenn Naima dann im Refrain sternenhell singt: „An dieser Stelle will ich danke sagen, an alle die die mich verlassen haben“, und die Harmonien unerwartet und wunderbar für einen Moment nach Dur wechseln, fühlt man (also ich) tatsächlich kurz ganz schön viel Glück.
Danke dafür.
Genre: Electronic / House
Wenn man an Instrumental HipHop und an die Elite der deutschen Beat-Produzenten denkt, kommt man an Suff Daddy nicht vorbei. Nach Support Shows für Anderson .Paak, erfolgreichen DJ-Shows in ganz Europa und einem Boiler Room Set in London wird der Berliner im November 2016 mit der Liveband „The Lunch Birds“ durch Deutschland und Österreich touren. Den Konzertbesuchern wird also nicht ein bewährtes DJ-Set geboten, sondern ein komplettes HipHop Live Set-Up, das in dieser Form zum ersten Mal auf die Bühne gebracht wird.
Sein neues Album „Birdsongs“, auf dem unter anderem sein Bandkollege Dexter (Betty Ford Boys) oder Mayer Hawthrone vertreten sind, erscheint am 24.06.2016. Es zeichnet sich, wie alle Suff Daddy Produktionen, durch ganz eigene Ästhetik, Rhythmus und einzigartiges Sounddesign aus. Als Inspirationsquelle dienten ihm dabei seine Reisen durch Australien und Europa.
Diesen Winter versetzt Suff Daddy zusammen mit „The Lunch Birds“ seine Fans im Club wieder in kollektives Kopfnicken auf Drum Sounds, Synthies und speziellen Basslines.
Genre: Folk / Pop
Noch einmal den Blick übers Land schweifen lassen, um Lebewohl zu sagen. Dann hissen wir die Segel und beginnen unsere Reise auf dem weiten, unendlichen Meer, das erst an den weltfernen Kontinenten zu Ende ist. Wir schauen zum Land zurück, zum Himmel empor und riechen die salzige See.
Der Künstler IMPALA RAY aus München hat genau das getan. Er hat sich vom sicheren Land losgerissen, um die Weltmeere zu besegeln. Er hat nach 7 Jahren in einem Büro den Job hingeschmissen, um nur noch seinem Traum zu folgen: der Musik. Keine Kompromisse, alle Ersparnisse wurden zusammengekratzt, alle Sehnsüchte und Träume in ein Album gepackt. Dort wo das alte Album OLD MILL VALLEY endet, dort beginnt sein neues Werk: FROM THE VALLEY TO THE SEA.
Das Meer und das Wasser spielen in IMPALA RAY ́s neuen Album die Hauptrolle. FROM THE VALLEY TO THE SEA beschreibt die Reise von den Bergen hin zum Meer. „Wie ein Fluss, der immer im Meer münden wird.“ so Ray. Die 10 wunderschön arrangierten Songs erzählen von der Sehnsucht nach dem Meer, nach der großen Freiheit, der Weite, dem Horizont. Der Song NAPA z.B. beschreibt den Aufbruch in ferne Länder auf der offenen See, während die Stadt, die man zurücklässt, langsam versinkt. SAILOR erzählt die Geschichte eines alten Fischers, der auf dem Meer stundenlang mit riesigen Marlins kämpft. Ein Song inspiriert von Hemmingway ́s Novelle „Der alte Mann und das Meer“.
Im Zentrum des ganzen Geschehens steht aber der außergewöhnliche Sound von IMPALA RAY. Dafür hat er sogar einen eigenen Stil erfunden: BayFolk. Und „Bay“ ist natürlich der Clou: Eine Anlehnung an den lässigen Lifestyle der Bay Area bei San Francisco, und an den eigenen Charme der bayerischen Tradition zugleich.
Und genauso klingt BayFolk. Da wird plötzlich die Tuba aus ihrer gewohnten Volksmusik-Umgebung herausgerissen und mit dem E-Bass getauscht. Das Hackbrett wird kurzerhand zum Soloinstrument umfunktioniert, dass nach einer Mischung aus Mandoline und Synthie klingt. Und die Akustikgitarrenriffs geben zusammen mit den unverschämt frischen Drums den nötigen Drive dieser Musik. „Alles in Allem ein Sound, den es so in der Popmusik noch nie gegeben hat.“ erklärt Ray.
Ganz organisch wie Wellen bewegen sich die Songs auf FROM THE VALLEY TO THE SEA. Mal ganz leise und zerbrechlich, wenn das Hackbrett mit Ray ́s Stimme zu einem Duett verschmilzt und dann wieder brachial tosend mit Tuba und Posaunen als wenn riesige Wellentürme über einem zusammenbrechen. Dann taucht man ab bis tief auf den Meeresgrund, während Algen, Tang und Quallen um einen herumwehen.
