Genre: Pop

Seit seinen frühen Jugendtagen ist FELIX RÄUBER von allen Formen des Musik-Machens und der damit verbundenen Möglichkeit, Gefühlen ihren freien Lauf zu lassen, besessen. Mit 13 Jahren gründete er im Keller des Elternhauses seine erste Band – der spätere No1 Hit-Indie Pop-Stern „Polarkreis 18“. Das erste Studioalbum (2007) führte die Band mit Frontmann Räuber durch ganz Europa, direkt hinein ins internationale Showbusiness mit 150 Konzerten im Jahr. Gold- und Platin-Awards sowie eine Echo-Nominierung folgten und die Single „Allein, Allein“ wurde zu einem der erfolgreichsten deutschsprachigen Songs aller Zeiten und avancierte zum Welthit.

Mit „AUTSIDER“ (eine begriffliche Verschmelzung von Autismus & Outsider) vervollständigt er im Frühjahr 2021 die EP-Trilogie, bei dem er sich mit einem neuen thematischen Feld auseinandersetzt, in dem Stigmata behandelt werden, die Menschen in unserer Gesellschaft als Außenseiter platziert. Ausgehend von seiner eigenen Biographie, seiner Kindheit in der DDR und der Musik als Fluchtmöglichkeit, erzählt Felix die Geschichte eines Autisten stellvertretend für den „Außenseiter“. Nach dem Titeltrack „Autsider“ folgen mit Songs wie „Empty Space“ weitere Randfiguren und Randthemen, in denen Felix einen Alkoholiker & einen Immigranten beschreibt und so ein vielfältiges Bild von Details zeichnet, die außerhalb des Zentrums unserer täglichen Beobachtung liegen.

Aufbauend auf seine mit über 3 Millionen Streams aktuellen Wiederveröffentlichung seines Hit-Klassikers „Allein Allein“, sowie der jüngsten Platzierung des Titels „Après Minuit (feat. Schlindwein)“ in der Emmy-nominierten ABC- & Netflix-Serie „How to get away with murder“, setzt er auf „AUTSIDER“ verstärkt auf gesellschaftspolitische Themen und kombiniert sie wie gewohnt mit seinem eigenen Stil des „Cinematic Pop“, mit einer Mischung aus Neoklassik, Elektronik und Pop sowie epischen Musikvideos. Von Felix selbst produziert und einer Vielzahl an Gastmusikern und Instrumentalisten angereichert, schließt er damit die 3 teilige Solo-EP Serie ab, die allesamt die Suche nach der eigenen Identität verbindet.

Genre: Folk / Indie

Bands share a whole lot more than just music. They encounter and endure life’s ups, downs, and everything in between as a collective. Along the way, band members grow individually and collectively. Following a year highlighted by 150-plus shows, ​Wild Rivers transpose personal experiences into relatable anthems woven from strands of folk, indie, rock, pop, country, and beyond. Their 2020 EP, ​Songs To Break Up To [Nettwerk], brings Wild Rivers—​Khalid Yassein [guitar, vocals, keys],​Devan Glover [vocals, bass],​Andrew Oliver [lead guitar, bass], and​Julien La​ferrière [​drums]—​closer as it also draws listeners in.
“The EP was very personal for me specifically, but building it out with the band was a big step for all of us as friends,” says Khalid. “I spend 95% of my time with my bandmates. We’re a family, so we go through everything together. It’s autobiographical, but the group saw the vision and were empathetic. It went from a singular experience to everyone serving the vision tonally and musically.”

Since the release of their self-titled 2016 debut, Wild Rivers consistently progressed towards this point. As of 2019, their total streams surpassed 100 million and counting. 2018’s Eighty-Eight EP garnered acclaim courtesy of ​Rolling Stone Country ​ , ​PopMatters ​ , ​Earmilk ​ , ​No Depression ​ , and more. Additionally, the band packed shows across North America and beyond, touring alongside The Paper Kites, Donavan Woods, and Jake Bugg, to name a few.

In the midst of a 2018 road marathon, Khalid faced the dissolution of a long-term relationship, so he poured his heartbreak into the music.

“When we began writing, the songs that spoke to us all were centered around the breakup,” he says. “We decided to lean into the theme and make the EP an exploration of the topic, what the different sides of a breakup are, and what the feelings are. These include the good and the bad, the acceptance and the sadness, and the new freedom. We wanted to write a collection of songs covering the spectrum of what you feel going through the end of a relationship.”

In order to do so, the group retreated to Nashville, TN in October 2019, working out of Creative Workshop with producer Skylar Wilson (Rayland Baxter; Justin Townes Earle; Joshua Hedley). In the studio, they expanded their sonic palette by further incorporating synths, guitar effects, gang vocals, and choral harmonies.

“In the past, we’ve mainly recorded in Toronto,” says Devan. “We could just hop into the studio whenever. In Nashville, we only had a limited amount of time, so we got locked in and focused on the end goal as a team. We were all staying together, so we were living and breathing the EP the whole time—which was awesome.”

“Our philosophy was to take risks and do something different,” Khalid elaborates. “The whole ethos really helped in making decisions and guiding what we did. If we felt unsure, different, or vulnerable, we always chased that feeling.”

By chasing it, Wild Rivers uncovered five undeniable tunes led by the first single “Thinking ‘Bout Love.” Clean guitar and a steady beat reverberate amidst a heartfelt vocal volley between Khalid and Devan. Wistful recollections of an old flame give way to gospel-style harmonies as Devan soulfully sings, ​“I’m just thinking ‘bout love ​ .​”
“When you’re talking about breaking up or after it’s over, one person will think practically like, ‘We shouldn’t be together on paper. These are all of the reasons this relationship doesn’t make sense’ ​ ,” Khalid goes on. “It’s the rational side of deciding whether or not you want the relationship. Then, there’s my side, which is romantic and naïve. I think,​‘Nothing matters, if we have love and our relationship is good ​ .​’ That’s the only future I’m thinking about. One partner thinks about the logistical hurdles; the other thinks about love. It’s the hopeless romantic versus the cold rational adult.”

On the follow-up “Kinda Feels Alright,” soft strumming and delicate percussion offset candid admissions from Khalid such as, ​“Last year baby, I was checking in. Now, I’m crashing.”
“One night, I went out on the town with my friend, got drunk, had a bunch of laughs, totally relaxed, and just experienced this amazing feeling,” he recalls. “I wasn’t sad about anything. I stopped thinking about the split. When I was walking home, something made me think of my ex, and all of these feelings came back. It turned on a dime. I realized I couldn’t focus on it anymore. I needed to get closure and get back to my life.”

Elsewhere on the EP, drum machines anchor the poignantly playful “Small Talk” as a piano that once belonged to Ray Charles rings out on the bold ballad “Do or Die.” Now, as the band bring Songs To Break Up To on the road, they’ll contribute $1 from every ticket sold to Voices of Our City Choir—a San Diego-based charity working to amend the housing crisis.
By opening up on ​Songs To Break Up To ​ , Wild Rivers ultimately connect like never before.
“We want to validate people’s feelings,” Khalid leaves off. “It’s okay to be sad; it’s okay to be happy. There’s no right way to handle something like heartache, but you can talk about it with your friends. We try to show that.”

“In this collection, there’s something for everybody,” Devan concludes. “The songs span different genres and vibes. We hope there’s something that can connect with you in terms of the music and the message.”

Genre: Folk

“It’s not Americana or alt anything, it’s really just soulful folk music,” Ben Harper says of Best of Luck, the new album by Christopher Paul Stelling, which he produced.

Harper and Stelling met a few years back when the Grammy award winning musician- producer invited Stelling to open a series of shows. “Ben gave me a true gift back then,” Stelling says. “I’d been on the road for a long time and he put me onstage in front of his fans. He took me to the Beacon, The Ryman, Massey Hall, all these legendary rooms. Just to see that what I could do would even translate in spaces like that was revelatory.”

Harper says he instantly recognized a kindred spirit in Stelling’s virtuosic finger picking and soulful delivery. “It was like finding a John Fahey or Leo Kottke that was a really great singer,” he explains.

The recording of Best Of Luck culminated on a rainy night in Los Angeles, but the whole thing really began back in North Carolina. Stelling calls Asheville home, though he has been in a state of near constant motion for years. Leaving Florida while young to roam and perfect his craft, he made stops in Colorado, Boston, Seattle, New York and even- tually North Carolina – all interspersed with relentless touring – hundreds of perfor- mances a year, in bars, coffee houses, nightclubs and theaters.

“The lifestyle of constant touring was gaining on me,” Stelling says. “And then I was back home, and in the abrupt silence, there was a clarity. The fumes of hubris I had been running on for years were all but gone and my relationship with my environment and myself had turned toxic. I was scared but resolved to persevere. On Christmas Day, after a few false starts, I gave up drinking and decided to take a look at myself.”

And then, as if following some greater cosmic narrative, an email arrived that New Year’s Day. It was Harper asking if he would be interested in making a record in Los An- geles. “I had never worked with a producer before,” Stelling says. “I had always con- trolled everything; it was how I had survived. But I needed a mentor and a friend; I was too far from shore.“

Stelling accepted an artist’s residency at the Stetson Kennedy House outside of Jack- sonville Florida to prepare. Kennedy had been a folklorist and comrade of Woody Guth- rie and Zora Neale Hurston. Woody stayed there for extended periods as well. “I moved into this little house in a North Florida swamp just an hour from where I was born and raised,” Stelling says. “And I proceeded to freak out. It was the first time I’d just sat still for years. Mostly, I took inventory of myself. But I left feeling like I’d found a thread. After that, I would send Ben demos. He would respond with encouragement and tell me to keep digging, so I’d keep digging. Looking back, the whole process was the medicine I needed.”

Best Of Luck is a supremely accessible and finely crafted record that deftly merges gen- res. Harper, who has previously produced records by Mavis Staples, Rickie Lee Jones, The Blind Boys of Alabama and others, recruited an all-star rhythm section with Jimmy Paxson (Stevie Nicks, Dixie Chicks) on drums and upright bass player Mike Valerio (Randy Newman, LA Philharmonic) to lend a versatility and finesse. “I really believe this record is the intersection where folk and soul meet,” Harper says.

The album’s title, Best Of Luck, mirrored perfectly the emotional landscape in which it was created. “Depending on how you say it, it can either be a blessing or a dismissal,” Stelling says. “And that was exactly the point I was coming to with myself, my career as an artist, as a friend and as a person.”

The first track, “Have To Do For Now” is a haunting evocation of a moment between an unexamined past and an uncertain future. The guitar refrain evokes a beautiful sense of wistfulness about the past. “It’s a song about the fear of losing memories and the relief of letting them go,” Stelling explains. “It was written in one sitting. A flood of memories moving back to when I was very young and I fell from a tree house and split my head open. I’d never really processed that trauma but it’s one of my earliest and most visceral memories. I can’t help but wonder how that day and others like it have influenced my life.”

The sonic simplicity of “Lucky Stars” reveals a richness of melody and emotionality. “It’s part love song, part lullaby,” Stelling says of the track, “with a gentle touch from the band and Ben’s haunting lap steel matching my guitar in the instrumental section, addi- tional vocals by my partner. It’s about gratitude and the mysteries of the universe. Even to just be here and marvel at it all is enough for me most times. Even if it’s meaningless, it’s beautiful.”

