Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: R'n'B, Soul
If life was at all fair Ural Thomas would be a household name, his music slotted into countless sweet, seductive mixtapes between James Brown, Otis Redding, and Stevie Wonder (all of whom Thomas has performed with.) Straddling the line between hot soul shouter and velvety-smooth crooner, Thomas released a few singles in the late 60’s and early 70’s; most notably “Can You Dig It”, which featured backing vocals from soul luminaries Merry Clayton, Mary Wells and Brenda Holloway. Thomas played over forty shows at the legendary Apollo Theater before turning his back on an unkind business and heading home to Portland, OR.
It goes without saying that a man practically built out of rhythm would never stop playing music. Thomas began hosting a regular Sunday night jam session at his home that ran for nearly twenty years. A de facto mentor to many of the younger players, Thomas reminds us all that “If you care about what you’re doing, you need to build those muscles and do the work. Don’t get discouraged, do it for love. Even if you’re digging ditches, do it with passion.”
In 2014, local soul DJ Scott Magee sat in on drums. The two became fast friends and at Magee’s urging Thomas decided to give his musical career another shot. Magee became the musical director, they put together a band, and in 2016 released a self-titled album on Mississippi Records.
In 2017 Thomas signed with Tender Loving Empire and began work on what, in many respects, will be his debut full length. Diving deep into lifetime of melodic creativity, Thomas and his band got to work. Recorded in Magee’s studio Arthur’s Attic, The Right Time features the air-tight work of Magee on drums, percussion, and backing vocals, Bruce Withycombe (The Decemberists) on baritone sax, Portland jazz scene fixture Brent Martens on guitars and vibraphone, Arcellus Sykes on bass, Steve Aman (Lady Rizo) on piano and organ, Dave Monnie on trumpet, Willie Matheis (Cherry Poppin’ Daddies) on tenor sax, and Jasine Rimmel, Joy Pearson, Sarah King, Rebecca Marie Miller on backing vocals. The Arco Quartet performed the strings, and the record was engineered and mixed by Jeff Stuart Saltzman (Blitzen Trapper) and mastered by JJ Golden (Sharon Jones, Ty Segall).
One might think after a sizeable taste of early success Thomas would be more than a touch bitter – yet the opposite is true. “We have to be positive if we want the world to get better” Thomas advises. “We’ve come a long way, but if you carry a grudge with the whole world you’ll stop your growth. We’re a family, all just brothers and sisters, descendants of Adam. You can’t get anywhere without an open heart.”
A developing artist at nearly eighty years old, for Thomas music has always been about bringing people together. “If we play for twenty people we cook it like it’s twenty thousand” says Thomas. “If we make someone smile we’re satisfied. They’re ain’t no difference between us. It’s all love and brotherhood. If folks listen to my record and feel that I’ll feel very blessed.”
Standing in bold defiance of the idea that aging is a reason to slow down and stop living, for Thomas the right time to get down is the next time someone plugs in a guitar or puts on a record. Ural is ready – are you?
Genre: Deep House, Tech House
Bald ist es wieder soweit, die nächste Banausen Sause steht vor der Tür, also tragt euch schon einmal fleißig den 22.03. im Kalender ein, denn diesmal gibt’s die Banausen, ganz privat.
Freut euch auf ein Line Up, dass eure Tanzschuhe auf die Probe stellen wird.
Mav Stone
Olek
SKALA
Raphael Hofmann
Frau Kaufmann
Colors Amped B2B Chacho
Genre: Post-Punk, Indie
Dynen. Das sind dreckiger Pathos, hängende Schultern, Ra(s)tlosigkeit. Mit mehr Herz als Verstand haben sich Musiker der Bands Minitimer Katzenposter, DIAS, The Flexfitz und Subbotnik zusammengetan, um sich in Dynen neu zu (er-)finden. Widerspruch wird provoziert, Harmonie und Dissens in Songs vereint, Gitarren-Wände treffen auf Brüchigkeit in den Texten. Den deutschen Michel verschonen sie dabei ebensowenig wie den eigenen Narzissmus. So singen sie selbst: “Wir sind die Mauer, die deine Grenzen ersetzt”. Klingt ein bisschen Emo? Ist es auch.
Die Gruppe König ist die bandgewordene Fusion aus Post-Punk und Grunge – roh, pessimistisch, karg. Die Musik des Rostocker Trios – durchsichtig, aber fern von Leichtigkeit – steht im Raum wie dichter Kneipendunst und beschäftigt sich mit den Möglichkeiten und Unmöglichkeiten eines jeden.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
WOWZER ! Wir sind extrem happy den grandiosen Abend aus dem März letzten Jahres wiederholen zu können: Mit Gast–DJ MICHAEL ROBINSON aus NYC, USA !
