Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Electronic, Pop
Mesmerizing is the word for “Adult Baby”, the first solo record by Kazu Makino, to be released on September 13th on Adult Baby Records, her new label. After nine albums with Blonde Redhead, New York based band in which she had accompanied the Italian twins Simone and Amedeo Pace as singer, songwriter and multi-instrumentalist, the Japanese American artist has plunged into a new musical adventure, and is now prepared to re-present herself to the world in a completely new persona, intimate and totally unique. In the new tracks of “Adult Baby”, there are echoes of Blonde Redhead here and there, but the record represents Kazu in her purest and most visceral essence.The result is a record that is hard to classify – a guarantee of great value – but that in terms of attitude and sound could be described as rooted in refined, avant-garde pop, in which Kazu’s warm and sensual vocals are the main vehicles that bring to life an ethereal, delicate, dreamy world, and at the same time exhibit a rare intensity, which morphs into episodes of seductive romanticism.Adult Baby”, an album she co-produced with Sam Griffin Owens, with contributions from significant pioneers of the global pop, electronic, rock and indie scenes such as Ryūichi Sakamoto, the Brazilian percussionist Mauro Refosco (Atoms for Peace, Red Hot Chili Peppers, David Byrne) and the acclaimed drummer Ian Chang (Son Lux, Landlady). A surprising journey in sound, based on an intriguing mix of synthesizers, moog, loops, percussion, snippets of piano and grand melodic orchestral breaks that remind the listener of Serge Gainsbourg and the soundtracks of certain Italian movies from the Sixties. It’s no use fighting it: once you have set foot on the planet Kazu, you are immersed in otherness.
Genre: Indie, Pop, Rock
Nach der Veröffentlichung des 7. Albums „Crooked Shadows“ in 2018s kommen DASHBOARD CONFESSIONAL im November 2019 nach Deutschland, um die Fans mit einer Akustik-Liveshow zu begeistern!
Nach mittlerweile über 20 Jahren im Musik-Business können DASHBOARD CONFESSIONAL auf eine erlebnisreiche Karriere zurückblicken: Sieben Alben, unzählige Liveshows, davon eine Tour als Opener von Bon Jovi. Längst ist die Band ein fester Name in der Szene. Und damit haben DASHBOARD CONFESSIONAL das erreicht, wovon viele andere noch träumen.
Doch der Weg dorthin war nicht immer leicht. Frontmann Chris Carrabba, der mit 15 Jahren seine erste Gitarre geschenkt bekam, investierte viel Zeit und Arbeit, ehe sich der Erfolg bemerkbar machte. Dazu trugen nicht zuletzt die Fans der Band einen großen Teil bei. Sie verhalfen DASHBOARD CONFESSIONAL dazu, als erste Band ohne Millionenverkäufe für eine MTV-Unplugged-Show eingeladen zu werden.
Trotz ihres Erfolgs sind DASHBOARD CONFESSIONAL immer bodenständig geblieben – und nahbar. Eben ganz auf Augenhöhe mit ihren Fans, die schon fast selbst ein Teil der Band sind.
Wer die Songs von DASHBOARD CONFESSIONAL einmal in einer ganz besonderen und familiären Atmosphäre genießen möchte, sollte im November zu einer der drei exklusiven Akustik-Liveshows in München, Berlin oder Köln kommen – hier ist Gänsehautgarantie inklusive!
Genre: Indie-Pop
In Paris findet das Festival Aurores Montréal vom 28. November bis 5. Dezember statt. Auf dem Programm stehen seit seiner ersten Ausgabe 2013 Acts aus Kanada. Am 21. November findet die BERLIN EDITION zum 3. Mal statt.
Auf seinem selbstbetitelten Debüt und dem Album ÎLE JÉSUS hat Bernhari seinen poetischen Popsound mit epischen und melancholischen Songs verfeinert. Es folgten Auftritte auf den Québecer Festivals Francos de Montréal, Osheaga, dem South by Southwest und Aurores Montréal in Paris. Der Singer-Songwriter aus Montréal arbeitet gerade an neuen Songs, die er zum ersten Mal bei Aurores Montréal – BERLIN EDITION vorstellen wird.
Mario Lepage ist Multiinstrumentalist und Sänger. Sein Projekt Ponteix ist nach einer kleinen frankofonen Ortschaft in der kanadischen Prärieprovinz Saskatchewan benannt. In der Abgeschiedenheit in der Wildnis bricht der Kanadier mit den musikalischen Konventionen von dort. 2016 ging Ponteix nach dem Release der EP J‘ORAGE auf Tour und spielte auf zahlreichen Festivals. Für seine Musik wurde er mehrfach ausgezeichnet, u.a. mit dem Western Canadian Music Award in der Kategorie „Francophone Artist Of The Year“. 2019 folgt nun BASTION, ein Album mit einer großen Bandbreite von Stilen. Verschnörkelte Melodien und klassische Popstrukturen reichen sich die Hände. https://www.facebook.com/ponteixmusic
Genre: Indie-Pop
Das Schaffen der Band DUERER begann bereits im Sommer 2012 als reines Studioprojekt des Songwriters Daniel Matz und Texters Danny Müller-Sixer. Den ersten selbst produzierten Songs folgte bereits im Oktober 2014 der Auftritt beim Bundevision Songcontest, als Vertreter für Thüringen. Über die Jahre etablierten sich die fünf Jungs in der deutschen Indieszene und überzeugen durch ihre eingängigen Indie-Hymnen die Kreise ziehen und zeitlos mit straighten Gitarren ins Ohr der Hörer wandern. Der Sound – melancholisch und doch euphorisch! – Denn, was ist besser, als sich seiner Fehler, seiner Sehnsucht bewusst zu werden, nicht gleich zu handeln, gegenzusteuern? Es reicht doch, zu erkennen, wie die Dinge sind. Wie schön! Nichts anderes wollte Albrecht Dürer, der Künstler. In dieser Tradition zeichnet DUERER, die Band, weiter.
Nach den Veröffentlichungen der „Melancholische Euphorie“ und „Luftschloss“, melden sie sich im Herbst 2019 mit der neuen EP „Zugvogel“ und einer ausgedehnten Tour durch die Republik zurück!
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Alternative, Metal
Das norwegische Metal-Trio Jørn Kaarstad (Gesang, Gitarre), Bård Linga (Bass) und Olav Dowkes (Schlagzeug) findet 2013 zusammen. Nach den EPs „The Great Northern Roadkill“ (2014) und „War On Everything“ (2015) sowie dem 2017er Debütalbum „Divide & Conquer“, das unter anderem einen Platz auf der begehrten „Best of the Year“-Liste vom ‚Metal Hammer‘ findet, werden Bokassa von den Göttern gesalbt: Metallica-Mitbegründer und -Schlagzeuger Lars Ulrich tauft sie „meine neue Lieblingsband“ und lädt sie ein, die Europa-Etappe der ‚Worldwired Tour‘ 2019 zusammen mit Ghost zu eröffnen. Zwischen dem 1. Mai und dem 25. August 2019 sind die Drei europaweit mit Metallica in den größten Stadien unterwegs. Im Gepäck haben sie dann ihren zweiten Langspieler „Crimson Riders“, ein hochexplosiver Molotow-Cocktail aus Punk, Hardcore, Metal und Rock, dessen neun Songs die Heldentaten von verrückten Kulten, macht-gierigen Grenzschutzagenten, biertrunkenen Antihelden und einem unsterblichen, weltraumreisenden Piraten, beschreiben. „Auf unserer ersten Platte haben wir versucht, alle Hooks herunterzuspielen, weil jeder in Norwegen damals dieses seltsame Spiel für das Radio machte und wir nicht wie jeder andere klingen wollten“, gibt Jørn zu. „Diesmal entwickelte sich der Klang von selbst. Es wird melodischer. Wir schrieben die schnellsten und härtesten Songs, die wir je gemacht haben, und die poppigsten. Es ist wirklich vielfältig geworden und kann nicht in eine Schublade gesteckt werden.“ Im Sommer 2018 verstecken sich Bokassa mit dem Co- Produzenten Yngve Anderson [Blood Command] im Keller des Brygga Studios und verbringen eine Woche damit, dieses Werk in Form zu schnitzen. Zwischen „Bier trinken und streiten“ tauchen sie „wie Vampire“ mit einem Rammbock aus alkohol-getränkter Brillanz auf. Die erste Single „Mouthbreathers Inc..“ galoppiert stabil los: „Der Song ist aus der Perspektive eines Diktators oder eines Kultführers geschrieben und was ihm durch den Kopf geht, wenn der Thron zerfällt“, sagt Jørn. „Der lyrische Inhalt des Songs sind die Gedanken dieses Menschen.“ Für das ‚Rock Hard‘ ist das aktuelle Album eins, das „keinen 08/15-Sound abliefert, sondern einen Stilmix kreiert, der ziemlich schwer zu beschreiben ist. Nach mehreren Durchgängen kann man den Eindruck bekommen, hier interpretieren drei Visionäre, wie der Metal sich in die Moderne retten kann, ohne zu kopieren.“
Zur laufenden Tour sagt Jørn in einem Interview mit allschools.de: „Das ist doch der Traum, den jede Metalband hat: Einmal für Metallica zu supporten. Wir machen das jetzt jeden zweiten Abend, außerdem bezahlen sie uns noch. Wir können uns glücklich schätzen, sowas einmal hautnah mitzumachen. Die gesamten Crews sind unfassbar gut und optimal aufeinander eingestellt. Zudem sind die Jungs absolute Vollprofis, da kann man sich vieles abgucken. Wir spielen jeden Abend vor mehreren Tausend Zuschauern, da werden einige dabei sein, die „Crimson Riders“ vielleicht auch mal bestellen.“
Man darf also gespannt sein, wie sich die Drei auf ihrer ersten Deutschland-Tournee als Headliner schlagen werden.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
Herzlich willkommen zum (schon wieder 😮 ) letzten offiziellen Hip City Soul Club des laufenden Jahres und herzlichen Dank für Euer tolles Mitfeiern so far in diesem Jahr – this time we will have with Mr. Florian Keller eines der drei master minds hinter der Münchener Funk & Soul Institution SOULFOOD ALLNIGHTERS @ Glockenbachwerkstatt und somit auch einen DER deutschen SOUL DJ-Masters since the 9ts behind the decks…
EINE HIP CITY PREMIERE !