Throughout the record, discontent and self-doubt are transformed into messages of re- silience and hope. “Trouble Don’t Follow Me” captures this perfectly, with an upbeat al- most anthemic rhythm and soulful, gospel-tinged vocals. “It comes as no surprise to me that one of my most optimistic songs could be written in the most difficult hour,” Stelling says. “When all I needed was a little hope and a song I could play night after night and not get tired of. Something that captured the basic recipe for endurance. A song about marching on, a warning to anything that might stand in your way, and needing to feel strong for the people around you, so you can inspire them to do the same.”

There is an uninhibited defiance to “Until I Die,” a revved up folk-blues featuring a beau- tifully raw guitar and beat. “This song is a kaleidoscope in the hall of mirrors, a psyche- delic rant,” Stelling says. “One thing is for certain amidst the chaos and uncertainty, and that is having someone to love and who loves you back is unrivaled.”

When Harper talks about his admiration for Stelling, he refers to his family’s legendary folk music store, filled with instruments and a fluid merging of styles and genres. “When I listen to Chris, I hear my grandparent’s store in Claremont,” Harper says. “He’s carry- ing on that tradition. A guy that can play any instrument from any country and play it with real feeling. He crosses genres but manages to respect them; he is a folk singer with an unusual soulfulness. He understands where this music comes from and why it’s remains so essential. Of all the record’s I have produced, this is one I’m most proud of.”

For his part, Stelling says, “This record was about learning to trust the people around me. If anything, after years of closely guarded decision-making I’m delighted by the re- sults of this collaboration. This record has an undeniable sense of clarity. The songs are lean but never feel incomplete. Ben knew how to coax me out of my well-worn comfort zones, how to move fast and spontaneously and put me on the spot, and how to retreat and give me space to process things. People who know me have said they hear a lot more of me in this album than anything before. Realizing I couldn’t heal the world, I started to heal myself, and I couldn’t be more pleased by how that sounds.”

Photo: Marc Shelly

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Genre: Indie, Pop, Singer-Songwriter

Genre: Pop

Pudeldame – Das sind vier Hamburger und Lübecker Boys um Sänger und Schauspieler Jonas Nay. Die Band verbindet verschiedene Element elektronischer Popmusik der letzten Jahrzehnte zu einem unverkennbaren Stil. Mitreißende Beats, treffen auf intelligente Gitarren- und Synthiearrangements und tragen Nays exzentrische Vocals. Mal Viby, mal pumpend, aber immer fresh und unerwartet!

2017 gegründet arbeitete die Band bisher vorallem im Studio und erforschte unterschiedlichste Sounds. Dabei gelang es den vier studierten Vollblutmusikern einen elektronischen Ansatz, den man sonst nur aus rein produzierter Musik kennt, in den Bandsound zu integrieren und somit ihre eigene musikalische Sprache zu entwickeln.

Mit „Egalität“ ist Ende 2019 die erste Single nach „Der Erbe“ erschienen. Der Song spielt mit Elementen der Neuen Deutschen Welle und überträgt sie in die heutige Zeit. Inhaltlich ist Egalität ein prototypischer Song und lässt – vor allem im Video – neben Anspielungen auf Verschwörungstheorien viel Interpretationsfreiraum. Vorallem lädt der Song allerdings zu einem ein: Eskalation! 2020 folgt eine Reihe weiterer Releases und jede Menge Live- Termine.

Support: Skilbeck

Sax, Sax, Sax!
Die drei saxy Saxisten aus Hamburg musizierten schon viele Jahre zusammen, bis ihnen endlich klar wurde, was sie wirklich verbindet: spontaner, unverbindlicher und ungeschützter Sax!
Ob Techno, Drum and Bass oder Jazz, ob tanzbar, melancholisch oder voll auf die Zwölf, diese Achterbahn der Gefühle lässt nichts anbrennen, macht keine Gefangenen und lässt ganz sicher kein Auge trocken.

Mit seinem zeitlosen Blue Soul hat das Projekt Tiflis Transit in den letzten Jahren aufhorchen lassen. Die Band um Fabian Till agiert dabei stets so zeitlos, dass auch eine nochmalige Verschiebung der ursprünglich für 2020 geplanten Tournee in das Jahr 2022 bei den Konzerten selbst kaum auffallen dürfte. Wegen der anhaltenden Corona-Pandemie und einer fehlenden Planungssicherheit wird dieser große Zeitsprung in der Konzertplanung leider notwendig. Da vereinzelt stattfindende Streaming-Konzerte die Live-Energie des Quartetts nur schwerlich transportieren werden können, wird an der Idee von echten Livekonzerten mit Publikum festgehalten. Im Februar 2022 wird die Band dann hoffentlich endlich wieder auf der Bühne stehen und bestimmt auch den einen oder anderen neuen Song zum Besten geben. Bereits gekaufte Tickets behalten für die neuen Termine ihre Gültigkeit.

Genre: Indie

Als Tiflis Transit im November 2018 mit ihrer EP Mondaene Dysfunction (Listenrecords) einen ersten Schritt aus der digitalen Anonymität machten, war das gleich ein ziemlich großer: Denn das Quartett aus Wuppertal, Hannover und Berlin wusste mit seinem Blue Soul, der sich mit großer Spielfreude zwischen Traurigkeit und Groovyness schlängelt, den Zeitgeist ins Mark zu treffen.

Tiflis Transit schreiben Songs, die fast alles können; die es schaffen, jedem und jeder in Strophe 1 das Herz zu brechen, nur damit es im Refrain wieder heilen kann. Songs, an deren Ende man an nichts mehr glaubt, aber irgendwie doch an mehr als zuvor. So als würde man sich dunkel an einen Alptraum erinnern, den man vor zwei Wochen hatte. Definitiv mit Kloß im Hals, aber ohne Angst, sogar mit sehr viel Wohlgefühl.

Dafür sorgt die Tanzbarkeit, ebenso die zur Vereinfachung vertrackter Gedankengänge – und eine Rhythmussektion, die weiß, was sie will. Das geht so was von ins Ohr und bleibt noch viel länger nicht nur im Kopf, sondern auch im Herzen.

Genre: Indie / Pop

Photocredit: Laura-Lynn Petrick

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Genre: Indie

Alexandra Savior kommt mit neuen Songs zurück nach Deutschland! Bevor es die junge Sängerin mit ihrem kürzlich erschienenen zweiten Album „The Archer“ im Rahmen ihrer Tour nach England verschlägt, kommt sie für zwei exklusive Konzerte am 19. Mai in den Privatclub Berlin, sowie am 20. Mai ins Helios 37 Köln.

Wer die musikalischen Klänge der Retro-Seligkeit einer Lana del Rey liebt, wird sich auch vom besonderen Gesang Alexandra Saviors verführen lassen. Mit 14 Jahren entdeckt die junge Amerikanerin ihre Leidenschaft zum Songwriting und findet ein Ventil, mit dem schwierigen Alltag ihres Teenager-Lebens in Portland klarzukommen.

Knapp drei Jahre später veröffentlicht sie auf ihrem YouTube-Kanal eine Coverversion des Angus & Julia Stones Hit „Big Jet Plane“ und gewinnt damit die Aufmerksamkeit von Prominenten wie Linda Perry, Courtney Love oder Alex Turner von den Arctic Monkeys. Letzterer ist es dann auch, der Alexandra Savior bei ihrem Debütalbum „Belladonna of Sadness“ (2017) unterstützt und es produziert, ihren Songs und der Platte eine Struktur gibt, sowie ihren selbstgeschriebenen Texten den letzten Feinschliff verpasst.

Bereits „Belladonna of Sadness“ strotzt vor Nostalgie-Pop und kreiert Bilder von Sehnsucht, Herzschmerz und jeder Menge Leidenschaft. Die Platte mit ihren elf Songs sorgt international für erste Aufmerksamkeit und beschert ihr Vergleiche zu Stars wie Lana del Rey oder Fiona Apple. Schon bei diesem Album entwirft Alexandra Savior das Plattencover und dreht die Videos zu ihren Singles selbst. Sie beschreibt ihre Musik als „feminist angst horror film feel“ – und genau das ist es.

Mit einem melancholischen und gleichzeitig desorientierten Ausdruck blickt uns Alexandra Savior seit dem 10. Januar 2020 vom Cover ihres brandneuen Albums „The Archer“ an. Der Longplayer schreit förmlich nach Unabhängigkeit und strahlt wie das Debütalbum angemessen pompös im dunklen Retro-Pop-Gewand, statt im Einheitsbrei zu versinken.

Im Mai kommt Alexandra Savior wieder nach Europa und wird zwei exklusive Konzerte in Deutschland geben. Erlebt die Künstlerin mit ihrer einzigartigen Stimme am 19. Mai im Privatclub Berlin, sowie am 20. Mai im Helios 37 Köln.

Genre: Alternative / Emo Rock

Die ursprünglich für Mai 2020 geplante Tour der amerikanischen Rockband Dead Girls Academy wird aufgrund der andauernden Corona-Pandemie um ein Jahr verschoben. Das Quintett um den ehemaligen Vampires Everywhere-Sänger Michael Orlando spielt am 25.05. in Hamburg im headCRASH, am 26.05. in Berlin im Badehaus, am 27.05. in München der Kranhalle und am 29.05. in Frankfurt im Club Das Bett. Bereits gekaufte Tickets behalten ihre Gültigkeit. Das Konzert in Köln kann leider nicht nachgeholt werden. Tickets hierfür können dort zurückgegeben werden, wo sie gekauft wurden.

Die Geschichte von Dead Girls Academy ist eine Geschichte der Wiederauferstehung: Als Sänger Michael Orlando nach erfolgreichen Jahren mit Vampires Everywhere! in einen Unfall verwickelt wird und fast stirbt, folgen drei harte Jahre Reha voller Selbstzweifel und Qualen. Aber der Traum eines Neuanfangs gibt Orlando die nötige Kraft. Zusammen mit seinem Freund, dem Falling In Reverse-Sänger Ronnie Radke, gründet er Dead Girls Academy. Nach dem Ende von Vampires Everywhere! keine einfache Aufgabe. „Ich hatte den Namen Dead Girls Academy schon lange im Sinn”, erklärt er. „Ich stand schon immer auf die dunkle Seite des Rock & Roll, daher passt der Name perfekt zu Sound und Image der Band. Gespaltene Persönlichkeiten, falsche Freunde, Speichellecker, Aufmerksamkeits-Huren und all diese ganzen Geschichten wollte ich mit diesem Projekt beschreiben. Also habe ich angefangen, zusammen mit Ronnie und unserem Freund Elvis Baskette (Slash, Sevendust) Songs zu schreiben. Wenn man in Hollywood lebt, sieht man so viele schlimme Dinge; ich hatte so viele Geschichten in meinem Kopf, ich könnte darüber sechs Romane schreiben. Und genau daraus entstand die kreative Kraft, die mich und Dead Girls Academy antreibt. Ich denke, man kann das hören. Als Ronnie und ich zum Beispiel ‘I’ll Find A Way’ schrieben, wollten wir die Wahrheit sagen. Wir wollten einen Text, der dich wirklich trifft, der eine Geschichte erzählt, wie man seine inneren Dämonen erfolgreich bekämpft und besiegt. Die Stimmen in deinem Kopf, die dich in eine Richtung treiben, dein Herz will aber in die andere – die Gratwanderung zwischen richtig und falsch. Ich hoffe, dass dieser Song Hoffnung gibt, denn die Anleitung zum Glück haben wir in uns und wir dürfen den Kampf nicht aufgeben.”