Wer letztes Jahr nicht dabei sein konnte, wird wohl von diesem legendären Abend gehört haben. Wer nicht, dem sei gesagt:
Be there or regret for the rest of the year …. and thereafter!
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Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Genre: Soul, Blues, Rock, Gospel
Woher stammt nur diese ausdrucksstarke, zeitlos schöne Stimme, die vor einigen Jahren in Memphis, Tennessee den Spitznamen „The Young Old (TYO)“ erhielt?Tiwayos vom 1960er und 70er Soul, Rock, Blues, Gospel und Reggae beeinflusster Sound wurde in schlaflosen Nächten, Auftritten in der U-Bahn und auf Reisen in den USA und Europa geprägt. Aufgewachsen ist er in einer Pariser Vorstadt, aber seine spirituelle und kreative Heimat liegt im Süden der USA.
Obwohl das Debütalbum des jungen französischen Musikers erst am 18. Januar 2019 veröffentlicht wird, hat er schon im Vorprogramm bekannter Künstler wie Norah Jones, Seal, Marcus Miller, Patrice oder Curtis Harding gespielt. Der französische Rolling Stone nannte Tiwayo „ein kleines Soul-Genie“ und Paris Match schrieb, er habe „eine außergewöhnliche Stimme“.
2017 trat Tiwayo mit Mark Neill (The Black Keys) in Kontakt, um ihn zu fragen, ob er sein erstes Album produzieren könnte. Tiwayo dazu: „Die Geschichte ist völlig verrückt, weil sie so einfach ist. Es war ein guter Zeitpunkt, mit den Aufnahmen zu beginnen, und ich war ein großer Fan von Marks Arbeit mit Dan Auerbach, deshalb fühlte ich mich schon sehr mit ihm verbunden, noch bevor ich ihn traf. Also schickte ich Mark einige Demos und er antwortete sehr schnell: „Das klingt gut. Was wäre dein Traumalbum?“
Zwei Monate später lebte Tiwayo seinen ganz eigenen amerikanischen Traum und nahm auf einem 16-Spur-Rekorder in Mark Neills Soil of the South Studios in Valdosta, GA unter der Ägide des Grammy-Preisträgers erste Songs auf. „Ich war natürlich wahnsinnig aufgeregt“, so Tiwayo, „und erklärte ihm, dass ich genau nach dem gesucht habe, was er macht – ein auf Bass und Schlagzeug basierendes Album mit einem starken Rhythmusblock und Klavier sowie einem einfachen Ansatz.“ In Ermangelung einer einzigen musikalischen Schublade, in die Tiwayos Musik passen könnte, kam bald der Begriff „Gypsy Soul“ auf – ein unkonventioneller Sound ohne Anker, der durch die Welt, durch Zeiten und Klänge reist.
Wie in einem Notizbuch dokumentiert Tiwayo auf dem Album persönliche Geschichten mit universellen Widerklängen wie in „A Place to Call My Own“ oder der ersten Single „Wild“, gehetzt auf der Reise wie in „Night Train“ oder der Reise ins Ich wie in „Full Moon“. Abgemischt in Paris von Philippe Weiss (Selah Sue, Kendrick Lamar, Madonna), klingt The Gypsy Soul of Tiwayo wie ein analoger Soundtrack und eine Ode an die Emanzipation.
Tiwayo war 2018 für den begehrten ANCHOR Award des Reeperbahn Festivals nominiert und trat daher im Rahmen des 2018er Festivals zwei Mal auf. Den Preis erhielt Tiwayo zwar nicht, aber begeistert hat er mit seinen Konzerten viele – darunter auch den legendären Produzenten Tony Visconti, der in einem Interview mit Le Monde über den jungen französischen Künstler sagte: „Ich mochte vor allem Tiwayo. Ich fand ihn authentisch, voller Soul. Wenn er mit seinen Backgroundsängerinnen singt, ist es, als ob man in einer Kirche ist.“ Und auch der Rezensent der Welt zeigte sich angetan: „Ein Besuch… beim… für den Anchor Award nominierten, aber leider leer ausgegangenen Franzosen Tiwayo, der im Imperial-Theater ein fulminantes Konzert ablieferte und minutenlanges Standing Ovation bekam, haften lange in der Erinnerung.“ Der Rezensent der Schwäbischen Zeitung urteilte über Tiwayos Konzert beim Aalener Jazzfest Anfang November: „Sänger und Gitarrist Tiwayo… ist auf jeden Fall ein großer Musiker, ein wahrer ‚Bluesman‘. Wenn auch keiner, der nur den Blues kennt. Soul, Gospel, Rock, Reggae, auch gerne mal nur mit der akustischen Gitarre begleitet, alles dabei, alles getragen von einer großartigen Stimme…“.
