La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –

Genre: Disco / 70s Soul

We play Disco, 70s Soul,High Energy and a smatter of House.
This time it´s the Paradise Garage edition: channeling legendary NY Night Club Paradise Garage and bowing to Larry Levan.

DJs: Polly Jones , Super Zach and Tom P.

Genre: Stoner Rock / Bluegrass / Heavy Rock

Der Sound von SHAWN JAMES & THE SHAPESHIFTERS ist ein wirklich einzigartiges Gebräu aus den Sümpfen der USA. Markerschütternd intensiv vermengt die Band um Mastermind Shawn James Stoner-Rock und Bluegrass, den Folk des Südens mit schwitzendem Heavy-Rock. Auf ihrem letzen Album „The Gospel According to Shawn James and the Shapeshifters“ ist die Symbiose aus wahnsinniger Fiddle, puckernden Banjos und durch den Fuzz gejagten Slide-Guitars mit Shawn James manischem Gesang nun vollendet. Die Band selbst benennt ihren Sound „Swampy Blues Stoner Rock“ „Southern Swamp Rock“, „Doom Folk“ oder „Rock and Roar“.
Shawn James’ Songs sind auch in diversen TV Shows, u.a. als Titelmelodie der Discovery Channel Serie „Yukon Men“ und in der US Hitserie „Shameless“ zu hören. Ausserdem verwendete der Kultgame Producer „Naughty Dog“ Shawn James’ Song „Through the Valley“ im kürzlich erschienenen Trailer des von der Fachpresse und Fans gefeierten postapokalyptischen Playstation-Meisterwerks „The Last of Us Part 2“ und katapultierte Shawn James somit kurzzeitig auf Platz eins der Spotify Viral Charts WELTWEIT.

Genre: Reggae / Dancehall

Nachdem der legendäre Bohannon Soul Club letztes Jahr für immer schliessen musste, hat „Double Trouble“ nun mit dem Privatclub ein neues würdiges Zuhause gefunden!

Der musikalische Schwerpunkt dieser Veranstaltung ist jamaikanische Musik von alt bis neu, von Alton Ellis über Alkaline bis zu Ziggy Marley. Jeweils 2 DJs legen hier ihre Lieblingstunes auf.

Genre: Disco / House

Oops, We did it again! Do not worry, this will be the last pop-music reference you will hear all night long (Oops, again!) at the next Music for the left footed-Fiesta at Privat club this coming Saturday, the 3rd of June.

Expect a quality DJ-consistency to fulfill your monthly Buti-Sheikh Yoga deeds as researchers recently found out Disco Bombs and House Bangers serve the ideal frequencies for full-body relaxation and Mind ecstasis. (Source unknown)

->Vegan vinyl
->Gluten-free grooves
->Organic music
*NEW* -> BIO-certified! Schwaben may enter!
->Low money guarantee

As always everyone is welcome. Bring your granny, bring your pets. (No pets allowed).
Old people welcome. Young people welcome. Mid-aged, “I-just-wanna-party-to-forget-about-the-troubles-of-my-job-GOD-I-HATE-MY-BOSS-SO-MUCH”-people welcome.

All humans welcome.

Extra terrestrial lifeforms needs peace check at entrance door. Sorry, too little experience with you guys.

Sven-Marquardesque entry denial for the following: Sexism, nationalism

(***Note: No feet fetish event***)

Genre: Blues

Am kommenden Samstag sind Little Hurricane für ein exklusives und restlos ausverkauftes Konzert im Kölner Studio 672 zu Gast, im August kommt das Duo für drei ausgewählte Shows zurück nach Deutschland.

Little Hurricane sind Celeste „CC” Spina und Anthony „Tone” Catalano aus San Diego. Eine Schlagzeugerin und Sängerin, ein Gitarrist und Sänger – mehr bedarf es nicht für ihren ganz eigenen Mix aus Lo-Fi-Indierock und bisweilen minimalistisch anmutendem Bluesrock. Beschrieben wurden die beiden bisher häufig als eine Art Reinkarnation der White Stripes, auch die Black Keys gelten immer wieder als Referenz. Nach ihren beiden bisherigen Alben „Homewrecker” (2011) und „Gold Fever” (2014) erschien mit „Same Sun Same Moon” Mitte April ihr drittes Studioalbum.

Entgegen dem Bandnamen gleicht der Sound, den das kalifornische Ehepaar seit einigen Jahren auf seinen Platten und vor allem auch auf der Bühne zu entfesseln vermag, eher einem „Wirbelsturm”, von „klein” kann da keine Rede sein. Überzeugen kann man sich davon bei den drei Konzerten in München, Berlin und auf dem Haldern Pop Festival im August.

DJs: Sascha Schlegel & Tabeah B.

Genre: Rock'n Roll / 60s

Am 11.August kehren wir mit GOOD VIBRATIONS zurück – ALL DAY AND ALL OF THE NIGHT. Erneut präsentieren wir die glorreiche Musikära der 60er Jahre: zwischen David Bowie und James Brown ist immer auch Platz für The Hollies oder The Zombies. Seid dabei und lasst euch WITH A LITTLE HELP FROM OUR FRIENDS zum TWIST AND SHOUT einladen.

Genre: HipHop & EDM | Classics & New Stuff

Get On Your Dancing Shoes. You Sexy Little Swine.

Genre: Hip-Hop / Electronic / Dancehall

Good tunes for good people

Line Up:

LINNÉA (Trade)
ACE OF DIAMONDS (Club Merlot)
Cochija
Gore Trax
Princess Galaxy
Turneo

La Cumbia, der meist getanzte Rhythmus aus Lateinamerika ist schon in Berlin! Komm und tanz mit uns !

Genre: Cumbia / Salsa / Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen

Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.

Dj Line Up
✪ PAPO YOPLACK- peru –
✪ SELEKTOR BONY – mexico –

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Mein Ziel ist, es mit meiner Musik bei Menschen das zu erreichen, was Musik mit mir macht.

Genre: Pop / Rock / Funk

She’s A Woman, eine Frau, die weiß, wohin sie will…Ein bisschen Funk, ein bisschen Rock, ein bisschen Pop. Der Sound ihrer Gitarre ähnelt dabei Vorbildern wie Jack White, Lenny Kravitz und KT Tunstall. Das Gitarrenspiel ist geprägt von Melodien, die einen nicht mehr loslassen, gepaart mit einer verruchten Stimme, die etwas Besonderes hat.She’s a Woman ist selbstbewusst und ihre Bewegungen sind filigran und weiblich. Sie liebt die Bühne und die Bühne liebt sie.Als sie mit fünf Jahren zum ersten Mal einen Auftritt von Tina Turner im Fernsehen sah, entstand ihr Wunsch Rockstar zu werden. Sie fing an Gitarre zu spielen und gründete mit 15 Jahren ihre erste eigene Band. Sie zog nach Berlin.Als Gitarristin von „Luna Simao“ und „Bollmer“ konnte sie in den letzten Jahren schon auf sich aufmerksam machen, sie spielte vor mehr als 300.000 Leuten und konnte so einiges an Live-Erfahrung sammeln. Jetzt geht sie ihren Weg als Solokünstlerin. Mit ihrer Debüt – Single „I Can Dance Like Beyoncé“ war sie schon bei Radio Fritz zu Besuch. In dem Song macht sie auf gewohnt ironische Weise auf den Überdruss der Casting Shows im TV aufmerksam. Ihr erstes Album erscheint im Herbst. Alles handgemacht, allesselbstgemacht. ECHT She’s a Woman.

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Genre: Indie / Rock

Seit mehr als 30 Jahren sind TRANSMISSION – The Sound of JOY DIVISION eine der führenden britischen Tribute-Bands von Joy Division, die den dunklen, tiefen Sound der Band weiterleben lassen. Joy Division gründeten sich in den späten 1970er-Jahren und lösten sich im Mai 1980 nach dem Selbstmord des Frontsängers Ian Curtis auf.

Die übrigen Mitglieder formten sich neu und kamen in dieser Konstellation sowohl bei den Kritikern als auch in der Öffentlichkeit gut an. So oder so war der Einfluss von Joy Division sehr groß. Sie werden als die Pioniere der Post-Punk-Bewegung der späten 1970er- und frühen 1980er-Jahre gesehen.