Dead Girls Academy haben auch keine Zeit verschwendet und beginnen schon 2017 zu touren, u.a. mit Falling In Reverse, Motionless In White und Issues. Mit Victory wird dann auch das richtige Label auf sie aufmerksam.
„Victory Records sind verantwortlich für einige meiner Lieblingsbands und ich bin sehr froh darüber, zu dieser Familie zu gehören“. Wenn es um die Zukunft geht, macht sich Orlando keine Sorgen: „Das ganze Team steht voll hinter uns und ich bin sehr glücklich darüber. Ich glaube fest daran, dass wir zusammen großen Erfolg haben werden. Ich freue mich darauf, der Welt Dead Girls Academy vorzustellen.”
Dead Girls Academy verstehen es geschickt Elemente von Mötley Crüe in erfrischendem Hard Rock unterzubringen, dies mit einer Prise Avenged Sevenfold und Black Veil Brides zu garnieren und das Resultat einem breiteren Publikum zugänglich zu machen.

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Genre: Pop

Genre: Indie / Pop / Singer-Songwriter

Es brodelt in der britischen Musikszene – der Name Joesef macht die Runde wie ein Lauffeuer. Noch bevor er einen einzigen Track released hatte, war das erste Konzert bereits ausverkauft. Was es mit dem geheimnisvollen schottischen Singer/Songwriter auf sich hat, kann man am 09.12.2020 im Yuca, Köln sowie am 10.12.2020 im Berliner Privatclub erfahren, denn dort spielt einer der spannendsten Newcomer der Insel in diesem Jahr.

Joesef ist ein Vertreter des Bedroom-Pop – einer Musikrichtung, die durch die Möglichkeiten moderner Aufnahmetechnik im Schlafzimmer der Künstler entsteht und produziert wird. Alle Instrumente spielt der junge Mann aus Glasgow selbst ein. Seine Einflüsse reichen von Motown über Jazz, Pop, Blues bis zu Hip Hop und R’n’B. Mit seiner unverwechselbaren, kantigen Stimme erschafft er wunderbare Momente voller Poesie, die nie angestrengt klingen, irgendwo zwischen Künstlern wie Amy Winehouse und Frank Ocean, modern und klassisch zugleich.

Vom Erfolg seiner Debütsingle „Limbo“, die im März 2019 erschien, war Joesef mehr als nur überrascht: „Es war absolut verrückt, nie im Leben hätte ich damit gerechnet“

Dass seine Musik so ein reges Interesse verursacht, verwundert indes nicht wirklich, denn so offen, organisch und voller Seele werden die Songs des Schotten zu einer erfrischenden Abwechslung zwischen all den aufgepumpten Popsongs der Gegenwart.

Im Mai folgte dann die Single „Loverboy“ die Joesef nicht nur zum Artist of the Week bei Apple Music machte, sondern auch in Radioshows aller wichtigen britischen Sender vorgestellt und besprochen wurde. Der Song bringt es mittlerweile auf mehr als vier Millionen Streams bei Spotify. Am 18. Oktober erschien dann die Debüt-EP „Play Me Something Nice“, die neben den beiden bereits erwähnten Singles vier weitere Songs voller süßer Melancholie und Sinnlichkeit enthält. 2020 folgten die Singles „Think That I Don’t Need Your Love“ und „The Sun Is Up Forever“, die seine Ambitionen, die Popwelt aufzumischen, erneut eindrucksvoll unterstreichen.

Wer also nicht zu spät kommen will, der sollte sich Joesef unbedingt bei seinen beiden Deutschlandkonzerten im Yuca, Köln am 09.12.2020 oder im Privatclub, Berlin am 10.12.2020 anschauen. Dort wird er nicht nur seine Songs, sondern auch eine ganze Band dabeihaben, die seinen Sound auf die Bühne bringt

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Genre: Indie-Rock

Nach seinem vierten Album „Stadt der Lieder“ (2018, Staatsakt) widmete sich Doc Schoko wieder vermehrt dem Theater und diversen Kunstprojekten.

Aber rocken muss man auch ab und an – deshalb spielt der Wahlberliner aus dem Ruhrgebiet Mitte November im schicken Privatclub vor heimischem Publikum – in voller Bandstärke.

„Trotz wunderbar wahrhaftiger Songtexte bleibt Doc Schoko wohl auch auf der vierten Platte mehr Liebhaberthema grantelnder Realisten. Denn so viel Wahrheit kann die breite Masse gar nicht ab.“ (Intro)

„Doc Schoko ist nichts weniger als der Charles Bukowski des deutschen Indie-Pop.“ (Musikexpress).

Riches of the Poor präsentieren ihr Debutalbum „The Long Way Down“ (Crocodile Tears Records, VÖ 24.04.2020).

Genre: Alternative / Indie

Embracing the post-genre world with a unique cocktail of hooks, heart and restless creativity, Sacramento’s Cemetery Sun have consistently evolved and blazed their own trail since forming back in 2015.
From the anthemic overtones and unfiltered lyrics of breakthrough single ‘Fake Love’ (which has racked up well over 13 million plays on Spotify) to the bittersweet alt-rock that made 2019’s ‘Haunted’ EP so compelling, they’ve spent the last few years combining Californian sunshine, R&B flourishes and sheer, emotional catharsis like no one else – sharing stages with Blink-182, The Maine, Papa Roach and so many more along the way.

Drawing on the interplay of Josh Doty’s dynamic vocals, Matt Scarpelli’s lead guitar lines and Elliot Polokoff’s skills as both guitarist and producer, they’ve earned comparisons to the likes of Twenty One Pilots and Linkin Park without ever riding in anyone else’s slipstream. Yet there’s far more to the world of Cemetery Sun than their music alone: Josh tackling his stories of struggle and overcoming adversity head-on, and encouraging fans to grab life with both hands.

After making their Reading & Leeds Festival debut in 2019 and engaging their fanbase with content and covers through the uncertain times of 2020, they’ll be bringing us all more music as the year rolls on – operating as a truly independent, innovative band following a successful stint on Lava Records. And in the process? They’ll be aiming to shine some light and hope into the lives of everyone who needs it.

Genre: Emo, Pop

ALEX HENRY FOSTER (AHF; Foster) ist ein kanadischer Musiker, Singer-Songwriter, Autor, Produzent und Komponist, bekannt als Frontmann der Juno Awards-nominierten Post-Rock / Noise Band Your Favorite Enemies (YFE). Mit seiner Band “the long shadows” kreiert er auf der Bühne intensive und brachiale Soundwelten in Kombination mit tiefgehenden Texten, die jeden in ihren Bann ziehen.

FOSTER ist nicht nur ein ausdruckstarker Performer, sondern auch ein leidenschaftlicher Menschenrechtsverteidiger. In den letzten zehn Jahren war er sehr aktiv und setzte sich mit Rassismus, der Verbreitung von Straßenbanden – unter denen er seine Teenagerzeit verbrachte –, dem Wiederaufleben von Populismus und Identitätsextremismus auseinander. In diesem Zuge schloss er sich für mehrere Kampagnen mit Amnesty International zusammen. 2004 gründete er die gemeinnützige Gruppe Rock N Rights, machte auf das Schicksal von Kindersoldaten aufmerkam, rief nach dem japanischen Tsunami 2011 “The Hope Project” ins Leben und war jüngst beteiligt, Druck auf die kanadischen Behörden aufzubauen, bezüglich des saudischen Bloggers Raif Badawi.

FOSTER ist auch bekannt als Vorreiter einer neuen Generation unabhängiger Künstler-Entrepreneurs, da er nicht nur, gemeinsam mit seinem Bandkollegen Jeff Beaulieu, Eigentümer des angesehenen Labels „Hopeful Tragedy Records“ ist, sondern auch Mitbegründer des “Upper Room Studio” in einer ehemaligen katholischen Kirche, die in einen Multimedia-Komplex verwandelt wurde. AHF gründete außerdem die konzeptionelle Kreativgruppe “The Fabrik”, aus der mehrere Modekollektionen sowie eine spezielle Schmucklinie, Red Crown Crane, in Zusammenarbeit mit der Keyboarderin und Kunstdesignerin Miss Isabel des YFE hervorgegangen sind.

Am 9. November 2018 veröffentlichte ALEX HENRY FOSTER ein erstes Solo-Musikprojekt, einen intimen Gedichtessay über die Suche nach Frieden, Glauben und Hoffnung durch den Kontext von Trauer, Depression und Not. “Windows in the Sky” ist das erste Album, das im Rahmen einer neuen Partnerschaft zwischen seinem Label Hopeful Tragedy Records und Sony Music Entertainment / The Orchard veröffentlicht wurde. In der ersten Woche nach dem Release landete es bereits auf Platz 3 der kanadischen Billboard Charts, direkt hinter Muse und Imagine Dragons. Über 15.000 Alben wurden bereits verkauft und so hielt sich “Windows in the Sky” später mehrere Wochen sogar auf Platz 1 der Charts.

Die sympathischen Musiker begeisterten schon auf dem „FESTIVAL INTERNATIONAL DE JAZZ DE MONTRÉAL” mit einem grandiosen Konzert. Die Kanadier setzen live ein musikalisches Statement, bis zu 8 Musiker auf der Bühne lassen ein intelligentes und meisterhaftes Soundgewebe entstehen, was seinesgleichen sucht. Eingehender Bass, melodische Streicher, kräftige Bläser, atmosphärische Keys sowie druckvolle Drums und Percussions versetzen einen nahezu in Trance und schicken einen auf eine Reise, von der man sich wünscht sie würde nie enden!

Am 17.04.2020 bringt Alex Henry Foster nun das Album „Windows In The Sky” über Sony / The Orchard auch in Europa raus. In Kanada wurde er hierfür übrigens für das beste englisch sprachige Album im Rahmen der Adisq Gala nominiert.

Genre: Reggae

KATCHAFIRE have created a universal vibe, crafting their sound from the foundations of classic roots reggae with an R’n’B and funk rub, fusing modern dancehall and with slinky pop, cool grooves and uplifting vibes.

They released their highly anticipated 5th studio album ‚LEGACY‘ (Universal NZ / Zojak Worldwide) on 1st June 2018, and within hours hit No.1 on the New Zealand iTunes album chart and No.1 on the USA iTune Reggae chart. The ‚LEGACY‘ album also impacted iTunes charts around the world… No.1 in Fiji, No.8 in Poland, No.24 in Australia, No.56 in Lichtenstein and Ivory Coast, No.57 in USA, Bangladesh, Cameroon, Ethiopia, Maldives, Myanmar, Palestine and Libyan Arab Jamahiriya!!
The ‚LEGACY‘ album has spawned 5 singles & videos – ‚Addicted‘, ‚Way Beyond‘, ‚Love Today‘, ‚100‘, and ‚Fyah In The Trenches‘.

The ‘LEGACY’ album is exciting and fresh with messages of love, hope, togetherness, and family, featuring 12 brand new songs that the boys worked on between their extremely busy touring schedule, bringing you vibes, sounds and harmonies you expect from the brothers of the ‘Fire with some brand new feels and flavours sprinkled in the recipe.