Genre: Alternative, Indie
Nach dem sehr gefeierten zweiten Album „Drifter“ von FIRST BREATH AFTER COMA, das nominiert war als europe’s best independent record of 2016, kommt im Frühjahr 2019 der Nachfolger “NU”.
Nu (oder “new”) im englischen für “neu” meint aber “naked” (nackt) in der Muttersprache der 5 Musiker aus Portugal, was sich wiederum in den neuen Songs wiederspiegelt. FBAC haben sich weiter vertieft in ihren unverwechselbaren Sound aus “introspective indie-rock and dreamy soundscapes, with subtle traces of gospel choirs and ethnic music”, wie sie es selber benennen.
Genre: Deutschrock, Indie-Rock
Kapelle Petra ist zurück. Und zwar nackt. Und zum Glück für alle Beteiligten nicht im naheliegenden körperlichen Sinne. Viel mehr hat sich die Kapelle musikalisch und inhaltlich etwas freier gemacht. Auf das Wesentliche beschränkt: Drei Musiker in einem Raum spielen live zusammen ein. Ohne viel Schnickschnack. Das ergibt ein Soundbild, das nun viel mehr dem ähnelt, was bei Kapelle Petra schon seit Jahren auf der Bühne passiert. Eine druckvolle, bestens aufeinander eingespielte Band, die jeden Konzertbesucher vom Feinsten unterhält. Denn neben ihrer musikalischen Versiertheit (die man nach 21 Jahren Bandgeschichte nun auch wirklich zurecht erwarten darf) und textlicher Raffinesse, darf vor allem eines nicht zu kurz kommen: Die Unterhaltung. Und die bekommt man von Ficken Schmidt, Opa und Siepe serviert. Mit dem ganz großen Löffel – und zwar erst recht in 2019.
Genre: Indie
Toronto singer, producer and multi-instrumentalist MorMor returns to share a new single. „Pass The Hours“ expands upon the blueprint for his own brand of pop music that he showcased with his critically-acclaimed debut EP Heaven’s Only Wishful released earlier this year. The dynamic new track is a sweeping demonstration of MorMor’s own interpretation of pop song structures, bringing a renewed energy to the genre.
Along with the new track, MorMor is announcing headlining tours supported by a full band to happen in both Europe and North America in 2019. Following a European jaunt that launches in late March, he will return to the US for a 12-date tour beginning April 16 in Washington DC before wrapping in Los Angeles on May 7th.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Hip Hop, Rap
Multiinstrumentalist, Produzent, Sänger. Der im Jahr 1997 geborene Nugat ist all das und noch viel mehr: ein eigenständiger Künstler mit einer Vision, viel Talent und noch mehr Ehrgeiz. Seine Musik: Ein Spiegel seines zerrissenen Innenlebens, musikalisch wie inhaltlich.
Kein Künstler mag die Betitelung als Wunderkind. Wer ist schon gern ein »Wunder«? Bedeutet das nicht auch gleichzeitig man sei früh vollendet, also bereits so gut, dass man nichts mehr zu verändern braucht, beziehungsweise soll? Nugat ist genau das passiert, vor gut vier Jahren, als er noch in seinem Jugendzimmer in einer Kleinstadt lebte und wegen seiner ersten veröffentlichten Songs von der Musikpresse (JUICE, Noisey u.v.m.) mit Vorschusslorbeeren überschüttet wurde. Der Grund: seine EP »Beats x Beer x Green«; eine Samplelastige Arbeit im Sinne deutschsprachiger BeatKoriphäen wie Dexter oder Brenk.
Aus dem schmalen Korridor, den Nugat am Anfang seiner musikalischen Laufbahn bespielte, ist mittlerweile gewissermaßen ein großzügig geschnittenes Apartment geworden, in dem eine Mischung aus kontemporären Rap & R’n’B musikalisch wie lyrisch den offensichtlichsten Platz einnimmt, allerdings neben vielfältigen Pop& RockEinflüssen. Die Wichtigste Veränderung: Seine Musik ist mittlerweile deutlich Vocallastiger. Die Gesangsstimme? Nugat selbst. »Der Gesang war tatsächlich immer meine große Leidenschaft, schon als Jugendlicher«.
Das Schlüsselerlebnis, das in Nugat das Bedürfnis auslöste, Lyrics zu schreiben und selbst einzusingen war ein Düsteres: 2016 wurde er wegen Depressionen und einer Persönlichkeitsstörung ins Krankenhaus eingeliefert. Noch während Nugat darum kämpfte eine eigentlich unkontrollierbare Krankheit unter Kontrolle zu bringen, entstand auf Station 8 mittels Laptop, Mic & MidiKeyboard die EP »Ward 8«, auf der er Einsamkeit, Persönlichkeitsstörungen, irrationale Ausraster und Identitätskrisen lyrisch und musikalisch verarbeitete. Seine Stimme hatte Nugat auf Englisch gefunden, weil die Fremdsprache es ihm ermöglichte tonnenschwere, persönliche Themen auf eine wie er findet gelassenere, weichere Art und Weise auszudrücken.