Genre: Disco / Boogie / Leftfield Beats / Raps / Afro

Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Jeden ersten Freitag im Monat im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das, worauf wir gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hit-Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer Acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!

Genre: Dark Wave / Rock

exclusive 80s-lineup-show

Genre: Pop / Singer-Songwriter

Curtains up for Ryan McMullan… »Einer der aufregendsten irischen Künstler. Er hat die Stimme eines Engels.« Gary Lightbody (Snow Patrol)

Ed Sheeran hat ihn ins Vorprogramm auf der aktuellen Europa-Tournee geholt. Mit seinen 25 Jahren klingt der Nordire schon wie einer von den ganz Großen: Ein Hybrid aus James Bay und Ed Sheeran; wie ein seltenes Juwel in der Krone der Popmusik.

Nordirland war schon immer Ursprung großartiger Singer/Songwriter und Ryan McMullan ist keine Ausnahme. Portaferry ist ein verschlafenes Küstendorf, dessen malerische Symbolik deutlichen Einfluss auf Ryans Songwriting hatte. Sein Talent Geschichten, Emotionen und Erlebtes aus der irischen Idylle in die passenden Töne und Verse zu verpacken, ist bemerkenswert. In den vergangenen Jahren war er bereits mit NEEEDTOBREATHE, Snow Patrol oder auch Ciaran Lavery auf Tournee.

Genre: Rock'n Roll / Rockabilly

The Buttertones’ Gravedigging is more a movie waiting to happen than an album—or a soundtrack just waiting to inspire a movie, with scene after scene of action, tension and release set to a sound that takes everything good and true about American music before the Beatles prettied it up (surf, sweet soul, the boss saxophone-overdrive garage of the Northwest wailers like the Sonics) and matches it to punk energy, post-punk precision and the kind of personality that blows the circuit-breakers at a backyard party. (Which actually happened, of course.) They’ve even got casting suggestions if anyone wants to start filming—like Willem DeFoe, Winona Ryder, Lucy Liu, and Tommy Wiseau in as many roles as possible. Says guitarist Dakota Boettcher: “We all love movies so much. When you listen to a soundtrack, it has peaks and it has lows, but it’s a whole journey. That’s what we want to do. We want you to go on a journey.”

The Buttertones started their own journey in 2011 as three music school misfits (or drinking buddies, they say) in the heart of Hollywood, happy to learn how to to play, produce and perform but less excited about frequent go-nowhere conversations with classmates who had little interest in either the past or the future of music. So that’s why bassist Sean Redman (also a former member of Cherry Glazerr) felt like he’d lucked out when he found guitarist/singer Richard Araiza and drummer/polyinstrumentalist Modesto ‘Cobi’ Cobiån: “Cobi and Richard were the first guys I met where I thought they knew what they were talking about,” he says. “They had good influences—they weren’t just trying to pander.”
Their first rehearsals were in a Hollywood bedroom where Redman was living on an air mattress, then Araiza finally locked down Boettcher—who he’d often see responding to the same casting calls as he did—to replace another guitarist who was transitioning back to family life even as the Buttertones prepared their debut release, a self-titled cassette on L.A.’s garage-pop Lolipop label. Then they absorbed sax player London Guzmån (formerly in Long Beach’s Wild Pack of Canaries with breakout local Rudy De Anda) after spotting him at a local DJ night, recruiting him for their sophomore album American Brunch—and discovering the kind chemistry they didn’t know they were missing. Says Araiza: “We’re proud to be a legit band. It’s a very collaborative process—we rely on each other. I feel that’s rare nowadays, especially with rock bands.” When it came time to make Gravedigging—the follow-up to a special issue 8” for Innovative, which ended up pulling them aboard the label full-time—they knew it was time to go deeper and get dirtier.
Recorded at Jazzcats studio in Long Beach—home-away-from-home to fellow Innovative Leisure artists Hanni El Khatib, Tijuana Panthers, Wall of Death and more—in the spring of 2016, the sessions were supercharged with hard-won live experience from endless street-level shows and relentless midnight-to-six rehearsals at the Buttertones lock-out, then focused even further by the insight and vision of producer Jonny Bell. (“Jonny pushed us like crazy,” says Boettcher. “He had so many ideas all he time.”)
It kicks off with “Pistol Whip” and “Sadie’s A Sadist,” twin tales of love and crime that match outré Dangerhouse Records punk (the dirty surf of the Alleycats, the slash-and-burn sax of the Deadbeats) to an urgent rock ‘n’ roll rhythm section and lyrics about what happens when you get into something you can’t get out of. “Neon Cowboy” is a weird-Western Wall of Voodoo take on that expansive Ennio Morricone soundtrack sound, then “I Ran Away” is heartbroken East Side Story sweet soul and “Geisha’s Gaze” is a sleazy popcorn-style R&B slow burner. It’s zig-zag through the wild parts of music—the kind of road trip that Iggy Pop was on in Repo Man or the kind where Lux Interior picked up Poison Ivy hitchhiking—and it ends with a climax and a cliffhanger both. That’s the nervous-butnasty title track “Gravediggin’,” a pedal-to-the-metal instrumental that goes blasting over the edge of the world into a dazed slow-mo fade, with just enough time between freefall and impact for Araiza to sing, “I’ve been treading my way through another haze / Tossed my heart to the wind …” Think of it this way: you might not yet know how the band that made Gravediggin’ is going to land—but you know it’s going to hit hard.

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„The Boarding Das World Tour“

Genre: Stand-up Comedy

Nach ausverkauften Shows weltweit kommt der indische Schauspieler, Stand-Up Comedian, Musiker und Schriftsteller VIR DAS im Rahmen seiner „Boarding Das World Tour“ erstmals für eine einzige Show nach Deutschland: am Mittwoch, den 6. September um 20 Uhr im Berliner Privatclub.

Vir Das hat sich durch seine Auftritte in Film und Fernsehen und als Stand-Up Comedian zu einem der größten englischsprachigen Entertainer Indiens entwickelt und zählt auch insgesamt zu den Top-Showgrößen seines Landes.

Bislang hat er auf seinen Stand-Up Tourneen, darunter The History of India und Battle of Das Sexes, mehr als eine halbe Million Tickets verkauft. Durch seine prägenden Jahre in Indien ist sein Humor einem breiten Publikum zugänglich – nun ist er bereit, mit seiner einzigartigen Sicht auf die Dinge auch Amerika zu erobern. Er spielte zudem vor Kurzem in London ein zweiwöchiges Gastspiel am legendären Soho Theatre und trat im letzten Sommer beim Montreal Just For Laughs comedy festival und beim Edinburgh Fringe Festival auf.

Vir Das stieg außerdem in die Bollywood Elite auf mit Filmen wie “BadMaash Company,” “Delhi Belly” oder “Revolver Rani.” The Hollywood Reporter schrieb über ihn: “Das Exhibits a deft comic timing and a winning vulnerability… A sparkling comic performance.”

Ob Vir Das auf der Bühne steht, hinter einer Gitarre oder vor einer Kamera – er ist schlichtweg ein internationals Comedy-Phänomen, herrlich ungezogen und gesegnet mit einer unerschöpflichen Quelle urkomischer Einfälle.

Genre: Pop

Mit Jury, Live Voting und drei großartigen Bands oder Solo Künstlern: Die Finalisten der FlinkSTAR Wohnzimmerkonzertreihe spielen um den Titel FlinkSTAR 2017.

Genre: Indie / Electro-Pop / Indietronica / Eclectic Pop

Kiss All Hipsters is the brainchild of German booker Kristian Wolff and Dutch dj/music-journalist Arnold Scheepmaker who hosts about ten different cutting edge nights a month in different European cities (Berlin, Amsterdam, Utrecht etc.) focussing on genres like indie, electro-pop, indietronica & eclectic pop. Basically the KAH enfant terible is constantly on the run searching for cool new tunes, bringing rowdy & hyper-eclectic yet critically acclaimed nightlife mayhem, collaborating with a diverse bunch of in the know dj’s, bands, designers and photographers and adding new venues to his already full to the brim roster. Kiss All Hipsters is all about a good no-nonsense attitude when it comes to beautiful, yet ultimately empty hipster-types and has a contradictory love-hate relationship with all things fashionista. Kiss All Hipsters has been going internationally for six years, but Scheepmaker’s longest residency, a weekly night at Amsterdam’s well known venue Paradiso, has been attracting a steady 1.000 visitors for over a decade now.

