Genre: Folk, Rock, Indie, Pop

Dieses Septett aus Trois Rivières in Quebec / Kanada zieht seine Inspiration aus den Geschichten und Mythen Nordamerikas. Es geht um Liebe, Tod und Wiedergeburten, um von auf See gebliebenen Matrosen, Chimären, verschollenen Schiffen oder geheimnisvollen Meerjungfrauen – inspiriert von einem mysteriösen Logbuch (Ghostwritten Chronicles), das man am Meer gefunden hat. Sie gelten dabei als eine der originellsten Bands aus Quebecs und verarbeiten ein ganz eigentümliches Konglomerat unterschiedlichster Einflüsse zu komplexen Arrangements irgendwo zwischen Folk, Garagen-Rock und klassischen Elementen.

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Genre: Indie Rock | Indie Pop

Zum ersten Mal in Berlin – und dann gleich im wundervollen Privatclub!

Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.

Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.

Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)

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For the first time in Berlin!

Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.

But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.

Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.

Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“

Genre: Blues, Southern Rock

Zwei gute und eine schlechte Nachricht für alle Devon Allman Fans. Zuerst die schlechte: Leider kann Duane Betts bei einigen Konzerten in Europe darunter auch Hamburg, Berlin, Köln, München und Nürnberg nicht dabei sein. Duane muss kurzfristig mit seinem Vater Dickey Betts, in dessen Band er Gitarrist ist, in den USA Konzerte spielen. Die zwei guten Nachrichten: Devon Allman kommt trotzdem mit dem THE DEVON ALLMAN PROJECT und freut sich auf die Shows in Deutschland! Als Special Guest wird nun das kalifornische Country-Duo WYNCHESTER bestehend aus John Konesky (u.a. Tenacious D, John Carpenter) und Mike Bray (u.a. Kyle Gass Band) mit brandneuem Album im Gepäck dabei sein.

THE DEVON ALLMAN PROJECT ist das Ensemble um Devon Allman, das unter anderem aus Multiinstrumentalisten, Perkussionisten und Gitarristen besteht. Allman ist bereits viele Wege gegangen, um seinen Platz an der Spitze der Southern Rock-Szene zu behaupten. Diejenigen, die seine Karriere schon länger verfolgen, wissen, dass sie das Unerwartete erwarten dürfen: von seinem Durchbruch mit Honeytribe über Charterfolge zusammen mit Jack Bruce und Javier Vargas über die Royal Southern Brotherhood bis hin zu seinen gefeierten Soloalben wie Turquoise, Ragged & Dirty und Ride or Die. Als Devon Allmann sich Ende 2014 von der Royal Southern Brotherhood trennte, ging ein hörbares Raunen durch die Blueswelt. Mit dem „Devon Allan Project“ zeigt der Sohn von Gregg Allman (Allman Brothers) nun aber einmal mehr, dass er ein Künstler ist, der den Anspruch hat sich immer und immer weiterzuentwickeln. Am 28.08. ist der Sänger und Gitarrist mit dem „THE DEVON ALLMAN PROJECT“ live im Berliner Privatclub.

Genre: turkish orient Rock - Pop

Lead Vocal: Volkan Önok
Bass Gitarre: Umut Ilyas Kockazi
E-Gitarre: Ayhan Rüzgar
Drums: Aslan Uzunlar
Geige: Ahmet Tirgil

DJ Van Schoenberg
(Old School, RnB, House, Balkan & Turkish)

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Ab 1.9. jeden ersten Samstag des Monats im Privatclub!

Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo

Dj King Dynamite wird die heissen, vielbegehrten original 45s (Platten nicht Waffen) mit dem Soul Explosion typischen, hypnotisierenden und 100% tanzbaren Sound wieder auf die Turntables des Privatclub schmeißen und für weitere durchtanzte Nächte sorgen! Wir freuen uns!

Kickin‘ Ass since 2000!

Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.

Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.

„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.

Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum.Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!

Genre: Thinkrock

POLEMICA is the international 4-piece thinkrock band based in Italy. With their new album Breach (2018), POLEMICA continues to assault social injustices and provoke critical questions. Hilary Binder (SABOT, Kačkala, RIOT) pours her heart and intellect into the emotional and politicized lyrics, deftly delivered over solid, and occasionally quirky, music composed with Giulio Marino (Materiale resistente, Disorchestra, RIOT) on bass, Zilly (Lady malferma, Crazy children, White Russia) on guitar and synth, and Vincenzo Vik Di Santo (The Suricates , Aforisma) on drums. Breach is the logical follow-up to their acclaimed debut album „Keep Your Laws Off My Mind“ released on September 24, 2016. Touring regularly in Europe, Polemica is currently playing a promotional tour for Breach in September 2018.

Genre: Alternative Pop

Ein spektakulär brodelndes Indie-Rock-Debütalbum aus Deutschland. Musik, für die grobkörnige Filter oder Unschärfeefekte scheinbar erst erfunden wurden. Doch bei Bayuk ist alles anders. Der Singer/Songwriter mit Wahlheimat Berlin blickt uns auf seinem Albumcover auf einer genreuntypischen Fotografe direkt in die Augen. Helle Farben. Keine Geheimnisse.

Dafür ist seine Musik zuständig. Das Album eröfnet mit einem nebelverhangenen Tricky-Beat. Das Bild des ungeschminkten Mannes vom Cover verschwimmt im Puls des mahlstromartigen Grooves, bevor uns der Sänger Bayuk gegenübertritt, mit geisterhaft schrägen, verfremdeten Vocals. Überhaupt: Sein Debütalbum mit dem achteinhalb Minuten langen EmotionsParforceritt „Phantom Track“ zu beginnen, zeugt schon von unverfrorener Selbstüberzeugung. Wer ist dieser Bayuk?

Geboren 1991, spielt der in Tübingen aufgewachsene Magnus Hesse Cello in klassischen Orchestern und bringt sich mit 14 Jahren das Gitarre- und Klavierspiel bei. Später studiert er Literatur-Kunst- und Filmwissenschaften.

Und flmisch geprägt ist auch seine Musik. Während der Studio-Aufnahmen mit Produzent Tobias Siebert (Klez.e, And The Golden Choir) liefen von morgens bis abends David-Lynch-Filme in Dauerschleife: „Wir entwickelten eine regelrechte Lynch-Obsession. Am Ende hatten wir sein Film-Oeuvre tatsächlich durch. Das war eine interessante Erfahrung, auch unsere Streicher mussten sich das während des Spielens anschauen“, grinst Bayuk.

Das Ergebnis gibt ihm recht: Seine Songs vermählen somnambule Melancholie mit borstigen Sound-Patterns – Pop mit Widerhaken. Wie bei einer Übernachtung im Freien hört man es ständig rascheln, dann herrscht wieder knisternde Stille, Licht fackert umher, fällt hier und dort hin, und plötzlich steht Bayuk wie aus dem Nichts da und leuchtet dir mit seiner Petroleumplampe ins Gesicht. Zusammen mit Siebert bastelte er kleine, faszinierende TrackSinfonien mit der Narkosewirkung eines Radiohead-Refrains. Dass diese opulenten, perfekt sitzenden Arrangements aus Streichern, Xylophonen, Handclaps und Samples alle erst

nachträglich im Siebert-Studio über die zarten Akustikgitarrenskelette der Demos gestülpt wurden, ist nur eines der zahlreichen Rätsel, die Bayuk für uns bereit hält. Einen kleinen VorherNachher-Moment liefert uns lediglich der Anfang von „Haaappiiiiiiiiiiiiinneeeeezz“: Der Song beginnt im Stile einer Home-Recording, bricht nach wenigen Sekunden ab und startet erneut, dieses Mal in Studioqualität.

Zitiert er dort wirklich den Klassiker „Auld Lang Syne“? Woher holt er plötzlich diesen weltumarmenden Hit „Old June“? Bayuk ist Romantiker. Seine Lieder handeln von der Liebe und den Abgründen dahinter. Da geht es schon auch mal um die inneren Dämonen („The Beasts Have Arrived“) oder um Traumbilder und die Frage nach allem Uneingelösten. „Lions In Our Bedroom“ verarbeitet dies in einem sich nach allen Seiten dehnenden Portishead-Blues, der vor allem von den verschiedenen Gesangsstimmen lebt. Und dann besitzt Bayuk auch noch die Chuzpe, seinen Duettpartner im Booklet mit keiner Silbe zu erwähnen. Aber wieso sollte er? Es ist alles nur er gewesen. Wieder ein Bluf.

Bayuk liebt diese Doppelbödigkeiten, ein Einfuss seines Surrealismus-Idols René Magritte. Wie der Belgier auf seinen trickreichen Bildern stattet der frühere Kunststudent auch seine Musik mit zahlreichen Finessen aus, bricht Erwartungshaltungen, indem er stetig neue Pointen ersinnt. Gleichzeitig die Experimentierwut immer schön bis an die Grenzen austesten: Schließlich machte nicht zuletzt dieser Ansatz die Musik von The Notwist oder John Frusciante so großartig, erklärte Vorbilder des Musikers. Zwei Jahre arbeitete er an seinem Debütalbum. Nach Tourneen im Vorprogramm von Me And My Drummer, Klez.e und Maeckes ist Bayuk nun bestens gerüstet für ein neues Abenteuer.

Foto: David Kleinl

Little Big Sea stellen durch ihrer textlichen teils historischen Perspektive einen sehr zeitgenössischen und zugleich eigenwilligen Elektro-Pop-Sound gegenüber: Zwei Jahre lang hat die in Wien lebende Band mit Unterstützung ihres Produzenten Rudi Maier (Burkini Beach) an ihrem neuen Sound getüftelt – und die intensive Suche nach einem neuen Klangspektrum hat sich gelohnt: Die verzerrten Flächen wurden durch luftige, zum Teil rhythmische Bass-Linien ersetzt, die programmierten Beats durch analoge Drums ausgetauscht. Notwists Neon Golden, der fragile Elektro-Sound von Sylvan Esso, Pop-Klassiker von den Kinks bis hin zu französischen Chansons der 60er-Jahre waren Inspirationsquellen für das neue Material. Auf ihrem Debüt-Album Sister (2016, Ink Music) hatten Little Big Sea noch ein großes Faible für schwere Beats und düstere Synth-Flächen. „Dream Pop“ nannte man das und so ganz hat sich das Duo das Träumen nicht abgewöhnt. Die beiden geben sich dabei heute jedoch farbenfroher, vielfältiger und eigenständiger denn je.