»Wer bin ich?« Das ist seitdem die zentrale Frage, die Nugat versucht mit seiner Musik zu beantworten. Und obwohl diese Musik oft von Realitätsverlust und Angstzuständen erzählt, vergisst sie aufgrund ihrer Schönheit und Energie zu keiner Zeit: da ist Hoffnung. Und das ist es vermutlich letztlich, was den NugatSound so greifbar, identifikationsstiftend und fühlbar für seine Hörererinnen und Hörer macht: Er entsteht aus der Dunkelheit heraus, in der nur ein Funken Licht glimmt, nimmt diesen und macht aus ihm ein Feuerwerk.
Und nun: Wir spulen vor. Es ist der Rekordsommer 2018, Nugat hat ihn beinahe komplett im Studio verbracht und ein paar Dutzend Songs recordet, die er nun – nach und nach – der Öffentlichkeit präsentiert. Den Anfang macht er mit dem Track für Track veröffentlichten »Intelligence«Projekt, dessen komplette Bandbreite seine Hörer erst dann verstehen werden, wenn im November 2018 der letzte Baustein auf das Fundament gesetzt wurde. Es ist – nach dem Mixtape »Antisocial« – der zweite Teil einer Trilogie, die Anfang 2019 mit der »The Intelligence of an Anti Social«EP vollendet sein wird.
PALM GANG OFFICIAL, ist eine underground Marke die für authentische Leute inspiriert und geschaffen wird. Der Crew, bezeichnet sich als eine Familie von verschiedenen Künstler. Zwischen Grafik Designers und Interpreten, findet die Gang ein perfektes Gleichgewicht, deren eigene Vision der Kunst dar stellen zu können. Zwischen melancholisch und turn-up, wissen TimWan und Oswaldvv wie man Gefühle durch Musik mit teilen kann. Von der französischen sowie kanadischen Hip-Hop Szene inspiriert, werden diese MC’s euch 100 % in deren einzigartigen Vibe tauchen lassen.
Genre: 90s Dancehall, Reggae, Hip Hop
Hip Hop & Dancehall from the very very best time.
Straight hits from 1995 – 2005 all night long.
No MC – just DJ Vibes in a nice Mix!
Line Up:
Panza (Supersonic Sound)
DJ Easy aka Mr. Mixtape (#gönndir)
Genre: Soul | Funk | Indie
Wie bereits nach dem letztjährigen Stone Foundation-Konzert wird feinster Soul mit erlesenem Indiepop gemischt und zum Tanz serviert. Um passendes Schuhwerk wird gebeten.
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Stone Foundation have raised the bar higher once again with their stunning new studio album Everybody, Anyone released on August 24 th .
Everybody, Anyone features 11 new songs and as before, there’s a sprinkling of guest musicians who feature on the album including Kathryn Williams, Dr Robert, Mick Talbot, Steve White, The Average White Band’s Hamish Stuart. And unable to stay away, Paul Weller (who produced and featured on the last album) sneaks back in with a bit of piano, guitar and BVs on a couple of tracks.
The Midlands based band’s 5th studio album was recorded at Paul Weller’s Black Barn Studios in Surrey and produced by Stone Foundation founding members Neil Jones and Neil Sheasby and engineered by Charles Rees.
The band, buoyed & encouraged by the reception to their last album Street Rituals (chart position: 25), have taken a slightly different direction and hit upon a creative formula that clearly works. After a long period of extensive touring, which included headline shows at Shepherds Bush Empire and a storming set at Glastonbury, the band were so stoked that they went straight back to the studio to start work on Everybody Anyone while the creative juices were still flowing.
Everybody, Anyone sees a harder, heavier funk vibe than it’s predecessor but with the great grooves comes great songs. Talking about the album, bassist Neil Sheasby says: “In recent years I’ve heard a lot of records with great grooves but there’s no song, the message & melodies were still key to the records creation. To me it sounds like a very cohesive collection of tunes, a body of work that hangs well as a complete album. The next natural step for Stone Foundation”
Singer and guitarist Neil Jones adds “We wanted to make tunes that would unite people no matter what their background or beliefs may be and also for the first time in a while explore topics closer to home that effect us all, such as family, loss and finding comfort in some of the darker times we all face. It was important we changed the sound and made it harder and heavier and ultimately funkier and to me these 11 tracks sound like 8 musicians maturing and developing as players (with a little help from some good friends)”
1991 hat Mastermind Olaf Schumacher, bis dahin Sänger und Songwriter der Most Wanted Men und nebenbei Northern Soul-DJ, THE GROOVY CELLAR formiert. Benannt nach einem Londoner Club der frühen 80er Jahre, war die Band seitdem mehr oder weniger kontinuierlich aktiv. Die Gruppe veröffentlichte neben nur einem Album eine Reihe von Singles und EPs für Twang!, Marsh-Marigold und Firestation Records, sowie etliche Compilation-Beitrage weltweit. Live teilte sich THE GROOVY CELLAR die Bühne mit so unterschiedlichen Künstlern wie Cleaners From Venus, Ian Brown (Stone Roses), Television Personalities, Liga der Gewöhnlichen Gentlemen oder Fehlfarben.