During those years the KAH head honcho has played at numerous venues and festivals, while writing for magazines, newspapers and blogs like Vice and Dutch musicmag LiveXS. The line ‘you only live once, huh?’ is heard quite often when asking Arnold about his life in the fast lane at neckbreak speed.
With Kiss All Hipsters, in the Netherlands always with co-host dj Raven, he aims at the informed crowds of big metropolises who have a bigger than general interest in new releases by a wide range of indie & electro bands with cheeky side-steps to the past, short-lived hype-genres and upcoming genres. Go! Go! Go!

Some stuff we play:

Black Keys Daft Punk Foals Crystal Fighters Django Django Miike Snow Azealia Banks San Cisco Icona Pop La Roux Of Monsters and Men Lykke Li Two Door Cinema Club Disclosure Arcade Fire Foster the People Phoenix The Strokes Kakkmaddafakka Miles Kane Nelson Can Metronomy MGMT M83 Justice Baauer Hot Chip Wankelmut The Vaccines Boys Noize The View Reptile Youth The XX Florence & The Machine M.I.A. The Naked & Famous The Kooks Whitest Boy Alive Good Shoes Crystal Castles The Drums Mumford & Sons Netsky Yeah Yeah Yeahs Doctor P Kings of Leon Darwin Deez Arctic Monkeys The Bloody Beetroots LCD Soundsystem Bloc Party We Have Band The Knife The Soft Pack The Rifles Fake Blood Jamie T Vampire Weekend Major Lazer the Virgins the Gossip The Cure Santigold Chromeo Tiga Mando Diao Urban Cone Empire of the Sun Bombay Bicycle Club Blondie Editors Late of the Pier The Ting Tings Yelle Klaxons Interpol Ramones CSS Simian Mobile Disco Babyshambles Amanda Blank Franz Ferdinand Maximo Park The Sounds The Wombats Friendly Fires

Line Up:
Arnold Scheepmaker

Genre: Electronic Pop

Keine 3 Jahre ist es her, da haben Isaac Howlett und Adam Relf zwei EP’s in Eigenregie auf den Markt gebracht: „Losing touch“ und „Throwing stones“. Mit diesen beiden Releases begaben sich EMPATHY TEST im Folgejahr 2015 auf die ersten Festivals in Europa, u.a. direkt als Headliner beim RIBA ROCKS Festival in Spanien, während das WGT in Leipzig die sogenannte „Entdecker“-Show abgab.

Mit ihrem getragenen, aber eingängigen Synth-Pop und dem charismatischen Gesang von Isaac und der zusätzlichen Hilfe der Live-Mitglieder Christina Lopez und Jacob Ferguson-Lobo präsentierten sie sich 2016 im Vorprogramm von DE/VISION, MESH und VNV NATION und stellten dort ihre Doppel-A-Single „Demons/Seeing stars“ vor.

2017 sieht die Singles „By my side“ (17. Februar) und “Bare my soul” (21. April) vor. EMPATHY TEST zeig(t)en ihre Gesichter auf dem Synth-Pop-goes-Berlin-Festival im Februar und einmal mehr im Vorprogramm von MESH (UK) und AESTHETIC PERFECTION (USA).

Genre: Reggae / Dancehall

Nachdem der legendäre Bohannon Soul Club letztes Jahr für immer schliessen musste, hat „Double Trouble“ nun mit dem Privatclub ein neues würdiges Zuhause gefunden!

Der musikalische Schwerpunkt dieser Veranstaltung ist jamaikanische Musik von alt bis neu, von Alton Ellis über Alkaline bis zu Ziggy Marley. Jeweils 2 DJs legen hier ihre Lieblingstunes auf.

Genre: Singer-Songwriter / Country / Pop

Mit 16 Jahren verlässt Courtney Marie Andrews ihre Heimat in Arizona und geht auf Reisen. In den nächsten zehn Jahren spielt sie als Gitarristin und Background-Sängerin für Künstler, die nicht unterschiedlicher sein könnten: Damien Jurado, Jimmy Eat World und Milow. Nebenbei organisiert sie ganz eigenständig ohne Hilfe von Management oder Agenten eigene Tourneen und nimmt kontinuierlich fantastische Songs auf. Im Januar 2017 wird auch endlich in Deutschland ihr grossartiges und selbstproduziertes Album „Honest Life“ (VÖ: 20.01.17 | Loose Music/Rough Trade) erscheinen. Die Bedeutsamkeit der neuen Songs und den Entstehungsprozess beschreibt Courtney selber so: „While in Belgium for four months, I was going through a major heartbreak. I started growing homesick for America and the comfort of family and friends. (…) It was a giant hurdle in my life, my first true growing pains as a woman. That’s why I feel this record is a coming of age album. A common thread that runs through the songs is a great desire to fit somewhere, when nowhere fits – and wanting to get back home to the people I know and love.“

Verlegt vom 04.04.2017

Genre: Noise Pop

Es passt ganz wundervoll, dass diese dänische Band ihre Karriere mit einer Single namens »Daydreamers« startete. Denn genau dazu liefern Lowly den perfekten Soundtrack.

Das liegt nicht nur an den gleich zwei tollen Leadsängerinnen – Nanna Schannong und Soffie Viemose – sondern auch an ihrem einzigartigen Dream-Pop-Sound, bei dem man die Betonung ruhig auf die zweite Silbe legen sollte.

Denn obwohl Lowly mit ihren flirrenden Gitarren und spacige Moogs durchaus zum traumgleichen Eskapismus einladen, holen sie einen mit großen, selbstbewussten Pop-Refrains stets selig ins Hier und Jetzt zurück.
Die fünf Musiker, die sich in der dänischen Musikmetropole Aarhus fanden, machen auch auf ihrem Debüt »Heba« keinen Hehl daraus, dass sie genau wissen, was sie tun. Wer das nicht glaubt, der höre nur einmal die Vorabsingle »Word«.

Die Platte ist Anfang Februar via Bella Union erscheinen, im September werden Lowly sie dann in Deutschland live vorstellen.

Genre: Indie Pop

Rhys Lewis ist ein Songwriter mit Herzblut: Für seine Tracks reist er regelmäßig zwischen London, Nashville, L.A., Stockholm und Berlin hin und her und holt sich somit jede Menge Inspiration. Vor „Living In The City“ gab es von ihm die Debüt-Single „Waking Up Without You“ zu hören, mit der Rhys Lewis bereits seine musikalische Vielfältigkeit unter Beweis stellte. Darauf folgte nun mit „I Know The Feeling“ gleich die nächste Veröffentlichung. Seit über einem Jahr schreibt der junge Newcomer aus Oxford bereits an seinem Debütalbum, ein für ihn und sein Songwriting sehr prägendes Jahr, aus dem er viel Reife für seinen weiteren Weg gewinnen konnte.

Seine Popsongs vereinen Soul und direkte Lyrics mit einem außerordentlichen Gespür für Gefühl und Ehrlichkeit. Sanft wie James Bay und emotional wie Bill Withers, eroberte Rhys mit seiner ersten Single Platz eins der Spotify Viral Charts und wurde in nur zwei Wochen ganze 170.000 Mal gehört.
Wir warten gespannt auf das Debütalbum von Rhys, dies ist jedoch kein Grund, ihn nicht ein drittes Mal nach Deutschland zu bringen. Ihr kennt ihn noch nicht? Dann wird sich das hoffentlich bald ändern und ganz sicher lohnen.