Einen besonderen Schwerpunkt legen Little Big Sea nach wie vor auf die Texte: Marlene Weber erzählt persönliche Geschichten. Die Wienerin versetzt die Zuhörer dabei spielerisch an verschiedene Orte und in unterschiedliche Jahrhunderte. Eben noch Zeuge des Brands Roms, befindet man sich kurz darauf im Palast der Zaren in St. Petersburg oder pilgert durch die judäische Wüste, um ans Tote Meer zu gelangen. Die neuen Songs strotzen nur so vor narrativer Kraft – auch das macht die Musik von Little Big Sea zu etwas sehr Besonderen. Ein Album ist für Anfang 2019 geplant.

Tochter von Country-Legende Glen Campbell vor Deutschland-Debüt. Zwei exklusive Club-Shows im September 2018 in Berlin und Köln. Aktuelles Album „The Lonely One“ weiter über Headhump im Handel.

Genre: Americana, Country, Pop

Nach ihrer ersten eigenen erfolgreichen Tournee als Headliner in England im März diesen Jahres kündigt die amerikanische Singer/Songwriterin Ashley Campbell nun auch Deutschlandtermine an. Die jüngste Tochter des im letzten Jahr verstorbenen Country-Superstars Glen Campbell wird auf zwei exklusiven Clubshows hierzulande ihr ebenfalls im März erschienenes Debüt „The Lonely One“ (Humphead Records) live vorstellen. Die 31-Jährige aus Phoenix/Arizona ist zu sehen in Berlin am 4. September 2018 im Privatclub und in Köln am 5. September 2018 im Blue Shell.

Als jüngstes der acht Kinder von Glen Campbell (u.a. „Gentle On My Mind“) wird Ashley die Musik in die Wiege gelegt. Ihr Vater ist nicht nur ein Country-Superstar mit 45 Millionen verkaufter Platten, sondern vor seiner zweiten Karriere ein gefragter Session-Gitarrist, der auf Hunderten von Aufnahmen mitgewirkt hat, von Frank Sinatra bis zu den Beach Boys. Seine Tochter übernimmt das musische Talent ihres Vaters, belegt aber nach der High School an der Pepperdine University in Malibu Theaterwissenschaften, weil ihre Vorlieben damals auf Tanz und Schauspiel liegen. Nach dem Bachelor versucht sie sich 2009 in mehreren Comedy-Ensembles in Los Angeles. Während einer Aufführung spielt sie Banjo, danach ist der Weg vorgezeichnet. „Ich habe jahrelang versucht, die Gene meines Vaters zu ignorieren, weil auch zwei meiner Brüder ins Musikgeschäft wollen, aber dann war es einfach nur noch natürlich. Irgendetwas hat das Banjo mit mir gemacht.“ Nachdem sie schon in ihrem letzten Jahr an der Uni Unterricht genommen hat, geht sie ab 2009 mit ihrem Vater auf Tour, steht mit ihm während seiner Abschiedstour 2011 und 2012 auf der Bühne, spielt Banjo, Keyboards und singt Background-Vocals. 2012 wird sie von Rascal Flatts für deren Hit „Banjo“ eingeladen, auf den Country Music Awards im selben Jahr tritt sie zusammen mit ihnen und Journey auf und wird dadurch landesweit bekannt. Danach nimmt sie an der Arbeit an einer Dokumentation über die Karriere ihres Vaters und der Krankheit, die ihn im Alter heimgesucht hat, teil. Sie wird zu einer der Botschafterinnen für die Prävention und Aufklärung über Alzheimer, spricht sogar vor dem Kongress in Washington. Der aus der Abschiedstour 2011/12 entstandene Dokumentarfilm „Glen Campbell: I’ll Be Me“ (2014) von James Keach und der dazugehörige Soundtrack werden 2015 mit einem Grammy ausgezeichnet und für den Oscar nominiert. Ashleys Beitrag, der Song „Remembering“, wird ihr erster Hit (Platz 56 der Country Airplay-Charts) und der Türöffner für die Entstehung ihres Debütalbums, an dem ihr Patenonkel Carl Jackson maßgeblichen Anteil hat. „Er ist so etwas wie mein zweiter Vater, besonders nach dem Tod Dads im letzten Jahr. Ihn um mich zu haben, ist eine Ehre. Er ist mein Vorbild in Sachen Höflichkeit und Menschlichkeit und ein unglaublicher Musiker. Ich habe mit ihm zusammen das Instrumental „Carl & Ashley’s Breakdown“ geschrieben, was unheimlichen Spaß gemacht hat.“ Produziert wird „The Lonely One“ von ihrem Bruder Cal, alle Songs entstehen mit ihrer Mithilfe, ihr anderer Bruder Shannon spielt Gitarre und ist Mitglied ihrer Live-Band. Musikalisch ist das Album ein Kessel Buntes, die Einflüsse sind sehr vielfältig, kombinieren den Old School-Country ihre Vaters aus den Sechzigern und Siebzigern mit zeitgenössischem Americana, Rootsy Folk und Country-Pop. Fans von Glen Campbell werden vielleicht die eine oder andere Phrasierung wiedererkennen, aber das sollte nicht ablenken von dem geerbten Talent ihres unmittelbaren Vorfahren. Ashley Campbell ist zweifelsohne eine vielseitig begabte Entertainerin, eine Sängerin, die ihre eigenen Songs schreibt, dazu ihre Instrumente selbst spielt. Ein Newcomer mit jahrelanger Tour-Erfahrung, der jetzt endgültig aus dem langen Schatten ihres Vaters treten wird. Denn obwohl die 31-Jährige zeit ihres Lebens von berühmten Musikern umgeben war, ist sie dennoch auf dem Boden der Tatsachen geblieben und erzählt ehrliche Geschichten mit einer Musik, die ebenfalls von Herzen kommt.

Dämmerung. Versprengt irren ein paar Menschen umher zwischen Spielcasino, Späti und Einkaufshölle. Im Rinnstein der Dreck von letzter Nacht. Müllerstraße am Leopoldplatz. Hier treffen sich Hoffnung und geplatzte Träume. Hier entsteht der Sound von ok.wedding.

Genre: Electro-Pop

Auf der „Vor die Hunde“ EP fängt das Duo die Zerrbilder der Großstadt ein. Kompromisslos und gerade heraus verschmelzen urbane Themen und persönliche Dämonen zu impulsiven, ehrlichen Songs. Die extremen Gegensätze von Laut und Leise, Melancholie und roher Energie machen „Vor die Hunde“ zu einem ungeschminkten Stück Pop. Ganz ohne Schutzhülle, nackt und dreckig.

ok.wedding mischen Pop mit Elektro, greifen moderne Klangästhetik und Vocoder Effekte auf, um daraus ihren eigenen Sound zu formen. Rau, verletzlich, mit Attitüde und markantem Gesang bilden die Texte den roten Faden der EP. Entstanden ist ein moderner Sound, ungeschliffen und facettenreich, mit epischer Tragweite und Texten die unmittelbar berühren.

ok.wedding sind Naomi Knopf und Falk von Zadow. Deutsche Popmusik mit Kante.

Genre: Dark | Wave | Electro Pop

Nach der Sommerpause macht die Neocoma SUN Tour halt in Berlin.

Trotz Melancholie, Seelenschmerz und Ohnmacht ist es die Kunst im Negativen das Positive zu erkennen, Kraft zu schöpfen, Perspektiven zu schaffen und wieder aufzustehen. Auch Emotionen haben eine Logik, die in einer Architektur mathematisch und physikalisch dargestellt werden kann. Ob es ein Sound, ein Beat, eine Melodie oder eine Stimme ist, es führt immer wieder zu einer Ordnung mit Seele und Tiefe. Oftmals wird die Musik von Neocoma aus der Schublade der 80ziger gezogen, mit chilliger Attitüde garniert und tanzbar serviert. Die Texte sind Momente von Erlebtem und Erkenntnisse aus dem Leben in einer Matrix, die teils ironisch, übertrieben und mit Ohnmacht, die eigene Schwäche, die der Anderen und die Macht/Elite, die über den Köpfen entscheidet, beschreibt. Der musikalische Einfluss lässt sich kaum leugnen und begleitet ein Leben lang in die Gegenwart und auf dem Weg in die Zukunft. Das ist Neocoma, authentisch und sich selbst treu. Ralf und Thomas begannen 1989 in ihrer Jugend gemeinsam Musik zu komponieren. Zwei Jahre später trennten sich ihre Wege, die Musik blieb für beide ein ständiger Begleiter. 1999 und 2001 entstanden zwei Songs für die Spacenight, die bei jeweiligen Treffen der beiden entstanden. Seit 2014 agieren Ralf Uhrlandt und Thomas Borchert wieder gemeinsam, sie lassen die Einflüsse und Erkenntnisse der vergangenen Jahre in ihre Musik einfließen und sie leben das, was sie in der Jugend begonnen und noch lange nicht zu Ende geführt haben.

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PART

Part wurde Anfang des Jahrtausends von Christian Schottstädt (Forced To Mode/ Forced Movement) und Franziska Gross gegründet. In dem kleinen, intimen Projekt-Duo zeigen sich die beiden von ihrer fragilen und sensiblen Seite. Mit melancholischem Pop in emotionalen Songs präsentiert Part in ihrem aktuellen Live-Programm vertraute und neue Stücke; sowohl von musikalischen Größen und Freunden als natürlich auch aus ihrer eigenen Feder.

FɅⅤS = F*ckGenres just Favorites!

Genre: HipHop | Electro | Indie | Classics | Futuresounds

Erlaubt ist, was Grenzen sprengt! Von HipHop, Electro, Indie zu Classics und Futuresounds – Hauptsache es groovt und fühlt sich gut an.

Zu diesem bedingungslos tanzbaren Konzept lädt Gastgeber Beauty & the Beats ab sofort regelmäßig in Hamburg und Berlin ein, um dich neue Sounds und alte Favoriten entdecken zu lassen.

Gast zur Premiere in Berlin ist Grzly Adams, seines Zeichens Tastemaker, Maschine am Plattenspieler und Resident im Prince Charles.
https://www.facebook.com/grzlyadams/

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Genre: Drone Doom / Post Rock / Experimental

Losgelöst vom kollaborativen Charakter der Band wandte sich Carlson von amerikanischer Musik und Motiven ab und tauchte für seine Soloarbeit unter dem Namen drcarlsonalbion in englische Folklore und Liedtraditionen ein. „Conquistador“ ist Carlsons erste Soloveröffentlichung in voller Länge.

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“I guess what ties this all together—all my musical projects and my life in general—is the idea of the quest, that search for new horizons and something unnamable and possibly unreachable,” Dylan Carlson says regarding the theme behind his solo album Conquistador.