***
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Genre: Kinderkonzert
Er ist der Posterboy, der unter Zehnjährigen, der Darling musikalisch aufgeklärter Eltern und der Frank Sinatra der Kinderunterhaltung.
Seit 2013 erspielt sich Matthäus Bär mit Wortwitz, Charme und einer gehörigen Portion Selbstironie landesweit Kinder- und Elternherzen. Ausverkaufte Konzerte, vergriffene CD-Auflagen und AutogrammjägerInnen auf den Straßen zeugen von einer stetig wachsenden Fanbase.
Das Erfolgsrezept ist denkbar einfach:
BÄR traut seinen jüngsten HörerInnen „echte Musik“ zu:
doppelbödige Texte, schlaue Anspielungen und geschickte Arrangements.
Endlich kommt der charmante Wiener nach Berlin und serviert im Milchsalon sein neues Album ZUCKER.
unterstützt vom Österreichisches Kulturforum Berlin
Das Konzert muss leider abgesagt werden, ein Statement der Band findet ihr hier. Alle bereits gekauften Karten können dort wo sie gekauft wurden zurückgegeben werden.
Genre: Psychedelic Pop, Alternative Pop
ooi (ausgesprochen [owi:]) ist ein Avant-Pop Trio, das sich erst zwei Jahre nach ihrer Gründung zum ersten Mal persönlich traf. Bald darauf begannen der in Tokio lebende US-Expat Nicolai Zettl (Gesang), der deutsche Schlagzeuger Florian König und Dodo Dal Bosco (Keys) aus Italien regelmäßig musikalische Skizzen auszutauschen. Ohne gemeinsame „reale“ Erfahrungen entstand auch um die Musik herum ein bunter Kosmos mit seinen eigenen, surrealen Charakteren und psychedelischen Erzählungen, eingebettet in einen ausgereiften und extravaganten Sound.
ooi veröffentlichen seit Juni 2018 zu jedem Vollmond eine Single. Schon mit ihren ersten beiden Releases „Sharks“ und „Sukajan“ sorgten sie international für Aufsehen — in Japan, Brasilien, Argentinien, Europa und den USA. Kurz darauf wurde das renommierte französische Label Kitsuné auf ooi aufmerksam, mit dem sie Ende August die Single „Tooth“ veröffentlichten. Zeitgleich trafen sich ooi im Rahmen erster Live-Auftritte zum ersten Mal in real life.
Am 21.03.19 haben ooi ihre Debut-EP „Ghost“ veröffentlicht. Mit einem bunten Mix aus Songs bringt „Ghost“ die dunkle Seite von ooi zur Geltung und macht Vorfreude auf ihr Debutalbum „Bliss & Blind Love Radiating Thru All Spheres“.
Im Herbst 2019 geht es für ooi auf ihre erste gemeinsame Deutschland Tour.
Genre: Elektro / Pop
„Taktstelle“ ist eine Musik- und Tanzveranstaltung, die Musiker aus Berlin mit Tänzern aus unterschiedlichen Genres, Ländern und Philosophien zusammenbringt.
Philipp Selalmazidis hat seit 2012 achtzehn Ausgaben des Musik-und-Tanz-Events in Berliner Clubs (Lido, SO 36, Bi Nuu, Roter Salon u.a.) auf die Bühne gebracht. Alle Verbindungen sind denkbar, keine Kombination ist vorhersehbar.
In dieser Ausgabe trifft Valerie Renay mit Ihrer Schlagzeugerin Sara Neidorf auf die
Tänzerin Stella Zannou und den Tänzer Alexander Carrillo. Nach einer Aufwärmphase und gemeinsamer Arbeit, lassen sich die vier auf einen gemeinsamen Punkt hin treiben. Carrillo und Renay kennen sich gut und teilen eine Faszination am Schaurigen, am Abgründigen im Menschen.
Selalmazidis‘ Band The Yeddings stellt an diesem Abend mit der Tänzerin Astrid Endruweit ihr Debütalbum „Way of my Past“ vor. Musikalisch inspiriert von der Biographie ihres Frontmannes und mit tänzerischer Hingabe, nähert sich die Paarung mit viel Nebel und Spuk dem Kontrollverlust, dem Verloren sein des eigenen Körpers, dem geisterhaften Schwanken des eigenen Spiegelbildes.
Schonungslos, unbändig, gefühlvoll: Vielleicht vermag diese Trias die schon nahezu rituelle Erfahrung zu erfassen, die bei den vollkommen mitreißenden und extravaganten Live-Acts mit Valerie Renay auf der Bühne ausbricht – gesegnet mit einer gehörigen Portion Punk Attitüde!
Bei ihren gleichermaßen rauen wie sinnlichen Stage Shows präsentiert die wandlungsfähige Musikerin und Performerin ihr Werk „of empowering and ethereal songs that exude dreamy, dark electronic scents with a visceral twist.“ Zwischen Postpunk und Dark Electronics entfalten sich komplexe Ebenen von Synth und hypnotischen bass lines, die auf betörende tribal beats treffen. All das bündelt sich in dem Debut-Solo-Album „Your Own Shadow“ (co-produziert von Alexander Paulick-Thiel (Kreidler)), das Valerie Renay live präsentiert.
Valerie Renay (Noblesse Oblige) ist Performerin, Musikerin, Malerin und DJ. Zuletzt sang sie in „Aids Follies“, Sophiensaele, sie schrieb Musik für die Butoh-Tänzerin Yuko Caseki und das Stück „Will you come with me?“, Dock11, konzipierte ein Reading im Gorki Theatre/Studio R, spielte in „Fck me I love you“ im English Theatre Berlin und gab Solo-Live-Konzerte beim Pop-Kultur Festival (DE), Spill Festival (UK) und Santarcangelo Festival (IT).
Stella Zannou arbeitet als Choreographin, Tänzerin und Pädagogin und lebt seit 2009 in Berlin. Sie hat Zeitgenössischen Tanz und Choreographie in Athen (Greek State School, American College of Greece) und London (London College of Dance und London Studio Centre) studiert. Als Tänzerin war sie unter anderem für Johannes Wieland am Staatstheater Kassel, Maya M. Carrol (nee Lipsker), Clint Lutes, Richard Siegal, Walter Bickmann, Athina Vahla, M. Klien, Nicolas Mortimore, Kunst-stoff (Yannis Antoniou), Editta Braun, Thomas Mettler, Apostolia Papadamaki, Haris Mandafounis, K.Mixos und Prosxima Dance Company tätig. 2006 gründete Stella Zannou die Smack Dance Company in Athen mit der sie ihre eigenen choreographischen Arbeiten im In- und Ausland zeigte. Stella hat auch für das Opernhaus in Wien, die Company „Bodhi Projekt“ am SEAD, das Staatstheater Kassel, die Sozo Visions of motion, “American College of Greece“ usw choreographiert. Sowohl als Tänzerin wie auch als Choreographin hat sie zahlreiche Preise erhalten, von der Zeitschrift ballettanz/ Tanz wurde sie bereits zweimal für die Tänzerin des Jahres nominiert.