Genre: Indie

The Crookes lösen sich auf. Nach zehn gemeinsamen Jahren, vier gefeierten Alben und unzähligen großartigen Konzerten ist für die britischen Indie-Popper Schluss. Aber nicht ohne noch einmal groß zu feiern. Hier das Statement der Band:
Liebe Freunde, nach zehn Jahren The Crookes haben wir uns entschieden: Das war’s! Wir bleiben beste Freunde, für immer. Wir hatten als Band ein unglaubliches gemeinsames Leben, und wir sind sehr stolz auf das Erreichte. Die vergangene Dekade war sehr gut zu uns und wir sind glücklich darüber, auf dem Höhepunkt abtreten zu können. Wir möchten Euch danken, dass Ihr zu unseren Shows gekommen seid, unsere Platten gekauft, uns Geschenke und Nachrichten geschickt habt und uns sogar bei Euch zu Hause habt schlafen lassen, als wir auf Tour waren. Durch Euch haben wir großartige Erfahrungen gemacht. Dafür sind wir sehr, sehr dankbar. Natürlich können The Crookes Euch alle nicht verlassen, ohne anständig Good Bye zu sagen. Darum spielen wir einige Abschiedskonzerte. Von unseren vielen treuen Fans in Deutschland wollen wir uns in Berlin mit einem Konzert im Privatclub verabschieden.

Genre: Alternative / Indie / Rock

ERN ist Distanz. FERN ist ein Gefühl, das wir alle kennen: eine Reise durch die Leere, die wir auf uns nehmen, um uns unseren tiefsten Ängsten zu stellen. Das Bemühen, in den dunkelsten Ecken unserer Erinnerung ein dämmerndes Licht vorzufinden. Melancholisch, düster, ungeschönt und hypnotisch erforscht FERN die Welten digitaler und analoger Sphären. Die Musik umkreist die greifbare Vergangenheit und die unvorhersehbare Zukunft und verbindet unverkennbare Rhythmen mit eindringlichem Gesang.

Trevor Sensor: Neue Folk-Poesie zwischen Bob Dylan, Tom Waits & Bon Iver!

Genre: Folk, Singer-Songwriter

Trevor Sensors Inspirationsquellen für seinen extrem berührenden Folk sind so vielseitig wie tiefschürfend, doch sie alle haben eines gemein: Sie gehören zum großen Kanon der gehobenen Intellektualität und Kunst. Musikalisch ein spannendes Amalgam aus Traditionalisten wie Bob Dylan, Tom Waits und Woodie Guthrie im Wechselspiel mit jungen Ausnahme-Songwritern wie Bon Iver, Sufjan Stevens und Conor Oberst. Es sind neben seinen einnehmenden Songs aber vor allem seine höchst reflektierten, tiefgründigen Texte, gesungen von einer Stimme, die in ihrer brüchigen Wahrhaftigkeit sofort unter die Haut geht. Bereits seine im März 2016 veröffentlichte Debüt-EP „Texas Girls and Jesus Christ“ ließ die US-amerikanische Songwriter-Szene aufmerken. Nun, mit seinem unlängst veröffentlichten ersten Album „Andy Warhol’s Dream“, wird sich Trevor Sensor daran machen, die ganze Welt mit seiner Musik gewordenen, postmodernen Straßenpoesie zu verzaubern. Eine erste Gelegenheit, seine aufrichtigen Lieder live zu erleben, wird es zwischen dem 25. und 27. September geben, wenn er zwei Konzerte in Berlin und Köln spielen wird.

Trevor Sensors Debütalbum „Andy Warhol’s Dream“ ist ein perfekter Beweis für die These, dass handgemachte Musik genau dann am intensivsten und authentischsten gerät, wenn der Künstler sein Werk mit einer gewissen ungeplanten Beiläufigkeit kreiert. Denn der 23-Jährige mit den wilden Locken hatte den Gedanken an eine professionelle Musikkarriere bereits aufgegeben. Seit seiner Teenagerzeit hatte er in zahllosen Formationen gespielt, sich dabei durch Punk, Alternative Rock, Post-Hardcore und Indie gearbeitet, sich immer wieder aufgerieben an „der Ambitionslosigkeit meiner Bandkollegen und der Oberflächlichkeit der gesamten Musikbranche“ – und vor etwa drei Jahren eigentlich entschieden, dass er die Musik zugunsten von Literatur aufgibt. Er wollte stattdessen Lyriker und Romanautor werden. Zu diesem Zweck nahm er ein Studium der Philosophie und Englischen Literatur an der Universität in Pella/Iowa auf und vergrub sich ganz in den Schriften seiner Lieblingsautoren zwischen Sören Kierkegaard, Marcel Proust, Henry Miller und Dave Eggers.

Als ein paar Kommilitonen Wind von seiner musikalischen Vergangenheit bekamen – und zudem die Gelegenheit, einige seiner zu dem Zeitpunkt mehr als 70 fertigen Songs zu hören – zwangen sie Trevor Sensor regelrecht, in Bars und bei Open Mic-Nächten aufzutreten. Bei einem dieser Abende hörte ihn zufällig Dave Keuning, der Gitarrist der berühmten The Killers, der ihn davon überzeugte, doch wenigstens ein paar dieser Songs aufzunehmen. Die dabei entstandene EP „Texas Girls and Jesus Christ“ geriet zu einem atemberaubend intensiven, lyrisch extraordinär prägnanten Sittenbild seiner ehemaligen Heimat, der Gegend um Sterling/Illinois etwa 100 Meilen westlich von Chicago – einst eine prosperierende Metropole der Stahlindustrie, mittlerweile eine dieser trostlosen Gegenden des sogenannten „Rust Belt“, wo die weitreichende Arbeitslosigkeit nur noch von der generellen Perspektivlosigkeit ihrer verbliebenen Bewohner übertroffen wird.

Die Reaktionen des US-amerikanischen Feuilletons waren bombastisch; sofort sprach man von einem neuen Dylan mit der lyrischen Sprengkraft eines Jack Kerouac oder T.C. Boyle. Es schien nun unausweichlich, dass Trevor Sensor weiter arbeitet als Musiker. In Zusammenarbeit mit dem Foxygen-Kopf Jonathan Rado und dem Produzenten Richard Swift (Damien Jurado, The Lemon Twigs) sowie den Musikern von Whitney als Backing Band entstand in den legendären Electrical Audio Studios von Steve Albini nun sein erstes Album „Andy Warhol’s Dream“. Auch diese Platte verfolgt lyrisch einen roten Faden, versetzt sie doch Warhols einst ausgerufenen Slogan der „15 Minutes of Fame“ in die postmoderne Welt von Casting-Shows, sozialen Netzwerken und der Manie penetranter Selbstdarstellung. Mit Trevor Sensor erreicht den Hörer also nicht nur ein neuer brillanter Songwriter, sondern ein Poet und Philosoph mit einer Stimme, die man definitiv nicht vergisst.

Genre: Americana / Garage Rock / Singer-Songwriter

Die frühere Frontfrau des Garage Pop-Duos The Ettes Coco Hames ist mittlerweile solo unterwegs. Auf ihrem im März erschienenen Solo-Debüt verbindet Frau Hames aufs Vortrefflichste Americana und Garage Pop zu einer anschmiegsamen Gesamtkomposition. Das Album wurde stilecht in Nashville von Andrija Tokic produziert.

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Die Double Headliner Show im September im Privatclub teilt sich Coco Hames mit The Harpoonist & The Axe Murder.

Der Zwei Mann-Blues Rock der Kanadier klingt genauso authentisch wie frisch. Als Support-Acts unterstützten The Harpoonist&The Axe Murder so unterschiedliche Künstler wie Dr.Dog oder die Wüstenrocker von Tinariwen. Handgemachter Blues ist eben eine Sprache, die fast jeder versteht. Mit einem Sack voller Harmonikas, E-Gitarren und Fußpercussion machen sie sich auf den Weg in den Privatclub.

Im September mit ihrem Debutalbum auf Tour

Genre: Indie Pop

„Mt. Wolf sound like [t]he fully-extrapolated physical hybrid of all the thoughts of love, pain, beauty and fear that otherwise only exist in your head.“ (Metro)

Nach einem Jahr Auszeit haben sich Mt. Wolf letztes Jahr mit einer neuen EP zurückgemeldet und betreten seither mit Sänger und Gitarrist Sebastian Fox, Gitarrist Stevie McMinn und Schlagzeuger Alex Mitchell als Trio die Bühnen.
Die kunstvoll miteinander verwobenen elektronischen und akustischen Elemente und der mehrschichtige Sound mit langen Melodiebögen, die so charakteristisch für Mt. Wolf sind, treffen einen immer wieder mit epischer Wucht. Nicht umsonst wird das Dark Electronic Indie Pop-Trio aus London mit Größen wie Sigur Rós, Mogwai und London Grammar verglichen.