Carlson’s musical explorations can be traced back to his pioneering work with the minimalist ensemble Earth—from the groundbreaking drone metal of Earth 2 to the ominous instrumental twang of Hex; Or Printing in the Infernal Method. Untethered from the collaborative nature of the band, Carlson veered away from American music and motifs and dug into English folklore and song traditions for his solo work under the moniker of drcarlsonalbion. For his first full-length as the solo artist Dylan Carlson, the guitarist returns west.

In many ways, Conquistador harkens back to Hex. Whereas the Earth album set out to score the historical fiction of Cormac McCarthy’s examination of white settlers’ horrific campaign against Native Americans in Blood Meridian, Conquistador bypasses the intermediary narrative of a novelist. “This is another imaginary western,” Carlson explains, “based on the real story of a conquistador and his Moorish servant in what was then the northernmost regions of Mexico, but is now the states of New Mexico, Colorado, Utah, Nevada, and Texas. They were gone for twenty years and had many adventures before making it back to the Gulf of Mexico and returning to Mexico City and, eventually, Spain.” Muses aside, there is an analogous timbre, pace, and pentatonic aura between Carlson’s latest offering and Hex. But the reductionist principles that have always driven Carlson’s work play an even larger role on Conquistador, with his expansive drones and austere guitar work saturating the sonic field while freed from the lock step of a rhythm section. Carlson has long been heralded as a master of minimalism, and this full-length demonstrates his ability to craft compelling symphonic compositions while exercising extreme musical frugality.

Conquistador was recorded at God City Studios with Kurt Ballou during a week long break in Carlson’s solo tour of the East Coast of the US in May 2016. The material had been gestating for several months, and Carlson viewed the session as an opportunity to create music between Earth albums as well as a chance to collaborate with esteemed solo artist Emma Ruth Rundle, who contributed baritone and slide guitar, and his wife Holly Carlson, who contributed percussion and whose picture graces the cover of the album. “I view every studio experience as unique, as everything is always different, from gear to people to time and place,” Carlson says of the recording process. “I have to say I got some of my favorite guitar ’tones’ on this album, especially on ’Reaching the Gulf.’” And indeed, anyone that’s basked in the discographies of Earth and drcarlsonalbion will undoubtedly be enamored with the lush sepia-toned vistas of Conquistador.

Genre: Singer-Songwriter, Pop-Rock

Manche Menschen bezeichnet man als alte Seele, weil in ihnen eine Weisheit steckt, die weit über ihre tatsächlichen Lebensjahre hinausgeht. Dan Owen ist so ein Fall: Der Singer-Songwriter ist 25 Jahre alt, singt aber Songs von einer Tiefe, als hätte er schon ein ganzes Leben gelebt – und das obendrein mit einer Stimme, die es einem heiß und kalt den Rücken herunterlaufen lässt, so viel Seele, Raubeinigkeit und Kraft steckt in ihr.

Dabei war seine Karriere alles andere als vorgezeichnet: Eigentlich wollte Owen Gitarrenbauer werden, verlor aber bei einem Unfall einen Teil seines Augenlichts. Seitdem spielt er das Instrument, statt es zu bauen, und singt dazu. Alles begann mit dem Blues – bekanntlich nicht die schlechteste Schule, wenn man Gefühle in Musik packen will. Egal, ob es Klassiker sind wie Muddys „Got My Mojo Working“ oder Howlin’ Wolfs „Little Red Rooster“ oder Willie Nelsons Marihuana-Hymne „Roll Me Up And Smoke Me When I Die“ oder auch Adeles „Rolling In The Deep“ waren: Als Straßenmusiker wurde Owen einfach unter Wert gehandelt, vor allem nachdem er begann eigene Songs zu schreiben. Er klapperte alle Clubs im Umkreis von zwei Stunden von seiner Heimatstadt Shrewsbury ab, spielte einen Gig nach dem anderen und sammelte unbezahlbare Live-Erfahrungen. Bald darauf ging er mit Größen wie ZZ Top, Kaleo. Alice Merton und Joseph J. Jones auf Tour und war zuletzt bei uns zusammen mit Issac Gracie unterwegs.

Im August erscheint nun endlich sein Debütalbum, im September kommt er auf Tour.

Mario Novembre mit Debütalbum „Stay“ erstmals auf Tour

Genre: Pop

17 Jahre jung, ein italienisches Herz, aufgewachsen in einem Vorort von Stuttgart, Musik im Blut. Das ist Mario Novembre – einer der derzeit spannendsten Newcomer. Im September geht der sympathische Sänger erstmals live auf Tour.

2016 veröffentlichte Mario seine Kompositionen „Only You“ und „Springtime“ und gewinnt damit im Rahmen der Videodays den „ViViSoCo 2016“! Der erste Preis: ein Plattenvertrag. Kurz darauf unterschreibt Mario seinen ersten großen Musikdeal bei Bitstream Music, einem Sublabel von Universal Music.

Kreativ, jung, unaufhaltsam und nahbar verfolgt Mario fortan seinen Weg als Musiker. Im Song zu “Friends On The Internet”, der am 23.11.2017 veröffentlicht wurde, greift Mario Novembre das Thema des Songs auf und teilt sein Leben via Social Media mit Freunden. Seine aktuelle Single „Goin Up“ ist der nächste Vorbote für sein Debütalbum „Stay“, das im März dieses Jahres erscheint. Gleichzeitig ist „Goin Up“ der Titelsong zum Film „Hilfe, ich habe meine Eltern geschrumpft“, der am 18.01.2018 erscheint.

The bi goodbye celebration! A last Cheap & Cheerful! Come and get your love! Free Entry!

Genre: R&B, House, Disco, Fun, 90s, Dance Classics

„Exakt diesen Gusto haben meine Ohren verdient“ – Sophie, 24

„Und auf einmal standen alle auf der Tanzfläche und hatten sich zu einem Grouphug versammelt, während uns Robbie Williams mit Angel beflügelte und ich dachte nur: OMG WOW.“ – Valentin, 25

„Bei dieser Party geht mein Booty niemals ungeshaked nachhause“ – Thilo, 30

„Und nachdem auf Butterfly von Crazy Town dann September von Earth, Wind and Fire folgte, gingen bei mir alle Lichter an, njiiieuuuuu.“ – Leonora, 23

„WAS PASSIERT HIER!!!???“ – Resi, 23

„hahahahahaha“ – Helene, 26

Überzeug dich selbst vom einzigartigen Erlebnis des „Scheiß einfach drauf“ Mottos von Basti und Zoe. Die Übergänge stimmen nicht immer, dafür aber die Musikauswahl.

Jeden ersten Samstag im Monat. Freier Eintritt. Musikwünsche kosten 10 Euro.

Foto: Alysse Gafkjen

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Genre: Folk, Blues, Americana

“It’s the freest album we’ve done, the most independent album we’ve done, and was the most fun we’ve ever had making a record,” sagt Oliver Wood. “And most importantly, this is the most purely Wood Brothers’ album we’ve ever made.”

Das sechste Studioalbum „One Drop of Truth“ (VÖ Frühjahr 2018) des flexiblen Trios aus Nashville springt kopfüber in eine musikalische Quelle, aus der verschiedenste Klänge, Stile und Einflüsse sprudeln. Während ihre vorangegangenen Veröffentlichungen meist einer einheitlichen konzeptionellen und akustischen Linie gefolgt sind, behandeln die Brüder im neuen Album jeden einzelnen Song als wäre er sein eigener Kurzfilm.

Die Brüder Oliver Wood (Guitars, Vocals) und Chris Wood (Acoustic Bass, Electric Bass, Harmonica, Vocals) haben erst spät wieder zueinandergefunden, nachdem sie zuvor separat in verschiedenen Gegenden der USA musizierten. Chris Wood hatte seit den frühen 90ern in NYC mit dem international renommierten Jazz-Trio Medeski, Martin & Wood für gut zwei Jahrzehnte Musikgeschichte geschrieben, und Oliver Wood leitete zwischen Mitte der 90er und 2005 in Atlanta die lokal beliebte Roots & Blues Rock-Combo King Johnson. Ab 2005 entwickelten sie ihr gemeinsames Ding mit einem deutlicheren Bezug zu den musikalischen Wurzeln ihrer Jugend: Blues & Bluegrass, Mountain Folk & Country, Soul & Songwriting. Spätestens mit ihrem dritten Bandmitglied – Jano Rix (Drums, Percussion) – haben The Wood Brothers das Bandspektrum und die Live-Möglichkeiten erheblich erweitert und sich in ein rootsrockigeres Americana-all-over-Gewand gekleidet, in das auch Jam Rock, Gospel, Funk, Reggae und Fusion Rock passen. Alles wohldosiert und niemals dominierend, eher kongenial zusammenfließend in diesen lebendigen, kreativen, dynamischen Wood Brothers-Strudel, der einen nicht mehr loslassen will!

„Die sicherste Art zu reisen“

Genre: Singer Songwriter

Wolfgang Müller, das war der edle Selbstgebrannte, den der Plattenhändler unterm Tresen hervorgeholt hat, wenn der Kunde soweit war – die Sinne geschärft, die Geschmacksnerven voll entwickelt und bereit für das Große im Kleinen, das Komplexe im Feinen, für die besonderen Lieder und Geschichten. Ein Geheimtipp. Eine Weile war Herr Müller weg, jetzt ist er wieder da mit seinem sechsten Album „Die sicherste Art zu reisen“, das die Plattenhändler wohl kistenweise in ihre Läden schieben werden. Müllers Musik ist immer noch ein edler Selbstgebrannter, aber der geht leichter rein, ein bisschen wie Brause mit Schuss, die auf sehr vielen Ebenen sehr lange nachwirkt.