Hailing from Kirikiriroa in Aotearoa (Hamilton in New Zealand) KATCHAFIRE have become a global roots reggae phenomenon. The all Maori reggae band bring their pure classic sound to music lovers worldwide delivering one of the most authentic Reggae shows around today. They didn’t come from privilege, they didnt have famous parents; they were ruff n tumble youths who had their lives changed by reggae music who have grown into humble husbands and fathers still finding joy spreading the love all over the world.

With their previous four successful studio albums, multiple awards, platinum sales, high-selling singles and a massive fanbase selling out shows around the world, the band have been celebrating 20 years of existence on their Legacy Tour.
KATCHAFIRE were nominated for Group Of The Year at the Island Music Awards in Hawaii in June, and were also nominated for Best Roots Artist & Best Maori Artist at the 2018 New Zealand Music Awards (Nov 2018).

Built on a family movement, former lead guitarist Grenville Bell, father of lead singer Logan Bell & drummer / singer Jordan Bell, moved into and utilized a retired 2nd floor apartment office block in hte heart of Kirikiriroa which acted as the central hub where a handful of musicians along with his then teenage sons could make music all night long… the rest is history. After countless jams and sold out concerts, they swelled to an 8-piece collective of multi-talented songwriters and musicians and have become a staple on the Californian, European and Pacific Roots scenes.

Speaking about the ‚LEGACY‘ album Logan Bell said “The brothers are excited to bring new music to our Fire family… We have been working hard to bring some new fire. It’s sounding great to our ears and we can’t wait to share the music with everybody.”

Brother Jordan Bell said “The way this came together is the epitome of the legacy kaupapa (theme). Katchafire is such a huge family – not only the core members but local and international members, to join us on and off stage. You have been extremely import to us on this journey. We have always been grateful and this is why we always give back by bringing as many of our brothers colleagues and pairs on this journey to share these great experiences and to share the goodness and opportunities. You have all played a part. A true family effort and labour of love”.

Recent line-up changes have added new fuel to the ‘Fire and the singles from the LEGACY album – ‘Addicted’, ‘Way Beyond’, ‚Love Today‘, ‚100‘ and ‚Fyah In The Trenches‘ – have been picking up airplay on roots reggae radio & playlists around the world, with ‚Love Today‘ hitting the Top 20 on the Global Reggae Chart. Latest release ‚100‘ is a fan favourite and hit the NZ Hot Singles chart weeks before being released as a single!

The 12 songs on this album were recorded in numerous studios around the world, from New Zealand & Australia to LA & Hawaii to Jamaica, featuring collaborations with some of reggae’s finest.

Along with the core members of KATCHAFIRE – Logan Bell (Vocals, Guitars, Bass), Jordan Bell (Vocals, Drums), Leon Davey (Vocals, Guitars, Drums, Percussion), Tere Ngarua (Bass, Guitar) & Wiremu Barriball (Guitar, Talkbox) – a host of guest musicians featured on the album including Tony Peebles (USA), Dean Fraser (JA), Stephen “Dubklaat” Maxwell (JA) , Johnny Chong Nee (NZ), Kirk “Kirkledove” Bennett (JA), Dallas Taukiri (NZ), Danny Donovan (JA), Conrad Scarlett (JA), Thabani Gapara (NZ/SA), Roy Kaiki (NZ), Rafael Postel (USA), Dwight Richard (USA), Lamont „Monty“ Savory (JA), Garth „Duckie“ Forester (JA), Te Whenua Te Wiata (NZ), Dean Fraser (JA), Sioeli Tameifuna (NZ), Beau Jeffries (NZ), Yotam Levy (NZ), Emily Campbell (NZ), Rachel Twyman(NZ), Matt Sadgrove (NZ), Anuhea Jenkins (Hawaii USA), Joel Latimer, Rio Panapa, Jason Arthur Welsh & Wayne “Unga” Thompson.

‘LEGACY’ was produced by KATCHAFIRE members and Johnny Chong Nee (NZ), Colin “Bulby York” (JA), Clive Hunt (JA), Brad Morgan (NZ), Stephen „Dubklaat“ Maxwell (JA), Clarence Jey (USA) & Josef Benjamin (USA).
The album was mixed and engineered by James „Bonzai“ Caruso (USA), Matt Sadgrove (NZ), Lance Kingi (NZ), Cameron Bartolini (USA), Hasani Snysh Willams (JA), Mike Ridder (NZ), Michael „Box Lunch“ Howell (JA) and Stephen “Dubklaat” Maxwell (JA); and was mastered by Rohan Dwyer (JA).

The album artwork was created by KATCHAFIRE’s lead guitarist/vocalist Wiremu Barriball & singer Logan Bell, with the cover featuring an historic painting by revered Hawaiian artist Herb Kane which was part of his study of Polynesian voyaging canoes.

KATCHAFIRE’s popularity and critical acclaim has seen them on lineups with just about every reggae artist worldwide from Marley brothers, Steel Pulse, UB40, The Wailers and many more. They’ve garnered respect from the likes of Don Letts (acclaimed documentary maker and Clash tour DJ), music journalist David Katz, and have been championed on the airwaves by radio legends such as Steve Barker (BBC), Charlie Gillet (BBC) and David Rodigan (Kiss FM and others) to name a few of a very long list.

Genre: Pop

Der 22-jährige Singer-Songwriter und autodidaktische Multiinstrumentalist Malik Harris verbindet organischen Pop, elektronische Einflüsse und eine Mischung aus Rap und Gesang mit tiefgründigen Texten sowie unkonventionellem Songwriting. Live vereint er seinen eigenen Popstil aus Gitarre, Klavier, Schlagzeug und Bass sowie seine einzigartige Stimme mit der Loop-Station. Die Musik des Halbamerikaners ist inspiriert von traditionellen Künstlern wie Ed Sheeran und James Bay, elektronischen Sounds von Jack Garratt oder den klassischen Hip-Hop-Styles von Rappern wie Macklemore.

Seine außergewöhnlichen Live-Qualitäten konnte er 2018 bereits als Opener für James Blunt, Alex Clare, Jeremy Loops oder LP unter Beweis stellen und überraschte Presse wie Publikum mit seinen eingängigen Songs und seiner sympathischen Art. Auch hierzulande konnte der junge Musiker auf dem Reeperbahn Festival, SWR 3 New Pop Festival und Rolling Stone Beach und Park sowie einer ersten ausgiebigen Tour begeistern.

Dass Malik Harris mit seinen ersten beiden Singles „Say the Name“ und „Welcome to the Rumble“ als Dauergast der deutschen AirPlay-Charts und der heiß begehrten „Swag!“- und „Top of the morning“-Playlist auf Spotify für ordentlich Aufmerksamkeit gesorgt hat und direkt bei den Menschen damit ankam, zeigen unter anderem über 70.000 Shazams und über 6.000.000 Streams auf Spotify. Dieses Jahr folgte die „Like That Again“-EP und eben erst die neue Single „Home“. Malik wird wie gewohnt sehr persönlich in diesem Track und lässt bei uns viel Kopfkino und Selbstreflexion entstehen: „In dem Song geht es um die schmerzhafte Erkenntnis, dass man diesen einen Menschen hat gehen lassen – ohne wirklich zu verstehen, warum. Dass man es sich nicht erklären kann und sich am Liebsten selbst eine reinhauen würde, weil man ihr das Herz gebrochen hat und zu blind war zu realisieren, dass sie die Richtige war.“

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Genre: Singer-Songwriter

Raised on the music of the smokey mountains, Joshua Ray Walker took a precarious path back to traditional country music.
One forged by musical exploration and life experiences that most his age have not yet endured.
He has played his songs on stages all across texas and beyond, enthralling listeners with his brand of melodic, character-driven writing which puts a new spin on traditional story-telling country.

Minor Majority kommen mit ihrem Album “Napkin Poetry“ auf Deutschlandtournee!

Genre: Indie / Rock

Mit sechs Alben und Songs wie „Dancing in the Backyard“, „Come Back To Me“ und nicht zuletzt „Supergirl“, waren Minor Majority eine der einflussreichsten norwegischen Bands Anfang der 2000er Jahre. Ihre Alben wurden in den meisten europäischen Märkten veröffentlicht und waren vor allem in Deutschland und Frankreich erfolgreich, wo die Band auch ausgiebig tourte.

Seit 2010 hat sich Minor Majority, mit Ausnahme eines jährlich ausverkauften Konzertes in Oslo, unauffällig verhalten. 2019 markiert das 20-jährige Jubiläum, welches mit der Veröffentlichung eines brandneuen Albums namens „Napkin Poetry“ gefeiert wird – 10 Jahre nach „Either Way I Think You Know“. Der Titel des neuen Albums, übersetzt in etwa „Servietten-Poesie“, suggeriert sowohl etwas Leichtes als auch Schweres – etwas Intuitives wie auch Nachdenkliches und Anspruchsvolles.

Die 12 Songs wurden größtenteils im April 2018 live im Ocean Sound Studio aufgenommen. Mit zwei Ausnahmen wurden die Songs alleine von Pål Angelskår komponiert, während die Texte in Kooperation mit Sjur Lyseid entstanden.

„Napkin Poetry“ besteht zum großen Teil aus eingängigen Popsongs, die der Band in der Mitte der 2000er so viel Radio-Airplay bescherte. Doch auch langsame, einfühlsame und große Rock-Stücke à la Spain oder Tindersticks in ihren melodiösesten Momenten finden sich unter den zwölf Titeln. Die Band nennt als wichtige Inspirationen Bands wie The Cardigans, The Jayhawks, Elliott Smith und Neil Young’s Crazy Horse. Die Produktion von Roar Nilsen ist offen und warm und fängt den Kern der Band noch deutlicher ein als es frühere Veröffentlichungen vermögen.

Auf das Debüt „Walking Home From Nicole’s“ von 2001 folgten sechs gelobte Alben, die zusammen mehr als 180,000 Tonträger verkauften, allein in Norwegen! 2006 wurde die Band für „Reasons to Hang Around“ als „best pop group“ mit dem Spellemann-prisen geehrt, dem sogenannten norwegischen Grammy. Minor Majority spielten bisher über 500 Konzerte in ganz Europa.

Im September 2021 spielen Minor Majority nun endlich wieder Konzerte in Deutschland.

Genre: Funk

Genre: Alternative / Indie-Rock

Neue Tournee-Ankündigungen sind in diesen Zeiten schon generell eine kleine Sensation; doch diese hier wäre es selbst unter völlig normalen Bedingungen: Mit The Luka State wird uns im September 2021 die derzeit vielleicht aufregendste, sicher aber meistdiskutierte Indierock-Band Großbritanniens für drei Live-Shows beehren! Im Gepäck habem sie neben ihren erfolgreichen Radio-Singles, die in England bereits als die Indierock-Hymnen einer neuen Generation gefeiert werden, auch alle Songs ihres Ende Januar 2020 veröffentlichten Debütalbums „Fall In Fall Out“, das bereits vor seinem Erscheinen hohe Wellen in den britischen Medien und sozialen Netzwerken schlägt.

Zwischen dem 14. und 16. September gastiert das Quartett aus Winsford/Cheshire, das aus seinen drei großen Einflüssen The Beatles, The Jam und The Clash eine zeitgemäße Form großer Indie-Grandezza geformt hat, für drei Clubshows in Berlin, Hamburg und Köln.