Alexander Carrillo, ist ein kolumbianischer Künstler, wohnhaft in Berlin. Er ist Tänzer, Choreograph und Produzent. Der Schwerpunkt seiner künstlerischen Auseinandersetzung liegt in der Reflexion des ‚hässlichen’ und grotesken des Menschen als Spiegel der Realität und das Verhältnis „Künstler – Zuschauer“. Startete das „DREIZIG Festival“ in Berlin und die DASEIN-Series, ein ortsspezifisches Weltprojekt. Seine Stücke „El Ultimo Vuelo“, Gewinner des Nationalen Wettbewerbs der Choreographen, Belgien 2017, „Human Intermittents: A Journey“, Finalist des Wettbewerbs der Choreographen, Polen 2014, und „WhARTever Should happen – Eine Welt auf dem Kopf“, Berlin, sind 2016 erfolgreich / 17 und zurück im Jahr 2019, viele andere Tanzstücke und Kunstprojekte. Carrillo arbeitete im laufenden Jahr 2019 mit „Manifiesta“, Manifiestos for Queer Future, mit Aerea Negrot & Simon Paetu am HAU Hebbel am Ufer – Berlin, nahm im Jahr 2018 an dem Preis „Flausen-Residenz für junge Künstler“ Deutschland und an der Berlin Biennale 2018 mit Okwui Okpokwasili. Er hat mit Stella Zannou, Ivo Dimchev, Jérôme Bel, Louis Malvacias, Marina Abramovic, Jeremy Nelson, Malou Airaudo, Rodolpho Leoni, Mark Sieczkerek, Allora und Calzadilla, Cie. Fors Works und seiner Dramaturgin Carolina Ortega menge andere gearbeitet.
The Yeddings Record Release Show „Way of my Past“
Der bärtige Mann mit dem Turban hatte es im Jahre 2001 zu weit getrieben: der Turmfall in New York und seine Auswirkungen gaben Philipp Selalmazidis den Rest. Ohnehin schon verstrickt in einem wahnwitzigen Geflecht aus Rebellion, Religion, Wut und Liebe, spiegelte jetzt auch noch das große, kranke Außen das wundgeriebene Innere. Es musste etwas passieren. Ein reinigendes Fegefeuer, ein klärender Exorzismus, ein neufärbendes Babylon, das sollte es werden, als Philipp Selalmazidis mit seinen Liedern nach Hamburg ging um sich in Clubs und Kaschemmen als Musiker anzudienen. Seine Hoffnung auf Änderung wurde nicht enttäuscht und seine Lieder reiften durch die wilde, schmutzige, schöne und gefährliche Achterbahnfahrt. Aber es war eine Roßkur, deren richtige Dosis man spüren muss, sonst tötet sie einen an Seele, Leib oder beidem. Philipp packte abermals und zog nach Berlin. Und dort fand er, auf wundersame und schöne Weise, den Frieden zum Singen. Und die Lieder waren endlich an ihrem richtigen Ort, sie fanden Heimat bei den Yeddings und ihren vielen musikalischen Freunden. Das neue Album ist ein Mix aus beinhartem Bums und magnetischer Mondfahrt. (VÖ Termin: 1. November 2019/Label: Fuego)
Astrid Endruweit, die von Makiko Tominaga und Tadashi Endo viele Jahre im Butoh-Tanz ausgebildet wurde, erschien 2000 zum ersten Mal auf der Bühne mit ihrem unter der Regie von Michael Laub entstandenen Solo „pigg in hell“. Neben anderen Regisseuren und Choreographen wie Chris Kondek und Meg Stuart, arbeitete sie seitdem intensiv als Performerin mit Michael Laubs Tanz- und Theatergruppe „Remote Control Productions“ zusammen, steuerte Texte, Lieder, Kostüme, Videos und Choreografien bei und entwickelte eine eklektisch-schöpferische Arbeitsweise, die sich neben verschiedenen Tanzstilen auch aus der bildenden Kunst speist. Seit Michael Laub mit „Alone“ (2004) ihr Bühnenporträt erarbeitete, dem eine enge musikalische Zusammenarbeit mit Larry Steinbachek vorausging, begleitet sie seine in vielen Städten entstandenen „Portrait Series“ als Dramaturgin und Videokünstlerin. Mit Intelligenz, künstlerischem Eigensinn und Zuneigung kann Endruweit unterschiedlichste Menschen und Charaktere in ihre Arbeit mit einbeziehen und deren Qualitäten für die jeweiligen Projekte fruchtbar machen.
Genre: Indie | Folk | Pop
Tom Klose ist ein Mann der Gegensätze: Stets von seiner treuen Gitarre begleitet, singt er mal mit zarter zerbrechlicher Kopfstimme, mal mit harter mächtiger Bruststimme. Dabei präsentiert er sein Herz auf dem Silbertablett, mit einer Garnitur aus tiefer Melancholie und purer Lebensfreude. Diese Dualismen finden sich auch
auf seinem neuen Album „Echoes“ wieder, das diesen Oktober erscheint und unter anderem das allgegenwärtige Wechselspiel von Angst und Liebe behandelt.
Dem Wahl-Hamburger gelingt mit diesem Album ein eleganter musikalischer Spagat zwischen Indie à la Radiohead und Pop à la John Mayer. Er bleibt dabei aber weiterhin dem klassischen Songwriting aus dem Folk-Genre treu, das man von seinen drei vergangenen Veröffentlichungen gewohnt ist. Tom Klose geht es um Wahrhaftigkeit und um den Song an sich, was in Zeiten oberflächlicher Selbstdarstellung eine erfrischende Abwechslung darstellt. Er weiß,
wer er ist und es ist in jeder Minute spürbar, dass er nach sechs Jahren Musik als Hauptberuf nicht nur seinen Sound, sondern auch sich selbst gefunden hat.
Nach einem Album, zwei EP’s und über 600 Auftritten, unter anderem im Vorprogramm von Ed Sheeran, Tim Bendzko, Bernhoft und Wallis Bird, begann vor zwei Jahren die Arbeit am zweiten Album. Eine Arbeit, die in jeglicher Hinsicht dem DIY-Gedanken folgt, denn der gebürtige Flensburger hat seine neue Platte nicht nur selbst geschrieben, arrangiert und produziert, sondern auch mit Hilfe eines Crowdfundings finanziert. Der Titel „Echoes“ bezieht sich auf die Geister der Vergangenheit, die wie längst verklungene Töne in die Gegenwart nachhallen. Dies spiegelt sich auch in den bluesigen und souligen Tönen wider, die in Songs wie „Unconditionally“ und „Icarus“ angeschlagen werden und an die großen Hymnen aus den 60ern erinnern.
Seine Konzerte sind ein Hochgenuss für jeden, der mit menschlichen Gefühlen generell etwas anfangen kann, dem Gänsehaut nichts ausmacht und der nicht zu stolz ist, die ein oder andere Träne zu verdrücken.
Im November findet nun die erste deutschlandweite Tour mit Band seit drei Jahren statt – diese Gelegenheit sollte man sich also nicht entgehen lassen.
Genre: Folk
„Everything’s Shifting“. Alles verändert sich. Im Falle von Madison Violet hat sich einiges zum Guten verändert. Fakt ist, in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren sind Madison Violet längst zu einer festen Größe in der internationalen Musikszene avanciert und gelten neben Tegan and Sara als das wohl populärste kanadische Duo. Nach einigen Jahren des musikalischen Experimentierens und der stilistischen Neujustierung kehren die beiden Sängerinnen und Multi-Instrumentalisten Brenley MacEachern und Lisa MacIsaac nun zu alter Stärke und zu ihrem musikalischen Markenzeichen zurück: Das neue Studioalbum „Everything’s Shifting“ bietet exzellent produzierten Folk-Pop mit den gewohnt beeindruckenden Gesangsharmonien, gediegenen Gitarrenklängen, betörenden Melodien und authentisch-aufwühlenden Songtexten. Das neue Album enthält denn auch zahlreiche herzerwärmende Balladen, die im stilistischen Umfeld von Americana und Indie-Folk, Country und Pop angesiedelt sind. Auch wenn die Melodien Wärme und Zuversicht ausstrahlen, erweisen sich Madison Violet in den Songtexten als sehr nachdenklich.
Wenn Madison Violet im März 2019 einmal mehr auf Deutschlandtournee sind, dann treten sie diesmal als Duo auf. Madison Violet pur sozusagen. Neben den Songs des neuen Albums dürften sie sicher auch etliche ihrer Klassiker von „The Ransom“ über „Ohio“ und „We Are Famous“ bis hin zu „These Days“ im Programm haben.