Deutlich beeinflusst vom klassischen Songwriting der Sixties haben sich die Veröffentlichungen der Band doch nie auf kurzlebige ideologische Raster projizieren lassen waren. THE GROOVY CELLAR sind einfach Pop, oder -sagen wir- Indie-Mod-Pop wäre treffender.
Im März 2019 erscheint das 3. Album „SOULMATES“. Ausgedacht von fünf gereiften Individuen, ist ein äußerst abwechslungsreicher Longplayer entstanden: Von dem Soul-Stomper „Soulmates“, dem 60s Beat-Kracher „Limelight“, herrlich verschleppten „Another You“ mit Beach Boys-Anklängen, dem obskuren „How Do You Sleep“ bis zum catchy Sixties Soul des „Fool For You“. Die Spielarten und das Instrumentarium sind weit gefächert, aber nie beliebig oder überladen. Produziert wurden die Songs erneut von Alex Ott (Doctorella, Dick Brave & the Backbeats, Spermbirds, Bottrops). Pass the paintbrush, honey …
Leider muss die Show am 01.04. im Privatclub abgesagt werden, da Yuna an der Fertigstellung ihres neuen Albums arbeitet. Sie bedauert die Absage sehr und freut sich, zu einem späteren Zeitpunkt mit neuen Songs nach Europa zu kommen. Bereits gekaufte Tickets können bei der jeweiligen Vorverkaufsstelle zurückgegeben werden.
Genre: Singer-Songwriter
Als einzige Sängerin aus Malaysia, die es weltweit zu Starruhm gebracht hat, ist es YUNA gewöhnt, Erwartungen zu übertreffen. Die junge Sängerin und Songschreiberin wird zwar oft mit Norah Jones, Feist, Ellie Goulding und Adele verglichen, hat mit ihrer Musik aber längst eine eigene Spur gefunden. Das zeigte sich schon 2012, als sie ihr erstes internationales Album “YUNA” herausbrachte, das den von Pharrell Williams produzierten Hit “Live Your Life” enthielt. Mit dem zweiten Album “Nocturnal” folgte der nächste Hit “Falling”, den sie gemeinsam mit dem Produzenten Robin Hannibal (Rhye, Kendrick Lamar, Cee Lo Green, Chairlift) schrieb. Mit ihrem jüngsten Album “Chapters” ließ sie ihre Einflüsse Folk, Jazz und Pop hinter sich und prägte einen eigenen Stil. Hip-Hop und R’n’B der 90er vereinen sich auf dem Album ebenso wie DJ Premier, Usher oder die Neo-Soul-Sängerin Jhené Aiko. Produziert wurde vom Grammy nominierten Duo Fisticuffs und einer Legende der Zunft, David Foster (Whitney Houston, Michael Jackson, Madonna, Beyoncé). Die Zusammenarbeit mit diesem Kreativ-Team zählt zu den Erfolgen ihres langen Weges, der sie von Malaysia in die USA und dort in die Top-Liga der Studio-Szene führte.
YUNA begann ihre Karriere als Sängerin mit 14 Jahren auf den Bühnen der Jazzcafés und Kaffeehäusern von Kuala Lumpur. Sie war noch ein Teenager, als sie mithilfe von sozialen Medien zu einem nationalen Superstar aufstieg. Übergesiedelt nach L.A. erregte sie mit ihren Alben und einer Coverversion des Beatles-Songs “Here Comes The Sun” u.a. Oliver Stones Aufmerksamkeit, der den Song in seinem Film “Savages” einsetzte. Während sich ihre Musik über H&M-Werbekampagnen verbreitet, bereitet YUNA emsig ein neues Album vor. Die Arbeiten daran verzögern ihre für diesen Herbst angesetzte Release-Tour.
Der für November geplante Termin in Berlin verschiebt sich daher auf den 1. April 2019. Die Tickets für die ursprünglich auf den 20.11.2018 terminierte Show im Berliner LIDO behalten keine Gültigkeit und müssen zurückgegeben werden. Tickets für die in den Privatclub verschobene Show im April gibt es an oben genannten VVK-Stellen.