Auf „Die sicherste Art zu reisen“ bricht alles auf, die Musik, die Texte, der Gesang – alles reist zu neuen Ufern. Wolfgang Müller wirkt wie wachgeküsst. Was ist passiert? Dazu später mehr. Zuerst: die Musik. Vom Korsett des Liedermachers befreit, holt er sich die Welt ins Haus. Klaviere, Streicher, Querflöten, Saxophone, Orgeln, Chöre, und die Gitarre wird nicht mehr gezupft sondern sanft geschlagen. Das alles ist derart elegant abgefedert, schwingt und rollt und will immer weiter, dass man sich fühlt wie auf einem Schoner unter vollen Segeln, auf weiten Wellen Richtung Sonne gleitend. Die Stimmung ist hier überhaupt grundsätzlich sonnig, und die von einem, der sich den ganzen Quatsch (also die Welt und was wir daraus machen) schon eine Weile angesehen hat. Wo sich die einen in Hysterie und Empörung verlieren und andere in Resignation und Dunkelheit, findet Müller den goldenen Mittelweg – „Die sicherste Art zu reisen“. Der Titelsong, einer von mindestens drei potenziellen Hits, bringt es auf den Punkt:

„Ich stecke Blumen in mein Haar und fütter’ keinen Troll / bleibe höflich und bestimmt, wenn ich sage was ich will / ich schalte auf naiv, ein freundlicher Idiot / der alles was ihm wichtig ist, ständig wiederholt /

wie ein Schwarzer-Block-Schlager“

Den Schwarzen Block und Schlager hat noch niemand zusammengedacht, aber genau zwischen diesen Extremen, „in einem Meer aus Hass / wo sich die Wellen verbeißen / und immer wütend sind“, findet Müller den Weg zum Weiter. Er sagt: „Ich suche nach einer Formel, wie man in diesen hasserfüllten Zeiten positiv und glücklich bleiben kann und trotzdem engagiert und wach ist, sich also nicht eskapistisch in eine pseudoheile Welt zurückzieht. Die ideale Mischung wäre also ein ‚Schwarzer-Block-Schlager‘, zielgerichtete, engagierte Aktion, aber eben nicht mit Hass sondern mit Liebe, nicht mit Gewalt sondern mit nervtötender Beharrlichkeit.“

„Die sicherste Art zu reisen“ ist jetzt aber auch kein Agitprop. Es geht, wie in jeder guten Literatur, um alles – das Leben („Fliegen“), das Schreiben („Der blonde Hans“), das Sterben („Herzen“), die Liebe (immer). Und da ist viel Platz zwischen den Worten für eigene Gedanken. Auch hier hat Wolfgang Müller die goldene Mitte gefunden zwischen Ansage und Abstraktion. Seinen Texten wohnt zudem eine aufrichtige Wärme und Herzlichkeit inne. Sie glühen golden wie das Cover und spenden Trost, ohne den Hörer zu belügen, weil sie ihn erkennen, bei ihm sind, die Freude teilen und den Schmerz, und ihm (oder ihr) die Hand reichen. „In meinen Träumen muss ich immer jemand retten / in meinen Träumen bin ich immer fast zu spät / in meinen Träumen renn ich und versuch die Arme auszustrecken / um aufzufangen, wer auch immer fällt.“ („In meinen Träumen“) Ein Album wie ein guter Freund, der mit eben jenem edlen Selbstgebrannten vorbei kommt, wenn man mal wieder die Segel eingerollt hat, weil man nicht mehr weiter weiß und will und kann.

Manchmal muss man auch erst aufgeben, um aufbrechen zu können. Nach seinem fünften, 2015 erschienen Album „Auf der Welt“, der anschließenden Tour und einer von ihm mitorganisierten und auf Oetinger Audio veröffentlichten Platte mit Kinderliedern („Unter meinem Bett“), war Wolfgang Müller alle, fertig, durch mit der Musik, hatte alles gesagt und sein künstlerisches Konzept ausgereizt. Seine Gitarre hat er daraufhin ein halbes Jahr nicht mehr angefasst und stattdessen Segeln gelernt und sich viel auf dem Wasser rumgetrieben. Dann kam sein Freund der Gitarrist und Produzent Dinesh Ketelsen vorbei und wollte mal wieder ein bisschen E-Gitarre spielen. So ging’s los. Neue Stücke entstanden, Müller lud weitere Musiker ein, neue und alte Bekannte, und wie so oft fiel alles auf ganz wundersame Weise zusammen. Nach fünf Tagen im Studio war dieses Album fertig, mit dem Müller sich und seine Musik quasi neu erfunden hat. Vergleichbares findet man eigentlich nur bei Gisbert zu Knyphausen und Niels Frevert – zusammen mit Wolfgang Müller sind sie die heiligen drei Könige der feinen Liedkunst in deutscher Sprache.

Was gibt’s sonst noch zu sagen über „Die sicherste Art zu reisen“? Man wird nicht besoffen davon aber angenehm beschwingt. „Americana“ und „Brachland“ sind die ersten beiden Singles. „Vormann Leiss“ ist ein Cover der famosen Irgendwie-Punk-Band Turbostaat, das inhaltlich hervorragend zu den anderen neun Stücken passt, „denn es geht darum, dass man sich selber retten kann, dass man auch, wenn man innerlich gestrandet ist, die Möglichkeit hat, sich einfach neu zu erfinden. Dass da immer Hoffnung ist.“ Gute Reise. (Tino Hanekamp)

Wolfgang Müller – Gesang & Gitarre

Dinesh Ketelsen – E-Gitarre

Gerd Bauder – Bass

Max Schröder – Schlagzeug

Felix Meyerle – Klavier & Orgel

Mat Clasen – Querflöte & Saxophon

Genre: Pop / Rock / Folk

4 Jahre nach ihrem letzten Album (und 3 Jahre nach ihrer letzten Tournee) kehrt die Düsseldorfer Band HONIG nun endlich mit einem neuen Longplayer im Gepäck zurück. Im September & Oktober präsentieren sie ihre Songs auf ausgedehnter Tournee.

Bis heute hat Stefan Honig unter seinem Nachnamen drei Alben veröffentlicht, die überwiegend folkbasiert waren, zuletzt aber einen Ensemblegedanken zunehmend mitdachten. Dieser wird nun auf dem vierten und neuen Album so konsequent umgesetzt wie noch nie. Erstmals basieren die neuen Songs nicht nur auf Honigs Akustikgitarrenakkorden und -kompositionen, sondern sie sind ein Produkt eines vitalen Ensembles.

ooi - Debutshow

Genre: Avantgarde Pop

ooi (pron.: owiː ) is a trio whose intriguing avant-pop stands out despite — or perhaps even because of — their never having met in person. After a chance online encounter in 2016, Tokyo-based US expat Nicolai Zettl (vocals) teamed up with German drummer Flo König and Dodo Dal Bosco (keys) from Luca, Italy; soon exchanging recordings and skyping on a daily basis. Devoid of shared “real life” experiences, the trio relied on their imagination as a primary source of inspiration, thereby creating an entire cosmos complete with its own surreal characters and psychedelic narratives embedded within a mature and flamboyant sound.

A prime example of this cosmos is the debut single Sharks, a radically unconventional summer pop hit that brings to mind a coked-up cabriolet cruise down a Thomas Pynchonesque boulevard lined with offbeat characters and hallucinatory palm trees. Its sonic journey leads you through an array of catchy pop hooks straight into a kind of macho-fairytale-rap. The equally bizarre lyrics recount the story of a narrator who, after a long winter’s wait, has finally come back to Rita, his beloved pet albino alligator who has a weakness for sweets, coke, as well as anything snakeskin.

While Sharks gives us a first taste of what we might be able to expect from this outlandish internet collaboration, 2018 will see the group releasing further singles, giving their debut album Blind Love its finishing touch, and meeting IRL for the first time to perform a selection of live shows in Europe and Japan with additional musicians.

LEROY & ANGELA AUX

Album: „Grain in Vain“ Schamoni Musik

WINDOW MAGIC

Album: „Well Kept Era“ auf BLOOHA UNLTD.

Garagen Uwe (DJ)

Walls & Birds, Bewegung tut gut

Genre: Indie | Folk

,Hundred Acres“ ist das dritte Soloalbum von S. Carey und der Nachfolger des, unter anderem von der New York Times, Pitchfork oder Under The Radar, hochgelobten Albums ‚Range Of Light‘ (2014). ,Hundred Acres‘ zeigt Carey als reifen und selbstbewussten Songwriter, der die bislang besten Songs seiner Karriere für dieses Album geschrieben hat. In seinem Kern ist das Album eine poetische Abhandlung über die wirklich wichtigen Dinge im Leben. Carey benutzte für ,Hundred Acres‘ eine kleinere, fokussiertere Skala von Instrumenten, die er um die Grundausstattung bestehend aus Gitarre, Synthies, Pedal Steel, Streicher und Percussion, gruppierte, immer begleitet von seiner sanften Stimme – diese jedoch ausgeprägter als jemals zuvor. ,Hundred Acres‘ wurde von Carey, in Zusammenarbeit mit den Co-Produzenten Zach Hanson und Chris Messina, produziert. Das Album wurde zu großen Teilen in der April Base in Fall Creek, Wisconsin, aufgenommen. Mit Backing Vocals von Gordi auf drei Songs, sowie einer Kollaboration mit Casey Foubert (Sufjan Stevens) und Streicher-Arrangements von Rob Moose (yMusic).

„S. Carey, der stille Bandleader Bon Ivers, hat mit „Hundred Acres“ eine herzerwärmende Liedersammlung geschnürt, die als Statement für die Ästhetik des Einfachen verstanden werden darf, zugleich aber auch durch eine kristallklare Produktion überzeugt.“ (Intro)

Janusz Hüsges & Phil Haussmann (Apples In Space DJ-Team)

Genre: Indie, New Wave, Guilty Pleasures

It’s Friday night- you wanna dance, but you’re just not cool enough for techno? Home parties are not what they used to be, either? Well, then join us: It’s „You! Me! Dancing!“, a brand-new indie party in the heart of Kreuzberg.
Serving the finest indie music, from not-yet-famous but ridiculously danceable tunes to tasteful hits that will set your dancing shoes on fire. Seasoned with the best of new wave and guilty pleasures from the 90s & noughties.

Genre: Singer-Songwriter

Eine Akustik-Gitarre, eine betörende Stimme, mal rauchig, mal sanft, leichtblütig und voller Leben – FEE.
Nonchalant und direkt erzählt die junge Singer-Songschreiberin Fee Mietz in ihren Liedern von der Suche nach dem richtigen Platz im Leben, nach Haltungen zur Welt, von Liebe, Verlust und Selbstbehauptung. Es sind flirrende, tiefe und schöne Lieder. Wenn sie die Bühne betritt, dann beginnt alles zu leuchten. Fee weiß andere mitzureißen, egal wohin. Und wenn sie am Ende einer diesen vielen langen, allzulangen Nächte dazu auffordert, das Leben einfach zu umarmen, auch wenn es manchmal aus der Spur springt, dann will man ihr jedes Wort glauben. Fees Lieder funktionieren wie Mantras: Wenn man sie im Kopf hat, wird das Leben ein bisschen leichter. Sie sind authentisch, ohne pathetisch zu sein; verwundert vielleicht über das Leben und seine versteckten Messer, aber immer zeugen sie von einer inneren Stärke; sie sind voller Lebenslust und Kraft, wild und frei.

Ihr Debütalbum EIN ZIMMER KÜCHE BAD, erschienen im März 2018, ist eine Ode an das Leben, wie es ist, mal laut, mal leise, getragen von einer beflügelnden Haltung zur Welt und Melodien, die sofort bleiben und das Potential haben, Licht in dunkle Tage zu bringen. Mit ihrem Debütalbum und Band im Gepäck geht FEE. im September 2018 auf Tour.