Genre: Country Blues, Rock ’n’ Roll
C.W. Stoneking is the embodiment of what some would say is a bygone era of music. From his rasping jungle-rock-blues, to his well-oiled locks, and his familiar all white clothing ensemble, he has converted fans across the world to his unique style.
A first generation Australian of American-descent, C.W. Stoneking was born in the top end of Australia’s Northern Territory and spent his childhood growing up in Central Australia, Sydney and rural Victoria. He has travelled the world from Egypt to New Orleans (where he worked as a hoodoo doctor’s assistant) to Trinidad, where he learned about Calypso music. He has lived in isolated farmhouses working as a handyman, and been involved in and survived a shipwreck, spending time in Africa, and touring internationally as a recording artist.
After spending the past half of a decade stamping his inimitable stylings across the UK and Europe, C.W. Stoneking once again settled down in the Northern Victorian countryside to record his latest release, Gon’ Boogaloo. Far from the sepia toned tales of marooned adventures in the tropics of his last release, Jungle Blues, C.W. entered into the world of electricity – replacing his much-loved Banjo with a shiny gold Fender.
Released to critical acclaim in May 2015, Gon’ Boogaloo has seen C.W. embark on multiple jaunts across Australia and Europe with his delightful band in tow, including singers Vika & Linda Bull stepping in as backing vocalists. He’s set a pace that is not looking like it will slow down any time soon, as C.W. continues to entertain and delight crowds of all ages.
Genre: Indie, Folk
Die ungarische Indie-Folk-Band Platon Karataev vereinigt auf ihrem Debüt-Album „Her“ Folk, Indie und wunderschöne Gesangslinien. Das Resultat erinnert mitunter an Mumford and Sons und Helden der modernen Indie-Folk-Szene wie Bon Iver und Ben Howard schimmern ebenfalls durch. Verblüffend ist die Schnörkellosigkeit mit der die vier Herren ans Werk gehen. Die Songs schweben mitunter federleicht, um dann wieder durch klare und knackige Rockstukturen vorangetrieben zu werden. Im Herbst 2019 veröffentlichen sie ihr 2 Album „Ocean“ und kommen damit dann auch in den Privatclub.
Erst vor wenigen Jahren nahm die Amerikanerin, seit Ihrer Kindheit überwiegend in London beheimatet, eine Gitarre in die Hand und begann, autobiografische Songs zu schreiben – dies bescherte ihr einen nachhaltigen Ruf in der Londoner Anti-Folk-Szene.
Leichtherzig-lakonisch, geist- und gefühlvoll trägt und schmeichelt Erin Kleh ihre herzhaft hörenswerten Worte in Sinn und Seele, während ihre Stimme das Gefühl betört, erfreuen ihre Texte den Verstand.
Genre: Alternative Pop
Mit dieser Tour besinnt sich June Cocó zurück auf ihre Ursprünge. Intimer. Reduzierter. Klavier, Stimme und wenige punktierte Beats & Sounds. Sie spannt ein ganz eigenes Klang-Spektrum aus mitreißenden, berührenden Songs, die wie farbige Spaceshuttles zwischen Alltag und Schwerelosigkeit des Alls oszillieren. Flirrend, wie das Glitzern, das entsteht, wenn Sonnenstrahlen auf Asphalt treffen. Träumen, lieben, fühlen aber eben auch mal scheitern, aufstehen und weitermachen, das Leben in emotionalen Wellenbergen.
Mit ihrer einzigartigen Stimme und Präsenz umhüllt June Cocó ein Zauber, der in der Vergangenheit auch schon George Clooney begeisterte oder Udo Lindenberg zur spontanen Jamsession am Flügel animierte.
Zwischen gespenstischen Phantasiewelten, einem Hauch Melancholie, aber immer der Sehnsucht und Aufbruchsstimmung als treibende Kraft hinter den Songs bleibt am Ende immer ein wärmendes Gefühl. Und gerade im tristesten aller Monate, dem November, ist das doch etwas, wonach sich fast jeder sehnt.
Genre: Hip Hop
Figub Brazlevič & FRIENDS
u.a. dabei:
Arletis
John Known
Aylin & Shoo
Bico & Kidsoul
Sawa Sawa Soundsystem
& SPECIAL GUESTS
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YES! Die dritte und letzte SELECTED Veranstaltung für 2019 ist da – diesmal gehosted von Figub Brazlevic und seiner East-West Sessions. Und Figub bringt eine ganze Menge Friends & Special Guests für diesen Abend mit! You’ll See!
SELECTED ist eine Veranstaltungsreihe in Berlin mit Fokus auf einem ausgewählten Hip Hop-Programm, jenseits des Mainstreams und ohne gewaltverherrlichende oder diskriminierende Inhalte, in entspannter und respektvoller Atmosphäre.
SELECTED wird präsentiert von Powerline Agency und unterstützt vom Musicboard Berlin.
Die Veranstaltung ist barrierefrei.
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YES! Last but not least – the third SELECTED event – this time hosted by Figub Brazlevic and his East-West Sessions.
And Figub will bring a bunch of friends and special guests! you’ll see!
SELECTED is a series of events in Berlin with a focus on a selected Hip Hop program, beyond mainstream and without violent or discriminating content, in a relaxed and respectful atmosphere.
SELECTED is presented by POWERLINE AGENCY and supported by the MUSICBOARD BERLIN.
Genre: Kinderkonzert
Kindermusik aus dem Bauch, durch den Kopf direkt ins Herz!
Von schieflachen bis leichtgruseln – einfach rumanders!
ICH (Christoph Clemens) und HERR MEYER (Jens Brix, geb.Meyer), sind zwei Berliner, die seit 12 Jahren gemeinsam Musik machen. Das Kindermusik–Projekt „ICH & HERR MEYER“ gibt es seit Ende 2015. Die beiden verzaubern mit witzigen, intelligenten Texten, handgemachter Musik und einer großen Portion guter Laune Kinder und Eltern gleichermaßen. Stilistisch gibt es keine Grenzen.
Genre: Singer Songwriter
Prateek Kuhad bringt seinen bezaubernden Singer-Songwriter-Sound nach Deutschland
Nachdem er bereits Ende letzten Jahres Charlie Winston bei seiner Deutschlandtour begleiten durfte, kommt Prateek Kuhad mit seiner Gitarre im Gepäck zurück und wird zwei exklusive Konzerte am 1. Dezember im Privatclub Berlin sowie am 4. Dezember im Kölner Yuca spielen.
Lauscht man der Musik von Prateek Kuhad, werden schnell Vergleiche zu Musikern wie Angus Stone gezogen. Geboren und aufgewachsen in der kulturellen Vielfalt Indiens, ging es für den Singer-Songwriter ab dem College ins texanische Austin. Erst als 17-Jähriger verspürte Prateek Kuhad den Drang nach Musik, griff erstmals zur Gitarre und brachte sich autodidaktisch das Saiteninstrument bei, um es schließlich als Ventil für seine Gefühle zu nutzen. Parallel entstanden einzelne Fragmente, die sich nach und nach zu Songs entwickelten.
2015 erscheint mit „In Token & Charms“ das Debütalbum, mit dem sich Prateek Kuhad direkt einen MTV Europe Music Award schnappt und das von iTunes sowie Spotify als bestes indisches Indie-Album des Jahres ausgezeichnet wurde. Auch die nachfolgenden Singles, Künstler-Kollaborationen und verschiedenen Songs für Bollywood knüpfen an diesen Erfolg an und erweitern die Bekanntheit des Indie-Musikers weit über die Landesgrenzen hinaus.
Drei Jahre nach seinem Debüt veröffentlicht der Musiker seine EP „cold/mess“ (2018). Eine Hommage an die Zweisamkeit, für die es nicht mehr braucht, als Prateek Kuhads Stimme und den Klang seiner Gitarre.
Nachdem er in diesem Jahr in London zwei Tage hintereinander die Clubs ausverkaufte und 2018 als Support-Act von Charlie Winston auch hierzulande überzeugen konnte, kommt Prateek Kuhad im Winter 2019 erneut für zwei intime Konzerte nach Europa und auf deutsche Bühnen. Am 1. und 4. Dezember wird der Singer-Songwriter mit seinen intimen, verträumten Songs das Publikum in Berlin und Köln verzaubern.
Genre: Instrumental
City of the Sun spielen die Art Musik, von der man nicht wusste, dass man sie bisher in seinem Leben vermisst hat. Hat man sie dann einmal gehört, so ist man sofort angefixt von dieser besonderen Art von Instrumentalmusik, die irgendwie anders klingt als es die eigenen Hörgewohnheiten sonst zulassen.
Die Einflüsse sind so vielfältig, dass sie fast nach einem Widerspruch klingen mögen: Indie, Americana, Flamenco, Blues vor allem aber Post-Rock und irgendwie alles dazwischen. Man kann sowohl Explosions in the Sky heraushören, aber auch Rodrigo y Gabriela.