Die 22-jährige Sängerin, Songwriterin und Produzentin Emma Sophia Rosen, aka VVAVES, wurde schon von Geburt an einem musikalischen Umfeld ausgesetzt. Ob singend am Klavier mit ihrem Vater, 60er und 70er-Jahre-CD’s der Eltern hörend im Kinderzimmer oder während Tanz- und Musikstunden in der Schule: die gebürtige Kanadiern lebt und atmet Musik. Im Alter von 10 Jahren begann sie, sich das Songwriting selbst beizubringen und fing an, ihre eigene Musik zu produzieren und aufzunehmen. Nebenbei erlernte sie, Instrumente wie Gitarre und Klavier zu spielen, um ihre Lieblingssongs zu covern und auf Youtube hochzuladen.
Im Rahmen eines Schulaustauschs kam sie 2011 nach Hamburg, Deutschland, wo sich ihr Drang nach musikalischer Selbstverwirklichung verstärkte. So kam es, dass sie sich nach Abschluss der Schule in Kanada wieder auf den Weg nach Deutschland machte und anfing, als selbstständige Studiosängerin und Songwriterin zu arbeiten.
Ihr Traum, irgendwann mit eigenen Songs selbst auf der Bühne zu stehen, wurde durch ihre Arbeit mit Produzent Phil Speiser, mit dem sie VVAVES erschuf, in die Tat umgesetzt. VVAVES verbindet Emmas & Phils musikalischen Hintergrund mit internationalem Pop- Sound und Emmas fröhlicher und authentischer Art, ihr Gesang bringt ihre Liebe zur Bühne zum Vorschein.
Mit „Fall Apart“ veröffentlichte VVAVES 2016 ihren ersten Song, der auf Spotify und Soundcloud schnell Aufmerksamkeit generierte – 2017 unterschrieb sie einen Künstlervertrag bei der Universal Music Group.
Ihr erster Majorrelease „Alive“ im Jahr 2018 lenkte den internationalen Fokus auf VVAVES und sie trieb ihre Karriere, durch ihr Mitwirken an der Felix Jaehn „I Live Tour 2018“, wo sie auf der Bühne neben den Felix Jaehn Hits auch ihre eigene Single performte, auf das nächste Level.
Wir sind gespannt was als nächstes kommt!
Tickets können dort, wo sie gekauft wurden, zurückgegeben werden.
Genre: Psychedelic, Blues, Rock
JD Simo gilt hierzulande zwar noch als Geheimtipp, in den USA wird der Ausnahmekünstler aber schon als „the next big thing“ gehandelt. In Chicago geboren, wuchs JD Simo in Phoenix/Arizona auf und zog vor einigen Jahren nach Nashville. Kaum einer lebt den Psychedelic-Blues-Rock derart wie der Frontmann der nach ihm benannten Band Simo.
Sein erstes Soloalbum „OFF AT 11“ erscheint in Kürze und ist inspiriert von den unterschiedlichsten Eindrücken wie u.a. Jimi Hendrix Experience, Captain Beefheart, Miles Davis, the Allman Brothers, Lightnin’ Hopkins und BB King. Alles steht dabei unter dem Motto „Liebe“.
“There’s an underlying theme of LOVE that permeates the album. Both outward love but also inner and self love. These days, everything is so heavy, but I just want to point out some joy, love and deep passion; in this world, we all share that spirit. OFF AT 11 does that.”
JD Simo nimmt den Hörer mit auf eine Reise durch seine Welt: Psychedelic Rock trifft auf traditionellen Blues, Psychedelic, Folk und Soul.
Genre: Indie-Pop
Lazy Day nahm seinen Ursprung 2014 als Schlafzimmer-Solo-Projekt von Tilly Scantlebury. Die Britin nahm ihre Songs mit Hilfe von Garageband auf, veröffentlichte sie auf ihren Online-Kanälen und wurde instantan von Blogs und Musik-Websites entdeckt. Die Nachrichten über diese ungewöhnliche Künstlerin verbreiteten sich so rasch, dass sie ziemlich schnell ihre inzwischen vierköpfige Band zusammenstellen musste. Die Debüt-EP „Ribbons“ erschien 2017 und beruht mit ihren vier Songs und den drei titelgebenden und Genre-fremden kurzen Interludes ebenfalls auf einem ungewöhnlichen Konzept. Wobei die Frage nach dem Genre sowieso nicht ganz einfach zu beantworten ist. Dieser verschattete Garagenrock speist sich aus impressionistischen Soundsplittern ebenso wie aus gradem Rock, aus nervösem Schlagzeug und aus Scantleburys verhangenem Gesang. Das Fachblatt Noisey zog den Songwriter Elliott Smith als Referenz heran, aber auch die halligen Shoegazer von Slowdive und den sensiblen Pop von Kate Bush. All das sorgt zusammen für ein kleines und immer wieder überraschendes Indie-Rock-Klangwunder. Nach der EP folgten eine erste Headline- Tour, etliche ausverkaufte Shows in ganz UK und in diesem Jahr, neben weiteren Auftritten, die Arbeit an einer zweiten EP, die Anfang 2019 erscheinen soll. Im April kommen Lazy Day dann erstmals für eine Tour nach Deutschland.