Über die letzten 18 Monate hinweg ist ihre Fanbase stetig angewachsen. Ausverkaufte Kon- zerte, erfolgreiche Auftritte auf dem Great Escape Festival Brighton und dem SXSW in Austin, hunderttausende wöchentliche Spotifyhörer und Radiosupport in den USA, im UK und in Australien sprechen für sich.

Mt. Wolf sind endlich zurück – und das mit voller Power und ihrem Debütalbum „Aetherlight“ (VÖ 26.05.17 | CRC Music) im Gepäck. Dieses Mal wird sie nichts und niemand stoppen.

Im Herbst zurück in Deutschland

Genre: Alternative / Indie / Rock

Im ersten Satz eines Pressetextes auf das schulterlange wie knallrote Haupthaar des Frontmanns Matt Thomson hinzuweisen wäre wohl oberflächlich und würde die Musik der Amazons degradieren. Wäre die Musik der vier Briten aus Reading jedoch eine Frisur, dann sähe sie genauso aus – auffällig, nach vorne preschend, ein bisschen Indie, aber dennoch perfekt zum Headbangen geeignet.

The Amazons machten erstmals mit ihrem Demo “Something In The Water“ auf Soundcloud auf sich aufmerksam und lösten damit prompt sowas wie einen kleinen Hype aus. 2015 durften sie dann gleich mal als Support Act mit The Kooks auf Tour gehen. Rage Against The Machine, Nirvana oder Led Zeppelin nennen die vier Anfang 20jährigen Briten Thomson, Chris, Eliott und Joe als ihre maßgebenden Einflüsse und so mutet auch ihre ganz eigene Musik recht heavy und laut an.

Mit ihren aktuellen Singles „Little Something“ und „Black Magic“ haben The Amazons bereits beweisen können, wo die Reise hingehen soll und dass sich der losgetreten Hype wohl noch länger halten wird. “Little Something represents the darkest and heaviest place we’ve pushed our music to,” sagt Frontmann Matt Thomson. “It’s a predatory lyric based around the hunt for an obsession that’s out of reach, and then in the darkness and failure of reaching it, finding yourself becoming something you’re not.” “Black Magic” kommt größer aber auch verspielter daher, wobei der unnachgiebige, rhythmische Antrieb sich unvermindert fortsetzt und sich das Gitarrenmotiv von Beginn an in die Synapsen unserer Hirnwindungen dreht, während der Frontmann Matt Thomson seinem bereits beeindruckendem Stimmumfang ein geschicktes Falsetto hinzufügt.

Aber auch die Fachpresse und Medienwelt hält große Stücke auf The Amazons: „officially the most hotlytipped guitar band of year“. BBC Sound Poll 2017, Best Breakthrough Act bei den Q Awards, MTV’s Brand New For 2017, Apple Music’s New Artists 2017, Deezer’s Pick For 2017 – sie alle glauben an die Zukunft dieser jungen Gitarrenband aus UK. Wir auch!

Genre: Indie / Pop

Geboren 1991 auf den Färöer Inseln, entdeckte Konni Kass schnell ihre Leidenschaft für Musik. Nachdem sie eine Ausbildung zur Jazz-Sängerin am Skurups Folkhögskola in Schweden absolvierte, wurde sie an der Universität von Kopenhagen zum Medizinstudium zugelassen. Nach zwei Jahren an der Hochschule brauchte sie aber dringend eine Pause vom universitären Alltag und zog zurück auf die Färöer Inseln, um sich vollkommen auf die Musik zu konzentrieren – daher gründete sie im Frühling 2015 die Band Konni Kass mit Torleik Mortensen, Knút Háberg Eysturstein und Per Ingvaldur Højgaard Petersen. Jeder Musiker brachte sein gewisses Etwas mit in die Gruppe, und als sie begannen, zusammen Musik zu machen, entstand daraus ein ganz eigener Stil und Sound.

Diese magische Verbindung inspirierte Kass, neue Musik zu schreiben, die mit dem Sound der Band harmonierte. So entstanden einige Songs erst spät in der Nacht im Proberaum bei zahllosen Jams. Das Ergebnis dieses kreativen Prozesses sind unter anderem die Songs auf ihrem Debut-Album „Haphe“, die innerhalb weniger Monate nach der Band-Gründung entstanden sind. Gemeinsam mit dem prominenten färöischen Künstler und Produzenten Benjamin Petersen arrangierte die Band ihre Songs und erschuf ihr eigenes Universum. Sie wird von dieser einzigartigen, weiblichen Stimme angetrieben, kraftvoll und doch am Rande der Zerbrechlichkeit, die eine Symbiose mit den Synthesizern und Effekten eingeht, im Duett mit dem Saxofon die Akzente setzt, die balladesken Klangkonstruktionen unterstreicht. Sie wird aber auch gerne mal lauter und poppiger, wie im ersten Hit, der den durchaus passenden Titel „Sounds“ trägt. Wenig glattgebügelt und mit einzigartigen Melodien drückt Konni Kass ihren Stempel auf die elektronische Musikszene und überrascht dabei auch mit ungewöhnlichen Elementen. Es ist Jazz, Soul, Elektro, Pop und vor allem Nordisch.

Innerhalb kürzester Zeit eroberte die Band ihre Heimat im Sturm und war schnell auch international gefragt. Bereits im Januar war Konni Kass bei uns, im September kehren die Färinger zurück, um den zweiten Teil ihrer Tour zu spielen.

Genre: Indie

Aufgemerkt, Afficionados: Am 16.06. erscheint Michael Naus Debüt-Nachfolger Some Twist (beim tollen UK-Indie Full Time Hobby), und was uns dort erwartet, fühlt sich an wie eine Frühlingsbrise unter Van Dyke Parks Hawaiihemd. Michael Naus Songwriting ist unprätentiös, lose-gestrickt und pendelt professionell zwischen Halftime-lazyness und absoluter Entschleunigung. Und so ist Some Twist eine Kollektion brillianter Pop-Skizzen, bei denen immer irgendein Detail minimal nicht stimmt: mal ist die Brass-Section leicht out of tune, dann stolpert das Piano in der Hallkammer über die Rimshot – doch immer ist es Naus Stimme, die das Ganze maximalst entstresst zusammenhält. Nau denkt seine Songs von der Akustikgitarre aus und überträgt sie dann auf ein ausgetüfteltes Homerecording-Szenario, wegen dem Pitchfork ihn schon in der Rock’n’Roll Underdogs Hall of Fame sieht. Doch in Wirklichkeit spielt Nau einfach nur den wärmsten Folk-Pop mit den längsten Traditionslinien und der höchstmöglichen Gegenwärtigkeit.

Anfang Oktober stellt Michael Nau mit Band sein neues Werk das erste Mal in Deutschland vor.

Genre: Indie

Nachdem vor Kurzem bereits mit “Boyish” ein neuer Track von Hippo Campus veröffentlicht wurde, kündigt das Quartett aus Minnesota nun sein Debütalbum “landmark” für den 24.02.2017 via Transgressive Records an. Zusammen mit Produzent BJ Burton (Bon Iver, Francis & The Lights) entstanden 13 Tracks über Liebe und Verlust, Familie und Freundschaft, Hoffnung und Selbstzweifel – eine wahre Coming Of Age-Platte für Hippo Campus. Im Oktober holen wir Hippo Campus für eine exklusive Show nach Berlin in den Privatclub!

Genre: Pop

LOUKA, die es vor zwei Jahren nach Berlin-Wedding verschlug, hat eine dieser Stimmen, die man nur einmal zu hören braucht — und danach nie wieder vergisst. Sie singt ihre eigenen, beobachtenden Texte in deutscher Sprache, vor allem aber ist ihre Phrasierung, ist ihr Vortrag einzigartig. Gebettet in minimalistische Pop-Arrangements mit wirkungsvollen Beats, funky-minimalistischen Gitarren-Licks und eigenwilligen Synth-Melodien, hören wir eine junge Künstlerin singen, die nicht nur weiß, wohin ihr Weg sie führen wird, sondern die auch ihre ganz eigene Art gefunden hat, wiedererkennbar zu bleiben.