Gerade live sind City of the Sun eine sehr intensive Erfahrung – eine Erfahrung allerdings, die in Europa und insbesondere Deutschland bis dato selten stattgefunden hat: Umso erfreulicher ist es, dass die Band aus New York im kommenden Winter für zwei Konzerte nach Deutschland zurückkehrt und in Hamburg & Berlin einen Stopp einlegt.
Genre: Rock
Highly Suspect gehören zweifellos zu den vielversprechendsten amerikanischen Rock-Acts. Mit ihrem satten Stoner Rock haben sich Rich Meyer (Bass) und sein Zwillingsbruder Ryan (Schlagzeug) sowie ihr Sänger und Gitarrist Johnny Stevens an die Spitze einer neuen Bewegung gesetzt.
Der erdige und raue Rock, geprägt von Blues-, Progressive-, Grunge- und Alternativelementen und voller starkem Gesang und den rollenden Gitarrenriffs steht einerseits für eine Rückbesinnung auf alte Einflüsse, aber auch für einen progressiven Umgang mit den Quellen. Da mutierte sogar das Synthiepop-Two-Hit-Wonder Real Life und ihre kitschige Forderung „Send Me An Angel“ zur dystopischen Projektionsfläche.
Zum Erfolg beigetragen hat sicherlich auch die eingängige Stilistik und die klare politische Positionierung: Highly Suspect äußern sich patriotisch, wo immer es geht, gegen ihren Präsidenten, dem sie rein egoistische Motive unterstellen und ihm jede Form von Tauglichkeit absprechen.
Nach umfangreichen Touren haben sich Highly Suspect in letzter Zeit eher rar gemacht. Seit Februar nun ist das Trio im Studio, um die Arbeit am heiß ersehnten dritten Album abzuschließen, das noch dieses Jahr erscheinen soll, und Anfang Dezember kommen die Jungs für eine exklusive Show nach Berlin.
Genre: Hip Hop, Spoken Word
Sein letztes Album hieß The Rise of Hobo Johnson – und es wurde seinem Titel vollauf gerecht: in Eigenregie aufgenommen, produziert und veröffentlicht Ende 2017, bildete es den Abschluss eines Durchbruch-Jahres, von dem die meisten Musiker nur träumen können, beginnend mit der Hinterhof-Performance von „Peach Scone“, die Hobo Johnson (bürgerlich Frank Lopes Jr.) YouTube-Views im Millionenbereich einbrachte und zu einer riesigen, hingebungsvollen Fangemeinde führte, die jeden seiner nächsten Schritt sehnlich erwartete.
Der nächste Schritt lautet The Fall of Hobo Johnson, was – so hofft Frank – vornehmlich metaphorisch zu verstehen ist. Es geht um die Dinge, die Frank erlebt hat, während es für Hobo Johnson steil nach oben ging. Namentlich: eine Menge „falling“: falling in love, falling out of it – und falling apart, wenn es vorüber war.
In vielerlei Hinsicht ist er immer noch der Hobo, den man kennen- und lieben gelernt hat. Er ist immer noch neurotisch, immer noch energiegeladen, verpackt immer noch große Ideen in zugängliche Metaphern (in „You and the Cockroach“ denkt er über das Schicksal der Menschheit aus der Perspektive des Insektes nach, das darauf aus ist, uns zu ersetzen). Er verwischt immer noch die Grenzen zwischen Sänger, Rapper und Poet. Und eine Menge von dem, was man auf dem Album hört, kommt direkt von Franks Laptop, ganz so wie alle seine bisherigen Veröffentlichungen.
Zugleich ist es jedoch auch Hobo auf einem gänzlich neuen Level. Mit 24 Jahren ist er immer noch ein Künstler im Wachstum, und dieses verlief zwischen seinem Debüt-Projekt Hobo Johnson’s 94 Corolla (das er tatsächlich im titelgebenden Fahrzeug aufnahm), The Rise of Hobo und The Rise of Hobo exponentiell. Der Erfolg hat ihm einen ganz neuen Fokus gegeben, und das merkt man: Die Kompositionen sind komplexer geworden, textlich hat er sich vom hyper-persönlichen Blickwinkel seiner früheren Arbeiten dahin entwickelt, dass er mehr über universelle Dinge wie Politik, Geschichte und die Zukunft spricht. Was Sinn macht, schließlich hört ihm inzwischen die halbe Welt zu.
Genre: Chanson, Folk
LES BARBEAUX sind der Musik mit Leib und Seele verschrieben, nehmen kein Blatt vor den Mund und lassen es auf der Bühne so richtig krachen. Hier brodelt und funkt es zwischen Cumbia-Melodien, Gypsy-Einfüssen, und Rock’n’Roll-Rifs. Die 5 Franzosen verwandeln das zu einem unwiderstehlichen Tanzfest, Die enthusiastischen Musiker und Sprach-Akrobaten sind seit 10 Jahren zusammen unterwegs, haben mehr als 600 Konzerte in Frankreich und Europa gegeben und gerade ihr fünftes Album veröfentlicht.
Both in French and Spanish, Les Barbeaux sing about life in a bright folk-punk style. With some popular guinguettes styling, the group commits to party while spreading a smart speech about the surrounding world. Always with a positive energy, the tireless Les Barbeaux will with no doubt please Manu Chao or Les Hurlements de Léo’s fans back when they frst started. Percussion and guitar are biting while the accordion and the violin run at full speed…Human warmth and a true sense of sharing arise! And this is a good thing, we surely need that!
Genre: Indie Rock
Berlin, 07.06.2019: Nach der Veröffentlichung von „The Kids Will Know It`s Bullshit“ im Mai 2017 sind die DUNE RATS endlich wieder auf Tour in Deutschland und statten dabei dem Privatclub einen Besuch ab!
2010 noch als Duo gegründet, wussten Gitarrist und Frontmann Danny Beaus und Schlagzeuger BC Michaelis schnell, dass zwei auf Dauer nicht genügen, um eine erfolgreiche Punkband zu werden. Also musste ein zusätzlicher Bassist her, welcher mit Brett Jansch schnell gefunden wurde. So war das Punk-Trio also komplett, um Brisbane als Wiege für Punkrock in Australien bekannt zu machen und anschließend die Welt zu erobern.
Ihre Ziele verfolgen sie ganz nach ihrem Lebensmotto: entspannt, verrückt, bekifft und immer nur dem Moment folgend. So kam es dann auch dazu, dass Singles, EPs in unregelmäßigen Abständen erschienen, bis dann auch die erste und selbstbetitelte LP „Dune Rats“ in 2015 erschien. Typische Punksongs, die perfekt den australischen Indie-Surfer-Vibe der Band eingefangen haben.
Und so folgt dann in 2017 auch schon das zweite Album „The Kids Will Know It`s Bullshit“ – frische und neue Songs, welche vor Energie nur so strotzen und dennoch die Gelassenheit der Band weiter in sich tragen.
Und das kann man auch live von der Band behaupten: eine packende Partystimmung, die einfach jeden mitreißt und ein Lächeln ins Gesicht zaubert.
Nicht ohne Grund, sind die DUNE RATS in Down Under wahnsinnig angesagt- auch das letzte Album stieg dort direkt auf Platz 1 der Charts.
Also, ab nach Berlin, wenn im Dezember im Privatclub ein paar australische Sommervibes zelebriert werden und am besten ab sofort mit der neuen Single „No Plans drauf vorbereiten!“
Genre: Hip Hop, Funk, Jazz, Disco
Jakarta Records lädt ein zu „Fridays with Jakarta“. Alle zwei Monate im schönen Privatclub in Berlin Kreuzberg. Sound von Disco und Boogie, hin zu Leftfield Beats und Raps, Afro, Habibi Funk und anderen Obskuritäten. Eben genau das, worauf wir gerade Lust haben. Nie abgedroschen, dafür immer funky und frisch. Keine Hip Hop Classics Hit-Medleys, wir graben tiefer, ohne dabei Tanzbarkeit außer Acht zu lassen. Hier und da sicher mit dem ein oder anderen Gast aus dem weiten Jakarta Umfeld, denn „it’s a family thing“. Wir freuen uns drauf!
Residents:
Genre: Hip Hop, Rap
Mit “Diskman Antishock Live” bringen Goldroger und das Producerduo Dienst&Schulter den Nachfolger zum gemeinsamen Debüt „Avrakadavra“ erstmals auf die Bühne.
In 8 Städten in Deutschland, Österreich und der Schweiz präsentieren die Kölner das neue Album, bekannte Songs und vielleicht für immer unveröffentlichtes Material.