GREAT GOOGAMOOGA - GIMME TWO BLOCKS LINE, ´CAUSE BABY IT´S HIP CITY TIME !

Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul

Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.

Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!

– THE REAL DEAL –

Line Up:
Franz Heidl
Marc Forrest

Genre: Folk, Indie, Pop

Liza Anne veröffentlichte ihr Debütalbum „Fine But Dying“ ( VÖ: 09.03.18 | Arts&Crats) gerade erst im Frühjahr. Das Album ist eine furchtlose Auseinandersetzung mit der eigenen Psyche und den Dämonen, die darin leben.

Es folgt ihrem 2015 selbstveröffentlichten Durchbruchs-Album „Two“, das bis dato weit über 20 Millionen Mal gestreamt wurde. Auf dem Album verbinden sich grobe, verzerrte Gitarren-Licks mit unvergesslichen Pop-Melodien; es klingt in Momenten, als habe sie das sonische Spektrum von Acts wie Angel Olson oder Courtney Barnett mit den lyrischen Bekenntnissen von Liz Phair und St. Vincent kombiniert.

„Fine But Dying“ ist Liza Annes mit Abstand bekenntnisreichste Arbeit – das Porträt einer jungen Frau, die mit sich ins Reine zu kommen sucht, mit Verlust, psychischer Krankheit und dem Erwachsenwerden als solchem. Es ist ein Album der Dualismen, zwischen Verletzlichkeit und Härte, zwischen Zuschreibungen und der Entwicklung der eigenen Identität: „Growing up, people would always say I was too happy to be depressed, or too social to have anxiety,” sagt sie: “In their eyes, because I was one thing, I couldn’t also be something else. I think we all exist in duality, though. I can be everything and nothing all at once.” Es ist jene Dualität, die sie als Songschreiberin ausmacht. „This is my woman at her wildest self album”, führt sie weiter aus.

Im September kommt Liza Anne für drei Termine nach Deutschland!

Bishop Briggs erobert Charts und Herzen Mit Single „River“ direkt in die Top 10 der US-Charts Erstes Album „Church of Scars“ weltweit in den Hitlisten

Genre: Alternative Rock, Indie-Pop

Mit einem solchen Tempo und einem vergleichbaren Nachdruck ist wirklich schon lange kein Newcomer mehr in die Medien, Charts und Herzen ihrer internationalen Hörerschaft gekracht wie Bishop Briggs. Der aus Großbritannien stammenden, aber in Los Angeles lebenden Sängerin, Songwriterin und Pianistin gelang aus dem Stand das seltene Doppel aus je einem Spitzenplatz für Debüt-Single wie -album. Ihre erste offizielle Single, der überraschende Radio- und TV-Hit „River“, der 2016 Platz zwei der Global Viral Charts bei Spotify belegte, in gleich drei verschiedenen Billboard Charts einen Platz in den Top 10 einnahm und innerhalb weniger Wochen Goldstatus erreichte, geriet zu einem Einstand, der die 25-jährige Vollblutmusikerin selber am meisten überraschte. Nach ihren ersten zwei EPs und weiteren Single-Veröffentlichungen, von denen gleich vier ebenfalls einen Platz in den Top 30 der US-Rock-Charts fanden, erschien mit „Church of Scars“ nun am 20. April endlich das lang ersehnte Debütalbum von Bishop Briggs – und auch jenes nahm umgehend hohe Positionen in den Charts zahlreicher Länder ein, darunter erneut in den USA, Australien und der Schweiz. Um diese Erfolge zu feiern, kommt Bishop Briggs im Juni für einige Konzerte nach Europa. Zwei sehr unterschiedliche Shows gibt sie in Berlin: Am 11. Juni spielt sie ein intimes Akustik-Konzert, am 24. September kehrt sie mit Band nach Berlin zurück.

Schuld war nur das Karaoke – so könnte man etwas salopp die Initialzündung für die noch junge Sarah Grace McLaughlin – geboren in London, aber aufgewachsen in Japan und Hongkong – beschreiben. Damals war sie ihren eigenen Erzählungen zufolge gerade einmal vier Jahre alt. Doch in dem Moment, in dem sie die kleine Bühne erklomm und ihre Stimme erhob, fand sie, so sagt sie, ihre ultimative Bestimmung. Bis zu ihrem 18. Lebensjahr blieb sie in Südostasien, dann zog sie nach Los Angeles, um das renommierte Musician’s Institue am dortigen College zu besuchen und ihre Solokarriere voranzutreiben.

Dass sich die Jahre des Reifens, Suchens und Ausformulierens eines eigenen Sounds in der japanischen Fremde auszahlen sollten, zeigte sich alsbald: Bei einem ihrer ersten Bar-Konzerte wurde sie gleich von dem A&R-Manager einer Plattenfirma entdeckt und ins Studio eingeladen. Dabei entstand ihre erste Online-Single „Wild Horses“, die mit ihrer frech zwischen Elektronik, Alternative und Pop angesiedelten Klangästhetik fast über Nacht zu einem viralen Hit der Social-Media-Welt aufstieg.Einige Monate später – und als zweiter Song von ihr überhaupt – folgte dann der Überhit „River“, der Rest ist Geschichte: Coldplay luden sie als Support auf einige US-Konzerte ein, Jimmy Fallon demonstrierte seine Trend-Spürnase für kommende Stars und lud sie in seine legendäre „Tonight Show“ ein, sie erhielt eine Einladung als Very Special Guest auf das Coachella-Festival und steuerte einen Song zum Soundtrack des Action-Spektakels „xXx: Return of Xander Cage“ bei. Dass sich die Veröffentlichung ihres ersten Albums bei all dieser Hysterie ein wenig verzögerte, ist dabei nur verständlich; umso beeindruckender, wie gelassen und selbstbewusst es Bishop Briggs gelang, äußere und eigene Erwartungen daran zu ignorieren und ganz auf das zu vertrauen, was ihre Intuition und ihre Gedanken ihr eingeben, sobald sie am Piano sitzt und ihrer Kreativität folgt.

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Dean Lewis ist das neue große Songwriter-Talent Australiens

Genre: Singer-Songwriter

Aus dem Stand hat sich der 28-jährige Sänger, Gitarrist und Songwriter Dean Lewis in seiner Heimat Australien einen großen Namen gemacht. Gleich seine erste, 2016 erschienene Single „Waves“ schoss bis auf Platz 12 der australischen Charts und wurde mit Dreifach-Platin ausgezeichnet. Mit „Need You Now“, „Lose My Mind“ und „Chemicals“ veröffentlichte er weitere erfolgreiche Singles, flankiert von seiner ersten EP „Same Kind of Different“, die im April 2017 erschien. Seine aktuelle Single „Be Alright“, zugleich ein erster Vorbote auf sein für dieses Jahr angekündigtes Debütalbum, erweist sich als seine bislang erfolgreichste und stieg bis auf Platz 3 der australischen Charts. Nun kommt Dean Lewis im September erstmals für drei Konzerte in Berlin, Hamburg und Köln nach Deutschland.

Dass die Welt nun diese wunderbar schwerelosen, leichtfüßig und doch gehaltvoll klingenden Songs von Dean Lewis vernehmen darf, verdanken wir einer bestimmten Band: Oasis. Denn in dem Moment, als Lewis im Jahr 2005 erstmals ein Live-Video der Britpop-Giganten sah, entschied er sich, selber Musiker zu werden. „Die folgenden fünf Jahre verbrachte ich damit, jedes Video, jeden Live-Mitschnitt und jede Dokumentation von und über Oasis anzuschauen und genau zu studieren. Letztlich, kann man sagen, hat mir Liam Gallagher alles beigebracht, was ich weiß und kann – ohne ihm je persönlich begegnet zu sein.“

Zwischen 2010 und 2014 schrieb Lewis Song um Song, ohne jede Eile. Er wollte erst dann mit Musik reüssieren, wenn er sich selber sicher war, dass seine Songs eine signifikante Eigenständigkeit aufweisen. Und so erschien erst 2016 mit „Waves“ seine erste Single, die in Australien zum Übernacht-Erfolg geriet. Und auch die folgenden Singles waren so erfolgreich, dass er 2017 gleich fünf Nominierungen bei den jährlichen ARIA Awards erhielt. Parallel erschien mit „Same Kind of Different“ seine erste EP. Seither sind die australischen Medien durchweg überzeugt, dass Dean Lewis eine große internationale Karriere vor sich hat.

Jene dürfte so richtig in Fahrt geraten, wenn sein Debütalbum erscheint, das schon seit Ende letzten Jahres für 2018 angekündigt wird; Lewis selber hat die Veröffentlichung bereits einige Male verschoben, da er an das Album einen nicht minder hohen Qualitätsanspruch hegt wie an seine bislang veröffentlichten Singles. Das sei schließlich auch, was ihn an Oasis so begeistert habe: „Diese Band hat auf ihren Platten keine Filler, sondern nur Killer. Und das Gleiche erwarte ich von mir.“ Man darf also sehr gespannt sein auf diesen bislang noch unbetitelten Longplayer.

Exklusive Deutschland-Show am 26. September in Berlin

Genre: Singer-Songwriter

Der 26-jährige Sänger, Pianist und Komponist Billy Lockett blickt bereits auf einen weit verzweigten künstlerischen Weg: Seit 2013 veröffentlicht er seine Songs online und hat seither zwei radikale stilistische Wendungen vorgenommen, die sich auch in jeweiligen Umzügen ausdrückten. Nach einigen Jahren in London ist er 2015 in seine Heimat Northampton zurückgekehrt und hat seine Musik noch einmal komplett neu gedacht – wie sich nun auch auf seiner ersten offiziell über Warner veröffentlichten EP „Burn It Down“ zeigt, die direkt auf Platz 8 der britischen iTunes-Album-Charts schoss und bislang über 6 Millionen Mal gestreamt wurde. Mit „Empty House“ erschien im Frühjahr die erste Single seines kommenden, derzeit noch unbetitelten Debütalbums, das in diesem Jahr erscheinen soll. Am 26. September kommt Billy Lockett für ein exklusives Konzert nach Berlin.

Billy Lockett war Anfang 20, als er begann, in seinem Schlafzimmer-Studio erste Songs zu produzieren, die er anschließend online stellte. Erst trug sich die Kunde seiner gefühlvollen Musik, die ebenso an Bon Iver erinnert wie an die versponnenen Arrangements von Radiohead, durch die Region Northamptons – und von dort weiter nach London. Nach diesen ersten Songs entschied er deshalb, nach London zu ziehen, um dort sein Glück als Profimusiker zu suchen.