LOUKA ist ein Glücksfall in der deutschsprachigen Popmusik. In den zwölf Songs ihres Debütalbums singt sie über Begegnungen, Liebe, Trennungen, Freundschaften, Identitätsfindung und Erlebnisse im wunderbaren Königreich der Träume. Über sich selbst sagt sie: „Ich gehe oft ins Theater, lese viel, gehe auch ins Kino —ich extrahiere aus all diesen popkulturellen Momenten meine ganz eigenen Texte, die mit unserer ganz sparsamen, in ausgewählten Momenten freilich schier explodierenden Musik zusammengehen.“

LOUKA ist eine Sollbruchstelle im Spielbetrieb des Pop, eine clevere und zugleich verspielte Beobachterin der Zeit und der Emotionen, sie ist eine Sängerin, die wir ab sofort nicht mehr dem Blickfeld unserer Radare entwischen lassen dürfen.

Genre: Singer-Songwriter

Wer Musik ernst nimmt, muss sie groß meinen. Der Musiker darf keine Angst haben vor mächtigen Worten, er muss etwas wollen, das bedeutender ist als er selbst, und deshalb ist es auch so richtig, dass Fayzen auf die Frage, wieso er im Alter von 15 Jahren mit der Musik angefangen hat, antwortet: „Ich wollte etwas Wahres machen. Und klar, die Welt verändern wollt’ ich schon auch.“

Ende der 90er. Die Welt verändern, das geht jetzt eigentlich nur mit einem Musikgenre. Fayzen schließt sich einer Hamburger Rap-Crew an. Zuvor hatte er jahrelang Texte für sich selbst geschrieben, Lyrik vor allem, er hatte versucht, sich das Leben schreibend begreiflich zu machen, ohne dabei schon ein Produkt vor Augen zu haben. Als er Torch, Freundeskreis und Curse zum ersten Mal hört, ahnt er, dass auch seine Texte Musik werden könnten. Und dass sie es auf diese Weise vielleicht in die Ohren, Köpfe, wenn es gut läuft sogar Seelen von Menschen schaffen.
Fayzen, damals 17, schreibt fortan wie ein Besessener auf Beats. Es ist schneller, klarer, gesellschaftskritischer Rap, von dem er in den folgenden Jahren 20.000 selbstproduzierte Mixtapes in den Straßen seiner Hamburger Heimat verkauft. Einen Großteil des Geldes schenkt er seinen Eltern. Als Dankeschön für eine unbeschwerte Kindheit, die sie ihm trotz Flucht aus dem Iran ermöglichten. Aber auch als Beweis, dass der unkonventionelle Weg des Künstlers der richtige für ihn ist: Schaut, euer Junge schafft das.
Und eigentlich aber zieht es den Jungen da schon wieder weiter. Denn so romantisch die Geschichte vom Straßenmusiker auch ist, Fayzen will auf die großen Bühnen und von dort gehört werden. Also bastelt er an einem Demo, bringt sich selbst Gitarre und Klavierspiel bei, arbeitet Tag und Nacht an Texten, denn immer noch kommt Fayzens Musik vom Wort.
Doch umso klarer ihm wird, welche Geschichten er erzählen will, desto unklarer ist auf einmal ihr Sound. Er probiert viel aus, schmeißt den Großteil wieder weg, das Demo wird und wird nicht fertig, er lässt trotzdem nicht davon ab – und das ist ja auch eine Wahrheit der Kunst: Die Suche nach ihr auszuhalten, ist oft schon der halbe Weg.

So ist es auch dieses Mal. Durch Zufall lernt Fayzen einen Musikmanager des Major-Labels Universal kennen – und plötzlich fließen die Dinge wieder. Er bekommt einen Vertrag, 2013 erscheint sein Album „Meer“. Den Hip Hop hört man dort immer noch heraus, aber die meisten Titel sind weicher, stiller, Singersongwriter-Pop ohne Worthülsen und Instant-Gute-Laune-Lyrics. Fayzen singt von der Sehnsucht nach Zuhause und der Kraft des Fernwehs, er gibt dem Kummer einen Namen und der Hoffnung einen Sound. „Und Reim für Reim öffne ich mein Herz mit jedem Wort / Als ich’s das letzte Mal da draußen tat, da ging mein Mädchen fort“, heißt es in „Paradies“, und kaum je zuvor wurde Liebeskummer schlichter und größer besungen.

Aber obwohl er von sich singt, ist es nicht nur die eigene Gefühlswelt, die Fayzen beschreibt. Innensicht – oft die beste, weil aufrichtigste Projektionsfläche dessen, was in der Welt passiert. „Statt dass ich draußen Steine auf die Polizei schmeiß / Schmeiß ich sie hier drinnen auf die eigene Feigheit“ heißt es da einmal. Der heute 32-Jährige schreibt über sein Unvermögen, den Ungerechtigkeiten der Welt die Stirn zu bieten, und er tut dies angenehmerweise ohne Zeigefingerduktus – und wenn doch mal, erdet er die Weltretter-Pose sofort wieder mit Sonntagnachmittagslethargie. Auf das große Wachrüttler-Plädoyer („Ey du, wir müssen auf die Straße / Weil die da unsere Intelligenz verspotten / Kannst du noch zusehen / Wie eine Hand voll Typen unsere Welt verzocken“) wird im Refrain ein müdes „Und der Wasserhahn tropft / Und der Wasserhahn tropft / Ich könnte den mal zudrehen / Doch kein Bock“. Soundtrack für eine Gesellschaft, die sich durchaus politisch engagiert – aber eben lieber per Online-Petitionen als bei Freiluft-Demos.

Am 21. April erscheint nun Fayzens neues Album „Gerne allein“. Noch immer, das hört man sofort, sind ihm die Dinge nicht egal – und vielleicht ist das überhaupt das größte Wagnis des Künstlers Fayzen: dass er mit dem Pop-Prinzip der Oberflächlichkeit bricht. Dass er die Welt mit seiner Musik unterhalten, aber auch ernst und dafür in Kauf nehmen will, die Menschen zu beanspruchen. Nicht mit Forderungen, sondern mit einem unverstellten Blick ins eigene Innere. „Am Anfang der Produktion standen für mich ganz viele Fragen. Warum hat sich meine Exfreundin von mir getrennt? Warum ist mein Opa gestorben? Also: Wie geht man mit dem Verlassenwerden um? Was ist eigentlich meine Aufgabe? Gibt es Gott? Bin ich schuldig? Wie ist das eigentlich, wenn ich alleine dadurch, dass ich Sachen konsumiere, eine Weltordnung fördere, die ich in großen Teilen ablehne? Und ist es moralisch okay, wenn ich trotzdem glücklich bin? Was ist Wahrheit? Und wie komme ich ihr näher?“

Mit der Arbeit am Album ging er auf die Reise nach Antworten. Und genau wie bei jedem anderen, war dabei auch Fayzens Bewusstsein eine Mischung aus Außen und Innen, aus Vergangenem, Gegenwart und Hoffnung. Da ist der Vater, der mit 17 Jahren und 20 Mark in der Tasche aus dem Iran nach Deutschland kam, sein Abi nachholte, studierte, der drei, vier Jobs gleichzeitig machte und nach der Silvesternacht 2015 trotzdem überlegte, das Land wieder zu verlassen, weil er Angst hatte, die Stimmung gegen Zuwanderer könnte gefährlich kippen. Da ist seine Mutter, die den Vater am Telefon kennenlernte, die sich in eine Stimme verliebte und einen Heiratsantrag annahm, ohne genau zu wissen, wie das Land sein würde, in das sie geht, und deren Mut mit dem Glück einer noch immer sehr nahen Ehe belohnt wurde, auf das Fayzen staunend und stolz schaut. Und aus dem sich für den Sohn aber auch eine ganz andere Fallhöhe ergibt. Solch eine Liebe beobachtet zu haben und dann verlassen zu werden, dann zu erfahren, dass die Freundin das gemeinsame Baby abgetrieben hat, dann nicht zu wissen, wohin einen das Leben treibt – ist vielleicht nicht doppelt hart, aber zumindest sofort als Verlust spürbar; und Fayzen singt auf so rührende Weise davon, dass es den Zuhörer ans Herz fasst.