Genre:
Die Hamburger Band OVE geht 2019 mit ihrem dritten Album wieder auf Deutschland Tour. Der Sound von „Abruzzo“ katapultiert die Band in neue Sphären der Vielseitigkeit und zieht wunderbaren Stories vom Scheitern und Aufstehen ein federleichtes Kleid an. Sixties-Referenzen mit Falsettchören im Background und glasklaren Folk-Harmonien treffen auf edle Bassläufe mit famosem Funk, Afrobeat-Gitarrenlicks auf zurückgelehnten Yacht-Pop. Das ergibt einen pulsierenden, lässigen, neuen Style, und der steht dieser Band vorzüglich. Man spürt: OVE haben tüchtig Spielbock. Die neuen Songs wollen ausgebreitet, all die neuen Geschichten möchten erzählt werden. Sie haben es verdient.
Genre: Singer-Songwriter
Der 26-jährige Sänger, Pianist und Komponist Billy Lockett blickt bereits auf einen weit verzweigten künstlerischen Weg: Seit 2013 veröffentlicht er seine Songs online und hat seither zwei radikale stilistische Wendungen vorgenommen, die sich auch in jeweiligen Umzügen ausdrückten. Nach einigen Jahren in London ist er 2015 in seine Heimat Northampton zurückgekehrt und hat seine Musik noch einmal komplett neu gedacht – wie sich nun auch auf seiner ersten offiziell über Warner veröffentlichten EP „Burn It Down“ zeigt, die direkt auf Platz 8 der britischen iTunes-Album-Charts schoss und bislang über 6 Millionen Mal gestreamt wurde. Mit „Empty House“ erschien im Frühjahr die erste Single seines kommenden, derzeit noch unbetitelten Debütalbums, das in diesem Jahr erscheinen soll. Am 26. September kommt Billy Lockett für ein exklusives Konzert nach Berlin.
Billy Lockett war Anfang 20, als er begann, in seinem Schlafzimmer-Studio erste Songs zu produzieren, die er anschließend online stellte. Erst trug sich die Kunde seiner gefühlvollen Musik, die ebenso an Bon Iver erinnert wie an die versponnenen Arrangements von Radiohead, durch die Region Northamptons – und von dort weiter nach London. Nach diesen ersten Songs entschied er deshalb, nach London zu ziehen, um dort sein Glück als Profimusiker zu suchen.
Es entstanden weitere Songs, oft getragen von seinem gefühlvollen Pianospiel und seiner markanten Stimme, meist allerdings im Anschluss angereichert durch zahlreiche Schichten an zusätzlichen Instrumenten und Klangschnipseln. Ein tragischer Einschnitt in sein Leben veränderte alles: Als 2014 sein Vater, der renommierte Maler und bildende Künstler John Luce Lockett, verstarb, stellte der Sohn seine eigene Kunst auf den Prüfstein. „Ich fragte mich, warum ich diese Songs, die ich geschrieben hatte, so gestaltete, wie ich es bis dahin getan hatte“, erzählt er. „Und fand die Antwort darin, dass ich damit letztlich nur eines wollte: berühmt werden. Als mir das klar wurde, habe ich London sofort wieder verlassen und bin zurück in meine Heimat gezogen.“
Zwei Jahre ging Billy Lockett in eine Art innere Klausur und überprüfte seine Kunst auf ihre Aufrichtigkeit. Jeder Ton, der nicht seiner tiefsten Empfindung entsprach, wurde gelöscht, zum Vorschein kam ausschließlich die reinste Authentizität – die sich, wie seine neuen Songs beweisen, nun in einer beachtlichen Reduktion auf das Wesentliche äußert. „Meine Musik ist nichts für Partys, sie ist gedacht für intime Momente der Innenbetrachtung, etwa bei langen nächtlichen Autofahrten.“
Mit diesem neuesinger sonn, reduzierten Sound wuchs die Beachtung für ihn immens. Die erste EP in diesem neuen Klang, seine offizielle Debüt-EP „Burn It Down“, geriet entsprechend zu einem vielbeachteten Stück Musik auf allen Musikdiensten und wurde viele Millionen Mal gestreamt. Bei Support-Shows für Lana del Rey, Birdy, Leon Bridges und andere Künstler bewies der junge Komponist, dass sich seine Songs in der Live-Situation wieder ganz anders darstellen. „Ich mag den Gedanken sehr, dass ein Künstler live ganz anders klingt als im Studio“, sagt er. „Erst dadurch wird ein Song für mich zu einem echten Kunstwerk.“ Live sind Billy Locketts Songs Ende September dann auch in Deutschland zu erleben.