Seit dem überwältigenden Erfolg des britischen Garagerock, der mit Bands wie The Libertines, Kaiser Chiefs, Bloc Party und weiteren kurz nach dem Jahrtausendwechsel eine lange nicht erlebte Dringlichkeit und Frische in die englische Rockmusik pumpte und in der Folge zu dem Rocksound für das neue Millenium avancierte, ist es im UK-Indierock seltsam still geworden. Umso euphorischer und ungeduldiger begleiten die Fans und Fachmedien des Vereinten Königreichs jeden Winkelzug der satt rockenden Hoffnungsträger The Luka State, seit sich das Quartett 2012 zusammenfand.

Gleich die ersten aufgenommen Songs gerieten zu soliden Indierock-Smashern und fanden landesweit über Mundpropanda und ein enormes Live-Ethos nicht nur ungewöhnlich viel Radio-Airplay für einen ungesignten Newcomer, sondern auch immer mehr beinharte Fans – darunter nicht wenige vom Fach und aus der Branche. Zu den ersten Unterstützern gehörte auch der Produzent Sam Williams, der dem UK-Indierock mit der Entdeckung und Betreuung von Supergrass schon einmal frische Iumpulse und einen neuen Twist verliehen hatte. Und auch von The Luka State war er restlos überzeugt, seit er die Band in einem kleinen Club live erlebt hatte

Unter seiner Führung gelang The Luka State eine kleine Sensation: Mit „Matter of Time“, „30 Minute Break“ und „Rain“ veröffentlichte das Quartett ein Jahr der Gründung seine ersten drei Songs, die allesamt zu Indie-Hitsingles aufstiegen und der Band fast über Nacht Streamingraten in Millionenhöhe bescherten. Kaum erschienen, setzte auch der in England übliche Hype in den Fachgazetten ein; „Vulture Hound“ etwa bezeichnete sie als der „absolute Inbegriff des modernen Rock’n’Roll“.

Seither gesellten sich weitere Indierock-Glanztaten hinzu, teils als einzelne Singles und teils gebündelt in Form von zwei EPs; parallel tourte die Band jährlich quer durch Großbritannien und zunehemend auch in Mitteleuropa und Nordamerika. Die Aufnahmen zu einem kompletten Album hatten bei all dem Interesse oft das Nachsehen, und so gingen die beiden Jugendfreunde Conrad Ellis (Gesang, Gitarre) und Sam Bell (Bass), die bereits seit frühen Teenagertagen in verschiedenen Formationen zusammen Musik machen, sowie die für The Luka State rekrutierten Jake Barnabas (Schlagzeug) und Lewis Pusey (Gitarre) erst 2018 ins Studio, um ihren ersten Longplayer aufzunehmen.
Von jenem erwartet die Musikwelt nicht weniger als eine Renaissance des gesamten UK-Indierock; das Zeug dazu haben diese vier jungen Lads im Geiste der Mod-Kultur, wie auch ihre drei Deutschland-Shows im kommenden September unschwer belegen werden.

Genre: Synth Pop

Auf ihrem lange erwarteten, neuen Album präsentieren Beyond Obsession wieder ihre unverkennbare Spielart eingängiger und farbenfroher, elektronischer Popmusik. Beyond Obsession stehen für rhythmische, elektronische Hymnen zwischen Dance, Emotion, Melancholie und Pop, gespickt mit Ohrwurmmomenten und einer ganz einzigartigen Stimme des Sängers Nils Upahl. Beeinflusst aus der ganzen Palette der elektronischen Musik, zusammengehalten vom klassischem Songwriting und mehrstimmigen Gesang. New-Wave trifft auf Dance-Klänge und die Sounds der 80er Jahre finden sich in modernen Harmoniegewändern wieder. So bereichern die Herren seit geraumer Zeit die elektronische Musiklandschaft und bleiben trotzdem ihrem unverwechselbaren Stil treu. Freunde melodischer Pop-Musik werden an dem aktuellen Beyond Obsession Album nur schwer vorbeikommen und auch live wird man sie wieder auf den einschlägigen Bühnen in Europa erleben können – nicht verpassen.

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Genre: Folk / Pop

„Ich möchte ein richtig schönes Album über Mitgefühl machen.“ Mit diesen Worten wandte sich BASIA BULAT an ihren Produzenten Jim James. „ARE YOU IN LOVE?“, so der Titel des Werks, ist in einer Zeit des Todes und der Trauer, aber auch der Vergebung, Neuerfindung und Liebe entstanden.

Die Aufnahmen für „ARE YOU IN LOVE?“ begannen in den Hi-Dez Studios in Joshua Tree, aber das Album war noch nicht komplett, als BULAT nach Montreal zurückkehrte. Es dauerte weitere neun Monate, bis sie wieder zu ihrem Album zurückkehren konnte. Sie verliebte sich und verlor kurz darauf ihren Vater, so dass sie sich auf der Suche nach einem Sinn für das Schöne befand.

Der Titel YOUR GIRL ist bereits jetzt als kleiner Vorgeschmack erhältlich und das komplette Album wird am 27.03.2020 erscheinen.

Genre: Indie

BLOODHYPE sind eine Indie-Band aus Berlin: Elmar Weyland, Erik Laser, Matt Müller und Christopher Kohl. Der BLOODHYPE Plan war einfach: Mit Freunden Musik machen in einer WG in Friedrichshain, nachts Tracks auf Elmar Weylands Laptop aufnehmen, Debüt EP veröffentlichen, 2 Millionen Streams, Hype in Blogs von London bis Lissabon, von Paris bis Poznan. Aber war das wirklich der Plan? Keiner erinnert sich so wirklich…

Nach einem Sommer voller Festivals, Support Tourneen mit Taking Back Sunday und Blackout Problems sowie der ersten ausverkauften Headliner Tour, machen BLOODHYPE jetzt auf jeden Fall tatsächlich große Pläne: Nachdem Ende 2019 Hate Candidate veröffentlicht wurde, steht BLOODHYPEs neue Single Violent Heart jetzt in den Startlöchern. Ein schimmernder 80s Throwback mit modernem Twist – der perfekte Soundtrack zu einem High-School Film voller Selbstmitleid, Drama und gebrochenen Herzen. Mastermind und Frontmann Weyland holte sich für den Song Unterstützung von dem UK Produzenten John “P Nut” Harrison, der schon mit Amy Winehouse oder Alice Merton große Erfolge feiern konnte.

Im Sommer 2020 werden BLOODHYPE ihr lang erwartetes Debut Album Modern Eyes veröffentlichen. Eine Sammlung von Tracks, aufgenommen an den verschiedensten Orten in Berlin. Vom Hansa Studio bis zum fensterlosen Proberaum im Keller in Kreuzberg. Und auf der Tour zum Album im Herbst wird es alle natürlich Songs der Band zu hören geben.

Genre: Indie

Nach fünf Jahren Pause kündigt die Indie-Psych-Rock-Band The Besnard Lakes im September 2021 eine Europa-Tour an, die sie auch nach Deutschland führen wird.

Bereits 2001 gründeten das Ehepaar Jace Lasek und Olga Goreas in Montreal die Band. Nach fünf Alben (davon vier auf dem Jagjaguwar Label), zwei Polaris Prize Nominierungen, diversen Line-Up-Wechseln und vielen Tourneen durch Nordamerika und Europa, beschlossen sie 2017, ihre Band neu zu überdenken. Am 29. Januar 2021 veröffentlichen sie nun auf dem Londoner Label Full Time Hobby (Tunng, Micah P Hinson) mit „The Besnard Lakes Are The Last Of The Great Thunderstorm Warnings“ ihr neues 72-minütiges Opus. Das Album ist in die Teile „Near Death“, „Death“, „After Death“ und „Life“ unterteilt, ihr bislang kompromisslosestes Werk und erinnert an Spiritualized’s Lazer Guided Melodies oder sogar an Dark Side of the Moon. Willkommen zurück, Besnard Lakes!

Weitere Infos auf englisch:
The Besnard Lakes have passed through death and they’re here to tell the tale. Nearly five years after their last lightning-tinted volley, the magisterial Montreal psych-rock band have sworn off compromise, split with their long-standing label, and completed a searing, 72-minute suite about the darkness of dying and the light on the other side.
The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings is the group’s sixth album and the first in more than 15 years to be released away from a certain midwestern American indie record company. After 2016’s A Coliseum Complex Museum – which saw Jace Lasek and Olga Goreas attempting shorter, less sprawling songs – the Besnards and their label decided it was time to go their separate ways; with that decision came a question of whether to even continue the project at all. What use is a band with an instinct for long, tectonic tunes – rock songs with chthonic heft and ethereal grace, five or 10 or 18 minutes long? How do you sell that in an age of bite-sized streaming? How do you make it relevant?
„Who gives a shit!“ the Besnard Lakes realized. Ignited by their love for each other, for playing music together, the sextet found themselves unspooling the most uncompromising recording of their career. Despite all its grandeur, …The Last of the Great Thunderstorm Warnings honours the very essence of punk rock: the notion that a band need only be relevant to itself. At last the Besnard Lakes have crafted a continuous long-form suite: nine tracks that could be listened together as one, like Spiritualized’s Lazer Guided Melodies or even Dark Side of the Moon, overflowing with melody and harmony, drone and dazzle, the group’s own unique weather.

Here now, the Besnard Lakes finally dispensed with the two/three-year album cycle, taking all the time they needed to conceive, compose, record and mix their opus. Some of its songs were old, resurrected from demos cast aside years ago. Others were literally woodshedded in the cabanon behind Lasek and Goreas’s „Rigaud Ranch“ – invented and reinvented, relishing this rougher sound. Some of that distortion makes its way into the final mix: an incandescent crackle that had receded from the Besnards‘ more recent output.
Rightly – nay, definitively! – The Besnard Lakes Are The Last of the Great Thunderstorm Warnings is a double LP. „Near Death“ is the title of the first side. „Death,“ „After Death,“ and „Life“ follow next. It’s literally a journey into (and back from) the brink: the story of the Besnard Lakes‘ own odyssey but also a remembrance of others‘, especially the death of Lasek’s father in 2019. Being on your deathbed is perhaps the most psychedelic trip you can go on: in Lasek’s father’s case, he surfaced from a morphine dream to talk about „a window“ on his blanket, with „a carpenter inside, making intricate objects.“ That experience pervades the album, catching fire on the song „Christmas Can Wait“; elsewhere the band pays tribute to the late Mark Hollis and, on „The Father of Time Wakes Up,“ they mourn the death of Prince.

In these scorched and pitted times, as the world smoulders, there might be nothing less trendy than an hour-long psych-rock epic by a band of Canadian grandmasters. Then again, there might be nothing we need more. …The Last of the Great Thunderstorm Warnings is a bright-blazing requiem: nine tunes that are one tune and six musicians who make one band – unleashed and unconstrained, piercing and technicolour. At the end of the golden day, the Besnard Lakes are right where they should be.

Genre: Indie / Rock

Drama, Gefühl, Wucht und Melancholie: Kyles Tolone gießen das Lebensgefühl der „Generation Why?“ in dynamische und anspruchsvolle, zugleich aber auch kompakte und mitreißende Rockmusik. Geschult an Vorbildern wie Biffy Clyro, Kings Of Leon, Hundred Reasons oder den frühen Coldplay sind Kyles Tolone episch, ohne Progrock zu sein, hoch emotional, ohne Emo zu sein und straight auf den Punkt, ohne das Publikum zu unterfordern. Mit anderen Worten: Sie sind in der deutschen Rockwelt schon jetzt einzigartig. (Oliver Uschmann)

Nach ihrem 2019er Album „Low Spirits & Fireworks“ machen KYLES TOLONE im Herbst wieder das, was sie am besten können: quer durch Deutschland touren und mitreißende Shows spielen. Ihr Geheimrezept aus tiefgründigen Geschichten, eingängigen Melodien und britischen Röhrenamps lädt ein auf eine emotionale, sphärische Reise durch das bittersüße Chaos des Lebens.