Genre: Alternative / Electronic

Fans der belgischen Indieband Balthazar sind womöglich schon mit Co-Frontman Jinte Deprez’s neuem Solo-Projekt bekannt. Unter dem Pseudonym J. Bernardt erforscht Deprez neue musikalische Gefilde aus atmosphärischen Synthesizerbeats, die sich einer Reihe Einflüsse erfreuen: Ob inspiriert durch die Liebe seines Vaters zu Kraftwerk oder durch die zarten Popseiten seiner eigenen musikalischen Entdeckungen, J. Bernardt repräsentiert den Beginn einer aufregenden Reise für Deprez.

Jeglicher Launen einer Band beraubt, existiert J. Bernardt mit seinem verführerischen Groove ganz eigenständig. Verpackt in warmen, gefühlvollen Vocals und gar anderer musikalischer Umgebung, kann er in völlig anderen Maßstäben als gewohnt beurteilt werden.

Multi-Instrumentalist Deprez spielte erst im Juni diesen Jahres ein exklusives Konzert in Berlin und diverse Festivaltermine und kehrt schon im Herbst zurück nach Deutschland – mit dabei sein Debütalbum „Running Days“ (VÖ 16.06.17 | Play It Again Sam).

Genre: Acoustic Indie-Rock

Ewert und seine drei Bandkollegen sind mit einer neuen EP zurück. Heißen wird die Platte „Tied For A Lifetime“ und erscheint im Oktober 2017. Mit dem European Border Breakers Award ausgezeichnet, wurden Frontmann Ewert Sundja, Gitarrist Erki Pärnoja, Drummer Kristjan Kallas und Bassist Ivo Etti dank ihres letzten Albums „Good Man Down“ international zu einer festen Größe bei Fans und Kritikern.

Es war eine bisher große Reise für die vier aus einem kleinen estnischen Dorf stammenden Musiker. Angefangen in kleinen Clubs rund um die Welt, reichte es nach sechs Jahren touren in ihrer Heimat am Ende bis zu einer Arena Show. Nach bereits drei veröffentlichten Alben und über 3 Millionen Spotify-Plays ihres letzten Albums aus dem Jahr 2015 folgt nun ein neues Kapitel.

„Tied For A Lifetime“ soll ein Neuanfang für die Band werden, weg vom klassischen Ewert And The Two Dragons-Sound. „We feel that it’s a new beginning for us, in a way. We wanted to try new sounds and new directions. We got a very talented Estonian producer on board (Sander Mölder) and started experimenting.“, sagt Sänger Ewert Sundja.

Wir sind gespannt auf das neue Material der Band und holen sie im Zuge dessen für zwei exklusive Shows nach Deutschland.

Genre: Singer/Songwriter

Nach über 100 Wohnzimmershows zur Bekämpfung seines Lampenfiebers brachte der holländische Singer/Songwriter Dotan im Jahr 2014 endlich sein Debüt-Album „7 Layers“ heraus. Innerhalb eines Jahres brachte er die Songs dieser Platte von den Wohnzimmern auf große Festivalbühnen und zu seinem ausverkauften Headline-Stadion-Konzert in Amsterdam. Die Songs „Home“ und „Hungry“ wurden sofort zu Hits.

Aber dass sanfte Gitarrenklänge, ein ruhiges Schlagzeug und dazu eine verträumte, geheimnisvolle Stimme sehr gut ankommen, ist ja spätestens seit José Gonzales bekannt. Mit diesem Rezept landete auch Dotan: Platz 1 der Charts, mit sowohl dem Album als auch der Single „Home“, sprechen für den Erfolg. Sein Sound ist unverwechselbar und trifft den Zeitgeist. Ruhige, leise Parts wechseln sich mit starken, nahezu majestätischen Refrains ab und erinnern dabei an die Musik von Bastille, Mumford & Sons oder Gotye. Verankert mit einer Akustikgitarre und der einmaligen Stimme des Sängers aus Amsterdam ergibt sich ein eingängiges Hörerlebnis, dass dem Hörer das Gefühl von Freiheit vermittelt.

Als die Achterbahnfahrt im Jahr 2016 ein wenig ruhiger wurde, beschloss Dotan sich wieder zurückzuziehen und neue Musik zu schreiben. Der Song „Bones“ ist nun das erste Ergebnis dieser Arbeit – zurück zu den Singer/Songwriter-Wurzeln, und im gleichen Atemzug auch Tourdates, geplant mit der gleichen Herangehensweise: keine große Band, keine Drums, keine Stadien. Nur Dotan und seine Gitarre. Neue Städte, neue Zielgruppen, neue Geschichten.

Genre: Pop / Singer Songwriter

Die Geschichte von Kafka Tamura beginnt, als Patrick Bongers und Gabriel Häuser auf Soundcloud die einzigartige Stimme von Emma Bradshaw aus Southampton (UK) entdecken.
Seitdem ist viel passiert, die erste EP und das Debüt Album ‚Nothing to Everyone‘ haben viel Aufmerksamkeit erregt. Über 15 Millionen Streams auf Spotify und Touren durch ganz Europa (u.a. mit Milky Chance), machen die Band bekannt.
Emma Bradshaw und Gabriel Häuser leben mittlerweile beide in Berlin, wo sie die Band als Duo weiterführen. Endlich in der selben Stadt zu leben, tut den Musikern sichtlich gut. ,Es erleichtert unsern Songwriting-Prozess ungemein’ so Emma. ‚Alles fühlt sich natürlicher an und die Dynamik innerhalb der Band ist toll – trotzdem nehmen wir uns die Zeit uns neu zu entdecken, die Songs auf
natürliche Weise entstehen zu lassen.
Anfang des Jahres zog sich die Band mit dem Produzenten Eliot James (Two Door Cinema Club, Kaiser Chiefs, Noah and the Whale) ins Studio zurück, um an der neuen Single ‚Find Me Well‘ zu arbeiten.
Für uns ist ‚Find Me Well‘ ein neuer Beginn, mit diesem Song sind wir zu 100% wir selbst. Es geht darum mit schwierigen Situationen fertig zu werden und daran zu wachsen. Er ist voller Wut und Traurigkeit, aber mindestens ebensoviel Freude und Vertrauen. Wir hoffen, dass jeder sich selbst und seine eigenen Erfahrungen in dem Song wiederfinden kann und überlassen die weitere Interpretation jedem individuell.’
Nun kehren Kafka Tamura mit neuer Single und einer Vielzahl von Konzerten auf die Bühne zurück.

Genre: Neo-Soul, R'n'B

Seit gerade einmal zwei Jahren ist das in Kopenhagen ansässige Duo Phlake aktiv – und schon haben sie die Heimat in einem Sturm erobert, wie es die dänische Musikszene noch nicht erlebt hat. Sie blicken in einem Land mit gerade einmal sechs Millionen Einwohnern auf die unglaubliche Zahl von mehr als 80 Millionen Streams ihrer Songs. Die beiden mit Doppelplatin veredelten Singles „Pregnant“ und „Angel Zoo“ stiegen sofort nach Erscheinen in die Top Ten der dänischen Charts. Gleiches gilt für ihr im vergangenen Juni erschienenes Debütalbum „Slush Hours“, das daheim bis auf Platz 4 stieg. Bei den „Danish Music Awards“ 2016 waren sie in sieben Kategorien nominiert, fünf konnten sie gewinnen, darunter „Best Danish Album“, „Best New Artist“ und „Best Danish Songwriter“ Damit avancierten sie zu DER Band der Stunde. Seither nimmt auch Resteuropa immer mehr Notiz von Produzent Jonathan Elkær und Sänger Mads Bo. Im Herbst startet ihre erste große Europa-Tournee, die sie zwischen dem 17. und 18. Oktober auch für zwei Konzerte in Berlin und Köln nach Deutschland führen wird.

Dass Phlake eine rosige Zukunft haben würden, war bereits im Vorfeld fast schon ausgemachte Sache: Der Produzent und Musiker Jonathan Elkær galt schon vorher als ein äußerst profilierter Beat-Schrauber und Songschreiber, der unter anderem für das dänische Soul-Label Tabu Records sowie für die Band Suspekt zahlreiche bemerkenswerte Tracks erstellt hatte. Anfang 2015 war er auf der Suche nach einer neuen Herausforderung – und fand sie, nachdem er auf den begnadeten, mit einer atemberaubend warmen und vielschichtigen Stimme ausgestatteten Sänger Mads Bo traf.