Es wurde auch Zeit, Goldie!
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Dark Wave, Rock, Electronic
Szenekennern braucht man nicht zu sagen: Wer oder was die legendären Clan of Xymox sind…
Aber dennoch hoffen wir immer noch auf Neuzugänge und deswegen nochmal kurz zusammen gefasst:
Clan of Xymox gibt es seit den 80er Jahren und gehörten somit in den 80igern zu den wichtigsten Vertretern der Dark Wave Szene. Mit mehr als 30 produzierten Alben tourten die Clan of Xymox in ihrer Laufbahn durch viele Länder der Welt und haben sich in den Jahren eine sehr teure Fanbase erspielt.
Wichtigste Songs und die wir immer wieder auf Konzerten hören sind zum Beispiel: Louise, A Day, Medusa und viele andere.
Zuletzt veröffentlichten die Clan of Xymox ihr Album Days of Black in dem Jahr 2017.
Die Clan of Xymox sind immer wieder sehens- und erlebenswert. Wie bereits in 2017 geschrieben: dunkle Tage erfordern dunkle Musik. Nicht auszudenken also, was wir tun würden, wenn es Menschen wie Ronny Moorings nicht gäbe. Menschen, die seit vielen Jahren die Seele einer Szene sind, mit wachem Blick und offenen Ohren durch die Welt gehen und all das Besorgniserregende, all das Beunruhigende, all das Aufwühlende da draußen in düstere, aber genau deswegen so heilsame Musik fließen lassen.
Sicherlich kann man einem wie ihn nichts vormachen, sicherlich muss man einer der prägendsten, wichtigsten und populärsten Dark-Wave-Bands der Achtziger nicht erklären, wie sie Atmosphäre erzeugen und somit befinden sich Clan of Xymox bis heute auf einem beispiellosen Karrierehoch.
Als Special Guest laden wir dazu Auger aus den UK ein, die bereits in 2018 in Deutschland mit Stoneman auf Tour waren.
Auger siedelt sich im Dark Wave, Industrial, Gothic an. Die Band gründete sich erst in 2017 und hatte sofort Erfolge zu verzeichnen. Ihre Debüt Single wurde in sehr vielen Radios gespielt und dass bis hin nach Amerika, weiterhin spielten sie größere Konzerte mit den bekannten Bands wie The Crüxshadows, Ost+FRONT und Gothminister.
AUGERS knallharter Sound ist eine einzigartige Fusion von Darkwave, Industrial, Electronica, Gothic Rock und Metal. Im März 2018 erschien ihr neues Album „The Awakening.
Verlegt ins Lido. Tickets behalten ihr Gültigkeit.
Genre: Pop
Sein Song ist einer der großen Favoriten beim diesjährigen Eurovison Song Contest, bei den Buchmachern liegt er zumindest seit Wochen konstant in Führung. „Arcade“, diese gefühlige Ballade über eine niemals gelebte Liebe, hat bereits jetzt Fans rund um den Erdball zu Tränen gerührt.
Duncan Laurence aber nur auf diesen Song zu reduzieren, griffe viel zu kurz. Der Niederländer hat schon seit seiner Jugend nur ein Ziel: „Ich werde Musiker.“ Dafür übt er jeden Tag Klavier, komponiert, schreibt Texte, feilt an seinen Talenten und lotet Möglichkeiten aus, seine Songs unter die Menschen zu bringen. Denn Musik ist für ihn auch eine Flucht aus dem Mobbing, das ihm fast täglich entgegenschlägt. Dafür erzählt er uns heute seine Geschichten, die häufig sehr melancholisch daherkommen, sich aber durch ihre positive Kraft und musikalische Form zum Guten wenden.
Laurence gewinnt Talentshows, kommt bei „The Voice of Holland“ ins Finale und studiert an der Rock Academy in Tilburg Gesang. Der heute 25-Jährige verbringt viel Zeit in Studios in den Niederlanden, Stockholm und London, um weiter an seinen Fähigkeiten als Produzent, Sänger und Singer/Songwriter zu arbeiten. All das mündet jetzt in „Arcade“, dem Stück, das ihm den weltweiten Durchbruch bringen wird. Diese große Stimme, die so mühelos zwischen Bariton und Falsetto wechselt und die Gefühle so fein dosiert zum Ausdruck bringen kann, ist die eine Seite seiner Qualität. Die andere ist sein überragendes Talent, verschiedene Stile zu bündeln und musikalisch kongruent umzusetzen.
Duncan Laurence ist auf dem Sprung zum Star, so viel ist sicher. Im Dezember kommt er zu uns auf Tour.
Genre: Indie
Anfang August erschien das neue Album von Marika Hackman. Darauf kommt alles zur Sprache, was sich rund um die lesbische Sexualität dreht. Das ist bemerkenswert, denn meist wird darüber doch nur aus einer patriarchalen und fetischisierten Sicht gesungen. Auf „Any Human Friend“ ist das anders. Da geht es um Selbstbefriedigung, Oralsex, Orgasmen, aber auch um Trennung, Entfremdung und den Moment der bitteren Erkenntnis, wenn es erst einmal vorbei ist.
Musikalisch ist Hackman dabei weit vorangeschritten. Ihre Anfänge im NuFolk, der auf den ersten beiden Platten noch „We Slept at Last“ und „I’m Not Your Man“ bestimmend war, legt sie nach dem ersten Song „Wanderlust“ ab, als wolle sie das Weiterschreiten, die Entwicklung als Musikerin damit dokumentieren. Dann folgt eine Platte voller klugem Indie-Pop, dem man den komplexen Inhalt selten anmerkt. Der Tagesspiegel beschrieb es in seiner Kritik so: „Wenn man nur die Texte liest, ohne die Musik zu hören, könnte man meinen, man habe es mit depressiven, deprimierenden Songs zu tun. Dann legt man die Platte auf und – boom! – die Party beginnt.“
Zwischen Gitarren und Synthesizern entwickelt sich ein flirrender Soundteppich, der sich wandelt und dreht, an Geschwindigkeit zunimmt, um dann wieder in Langsamkeit zu verharren. Die eigentlich so klare Stimme klingt manchmal verhallt und verhuscht, und selbst vor Vocoder-Einsätzen schreckt die Britin nicht zurück. Dabei hat die Multiinstrumentalistin, die außer den Streichern und Teilen der Schlagzeugparts fast alles selbst eingespielt hat, ein Werk voller Zweifel, aber auch voller Hoffnung geschaffen, das musikalisch auf dem Vulkan tanzt. Auf der Platte gehe es darum, dass wir uns trotz aller Unterschiede akzeptieren sollen, und die Idee, dass „wir uns alle wünschen, aus Stein geschaffen zu sein und doch in Wahrheit aus Gold bestehen“. Schöner als Marika Hackman selbst könnte man es nicht zusammenfassen.
Im Dezember kommt sie für drei Shows nach Deutschland. Begleitet wird sie dabei von Our Girl. Das Trio aus Brighton, das im vergangenen Jahr die Debütplatte „Stranger Today“ veröffentlichte, kommt musikalisch ebenfalls sehr vielfältig daher. Irgendwo zwischen schwerem Shoegaze und süßem Pop pendelnd, sind sie der perfekt passende Opener für diese Abende.
Genre: Indie-Pop
Es war still um die Berliner Indiepop-Band MEIN MIO in den letzten acht Jahren. Die Berliner Band gründete sich 2006 und lieh sich ihren Namen bei der Schrifstellerin Astrid Lindgren. „Moderne Großstadtmärchen“ sind ihre Songs, in denen sich eine andere Perspektive auf das banale Alltägliche offenbart. Schlichte Songwriter-Eleganz, Leichtigkeit und gleichzeitig Tiefe in der Musik machen den Charme von MEIN MIO aus. Die hingebungsvollen Texte entspringen der Feder von Sänger Sebastian Block, der auch als Solo-Künstler aktiv unterwegs ist.
In diesem Jahr feiert ihr vielgelobtes Debütalbum „Irgendwo in dieser großen Stadt“ (produziert von Nils Frahm) seinen 10-jährigen Geburtstag. Grund genug, etwas Besonderes auf die Beine zu stellen!
Mein Mio sind:
Sebastian Block / Bass – Gesang
Simon Gordeev / Gitarre
Daniel Schmidt / Piano
Hannes Schulze / Schlagzeug
Genre: R&B
We’re doing this for the love of LOVE music. For those of us who STILL listen to R&B and know about the modern scene. Old school is cool,.but there are also a lot of new artists killing it out there. SHEA BUTTER is a place to relive the sweet memories of past eras as well as a space where the modernity of (Future) R’n’B will flourish.
To navigate this soulful journey, we’ll be inviting special guest DJs who love R&B and want to show us what the genre means to them TODAY.