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Genre: Hip Hop / Rap

THE COOL QUEST, ist DIE BAND aus Holland. Sie spielten mehr als 500 Shows in ihrem Heimatland. Radios in Holland, Deutschland und Österreich spielen jeden ihrer energetischen Songs rauf und runter. Ihre Energie ist unbeschreiblich. Egal wo sie spielen, unabhängig von Bühne und Alter ihres Publikums, keiner steht still. Sie heißen THE COOL QUEST, weil das Live Erlebnis mit Ihnen wirklich ein Erlebnis ist. Der Körper und Geist wird freigesetzt und der QUEST kann starten.

Mit ihrer GOOD LIFE TOUR waren Sie in Deutschland, Österreich, Schweiz aber auch in Osteuropa unterwegs.
Festivals weltweit wollen nur eins: IHR PUBLIKUM ZU THE COOL QUEST abgehen sehen. So spielten Sie in den letzten drei Jahren Festivals wie: Reeperbahn Festival, ESNS Norderschlaag, Tallinn Music Week, MS Dockville, Kaltern Pop Festival, Trivago Festival uvm.

Ihre geheime Rezeptur ist: Eine Verbindung zwischen dem Sound der 90er, der goldenen Zeit des Hip Hops und den Drive der Popmusik.

Im nächsten Jahr schlagen THE COOL QUEST ein neues Kapitel auf – THE NEXT EPISODE!

Die Band um den Frontmann Vincent Bergsma, kommt nun mit doppelter weiblicher Kraft und zwar am Bass und am Schlagzeug. Die Gitarre spielt, der wohl unglaublichste Gitarrist Hollands und die Keys ein Visionär, den man nicht aufhalten kann, wenn er richtig mit seiner Improvisation beginnt.

Diese fantastischen Fünf werden Euch mit ihren neuen Tunes umhauen, denn diese werden Euch nicht nur zum Springen und Tanzen animieren, ihre neuen Songs werden auch eure Seele berühren.

Seid schnell, traut Euch! Dieser Quest wird euer Leben verändern.

Genre: Alternative, Metal

Das norwegische Metal-Trio Jørn Kaarstad (Gesang, Gitarre), Bård Linga (Bass) und Olav Dowkes (Schlagzeug) findet 2013 zusammen. Nach den EPs „The Great Northern Roadkill“ (2014) und „War On Everything“ (2015) sowie dem 2017er Debütalbum „Divide & Conquer“, das unter anderem einen Platz auf der begehrten „Best of the Year“-Liste vom ‚Metal Hammer‘ findet, werden Bokassa von den Göttern gesalbt: Metallica-Mitbegründer und -Schlagzeuger Lars Ulrich tauft sie „meine neue Lieblingsband“ und lädt sie ein, die Europa-Etappe der ‚Worldwired Tour‘ 2019 zusammen mit Ghost zu eröffnen. Zwischen dem 1. Mai und dem 25. August 2019 sind die Drei europaweit mit Metallica in den größten Stadien unterwegs. Im Gepäck haben sie dann ihren zweiten Langspieler „Crimson Riders“, ein hochexplosiver Molotow-Cocktail aus Punk, Hardcore, Metal und Rock, dessen neun Songs die Heldentaten von verrückten Kulten, macht-gierigen Grenzschutzagenten, biertrunkenen Antihelden und einem unsterblichen, weltraumreisenden Piraten, beschreiben.

„Auf unserer ersten Platte haben wir versucht, alle Hooks herunterzuspielen, weil jeder in Norwegen damals dieses seltsame Spiel für das Radio machte und wir nicht wie jeder andere klingen wollten“, gibt Jørn zu. „Diesmal entwickelte sich der Klang von selbst. Es wird melodischer. Wir schrieben die schnellsten und härtesten Songs, die wir je gemacht haben, und die poppigsten. Es ist wirklich vielfältig geworden und kann nicht in eine Schublade gesteckt werden.“ Im Sommer 2018 verstecken sich Bokassa mit dem Co- Produzenten Yngve Anderson [Blood Command] im Keller des Brygga Studios und verbringen eine Woche damit, dieses Werk in Form zu schnitzen. Zwischen „Bier trinken und streiten“ tauchen sie „wie Vampire“ mit einem Rammbock aus alkohol-getränkter Brillanz auf. Die erste Single „Mouthbreathers Inc..“ galoppiert stabil los: „Der Song ist aus der Perspektive eines Diktators oder eines Kultführers geschrieben und was ihm durch den Kopf geht, wenn der Thron zerfällt“, sagt Jørn. „Der lyrische Inhalt des Songs sind die Gedanken dieses Menschen.“ Für das ‚Rock Hard‘ ist das zweite Album eins, das „keinen 08/15-Sound abliefert, sondern einen Stilmix kreiert, der ziemlich schwer zu beschreiben ist. Nach mehreren Durchgängen kann man den Eindruck bekommen, hier interpretieren drei Visionäre, wie der Metal sich in die Moderne retten kann, ohne zu kopieren.“

Mit dem gerade entstehenden dritten Album wechseln Bokassa auch zum österreichischen Kult-Label Napalm Records, worauf die Band sehr froh ist:
“Wir freuen uns riesig darüber und sind stolz, einen Deal bei Napalm Records unterschrieben zu haben. Wir können es kaum erwarten, der Welt unsere neue Musik zu präsentieren und denken, dass Napalm perfekt zu unserer unheiligen Mischung aller tollen Sachen in Rock, Punk und Metal passt.“
Das noch unbetitelte Album soll zeitnah zur Tour erscheinen.

Genre: Singer-Songwriter

Josh Rouse und Vetiver haben sich beide vor geraumer Zeit dem Folk-Pop verschrieben und mit ihren musikalischen Projekten und Veröf f entlichungen internationale Erf olge gefeiert. Nun haben die beiden Musiker beschlossen, im Herbst 2021 gemeinsam auf Tour zu gehen. Anfang Oktober kommen sie für zwei Konzerte nach Hamburg und Berlin.

Was aus den Federn von Josh Rouse und Andy Cabic, alias Vetiver, stammt, sind melancholische Folksongs – empathisch und eindringlich.
Der in Nebraska geborene Josh Rouse gab sein Debüt im Jahr 1998 in Nashville, wo er sein erstes Album „Dressed Like Nebraska“ aufnahm. Nach der Veröffentlichung des Erstlingswerkes ging es für Josh Rouse auf ausgedehnte Tour. Zwei Jahre später brachte er auf dem nachfolgenden Album „Home“ den Song „Directions“ hervor, den der amerikanische Regisseur Cameron Crowe in seinem Film „Vanilla Sky“ verwendete. Sein bahnbrechendes Album „1972“ veröffentlichte Josh Rouse im Jahr 2003 und spielte damit auf sein Geburtsjahr an, ebenso wie auf die 70er, in denen er musikalisch vor allem von den „warmen Klängen der damaligen Alben“ angezogen wurde.

Von solchen warmen Klängen sind auch die Alben des Singer-Songwriters seit jeher geprägt. Josh Rouses Musik zu genießen, ist nicht schwer. Seine Songs präsentieren sich einem mit offenem Herzen und überzeugen durch eine in gewisser Weise angeborene Intelligenz. Jede Liedzeile steckt voller Details, sowohl musikalisch als auch textlich. Seinem Stil bleibt der Folk-Musiker dabei treu. „Ich war schon immer von einem anderen Musikstil fasziniert. Aber so experimentierfreudig ich auch war, am Ende sind es immer meine Stimme und die melodische Sensibilität, die die Dinge zusammenhalten“, erzählt Josh Rouse.

Das musikalische Wesen von Andy Cabic, alias Vetiver, ist hingegen vielseitig. Wenn der aus Virginia stammende Musiker nicht gerade wieder einen seiner melancholischen Folk-Rock-Diamanten in seinem Studio in Nordkalifornien schleift, lässt er Tanzflächen mit House-DJ-Sets zum Leben erwachen. Eben dieses musikalische Facettenreichtum färbt nun auch sein aktuelles Album „Up On High“. Das Herzstück jedes dieser zehn Songs ist Andy Cabics sanfte und zärtliche Stimme. Komponiert habe er das Werk auf seiner Akustikgitarre, da dies in Momenten der Inspiration das am einfachsten zu erreichende Instrument sei. Das Grundgerüst des neuen Albums entstand bei einer gemeinsamen Bandsession auf dem Boden im Haus eines Freundes in der Wüste Kaliforniens. Und so gelang Vetiver wieder ein intimes und gefühlvolles Werk, bei dem man die Leidenschaft für das gemeinsame Musizieren mindestens genauso deutlich heraushört, wie man Josh Rouse und Vetiver die Freude am gemeinsamen Spielen auf der Bühne anmerkt.

Im Oktober nächsten Jahres dürfen wir die beiden Singer-Songwriter bei uns in Hamburg und Berlin begrüßen.

Genre: Indie Pop

Wer sich mitnehmen lässt von den Songtexten und den Vibes, der spürt die Kraft dahinter und versteht die Verbundenheit. Mit der Natur, mit allen Menschen und mit sich selbst. Der spürt die Gänsehaut, die Freiheit und natürlich die fetten Bässe.

Die Hamburger Band Guacáyo feiert Toleranz und Authentizität. Guacáyos Songs bewegen das Publikum innerlich und äußerlich. Verbundenheit und Bässe sind spürbar und bei Themen wie dem Umweltschutz oder dem „Unshaming“ von Körperbehaarung bleibt niemand unberührt. Musikalisch bedienen Guacáyo dabei keine Schubladen: Einflüsse aus Reggae, Dub und Hip-Hop münden in einen frechen Indie-Pop-Sound. Während Sophies unverwechselbare Stimme über den farbenfrohen Beats erklingt, groovt die Menge und singt mit. Die quirlige 29-Jährige wirkt auf der Bühne sehnsüchtig oder provozierend, als weise Wegbegleiterin oder wütende Amazone. „Sag aus vollem Herzen Nein!“, ruft sie ins aufmerksame Publikum und kündigt damit den nächsten Song „Lady“ an. Es ist ein Aufruf zum „Nein“ zur Norm und zum „Ja“ zu sich selbst. „Nein!“, schallt es durch den Club und im Publikum herrscht Gänsehautstimmung.

Die im Mai erscheinende 7-Track-EP „Lemonade“ erzählt vom Kampf gegen die eigene emotionale Realität, von Selbstliebe, von dem wilden inneren Kind, das keine Lust mehr auf Lockdown hat und von der finalen, kraftvollen Erkenntnis, nichts kontrollieren zu können, außer der eigenen Einstellung. Ganz nach dem Motto: „When life gives you lemons, make lemonade.“ Weniger anzeigen

Genre: Singer-Songwriter

„Soul für die Hip-Hop Generation“ (GQ Magazin)

Entdeckt von der amerikanischen Hip-Hop Institution The Roots, gewinnt Son Little mit seiner zeitlosen Soulmusik und einzigartigen Stimmfarbe weit über die Grenzen der Vereinigten Staaten immer mehr Fans. Im April 2020 kommt der Rhythm & Blues-Musiker mit seinem Ende Januar erscheinenden dritten Studioalbum „aloha“ nach Deutschland und wird am 04.04. in Hamburg, am 05.04. in Berlin sowie am 06.04. in Köln seine neue Musik live präsentieren.