Es entstanden weitere Songs, oft getragen von seinem gefühlvollen Pianospiel und seiner markanten Stimme, meist allerdings im Anschluss angereichert durch zahlreiche Schichten an zusätzlichen Instrumenten und Klangschnipseln. Ein tragischer Einschnitt in sein Leben veränderte alles: Als 2014 sein Vater, der renommierte Maler und bildende Künstler John Luce Lockett, verstarb, stellte der Sohn seine eigene Kunst auf den Prüfstein. „Ich fragte mich, warum ich diese Songs, die ich geschrieben hatte, so gestaltete, wie ich es bis dahin getan hatte“, erzählt er. „Und fand die Antwort darin, dass ich damit letztlich nur eines wollte: berühmt werden. Als mir das klar wurde, habe ich London sofort wieder verlassen und bin zurück in meine Heimat gezogen.“

Zwei Jahre ging Billy Lockett in eine Art innere Klausur und überprüfte seine Kunst auf ihre Aufrichtigkeit. Jeder Ton, der nicht seiner tiefsten Empfindung entsprach, wurde gelöscht, zum Vorschein kam ausschließlich die reinste Authentizität – die sich, wie seine neuen Songs beweisen, nun in einer beachtlichen Reduktion auf das Wesentliche äußert. „Meine Musik ist nichts für Partys, sie ist gedacht für intime Momente der Innenbetrachtung, etwa bei langen nächtlichen Autofahrten.“

Mit diesem neuesinger sonn, reduzierten Sound wuchs die Beachtung für ihn immens. Die erste EP in diesem neuen Klang, seine offizielle Debüt-EP „Burn It Down“, geriet entsprechend zu einem vielbeachteten Stück Musik auf allen Musikdiensten und wurde viele Millionen Mal gestreamt. Bei Support-Shows für Lana del Rey, Birdy, Leon Bridges und andere Künstler bewies der junge Komponist, dass sich seine Songs in der Live-Situation wieder ganz anders darstellen. „Ich mag den Gedanken sehr, dass ein Künstler live ganz anders klingt als im Studio“, sagt er. „Erst dadurch wird ein Song für mich zu einem echten Kunstwerk.“ Live sind Billy Locketts Songs Ende September dann auch in Deutschland zu erleben.

Genre: Indie | Singer Songwriter

Mouyé ist eine Band im Aufbruch, eine Band auf Reisen. Kaum angekommen treibt Sie das Fernweh wieder auf die Straße.

2011 von Timo Lehne unter dem damaligen Namen You&Me gegründet und kurze Zeit später durch den Geiger Julius Kopp ergänzt bilden die beiden Musiker ein Duo, das sich schnell regional einen Namen machen kann. 2014 ergänzt der Gitarrist Jonas Wirth die Band. Auf einem gemeinsamen Roadtrip zu einem Festival in Spanien und gemeinsamen Sessions am Lagerfeuer am Strand entsteht die Idee aus dem Duo eine Band werden zu lassen. 2015 komplettiert der Schlagzeuger David Kosel, der zu der Zeit am Staatstheater Braunschweig ein Festengagement als Schauspieler hat und mit Timo Lehne einen Liederabend über mehrere Spielzeiten erfolgreich aufführt, die Gruppe.

Die nun komplette Band kann schnell überregionale Erfolge feiern. Beim Emergenza Bandcontest gewinnt die Band auf Bundesebene den zweiten Platz und verschafft sich so mehr und mehr das Gehör der Branche. Im Jahr 2017 folgen etliche Festivalauftritte auf dem Feel Festival, dem Artlake Festival und dem Rocken am Brocken Festival um nur einige zu nennen. In Zusammenarbeit mit Sofa Concerts, der Deutschen Bahn und Geheimtipp Hamburg landen die vier Musiker außerdem Ende 2017 einen viralen Hit, der 1,3 Millionen Mal geklickt wird.

Auf der EP „Steady Movement“ bereitet Mouyé den Zuhörer auf einen Sommer der Hochgefühle vor. Enthusiastischer Indie-Folk, der nie langweilig wird sondern den perfekten Soundtrack für einen Sommer voller Roadtrips, Festivals, Nächte am See oder im Zelt und zahlreiche neue Erfahrungen liefert.

Ihre Texte handeln von der spannenden Suche nach Freiheit, Freundschaft und Liebe. Den Weltschmerz im Hinterkopf nehmen euch die vier Musiker mit auf die Reise. Nie kapitulierend, nie resignierend trägt euch dieser atmosphärische Indie-Pop durch Täler, über Berge und Seen bis raus auf die endlosen Weiten der Meere.

Jamie Isaac liefert cinematografischen Folk Musik wie ein Kinofilm: Zwischen Avantgarde und Alternative Zweites Album „4:30 Idler“ erscheint am 1. Juni

Genre: Ambient, Avantgarde, Jazz

Hätte er nicht die Musik schon sehr früh für sich entdeckt, sagt der Sänger, Multiinstrumentalist und Musikproduzent Jamie Isaac, wäre er todsicher ein Filmemacher und Drehbuchautor geworden. Von dieser großen zweiten Leidenschaft erzählt nun auch seine kaum zu kategorisierende Musik, die schwerelos zwischen Folk, Jazz, Ambient, Avantgarde und Alternative schwebt und in ihren facettenreichen Arrangements geradezu klingt wie ein per Musik erzählter Spielfilm. In seiner britischen Heimat gilt der 24-jährige Londoner schon seit einigen Jahren als der neue Geheimtipp für Musikhörer, die nach dem Besonderen suchen. Seine beiden bislang veröffentlichten EPs „I Will be Cold Soon“ (2013) und „Blue Break“ (2014) sowie das 2016 erschienene Debütalbum „Couch Baby“ wurden in Großbritabnnien selbst von Mainstream-Medien wie The Guardian oder Pitchfork in den höchsten Tönen gelobt und als etwas Einzigartiges dargestellt. Nun erscheint am 1. Juni mit „4:30 Idler“ sein zweites Album, das Jamie Isaac am 28. September im Rahmen eines exklusiven Deutschland-Konzertes in Berlin erstmals live vorstellen wird.

Eigentlich war sich der in London aufgewachsene Jamie Isaac sicher, dass ihn sein Lebensweg zum Film führen wird. Allerdings kam ihm seine kraftvolle, glockenhelle Stimme dazwischen, die dazu führte, dass er bereits als kleiner Junge nicht nur Mitglied des international renommierten Knabenchors Liberia wurde, sondern nach nur kurzer Zeit dessen Solist, der auch auf vielen Plattenveröffentlichungen des Chors zum Coverhelden avancierte. Derart exponiert, wurde Jamie Isaac förmlich dazu genötigt, zu erkennen, welch stimmliches und musikalisches Potenzial in ihm schlummert.

In seinen späten Teenagerjahren begann er daher, eigene Songs zu kreieren. Vom ersten Ton an konnte man dabei allerdings seine tiefe Verbundenheit mit dem Filmgenre hören, wirken seine Stücke doch nicht vordergründig wie Songs, sondern wie Soundtracks zu imaginären Filmen. Beeinflusst ebenso von Jazz-Pianisten wie Dave Brubeck, Bill Evans und Teddy Wilson wie von Frederic Chopin oder den hymnischen Melodien der Beach Boys, kannten seine Songs von Anbeginn kaum Grenzen. Im weitesten Sinne Folk und Singer-/Songwriter-Musik, hört man in seinen wunderbar sparsam instrumentierten Stücken auch Einflüsse aus Alternative, Ambient, Jazz und avantgardistischen Klangexkursionen. Alles jedoch nie als Selbstzweck, sondern stets im Dienste des jeweiligen Songs; nur dass diese Songs eben klingen sollen wie nichts Vergleichbares.

Seine erste EP „I Will Be Cold Soon“ erschien 2016, da war Isaac gerade volljährig geworden. Neun Monate später folgte mit „Blue Break“ die zweite EP, der sich das Mixtape „Loose Grip“ anschloss. Darauf konnte man erstmals vernehmen, wie erstaunlich gut sich die bezugsoffenen Songs von Jamie Isaac zu tanzbareren oder druckvolleren Tracks remixen lassen. Dabei zu Hilfe kam ihm ein anderer in den letzten Jahren gefeierter UK-Musiker, King Krule, mit dem Jamie Isaac zufällig gemeinsam die Schulbank gedrückt hatte und der ihn mit Musikern unterschiedlichster Genres zusammenbrachte, die sich seiner Musik aus einer neuen Perspektive nochmals annahmen.

Fast folgerichtig erschien auch zu seinem ersten Longplayer „Couch Baby“, im Juli 2016 veröffentlicht, das Remix-Album „Couch Baby (Revisited)“, auf dem sich neben King Krule Künstler wie Wiki, Denzel Curry und Rejjie Snow noch einmal seinen Songs annahmen. All diese auch für Isaac selber spannenden Erfahrungen schlagen sich nun auch nieder in seinem am 1. Juni erscheinenden zweiten Album „4:30 Idler“, über dessen vorab veröffentlichte Songs der Guardian urteilte, es sei Musik, die „in jeder Sekunde Raum und Atmosphäre über das theatralische Getue von Produktionsfragen stellt“.

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Genre: Electro-Rock

Carpark North machen nordischen Electro-Rock und waren die erste Band, die den Musikstil auch außerhalb ihres Heimatlandes Dänemark bekannt machten. Mittlerweile gehört die Band mit einigen Nummer Eins-Alben zu den erfolgreichsten Bands in ihrem Heimatland. Nun meldet sich die dänische Rockband mit dem neuen Album HOPE (VÖ 31.05.) und einer Headliner-Tour zurück! Am 29. September sind sie zu Gast im Privatclub Berlin.

„Wir bringen viele neue Songs von unserem neuen Album mit und können es kaum erwarten, Euch wiederzusehen!” – so der Bassist Søren Balsner.

Carpark North haben außerdem den offiziellen Song für die Eishockey Weltmeisterschaft geschrieben und aufgenommen, welche im Mai 2018 in ihrem Heimatland stattfinden wird. Deutschland und Dänemark werden im ersten Spiel gegeneinander antreten, aber wenn es nach Carpark North geht, spielen wir alle im gleichen Team.

Genre: Pop

Über Sion Hill, den jungen Künstler aus Irland, sagt man, dass er „so viel Soul wie John Mayer“ habe und „so funky wie Prince“ sei. Nach seiner erfolgreichen Tour im vergangenen Jahr und Auftritten als Supportact von „No Roots“-Sängerin Alice Merton geht er nun erneut auf Headlinetour und spielt dabei neben Shows in Deutschland auch in Österreich und der Schweiz! Tickets für die Konzerte sind ab Mittwoch, den 27.06. um 10 Uhr im exklusiven Presale unter www.eventim.de erhältlich. Der offizielle Vorverkauf startet am Freitag, den 29.06. um 10 Uhr an allen autorisierten Vorverkaufsstellen.