We’ll see you there!
Genre: Indie / Folk
„A Million Miles From Love“ ist die erste Single aus Lucas Laufens Debüt Album „I Know Where Silence Lives“, welches am 6. Dezember über Embassy of Music erscheint.
Die Inspiration für den Track erhielt der Wahlberliner während eines Trips in seine Heimat Australien. In dem Moment, als er bemerkte, dass seine Beine voller Blut waren. Er lief zurück vor das Haus seiner Eltern um herauszufinden, was passiert war und fand dort einen toten Hasen, dessen Blut den Rasen tränkte während seine Familie um ihn herum stand — nur wenige Meter von seinem Bau entfernt.
Die persönliche Geschichte hinter der Single wurde von dieser zutiefst surrealen und bildlichen Erfahrung aufgeladen, als Lucas spürte, wie man seinem Zuhause doch so nah und zeitgleich so fern sein kann. „Es war eine wirklich seltsame Vorstellung, in Verbindung mit meinem Lebensstil zwischen zwei Welten. Zum einen in meiner Heimat bei meinen Eltern, zum zweiten unterwegs am anderen Ende der Welt.“, so Lucas. Für das dazugehörige Musikvideo arbeitete Lucas mit Tim Hodgson zusammen. Das Resultat ihrer Zusammenarbeit entpuppt sich als eine Reise, in der ganz gewöhnliche Dinge den Protagonisten von ihrem essentiellem Wert und Nutzen überzeugen.
Neuanfänge bedeuten meist auch ein Abschied an ein altes Leben — um ein neues Kapitel zu beginnen, lässt man ein voriges zurück. So ließ auch der vom klassischen Singer- Songwriter Folk beeinflusste Lucas Laufen 2016 alles in seiner australischen Heimat Port Lincoln zurück, um seinen Traum in Europa zu verwirklichen. Mit acht Jahren bereits fähiger Pianist, mit zehn schon mit der Trompete vertraut, begann Lucas im Teenager Alter Gitarre zu spielen und eigene Songs zu komponieren. Nach der Schulzeit arbeitete er unglaubliche 60 Stundenwochen und er merkte schnell, dass ihn das von seinen eigentlichen Zielen abhielt. So rückte der Wunsch auszubrechen immer näher.
Als sich Lucas schließlich in der deutschen Hauptstadt wiederfand, nutze er diese als Basis für seine Debüt-EP „Goodbye.“ Mit ihr im Gepäck tourte er durch elf verschiedene Länder und spielte in Clubs, Wohnzimmern und Konzerthallen.
Einlass ab 18 Jahren.
ENGLISH
„A Million Miles From Love“ is the first single from Lucas Laufen’s debut album „I Know Where Silence Lives“, which will be released on December 6th by Embassy of Music.
The inspiration for the track came during a trip to his home country Australia. The moment he noticed that his legs were full of blood. He ran back to his parents‘ house to find out what had happened and found a dead rabbit whose blood was soaking the lawn while his family stood around him – just a few feet from his den.
The personal story behind the single was charged with this deeply surreal and pictorial experience as Lucas felt how to be so close to home and so far away at the same time. „It was a really strange idea, in connection with my lifestyle between two worlds. On the one hand in my home with my parents, on the other hand on the road at the other end of the world,“ says Lucas. Lucas worked with Tim Hodgson on the accompanying music video. The result of their collaboration turns out to be a journey in which ordinary things convince the protagonist of their essential value and usefulness.
New beginnings usually also mean a farewell to an old life – to start a new chapter, one leaves a previous one behind. Lucas Laufen 2016, influenced by the classical singer-songwriter Folk, left everything behind in his Australian homeland Port Lincoln to realize his dream in Europe. At the age of eight, already an accomplished pianist, at ten already familiar with the trumpet, Lucas began playing the guitar in his teens and composing his own songs. After school he worked an incredible 60 hour week and quickly realized that this kept him from his real goals. So the desire to break out came closer and closer.
When Lucas finally found himself in the German capital, he used it as the basis for his debut EP „Goodbye“. With her in his luggage he toured through eleven different countries and played in clubs, living rooms and concert halls.
Admission from 18 years.
Genre: Alternative Rock
Psycho Village wurde 2009 vom damals 15-jährigen Daniel Kremsner gegründet. 2012 begann die bis heute anhaltende Zusammenarbeit mit dem Produzenten Gwenael Damman, welche 2013 zur Veröffentlichung der Single „It´s Okay“ führte. Der Song lief österreichweit im Radio und schaffte es auf Platz 32 der Austria Top40 Single Charts, sowie in die Top10 der iTunes Charts. 2014 wurde die Debut-EP „Selfmade Fairytale – part 1“, veröffentlicht. Die Single „Perfect“ erreichte Platz 30 der Austria Top40 und Platz 1 der iTunes Charts. Die Single „Through My Eyes“ konnte ebenfalls Airplay in ganz Österreich verzeichnen und schaffte es auf Platz 1 der iTunes Charts sowie Platz 1 bei Radio Energy (NRJ) in Österreich.
Nach zahlreichen Tourneen in Österreich und Deutschland zur Promotion von Selfmade Fairytale, wurde die EP 2017 international neu veröffentlicht. Zwischen 2017 und 2019 spielten Psycho Village über 150 Konzerte in ganz Europa und UK mit Bands wie Nothing More (US), Puddle of Mudd (US), Skindred (UK), Sick Puppies (US), Otep (US), Saving Abel (US), The Raven Age (UK) uvm. 2018 wurde die Single „What Was That“ veröffentlicht, die bis heute über eine halbe Million mal gestreamed wurde. Ende 2018 wurde bei dem US-Label Pavement Entertainment und Vertriebspartner Sony (Candlebox, Tantric, (hed)p.e. etc) in Chicago ein Vertrag für Nordamerika unterschrieben. Kurze Zeit später wurden Psycho Village vom Deutschen Label Seven Us Media Group für Europa und UK unter Vertrag genommen. Das Debut-Album „Unstoppable“ wird voraussichtlich Ende August erscheinen.
Genre: Indie-Pop
Eine gute Geschichte beginnt in einer Bar. Zwei Jungs mittleren Alters, zwei Gin Tonic, schummriges Licht. Der eine ist der Sänger und Songwriter Graf Tati, der andere ist der Schlagzeuger Gerd Türke (King Candy, Les Immer Essen). Im Hintergrund läuft Smiths, Television, Bowie, Gainsbourg. Die Spuren führen von Berlin nach Köln und umgekehrt, durch Euphorie und Schmerz, schnurstracks im Viervierteltakt, mit Rickenbacker, dunkler Stimme und der ganzen Indiekiste für eine Alte-Schule-Schönheit, sagen wir: Romy Schneider. Die französische Künstlerin Cécile Dupaquier betritt die Bar, lehnt ihren Basskoffer gegen die Theke und bestellt Joy Division. Blicke treffen sich. Ein Mann mit Schnurrbart setzt sich dazu, übergibt die Proberaumschlüssel und verschwindet wieder. Zu später Stunde bekommt Zero Solaris einen Anruf und wird der Mann an den Tasten, das Knacken in der Leitung. Apropos Pop — eine gute Geschichte endet auf einem Flughafen. Und so wird das Album im Candy Bomber Studio in Berlin-Tempelhof von Ingo Krauss gemischt. Ein Sound in Schwarzweiß mit Songs für die nächste endlose Nacht.
Brabrabra (IT/JP, Ber, Kitchen Leg records) is a Berlin based girl group. Susanna, Saiko and Federica are three good friends that started to play together in Federica’s Wohnzimmer just for fun. Their lives were weird enough that they could write songs about it, with irony, cynicism and tenderness together. Brabrabra had their debut when Saiko’s brother, Tatsumi, unknowingly organized a gig for them in Feb 2012. After that, BBB played many shows, among them Torstrasse Festival 2013, they played with Maher Shalal Hash Bash, R Stevie Moore, Synaesytesie Festival 2017 Fusion festival 2019 and more. Their debut album “Mango” in Dec 2013, was also Kitchen Leg records’ first release. After a long hiatus, BBB released a 7′‘ in 2018 („Lagooona“) and toured Japan. And, here, some words of True love: “Playful, like 1979. Playful, like crafting beautiful sensitive slightly ironic pop music doesn’t have to be a chore. Playful, like Electrelane. Wild, like Tobi Vail.” (Everett True on Collapse Board, July 2014).