2014 bringt der als Aaron Earl Livingston geborene Sänger seine erste EP „Things I Forgot“ auf den Markt. Ein Jahr später erscheint mit „Son Little“ das Debütalbum. Gleich mit diesem Longplayer wird Son Little zum neuen Hoffnungsträger für traditionsreiche Genres zwischen Soul, Rhythm & Blues und Hip-Hop. Sein Sound erschafft eine fabelhafte Symbiose zwischen dem Zeitgeist der 70er und der Moderne. Erst Kritikerliebling, avanciert die Platte zum Mainstream-Erfolg. Allein die Single „Lay Down“ wird innerhalb weniger Wochen über sieben Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Auch andere Musiker werden auf den Newcomer aufmerksam und bekennen sich als Fans. So hat Son Little die einmalige Chance Größen wie Kelis, Mumford & Sons und Leon Bridges auf ihren Tourneen zu begleiten.

2017 erscheint sein von der Szene gepriesenes zweites Album „New Magic“. Eine Scheibe mit sehr persönlichen Songs, die auffallend melancholisch klingen, aber den Zuhörer nie in die Tiefe ziehen. Der Sound ist minimalistischer und lässt den Klang seiner Stimme in noch schönerem Licht erstrahlen.

Auch als Produzent ist der Sohn eines Pastors und einer Lehrerin erfolgreich. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums bietet ihm US-Soul-Legende Mavis Staples an, ihre EP „Your Good Fortune“ (2015) zu produzieren. Mit der darin enthaltenen Single „See That My Grave Is Kept Clean“ wird er 2016 nicht nur bei den Grammys nominiert, sondern kann die Auszeichnung in der Kategorie „Best American Roots Performance“ auch nach Hause tragen.

Für Anfang 2020 hat Son Little sein neues, in gerade mal acht Tagen geschriebenes Album „aloha“ (31.01.) und Konzerte auf deutschem Boden angekündigt. Zwischen dem 4. und 6. April kann man sich in Hamburg, Berlin und Köln von seinen neuen Songs und der Magie des Future Souls verzaubern lassen.

Genre: Pop

Wir schreiben das Jahr 2020. Die Popkultur ist zersplittert, diffus, wesentlich schnelllebiger als noch vor wenigen Jahren. Die Gitarre gilt unter Kids nicht mehr als das allercoolste Instrument. Und trotzdem gibt es sie: die Rebellen, die, die sich den Trends nicht unterwerfen und trotzdem nicht alt und abgehängt wirken. Hört man Matija, gibt so viel zu entdecken: Upbeat-Funk, Indie-Disko, ein verzweifeltes Liebeslied und nicht zuletzt der Blick zu den Veränderungen der Zeit.

Matija sind Ästheten, Perfektionisten, Freidenker, androgyne Dandys und Nerds. Und Matija sind vor allem eins: präsent auf Deutschlands Bühnen. 2019 war ein großartiges Jahr für das Münchner Trio: Eigene Tour mit ersten ausverkauften Konzerten, das erste Netflix Feature eines Songs in einer Serie, die erste Award Nominierung, Tour Support für die Kytes im Mai und dann noch unzählige Festival Gigs inkl. c/o pop, Dockville, Reeperbahn Festival, Nürnberg pop, Sound of the Forest & Waves Vienna.

Anfang 2021 melden sich Matija nun endlich live mit vier Headline Shows zurück.

Photocredit: Kai Hendrik Schroeder

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Genre: Pop

Tilman Pörzgen kommt das erste Mal auf eigene Tour und damit bestimmt auch in deine Nähe.

Schon in den Kinderschuhen begeisterte er mit seinem Gesang, spielte Klavier als auch Gitarre und entdeckte ebenso früh seine Begabung für das Schauspiel. Nach ersten Erfahrungen am Theater landet Tilman seit 2013 Rollen in verschiedenen Fernseh- und Kinoproduktionen.

Mit der Hauptrolle im Kinoerfolg „Bibi und Tina: Mädchen gegen Jungs“ schaffte er 2016 den großen Durchburch.

Musikalische Meilensteine setzte Tilman auf dem Soundtrack zu „Bibi und Tina“ und mit Duetten auf den Erfolgsalben von LINA, die er als Gastmusiker und Solist auf ihren Touren begleitete.

Im März 2019 veröffentlichte er seine EP „Auftakt“. Exakt ein Jahr später folgt nun die neue EP, die auch die eigene Tour im Herbt betitelt: Legenden der Leichtigkeit!

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Genre: Alternative / Indie-Rock

Tigress are a British rock band from Chelmsford, England. Formed in September 2015, the band consists of vocalist Katy Jackson, guitarists Tom Harrison and Sean Bishop, bassist Jack Divey and drummer Josh Coombes. The band are currently signed to LAB Records where they released their debut EP Human on 13 November 2015, follow up EP Like It Is on 12 May 2017 and 2018 EP Who Cares. All three releases were met with much acclaim across a number of major and independent music publications.

TIGRESS released their debut EP Human on 13 November 2015. It was co-produced by You Me at Six guitarist Max Helyer and John Mitchell at Outhouse Studios in Reading and mixed by Romesh Dodangoda. The band’s first show was performing at the Vans Warped Tour UK kick-off party at the Brooklyn Bowl in London on 14 September 2015. This was followed by a UK tour with Metro Station and a slot at the Vans Warped Tour UK at Alexandra Palace, London on 18 October 2015.

In support of the Human EP release, 2016 saw TIGRESS go out on a short headline tour in June which included a sold out show in the band’s hometown of Chelmsford. The band also played with Alvarez Kings and Fort Hope. In late 2016, the band went into Middle Farm Studios to record their Like It Is EP with Peter Miles.

In March 2017 the band went on a UK and mainland Europe tour with Counterfeit. They were joined by Decade in mainland Europe and Faux in the UK. Prior to the Counterfeit support tour, TIGRESS played Seaway’s headline London show in February. They were joined by The Gospel Youth and WSTR. On 12 May 2017, the band released the Like It Is EP. This was followed by a set at The Great Escape Festival in Brighton, performing with Green Day at British Summer Time in Hyde Park and a tour of Russia and Eastern Europe with Billy Talent. In October 2017, TIGRESS showcased at BBC Music Introducing hosts Amplify, supported The One Hundred in London and performed at 2Q Festival in Lincoln.

February 2018 saw TIGRESS open for Japan’s Man With A Mission in London, followed by an appearance at Spring Break Festival in Poland on the 21st April. The band supported InMe in May, which was followed by the release of their third EP Who Cares. June saw the band perform on the Avalanche Stage at Download Festival. Towards the end of the year the band opened for The Xcerts and Skindred.

TIGRESS receive regular radio play from BBC Radio 1, BBC Introducing, Kerrang! Radio, Radio X, Triple J in Australia and have seen press coverage from Kerrang! Magazine, Rock Sound, Upset, The Metro and Alternative Press.

«We Invented Paris» setzen an zur letzten Fahrt.

Genre: Indie-Pop

Im Jubiläums- und Abschiedsjahr 2020 wird nochmals gebührend aufgefahren, um gemeinsam mit euch die letzten 10 Jahre zu feiern. Auf ihrer «Tour d‘ Aurevoir», die mittlerweile zehnte Headliner Tour des Kollektivs um den Schweizer Sänger und Songschreiber Flavian Graber, wird es ein Best of der letzten vier Alben, sowie einige neue Songs zum ersten und letzten Mal live zu hören geben.

Wer’s verpasst, hat’s verpasst. Tickets sind ab dem 6. Dezember 2019 erhältlich.

We Invented Paris ist bekannt dafür unkonventionelle Wege zu gehen. So starteten sie ihre Karriere mit einer Couchsurfing-Tour durch die Wohnzimmer Europas (https://bit.ly/2R9Csej), spielten 30 Konzerte an einem Tag (Speedgigs), Verkauften WIP-Aktien für die Crowdfunding Kampagne des zweiten Album, spielten mit der Catastrophe-Disco-Bar-Box® (Eine mobile Disco mit Soundsystem, Nebelmaschine, Trashlights und Cocktailbar https://bit.ly/2ODkMpG ) Pop-Up Konzerte und setzten sich schon sehr früh mit dem Thema Green Touring auseinander.

(Kleine Notiz am Rande: Die BBC hat in ihrem vielbeachteten Artikel über Coldplays Tour Verzicht wegen CO2 Emission https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-50490700 als Quelle ebendiese Studie beigezogen (Siehe Kuchendiagramm), die am Beispiel von WIP erarbeitet wurde. http://www.greentouring.net/ )

Mit Indie-Hits wie «Iceberg», «Mont Blanc» oder «Polar Bears» prägten sie die 2010er Jahre wie fast keine andere Schweizer Band in Deutschland.

Photo: Stefan Tschumi

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Sam Himself

Der in Brooklyn wohnhafte Schweizer Indie-Künstler Sam Himself veröffentlichte am 29. Mai seine lang erwartete neue EP „Slow Drugs“ zusammen mit dem Fokus-Track „Like a Friend“. Ausserdem wurde er vom Schweizer Nationalradio zum SRF Best Talent im Juni gekürt.

Sam’s neustes Werk stellt eine stilistische Weiterentwicklung von seinen früheren, stärker bandbasierten Aufnahmen dar. Vermehrte Tourneen und Auftritte als Solo-Act haben neue Songs inspiriert, die gleich gut funktionieren, wenn Sam alleine auf der Bühne steht oder vor einer vollen Band. Für die Fünf-Track-EP versammelte Sam Himself wiederum Josh Werner (Bass – Iggy Pop; CocoRosie) und Parker Kindred (Schlagzeug – Jeff Buckley; ANOHNI) im Studio unter der Leitung des Produzenten Daniel Schlett (The War on Drugs, DIIV, Amen Dunes), Sam’s langjährigem kreativen Partner und „zweiten Beatle“. Die Lead-Single der EP, „Slow Drugs“, hat Sam bereits mehrere Editorial- Playlist-Features eingebracht und das dazugehörige Video hat bisher 125’000-Aufrufe bei Vevo generiert.

Über den EP Fokus Track „Like a Friend“ sagt Sam folgendes:
„‚Like a Friend‘ handelt vom Abschliessen mit einer Ära der eigenen Geschichte, von der Einsicht, dass ein zentrales Selbstbild nichts mehr taugt. Um damit klarzukommen, braucht’s eine kurze Feuerpause zwischen all den inneren Fraktionen, die sich sonst ständig gegenseitig bekriegen. Das Lied ist also ein Appell an die Versöhnung mit sich selbst.“

Das Musikvideo zu „Like a Friend“ konzipierte Sam abermals gemeinsam mit Regisseur Stefan Tschumi, welcher bereits für die Realisierung des „Slow Drugs“ Videos zuständig war. Das neue Video schafft bewusst einen Gegenpol zum Clip zu „Slow Drugs“, der in den Walliser Alpen gedreht wurde. Letzterer ist eine Odyssee durch die karge Pracht der Schweizer Berge; „Like a Friend“ nimmt seine Zuschauer mit auf eine Reise ans Ende einer langen Nacht tief im Zwielicht des Zürcher Vergnügungsviertels. Als Gast-Star macht Sam’s kleiner Bruder im Video sein Leinwanddebüt. Zu diesem besonderen Anlass hat sich das Jungtalent extra die Haare gefärbt, was für staunende Gesichter sorgte unter den vereinzelten Gestalten, die während des frühabendlichen Drehs der blonden Brüder bereits unterwegs waren.