Mit „Elephant” erschien im August 2017 das lang erwartete Debütalbum von Sion Hill, das den jungen Musiker und sein „Songwriter-Talent in vielen Facetten offen legt“ (Gérard Otremba, „Sound & Books“). Das Album wurde von Johann Scheerer (Peter Doherty, Bosnian Rainbows) produziert und untypisch für heutige Produktionsmethoden komplett live in den Clouds Hill Studios aufgenommen. „Wir verbrachten ein paar Wochen im Studio, probten mit der Band, probierten neue Ideen aus und erkundeten neue Arrangements bis wir einen Sound hatten, den wir mochten, und nahmen dann das Ganze innerhalb weniger Tage auf”, sagt Nathan Johnston alias Sion Hill über den Arbeitsprozess am Album. Die auf dem Album zu findende Debütsingle „Nothing’s Wrong With Loving You“ wurde von der irischen Times zum „Song of the Week“ gekürt und auch Spotify Germany ließ nicht lange auf sich warten und nahm den Track prompt in ihre Playlist „New Music Friday“ auf.
Nach dem Album-Release ging Sion Hill auf große Live Session Tour durch Europa und spielte im Herbst 2017 seine erste Headline Tour in Deutschland. Schnell wurden andere Künstler auf den jungen Iren aufmerksam und luden ihn als Supportact zu ihren Konzerten ein. Er eröffnete unter anderem die Shows für St. Paul & The Broken Bones, Pete Doherty, The Academic sowie Lilly Among Clouds und begleitete Alice Merton als Support auf dem ersten Teil ihrer Europatournee. Neben Musikerkolleginnen und -kollegen wurden auch Festivals auf Sion Hill aufmerksam und boten ihm beliebte Festivalslots an. So wird Sion Hill in diesem Jahr unter anderem auf dem Sziget Festival in Budapest (10.08.) sowie beim Street Music Festival in Veszprém (18.-21.07.) zu sehen sein.

Aktuell befindet sich Sion Hill im Clouds Hill Studio, um an neuen Songs zu arbeiten. Bei der Tour dürfen Fans somit auf bekannte Hits sowie auf neue, bisher unveröffentlichte Werke des talentierten Iren gespannt sein. Er selbst zeigt sich begeistert über die anstehende Tour: „Alright Europe. Let’s get retro. Join me for an evening of strong drinks, reckless chatter and some tempestuous live music backed by my beautiful band of Renegade Pirates straight out of Hamburg.”

Genre: Indie / Rock / Pop

Finnlands größte und erfolgreichste Indie-Band beendet nach zehn Jahren ihre Karriere: Satellite Stories veröffentlichen im September ihr fünftes und letztes Studioalbum, gehen auf Tour und lösen sich danach auf. 2008 haben sich Esa Mankinen (Gesang, Gitarre) Marko Heikkinen (Gitarre) Jyri Pesonen (Bass) Olli Pekka Ervasti (Schlagzeug) in Oulu zusammengetan und mit „Phrases to Break the Ice“, „Pine Trails“, „Vagabonds“ und zuletzt „Young Detectives“ vier großartige Platten voller großartigem Indie-Pop produziert.

Zig Millionen Streams weltweit und Hunderte von Live-Shows später beenden die Vier nun diese Erfolgsgeschichte und begründen das so: „Zehn Jahre, fünf Alben, unzählige Erinnerungen, wunderbare Menschen, die wir auf unserem Weg kennen lernen durften, lange Tage und Nächte und fantastische Erlebnisse liegen hinter uns. Aber jetzt kommt die Zeit, das Schlusskapitel der Satellite Stories zu schreiben. In der Band ist alles großartig, wir fühlen uns einander näher als je zuvor. Aber die Strapazen, die einem die Musikindustrie abverlangt, fordern ihren Tribut, körperlich wie geistig. Darum wollen wir jetzt mit einem Knall Schluss machen, solange wir das noch können. Wir starten das Finale jetzt mit der Single „Coupons“, dann folgen ein paar weitere Stücke und im Herbst dann unser letztes Album. Es war uns eine große Freude, daran zu arbeiten. Wir haben jede Minute davon genossen und haben die Musik geschrieben und produziert, die wir schon immer machen wollten. Für vier ganz normalen Jungs aus dem kalten Norden Finnlands war der Erfolg überwältigend, und überwältigend wart auch Ihr, unsere Fans. Wir möchten uns an dieser Stelle ganz ausdrücklich bei Euch bedanken und hoffen, dass wir Euch alle bei unserer Greatest- Hits-Abschlusstournee sehen werden. Dann wollen wir uns noch einmal ganz persönlich bei Euch bedanken, und wir feiern gemeinsam eine letzte, große Party. Esa, Jyri, Marko und Olli-Pekka“

Eine große, gut gelaunte, freundliche und wunderbare Band macht Schluss, ohne Bitterkeit und voller Dankbarkeit und Liebe. Grund genug, zusammen mit den Satellite Stories ein letztes Mal ein Fest zu feiern, wenn sie im Oktober auch nach Berlin kommen.

Genre: Electro Pop

Rod Thomas, aka Bright Light Bright Light, hat die letzten Jahre damit verbracht sich einen Ruf als hart arbeitender Popmusiker aufzubauen, mit dem man aber auch jede Menge Spaß haben kann. Sein farbenfrohes, mit feinsten Gastmusikern gespicktes letztes Album ‚Choreography‘ hat Fans und Kritiker gleichermaßen überzeugt und begeistert, genauso wie das dazugehörige, knallbunte Artwork. 2016 und 2017 war er mit dem Album auf großer Tour.

Einige seiner größten Vorbilder haben ihn zudem persönlich ausgewählt, zusammen mit ihnen auf Tour zu gehen und ihre Shows zu eröffnen, dazu gehört niemand geringeres als Elton John, mit ihm spielte er sage und schreibe 54 Konzerte (!), sowie die Scissor Sisters, John Grant und Ellie Goulding. Von Januar bis März dieses Jahres war er dann mit Erasure zusammen in Großbritannien und Europa auf Tour!

Und gerade frisch von dieser ausverkauften Tour kommend freut sich Rod, nun auch wieder eine eigene Tournee bekannt geben zu können: Diesen Herbst wird er in Großbritannien, Deutschland, Frankreich und Holland auf Tour kommen. Eine EP mit neuem Material wird rechtzeitig vor der Tournee veröffentlicht werden und die Reihe seiner bisherigen drei Alben erweitern.

Genre: Indie, Austro Pop

Ungefähr eineinhalb Jahre ist es her, als FLUT mit ihrer Debüt-EP „Nachtschicht“ erstmals von sich hören machten. Seitdem ist viel passiert. Tausende Kilometer auf Autobahnen wurden passiert, dabei viele Konzerte im deutschsprachigen Raum gespielt und da wurde noch am ersten Album gearbeitet. Nun ist es fertig, trägt den Namen „GLOBAL“ und wird am 05. Oktober 2018 erscheinen.

Ein Titel, der sich wie ein Netz um das gesamte Album spannt. Es geht um Emotionen, Sehnsucht, schnelles Leben, Orientierungslosigkeit und Suche. Zwischen zwei Polen getrieben und in der Mitte geblieben. Klimatische Ereignisse als jugendliche Gefühlsbeschreibungen, eingebettet in ein ausgereiftes Klangbild. Vom Roten Platz, über die Eiszeit bis zum Sommer in Mumbai. Wir leben in einer Stadt, die durstig macht.

Genre: Pop

„Großartige Musik dreht sich immer um eine gute Melodie und eine schöne Stimme“, sagt Samuel Hope, er fügt schnell einen entscheidenden Vorbehalt hinzu: „… auch wenn diese ‚Stimme‘ ein Instrument ist, wie Louis Armstrongs Trompete.“

Die Debüt-Single „Carried Away“ hat ihr eigenes Gefühl für Stimme und strahlt sowohl Leidenschaft als auch Frustration in ein paar wenigen Minuten voller Verwundbarkeit aus.

Im Sommer 2018 erscheint Samuel Hopes Debüt-Album „Other Man“ (Filter Music Group). Für die Aufnahmen dazu kam der aus New York City stammende Multiinstrumentalist mit Pete Davis (New Order, Björk, Dido), Sally Herbert (Muse, Robbie Williams) und dem Produzenten Mike Hedges zusammen.

Im Oktober 2018 kommt Samuel Hope mit seinem ersten Album auch nach Deutschland

Genre: Singer-Songwriter

Marc Broussard ist ein US-amerikanischer Singer-Songwriter, dessen musikalischer Stil auch als “Bayou Soul“ beschrieben wird, da er Elemente aus Rock, Blues, R&B und Soul miteinander vereint. Einen wesentlichen Einfluss haben auch seine “Southern Roots“, denn Broussard wuchs als Sohn eines Gitarristen in Louisana auf. Seit er 18 ist, lebt der mittlerweile 36-Jährige von der Musik und spielt bis zu 150 Konzerte pro Jahr. Er tourte mit Musiklegenden wie Dave Matthews Band, Zac Brown oder Bonnie Raitt und performte in US-Talkshows wie “Tonight Show with Jay Leno“, “Late Night with Conan O`Brien“ oder “Jimmy Kimmel Live“. Marc Broussard setzt sich außerdem für eine Vielzahl von Wohltätigkeitsprojekten ein, die er u.a. mit den Erlösen seiner Albumeinnahmen fördert. 2016 gründete er selbst eine Organisation namens “SOS Foundation“ und unterstützt seit 2017 mit seinem eigenen Label “Artist Tone Records“ junge lokale Musiker in Louisana. Das im September 2017 erschienene Album EASY TO LOVE wird MARC BROUSSARD bei seinen vier exklusiven Shows im Oktober in Deutschland vorstellen.

Genre: Alternative

MICHAEL KREBS & die Pommesgabeln des Teufels spielen krachend schöne Piano-Songs mit Texten auf die Zwölf. Der Exilschwabe mit der Aversion gegen den Flüsterfuchs feiert mit seiner Band bei Liveshows den kalkulierten Kontrollverlust. „Jedes Mal nehme ich mir vor, einfach Musik zu machen und die Ansagen wegzulassen“, sagt MICHAEL KREBS, „doch das klappt nie. Ich quatsche einfach zu gerne.“ Und im Grunde ist es auch egal ob er quatscht oder singt, beides macht verdammt viel Spaß.