Zunächst fungierten Phlake als ein reines SoundCloud-Projekt und luden immer mal wieder einen Song hoch. Ihre Mixtur aus modernem R’n’B, klassischem Soul und kantigen Hip-Hop-Beats stieß insbesondere im allgemein sehr Soul-verliebten Dänemark schnell auf viel Interesse. Sie selber gaben ihrem ebenso umschmeichelnden wie tanzbaren Musikstil den Namen „Rhythm & Balls“, was so viel bedeuten sollte wie: Wir sind rhythmisch, wir haben Gefühl, aber auch genug „Eier“, dass uns auch ein Hip-Hop-Fan problemlos gut finden kann.

Wie weitreichend ihre Fanbasis ist, stellte sich im Rahmen ihrer ersten offiziellen Releases heraus: Die Single „Pregnant“ stieg unmittelbar bis auf Platz 9 der dänischen Charts und wurde mit Doppelplatin ausgezeichnet. Die nächste, ebenfalls mit Doppelplatin veredelte Single „Angel Zoo“ kletterte sogar bis auf Platz 3 sowie bis an die Spitze der dänischen Spotify-Charts. Kein Wunder, dass in der Folge auch ihr im vergangenen Sommer veröffentlichtes Debütalbum „Slush Hours“ zu einer der erfolgreichsten Veröffentlichungen Dänemarks im Jahr 2016 geriet.

Nachdem Phlake in Dänemark so ziemlich jeden Musikpreis gewonnen und bald jede große Halle des Landes bespielt haben, machen sie sich nun auf, ganz Europa von ihrem wohltuenden, aber auch eigenständigen Sound zu begeistern. Eine erste Tour durch England hat die dortigen R’n’B-Fans bereits völlig elektrisiert, im Herbst folgt nun das Festland Westeuropas.

Die neue Single „Chunks“, die neben den bereits bewährten Zutaten obendrein mit einem überraschenden Louisiana-Swamp-Stil aufwartet, beweist, dass Phlake bei der Erforschung neuer souliger Nischen erst am Anfang stehen. Man darf sehr gespannt sein, was da in den nächsten Monaten noch alles kommt.

Genre: Metal / Hard Rock

Belgium’s finest dark groove rockers Diablo Blvd have announced to have entered the studio to record the follow-up to 2015’s Follow The Deadlights. Diablo Blvd (est. 2005) have released two album on PIAS which made big waves in Belgium. Their third album Follow The Deadlights was released in May 2014 by Sony Music in the Benelux to huge critical acclaim with a top 3 charting. It got a full international release in January 2015, making Diablo Blvd the first Belgian band ever to get signed to Nuclear Blast. Diablo Blvd embarked on an 18 month lasting European promotion tour that landed them support act duties for Machine Head, Epica, Ace Frehley, Queensrÿche and Life Of Agony, for which they also did the USA support, including a number of festivals like With Full Force, Metal Days, Pukkelpop and Summer Breeze. They also organize their own metal festival Diablofest in Belgium where they give upcoming bands a platform to bigger audiences.

Genre: Indie Pop / Soul

Berlin’s finest Indie Pop label Firestation Records celebrates its first 20 years in business with a smashing birthday party! We have invited two of our alltime favourite bands to join us on the night of October, 21st 2017 at Privatclub in Berlin.

All the way from Manchester we welcome the legendary Railway Children with their first show in Germany for 30 years. Well-known for their mix of sophisticated guitar pop and neo-acoustic sounds, they started their career on the famous Factory label (New Order, Happy Mondays), and became internationally successful when they moved to Virgin Records.

The Railway Children will share the stage with a slightly younger band from London, New Street Adventure. They have just released their second LP on Acid Jazz, and are about to make their breakthrough while you’re reading this. They will thrill you with their heavily soul-influenced powerful pop music!

On the decks you’ll be treated with the best from Indie Pop to Northern Soul by a one-time reunion of Berlin’s much-beloved DJ collective Ship Shape Club.

Be seeing you in Berlin! Stay tuned.

Genre: Indie Rock

Within the songs of Laetitia Tamko there are infinite worlds: emotional spaces that grow wider with time, songs within songs that reveal themselves on each listen. Tamko is a multi-instrumentalist and a producer, recording since 2014 as Vagabon. On her forthcoming debut, Infinite Worlds, she hones her singular voice and vision with an unprecedented clarity.

“I feel so small / my feet can barely touch the floor / on the bus where everybody is tall,” she sings softly and with caution, as she begin the album with “The Embers.” Driving punk drums pry her song open, exploding it into an anthem that pushes back at entitled people who make others feel tiny. “I’m just a small fish / and you’re a shark that hates everything,” she sings, repeating that line and over and over with strength and power. “I’ve been hiding in the smallest space / I am dying to go / this is not my home,” Tamko starts carefully on “Fear & Force,” before her finger-picked guitar playing gives way to slow-building synth claps and ethereal harmonies. “Mal á L’aise” is one of the album’s focal points, a five-minute meditation of ambient dream pop, featuring Tamko’s usage of samples; some are samples from a Steve Sobs song on which Tamko was featured, enticing the one writing collaboration of the album. “Mal á L’aise” means “discomfort” in French, Tamko’s first language, and throughout the song she works through different meanings of that word: social, cultural, physical.

Infinite Worlds builds upon Tamko’s stripped-down demos that have been circulating online and throughout the independent music community for the past two years. Her Persian Garden cassette, released in 2014 via Miscreant Records, was a lo-fi collection where she embraced a first-thought best-thought approach, making songs that began with just her voice and guitar. But here, Tamko is a main performer of synths, keyboard, guitars, and drums, at times enlisting the work of session studio musicians. This had Tamko channeling the thoughtfulness of her lyricism into her arrangement and production as well. The result is a wide-ranging eight-song collection that’s pleasantly unclassifiable: hypnotic electronic collages, acoustic ballads, and bursts of bright punk sit side-by-side cohesively, all tied together by Tamko’s soaring voice.

“I write a lot about places, archiving my memories in spaces that I used to be in, spaces I am currently in, or spaces I will eventually be in” she says. “Archiving different moments that I’ve been thinking about, have gone through. It’s not always autobiographical though. It could be about different situations I’ve seen people I love in. Or people I don’t know in. I think that comes a lot from being in different environments. Like growing up in Cameroon. There, we are happy with very little. Then moving here and seeing how the culture differs from where I’m from.”

Tamko’s songs are embedded with her own story and personal history: growing up in Cameroon, her family’s move to New York and adjusting to culture shock. Her family left Cameroon just in time for her to begin high school in the states. She grew up around music and loved it, but finishing engineering school was a priority before music could start to feel like a real possibility. “When I was in Cameroon, my mom would have these ‘reunions’ which was just her friends coming over on Sundays,” she says. “There was a lot of music around me. Traditional West-African songs sung as group chants, hand drums and percussive instruments being played, etc.” To date, Tamko mostly listens to East and West African music nostalgic of her childhood, styles of music that influence her own in subtle ways.

Infinite Worlds was recorded at Salvation Recording Co. in New Paltz, NY with engineer and co-producer Chris Daly. Tamko and Daly worked closely and tirelessly in his upstate NY studio through the winter into the spring of 2016. The album’s title references a book of poetry by Dana Ward called The Crisis of Infinite Worlds, a book Tamko found particularly inspiring during her recording process, but also very challenging to read: “I had to think critically while reading Dana Ward, it was exciting to be challenged in that way. While I was writing the album, it was a lot of me thinking critically about how to actualize my ideas, and the challenge of reaching proficiency in new instruments. It sort of mirrored my experience reading Dana Ward’s book. I found myself combing his writing over and over and over until I grabbed something from it.”

And as she sat with her songs, she found more and more. “A lot of it is about finding a space for myself, whether it is physical, emotional, social” Tamko says. “It’s about finding that place where I feel most comfortable. And also finding that the confidence within myself can continue to grow. And finding what it takes for me to feel whole through making music.”