Nur wenige Wochen nach dem letzten Drehtag im März 2020 folgte der Schweizweite Coronavirus-Lockdown. Sam war zum dem Zeitpunkt auf Tournee mit Anna Rossinelli, die Konzerte wurden jedoch wegen der Corona-Krise auf den Herbst verschoben. Zurzeit ist Sam in seiner Heimatstadt Basel in einem Airbnb untergekommen, bis er wieder in seine Wahlheimat New York zurückkehren kann.

Genre: Indie-Pop

Der deutschsprachige Indie-Pop von Fullax ist ein Puzzle aus Synthie-Sounds, Gitarren, Gedichten und Beats – tanzbar, elektronisch, schnell, jung und seiner Zeit ein bisschen voraus. Eskapistische Pop-Hymnen, geschrieben in der nordhessischen Provinz. Mit „Hawaii“ erschien im Oktober 2017 die erste Studio-EP der Band, produziert in Zusammenarbeit mit Tom Hessler. Die Songs von Fullax erzählen mit ihren eigenwilligen, starken Texten von Freundschaft, Liebe und Weltschmerz. Immer gerade genauso schön und pathetisch, dass es fast ein bisschen wehtut. In ihrem eigenen kleinen Studio arbeitet das passionierte DIY-Duo das vergangene Jahr an seinem Longplayer-Debüt „Dann Dann Dann“, welches im Mai 2020 auf dem Hamburger
Label ferryhouse erscheint.

Be there or be square!

Genre: Brass Pop

Monobo Son feiert Geburtstag! Auf 10 bewegte Jahre kann die Band um Posaunist Manuel Winbeck nun zurückblicken. Viele Metamorphosen hat Monobo Son auf diesem Weg vollzogen – stilistisch und personell war und bleibt die Combo stets in Bewegung. Und dennoch ist es gelungen einen ganz unverwechselbaren Eigensound zu kreieren, der sich nicht an Genregrenzen hält, sondern diese liebevoll überschreitet und Elemente zusammenführt, die auf den ersten Blick so gar nicht zusammenpassen wollen.

Die Geschichte von Monobo Son ist nicht zuletzt auch eine Geschichte von Freundschaft. Hier haben sich fünf Musiker zusammengefunden, die stilistisch aus völlig verschiedenen Baustellen kommen, die sich menschlich aber soviel zu sagen haben, dass sich eine neue Ebene des musikalischen Austauschs auftut. Was sie eint, ist die bedingungslose Liebe zur Livemusik. Die Magie des Bühnenmoments wir zelebriert egal ob im verschwitzten Berliner Undergroundclub, im Jugendzentrum tief im Bayerischen Wald oder auf dem Stadtplatz von Wolgograd. Der Zauber der diesem Augenblick innewohnt, vermag es, Menschen zusammenzubringen, egal wo sie herkommen und welche Sprache sie sprechen, und darin sehen die fünf Männer, wenn man sie fragt, ihre höchste und ehrenvolle Aufgabe. Aber Monobo Son sind keine Nostalgiker, auch wenn man bei ihrer Musik gern die Augen schließt, und so manche Erinnerung hochkommt. Der Blick ist immer nach vorne gerichtet. Neue Herausforderungen stehen an, und pünktlich zum Jubiläum kommt ein brandneues Album („SuperSonic“ VÖ 05.02.21). In diesem Sinne: Auf die nächsten Zehn!

Genre: Alternative Rock

In Folge der andauernden Corona-Pandemie verschieben die britischen Alternative Rocker Thousand Thoughts alle für September 2020 geplanten Auftritte in Deutschland in den Herbst 2021.
Im neuen Tour-Zeitraum, der für Oktober 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Termine wie folgt nachgeholt werden: am 23.10.2021 in Berlin im Privatclub, am 25.10.2021 in Köln im MTC, am 26.10.2021 in Wiesbaden im Kesselhaus, am 27.10.2021 in München im Backstage Club. Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit.

Hier das Statement der Band:
„The safety of yourselves, your loved ones, our team, our loved ones and ourselves come first. As excited as we are to finally play outside the UK, and as much as we’ve tried our best and held on to this for as long as possible, we have made the decision to postpone our German tour dates to October 2021.All purchased tickets remain valid.
We are truly sorry and will see you soon, but everyones health comes first. We hope you understand. Stay safe; look after yourselves and the people around you! We love you guys.“

Gegründet werden Thousand Thoughts in Enfield im Norden Londons. Ethan Smith (v), Will Fox (g), Matt Morrell (b) und Drummer Adam Field schreiben sich von Beginn an einen entfesselnden Sound auf ihre Fahnen, der Elemente des Nu Metal mit Alternative Rock verbindet, verflochten mit Texten über Tragödien und Verlust. Im Januar 2017 spielen sie ihren ersten Gig und werden kurz darauf von dem britischen Label Marshall Records unter Vertrag genommen, in Nord- und Südamerika von Better Noise Music vertrieben.

Genre: Hip Hop, Rap

Mit „Nie oder Jetzt“ gelang Döll der Befreiungsschlag: ein Debütalbum auf der Höhe seiner Zeit und für die Ewigkeit. So ehrlich und reflektiert, dass es schmerzt. Döll ist damit in den Top 15 gechartet, hat seine erste eigene Tour ausverkauft, sich freigespielt – und alles selbst in die Hand genommen. Der begnadete Live MC, dessen Reise gerade erst begonnen hat, vereint den Hunger eines Freshman mit der Technik eines Veteranen. Im Januar geht Döll auf Solotour.

Genre: Alternative Rock

Stockholm, Sweden’s best kept secret Normandie have today released the stunning single/video ‚Jericho‘ (via Easy Life)- the band’s first new music in 2 years since the ‚White Flag‘ album which celebrates over 24 Million Global streams to date. We all have our secrets. Whether we’re ready to face them or not, each and every one of us has something buried deep down inside that we desperately keep hidden away from the prying, judging eyes of the rest of the world. But sometimes those secrets become so powerful that they can no longer stay buried, festering and gnawing at our souls so much that they can stop us from living life to the fullest. He didn’t realise it until recently, but singer Philip Strand was harbouring one such secret for the longest time.

Not anymore. Now, the Normandie singer is ready to open up and share his true story for the first time, and the band’s propulsive, incendiary new single ‚Jericho‘ represents the first chapter in that tale. “When we first wrote Jericho I was actually singing about something else,” he begins. “It was originally about a relationship where the other person was very cold hearted and they didn’t really give away any emotions but it became increasingly clear that something else was driving the song.“

“Writing became like a therapy session for me, all of a sudden,” he explains, “I felt like there was something deeper I wanted to touch on. I wanted to touch base and just really go into this emotion. Something was driving me down there, into myself. So I made a conscious decision to write about my personal experiences for the first time. I felt like it was time. I went back and I switched some words around so that the entire meaning of the song shifted. It’s became about breaking down the old to give way and form something completely new…”

Genre: Folk

„Everything’s Shifting“. Alles verändert sich. Im Falle von Madison Violet hat sich einiges zum Guten verändert. Fakt ist, in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren sind Madison Violet längst zu einer festen Größe in der internationalen Musikszene avanciert und gelten neben Tegan and Sara als das wohl populärste kanadische Duo. Nach einigen Jahren des musikalischen Experimentierens und der stilistischen Neujustierung kehren die beiden Sängerinnen und Multi-Instrumentalisten Brenley MacEachern und Lisa MacIsaac nun zu alter Stärke und zu ihrem musikalischen Markenzeichen zurück: Das neue Studioalbum „Everything’s Shifting“ bietet exzellent produzierten Folk-Pop mit den gewohnt beeindruckenden Gesangsharmonien, gediegenen Gitarrenklängen, betörenden Melodien und authentisch-aufwühlenden Songtexten. Das neue Album enthält denn auch zahlreiche herzerwärmende Balladen, die im stilistischen Umfeld von Americana und Indie-Folk, Country und Pop angesiedelt sind. Auch wenn die Melodien Wärme und Zuversicht ausstrahlen, erweisen sich Madison Violet in den Songtexten als sehr nachdenklich.

Genre: Indie / Rock

Critics have declared Lauren Ruth Ward as a cross between Janis Joplin, Florence Welch and Courtney Barnett. And while the consumer compass inside of us grasps at these to feel safe, comparisons donʼt feel just when trying to describe such a singular presence as Lauren. Her debut album „Well, Hell“ garnered accolades from NYLON, Noisey, Consequence of Sound, the Los Angeles Times, Indie Shuffle and more. With a growing reputation for stealing the show.

Now, having falling in love with the process of recording to tape, she is set to record her next album with LA producer/guru in the making, Matt Linesch. Talent met in equal parts with work ethic and a prolific writing process that she shares with guitar wizard Eduardo Rivera.

Genre: Folk

Shaped by the two oceans on the shores of South Africa, JPson has ridden the wave of life to Europe and defined a musical style that can best be described as „Fresh Folk“. Music that let’s you open up to the groove of the moment, whilst forgetting the troubles of daily life.

Having taught himself to play the guitar on the beaches of Cape Town, South Africa, JPson spent his youth surfing the Atlantic Ocean and exploring vast musical territory, yielding his very own sunbaked infusion of Folk & Roots music. Through his lyrics JPson shares the essence of life that drives him around the world and the lessons he learns whilst traveling. Not only is his music incredibly uplifting but his rhythms and beats will get you grooving in a festive and unifying spirit, bound to inspire reflection and new connection.

JPson left South Africa right after school to go discover his European roots inheritated from his Swiss father. What seemed like a 10- month joy trip away from home turned into a 10-year journey around Europe, which JP refers to as his University of life. Through his travels he realised on a regular basis how he would constantly find peace within lyrics and melodies. Even though the life of a wary traveler can sometimes be extremely tiring, he would often gather warmth and support from the music he listened to and find guidance in the music he created.

Guidance that taught him how to open up, to be happy and live life to the fullest as it is a wonderful gift that should be cherished with every single breath.
Since 2017 JPson has released 3 EPs (Coming Home, Children of the Light and A Whole New Road), performed over 150 shows in Europe supporting acts such as Bukahara, Sean Koch, Will and the People, Jon and Roy and Current Swell, including his own sold out headline shows, toped the Submit Hub TOP 50 FOLK CHARTS, reached #36 with his single “A Whole New Road” on the German College airplay charts including features by major German radio stations such as SWR3, and accumulated over 1.5 million streams on Spotify without a debut album or any label support. JPson is now ready to share his 4th independent EP release “Wolves at War” with the world which will be out in September 2021.

Genre: Alternative, Indie

Palace Winter melden sich nach über zwei Jahren mit neuer Musik und Tournee zurück. Die Band um den australischen Songwriter Carl Coleman und den dänischen Songwriter und Produzenten Caspar Hesselager wird am 23. Oktober 2020 ihr drittes Album ›…Keep Dreaming, Buddy‹ via Tambourhinoceros veröffentlichen.