Zusammen mit den Pommesgabeln des Teufels fegt der Songwriter mit dermaßen viel Verve und Partylaune durch seine Songs, dass man sich dem nicht entziehen kann. „Speed-Entschleunigung für die to-go-Gesellschaft“ sagt Krebs dazu. Das gilt für die Songs seines aktuellen Albums „An mir liegt’s nicht“ genauso wie für Krebs-Klassiker wie „Das Mädchen von der Jungen Union“, „Leude“ oder „Grundschullehrerin“.
In seinen Songs bringt KREBS die Dinge auf den Punkt. Mit viel Rock’n’Roll und political incorrectness. Sogar anstrengende Themen wie Selbstvermessung, Fremdenfeindlichkeit und Bio-Flugmangos. Und weil er dazwischen für sein Leben gern improvisiert, hat jeder Abend einen ganz eigenen Höhepunkt. Das Trio aus Berlin klingt so vielfältig und unberechenbar, als hätten sich Jamie Cullum, Die Ärzte und Marc-Uwe Kling zeitgleich ins Studio verirrt.

„Die Pommesgabeln des Teufels“ sind zwei knuffige Thrash-Metal-Musiker, die der Pianist und Sänger Michael Krebs beim Metal-Festival in Wacken aufgegabelt hat. Am Schlagzeug Onkel alias der „Oheim des Todes“ (Alligatoah, Ohrbooten), und am Bass „Boris the Beast“.

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Julius Lahai lebt Musik, Julius Lahai ist Musik.

Genre: Pop / Afro-Music / Funk

Aus Soul, Funk und Afro-Music, Rock, Pop und einer Spur Reggae schafft der Westafrikaner seinen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil. Seine achtköpfige internationale Band „1st-Family“ setzt seine ausschließlich selbst komponierten Songs live mit Lahai um.

Zweistimmiger Gesang, eine durchdachte Choreografie, anspruchsvolle Soli und vor allem eine unbändige Energie und Spielfreude machen die Konzerte der Band aus.

Es darf getanzt werden – und es wird getanzt werden!

Geboren in Liberia trat Julius Lahai schon als Kind im Fernsehen auf. Als Jugendlicher tourte er mit seiner Band erfolgreich durch acht afrikanische Länder. 1992 folgte der erste Plattenvertrag, ein französischer Talent-Scout entdeckte ihn und ebnete ihm mit einem Vertrag bei der „Crystal Music Agency“ in Paris den Weg nach Europa. Über einen Abstecher auf Sylt kam Lahai nach Köln, wo er heute lebt und arbeitet.

Genre: Indie

The Magic Gang vermischen die Widescreen-Popsymphonien der Beach Boys mit Weezers Hang zum Verschmelzen verzerrter Gitarren mit schrillen Pop-Hooks. Jack Kaye (Gesang/Gitarre), Kristian Smith (Gesang/Gitarre), Angus Taylor (Bass) und Paeris Giles (Schlagzeug) aus dem britischen Brighton waren bei den NME Awards als Best New Artist nominiert und spielten letzten Oktober die Europa-Tour von Wolf Alice als Support.

Im März veröffentlichte „eine der aufregendsten neuen Bands des Planeten“ (Dork) ihr „mit unfassbar smartem Art-Rock und astreinen Pop-Hooks“ (Clash) versehenes selbstbetiteltes Debütalbum, produziert von Jolyon Thomas, der auch schon für die Alben von Royal Blood und Slaves verantwortlich war. Die Platte ist voller zeitgenössischer, aber ebenso klassischer Hymnen, geprägt von ansteckenden Hooks, freudigen Melodien und liebestollen Lyrics. Zwölf Tracks umfasst das Debütalbum, die in ihrer Gesamtheit das beeindruckende Klangspektrum von The Magic Gang präsentieren.

Bereits im vergangenen Winter überzeugten The Magic Gang live beim „Mucke bei die Fische“-Festival und waren mit The Wombats auf Tour. Im Herbst kommt das Quartett erstmals auf Headliner-Tour nach Deutschland.

Cloves: Australische Songwriterin erstmals in Deutschland

Genre: Pop, Singer-Songwriter

„Eine höchst bodenständige Australierin mit der Stimme eines Engels“ – so urteilte das stets höchst trend- und stilsichere i-D Magazine in einer seiner letzten Ausgaben über Cloves. Die unter diesem Pseudonym agierende Sängerin und Songwriterin Kaity Dunstan, mittlerweile 22 Jahre alt, schreibt bereits seit 11 Jahren eigene Songs. Nach ihrer Teilnahme an der zweiten Staffel von ‚The Voice Australia‘ begann sie, peu à peu eigene Songs online zu präsentieren. Mit stetig wachsendem Erfolg: Sowohl ihre Singles „Frail Love“, „Don’t Forget About Me“, „Better Now“ und „California Numb“ als auch ihre bislang einzige EP „XIII“ weisen rasend steigende Klickzahlen auf allen Online-Musikdiensten auf. In diesem Jahr wird nun ihr Debütalbum erscheinen, im Anschluss geht Cloves erstmals auf Welttournee, die sie zwischen dem 15. und 16. Oktober auch für zwei Konzerte in Berlin und Köln nach Deutschland führen wird.

Kaity Dunstan aka Cloves erinnert sich eher mit Schrecken an ihre ersten Live-Auftritte. Damals war sie 13 Jahre alt und trat zusammen mit ihrer älteren Schwester in Pubs in und um Melbourne auf. „Ich war damals noch echt schlecht“, sagt sie lachend. „Und oft mussten wir die Konzerte in der Mitte abbrechen, nachdem der Pub-Betreiber mein Alter erfahren hatte. Ich hätte damals ja nicht einmal Zutritt zu diesen Pubs haben dürfen!“ Und doch seien all diese kleinen Gigs eine gute Schule gewesen – vor allem dafür, wie sie sagt, „meinen eigenen Stil zu finden und mich nicht beirren zu lassen in dem, was ich für gut und richtig halte“.

Mit einem entsprechenden Selbstbewusstsein trat Kaity Dunstan dann auch bei der zweiten Staffel von ‚The Voice Australia‘ im Jahr 2013 an. Damals war sie 17 und wollte sich von den Coaches nichts erzählen lassen – erst recht nicht, nachdem ihre Interpretation von Melanies Song „Brand New Key“ bis auf Platz 40 der australischen Singlecharts schoss. Ihre Anti-Haltung führte im weiteren Verlauf zwar dazu, dass sie nicht ins Finale von ‚The Voice‘ kam; der Boden für eine Musikkarriere war indes bereitet.

Erst zwei Jahre später erschien mit „Frail Love“ ihr erster eigener Song, der sofort auf viel Beachtung stieß. Seither hat Cloves in unregelmäßigen Abständen weitere Lieder veröffentlicht, viele davon wurden lizenziert für TV-Spots oder als Soundtrack für TV-Serien. Sie trat 2016 bei Coachella sowie beim Lollapalooza Festival auf und veröffentlichte parallel ihre erste EP „XIII“. Derzeit arbeitet sie nun mit dem Produzententeam Justin Parker (Lana del Rey, Rihanna) und Rich Cooper (Tom Odell, Mumford & Sons) an ihrem Debütalbum, das eine feine Mischung aus akustischem Songwritertum und verspielter Elektronik bieten wird.

Gute Laune garantiert: Kiddo Kat geht im Oktober auf zweite, große Headline-Tour und bringt mit ihren Konzerten in sieben deutschen Städten Farbe in den tristen Herbst. Nach dem Viral-Hit „Kiss“ in 2016 erscheint nun am 13.07.2018 ihr Debütalbum „Piece Of Cake“ inklusive der Single „Million Miles“.

Genre: Pop

Kiddo Kat (27) ist wie eine Sonnenbank für die Seele – ein musikalischer Ausflug in die Sonne, weit weg von dem Melancholie-Einheitsbrei. Die Wahlhamburgerin aus dem Schoße der Hauptstadt schießt mit ansteckender Lebensfreude und Beat-betonter urbaner Popmusik wie mit Leuchtraketen um sich und beweist allen Schwarzmalern, dass englischsprachige Musik aus Deutschland den internationalen Vergleich nicht scheuen muss. Genau dies wird Kiddo Kat mit ihrer unbändigen Energie in sieben deutschen Städten zu Beweis stellen und sieben Abende in bunte Farbe tauchen. Wenn das nergiebündel mit den ellenlangen blonden Haaren live Ihre Flying-V Gitarre um den Hals hängt und mit einer lässigen Selbstverständlichkeit spielt, als hätte sie nie etwas anderes gemacht, wickelt sie Ihr Publikum um den Finger wie Kaugummi. Auf der anstehenden Tour präsentiert Kiddo Kat ihr neues Album. Im April 2016 landet Kiddo Kat über Nacht einen viralen Megahit im Internet, als sie mit einer Kollegin (Heidi Joubert) in eine Frankfurter S-Bahn steigt und mit nichts als einer Gitarre und einer Cajon innerhalb weniger Minuten den Wagon in ein Party-Abteil verwandelt. Das Video Ihrer Kiss-Cover-Version bei der spontan ein Fahrgast rappend in die Performance einsteigt wurde weltweit mittlerweile über 100 Millionen Mal angeklickt. Daraufhin kann sie sich vor Presse-Anfragen kaum noch retten, gibt Interviews für zahlreiche deutsche Radiostationen und Zeitungen, sitzt bei Markus Lanz in der Sendung und landet auf der Titelseite des Hamburger Abendblattes. Die Erfolgs-Welle trägt sie nur einen Monat darauf in Zusammenarbeit mit der Konzertdirektion Karsten Jahnke auf ihrer ersten Headliner-Tour durch Deutschland und wenig später zu diversen Support Shows für u.a. Jamie Lidell und Lucky Chops. Um all die Eindrücke und Erfahrungen aus dieser intensiven Zeit zu verarbeiten, zieht sich die junge Musikerin 2017 ins Studio in Ihrer Heimatstadt Berlin zurück, wo sie in enger Zusammenarbeit mit dem Produzenten Patrik Majer (Echogewinner und u.a. Wir Sind Helden/Rosenstolz) ihr Debüt-Album aufnimmt.

Das neue Album „Piece Of Cake“ erscheint am 13.07.2018 und scheint einem Stück Kuchen gleich: Danach geht es einem besser. Nur eben ohne Hüftgold. – Mit einer charmant dreckigen Power-Stimme verbindet sie international anmutende Pop-Hooks mit rotzigem Sprechgesang, den sie in akzentfreiem Englisch performt. Wer in Ihre Lyrics eintaucht, trifft auf eine selbstbewusste Frau mit viel Selbstironie.