„Brabrabra (Susanna, Saiko and Federica) spielen in Bass-Schlagzeug-Orgel Dreierbesetzung charmantesten Lo-Fi Pop in Tradition von Bands wie Raincoats oder den Marine Girls. Ihre Synthese aus Schrägheit und Melodie, Intensität und Verspieltheit gibt Pop wieder ein sympathisches Gesicht.“ (amSTARt)
Genre: Pop
Der finnische Singer-Songwriter Niila ist zurück – mit einer neuen Single, zwei exklusiven Clubshows und vielen weiteren geplanten Veröffentlichungen. Letztes Jahr, nach seiner dritten erfolgreichen Headliner Tour in Deutschland und Auftritten vor zahlreichem Publikum als Opener für die Band Sunrise Avenue auf deren Sommer Tour 2018, zog sich der Musiker ins Studio zurück, um an neuem Material zu arbeiten.
„Es dauerte etwas länger als gedacht, aber endlich sind alle Songs an ihrem richtigen Platz. Ich war mir sicher, dass dies die Musik ist, die ich für meine Fans mitnehmen möchte, wenn ich wieder aufs Pferd steige. Dieses Gefühl einen perfekten Song geschrieben zu haben kann man nicht erzwingen, auch wenn es hundert Versuche braucht, aber wenn man es dann hat, dann weiß man es und dieses Gefühl ist nicht zu schlagen! Das lange Warten war furchtbar, deshalb freue ich mich jetzt umso mehr endlich wieder zurück auf der Bühne zu sein, denn das ist was für mich am meisten zählt.“ – Niila.
Genre: Indie-Rock
Die Berliner Band „Poets“ ist vom Sound vergangener Tage inspiriert, den sie spielerisch als ihren eigenen klingen lässt. Rock, Wave und Folk steht auf den Fläschchen im Apothekerschrank, die gegen die Einsamkeit der Großstadt helfen sollen. Hoffnungsvolle Melancholie und zermürbender Trübsinn werden von rockigen Gitarren, wolkigen Synthesizern und energetischen Drums getragen.
Für ihre EP „And They Sleep On The Wind“ hat sich die Band in ein Haus auf dem Land zurückgezogen, hat dort Ideen gesammelt und sechs Songs aufgenommen. Von Producing, Recording über das Artwork und die Videos – DIY ist das Prinzip, nach dem die Band verfährt. Und so entsteht ein eigenes Konzept, in dem die Musik von „Poets“ Raum findet, sich zu entfalten. Verschiedene Musikstile von Rock, Indie, Wave und Folk greifen ganz natürlich ineinander und bilden so den Sound von „Poets“.
Genre: Indie / Alternative / Art
Slow Earth, band from industrial city in Eastern Europe , was formed in 2009. They announce the release of their debut EP „Latitude and 023“ for May 6 2013.
Slow Earth is Self-published band and that fact helps to write independent, non-commercial music.
First song „Identify“ was earlier released online and was airplayed on important European radio stations.
The EP was recorded in one of the best studios in central Europe with young and talented engineers from USA.
The band worked with Dan Leffler (U2, Muse RHCP) for mix and post production, in Los Angeles, USA.
Attaching great importance to the visual side of EP, the band decided to work with legendary Storm Thorgerson for the Artwork.
Genre: Rock'n Roll | Rockabilly
Seit 1985 machen Boppin’B mit ihrer ganz eigenen Interpretation des Rock’n’Roll die Bühnen dieses Planeten unsicher. Hervorgegangen aus einer Schulband, wurde die erste LP ‚Bee Bop‘ 1988 aufgenommen. Aufgrund der sich immer mehr häufenden Auftrittstermine entschloss man sich 1990 das Hobby zum Beruf zu machen, und seit dieser Zeit spielt die Band jedes Jahr ca. 200 Shows.
Sie waren die ersten in Deutschland(1990), die moderne Popsongs in ein Rock’n’roll-Gewand kleideten und waren damit Vorreiter für viele Bands, die das dann später ebenfalls sehr erfolgreich taten. (Dick Brave, Boss Hoss, Baseballs usw.) Mit diesem Konzept konnten sie 2004 und 2005 mit dem Album „Bop around the Pop“ sowie mit zwei Singleauskopplungen die deutschen Charts erobern und erlangten dabei große Aufmerksamkeit in der gesamten Republik. Doch beschränkten sie sich nicht allein darauf, sondern legten, trotz des damit erzielten großen Erfolgs, auch immer sehr viel Wert auf ihre eigenen Kompositionen. Ihre Hartnäckigkeit gab ihnen Recht und so konnten sie mit den drei letzten Alben „B.A.N.G.“, „Monkey Business“ und „Boppin‘ B“. welche hauptsächlich aus eigenen Songs bestanden, die oberen Ränge der Independent-Charts erklimmen, was Bands aus diesem Genre bisher nur sehr selten gelungen ist. Dies ist auch der Grund, weshalb sie regelmäßig in renommierten Clubs, als auch bei angesagten Festivals im In- und Ausland mit großem Erfolg auftreten. Ihre Live-Performance ist legendär und besticht durch die teilweise akrobatischen Showeinlagen. Bemerkenswert ist, dass der Erfolg der Band ausschließlich aus eigener Kraft entstanden ist und sie haben sich in all den Jahren das „Heft des Handelns“ nie aus der Hand nehmen lassen. Sie ist der lebende Beweis, dass sich Kontinuität und Kreativität nicht ausschließen, sondern in dieser Konstellation zum Erfolg führen.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: New Wave, Postpunk, Indie und Synth
— find english version below —
Zum ersten Mal in Berlin! Eavo (Take Me Out / Münster) mixt Euch ein rasantes Set aus New Wave und Postpunk / Indie in all seinen Spielarten: Mal poppiger, mal dunkler – mal mit Gitarren, mal mit Synthies – meistens aus den 1980ern, aber auch aus der Gegenwart. Lasst Euch fortreißen von einem absolut tanzbaren Flow aus bekannten und unbekannten Hits von Bands wie
Bronski Beat, Bauhaus, Boytronic, B-52’s, B-Movie, Clash, Crystal Castles, Cure, Depeche Mode, Drangsal, DIIV, Gang Of Four, Grauzone, Gurr, Housemartins, Interpol, Joy Division, Metronomy, Motorama, New Order, Siouxsie, Sonic Youth, Soviet Soviet, The Smiths, Soft Cell, Talk Talk, Trans X, Violent Femmes, Wipers, The XX etc.
— english version —
For the first time in Berlin! Eavo (Take Me Out / Münster) is bringing you a swift set made up of New Wave and Postpunk / Indie in all it’s ways: Some more pop-like, some darker – sometimes with guitars or some with synthies – usually from the 80s, but modern hits won’t be disregarded. Let the music take you away with it‘s absolutely dancable flow from known and unknow hits by bands like:
Bronski Beat, Bauhaus, Boytronic, B-52’s, B-Movie, Clash, Crystal Castles, Cure, Depeche Mode, Drangsal, DIIV, Gang Of Four, Grauzone, Gurr, Housemartins, Interpol, Joy Division, Metronomy, Motorama, New Order, Siouxsie, Sonic Youth, Soviet Soviet, The Smiths, Soft Cell, Talk Talk, Trans X, Violent Femmes, Wipers, The XX etc.
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Find english version below.
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: 2000s / Trash / Ghetto House / Techno
„Oops we did it again“, Millenium reloaded 20 Jahre später. Nicht das Jahrtausend aber das Jahrzehnt ändert sich, also werden die 2000er zu ihrem 20 Geburtstag nochmal ordentlich zelebriert. Mithilfe von Trash-, Ghetto House- und Techno-DJs wird der Privatclub zum Ghetto Ball. „Get your freak on“.
Genre: Hawaiian Instrumental / Ukulele / Art
Virtuosin, Songwriterin und Theaterproduzentin TAIMANE ist vor allem für ihren wilden und erfinderischen Stil bekannt, die Ukulele zu spielen. Taimane kommt aus Hawaii und hat einen Namen, der mit „Diamant“ aus Samoan übersetzt wird. Sie ist eine geborene Entertainerin und Autodidaktin, die nach Gehör lernt und spielt.
Schon im Alter von 10 Jahren trat sie regelmäßig in der Öffentlichkeit auf und spielte jeden Freitagabend in den Straßen Waikikis, wobei Waikiki Beach Boys (Menschen, deren zuhause und Arbeitsplatz der Strand waren) als Band dienten. Mit 13 Jahren eroberte Taimane eine Position in Don Ho’s Show und spielte buchstäblich jede Woche bis zu seinem Tod im Rampenlicht.
Bis heute ist Sie eine Künstlerin, die um die Welt tourt und eine einzigartige Nische in der Musik geschaffen hat – sie verschmilzt eine breite Palette von Genres (von Bach bis Rock, Flamenco-Infernos bis hin zu Stammeshymnen) und beschwört eine scheinbar grenzenlose Palette von Emotionen mit ihrer Geige.