Genre: Dance, Electro, Pop, Rock
Es ist ziemlich kalt. Nebel liegt über dem kleinen Idyllischen Dorf im Frankenland. Auf einem der Bauernhöfe begrüßt ein Hahn lautstark den Morgen. Warmes Licht fällt aus den Fenstern und vermischt sich mit den zaghaften Sonnenstrahlen, die sich durch den winterlichen Nebel kämpfen. Motorengeräusche durchbrechen plötzlich das ländliche Idyll. Der schwarze Transporter am Straßenrand erwacht zum Leben. Die Scheinwerfer wie Augen in die Ferne gerichtet. Hin zu den Städten, zu den Metropolen. Es ist soweit. Good Weather Forecast geht auf Clubtour.
Mit im Gepäck die Songs von ihrem neuesten Album Superhumans (Starwatch Entertainment). Songs die so gar nicht nach fränkischer Beschaulichkeit klingen. Viel eher nach den Metropolen dieser Welt. Da ist die Single “Superhumans” so groß und schillernd wie New York. Songs wie “House Of Cards” und “Even If”, die mit ihrem urbanen Sound eher an die schmutzigen Straßen Berlins erinnern. “Dancing with Dragons” ist ein verrauchter Pub in London und “Steal Your Time” das pulsierende Leben in LA.
Jeder Song eine andere Welt. So vielfältig wie das Leben selbst. Man darf sich auf die Live Umsetzung dieser Platte freuen. Zumal die Jungs von Good Weather Forecast auf eine beeindruckende Live Erfahrung mit über 500 Konzerten auf drei Kontinenten zurückgreifen können. So viel ist sicher. Es ist wird ein vielschichtiger Abend. Voller Energie, voller Leben. Großer Momente und intimen Tönen. – Die Good Weather Forecast „Superhumans“ – Club Tour 2019.
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Hip Hop / Rap
Verschnaufpause? Für den Augsburger Rapper ERRDEKA ein Fremdwort. Stattdessen veröffentlichte er mit »Liebe« gleich das zweite Album in einem Jahr – und legte am 05.10.2018 nach tiefgründiger Sinnsuche und experimentellem Soundbild auf »Solo« eine straighte HipHop-Platte mit entspanntem Vibe vor. Produziert wurden die 15 Tracks auf »Liebe« komplett von dem Augsburger DVNNY DRVMV, der als Daniel Bortz mit seinen DJ-Sets und über Label-Institutionen wie trndmusik, Suol und Pastamusik veröffentlichten Tech-House-Edits und Tracks von Ibiza bis Chicago für Aufsehen sorgt.
Im April geht ERRDEKA auf kleine Le Tour de L’Amour-Tour durch sechs Städte!
Verschoben auf den 11.10.2019
Genre: Singer/Songwriter
Hallo liebe Aren & Chima Familie.
Schweren Herzens müssen wir den Release und die dazugehörige Tour im April
auf den Herbst verschieben.
CHIMA veröffentlicht jetzt doch schon im Februar, also quasi zeitgleich, seine erste Single. Er schreibt dazu:
„Nach vielem Hin- und Herüberlegen, bin ich zu dem Schluss gelangt, dass es besser ist die jeweiligen Kampagnen richtig, und ohne Ablenkungen zu fahren. Es wäre mir nicht möglich zwei gleich-terminierte Veröffentlichungen organisatorisch unter einen Hut zu bekommen. Die Termine hätten sich – gerade in der Promo-Phase – überschnitten und ich mich zwei- und dreiteilen müssen. Das wäre nicht im Sinne des Erfinders. Ich will sowohl als CHIMA, als auch als AREN&CHIMA voll am Start sein.
Mein urplötzlicher CHIMA-Single-Release hat mich selbst etwas überrumpelt.
Ich hoffe ihr seid nicht böse auf mich und dass ihr uns weiterhin die Stange haltet.
Wir sehen uns bei den Ausweichterminen.
07.10.2019 Saarbrücken, Garage
08.10.2019 Köln, Helios 37
09.10.2019 Hamburg, Häkken
10.10.2019 Hannover, LUX
11.10.2019 Berlin, Privatclub
13.10.2019 Leipzig, Moritzbastei
14.10.2019 München, zehner
15.10.2019 Stuttgart, Schräglage
16.10.2019 Mannheim, Kulturbrücken
19.10.2019 Frankfurt, Brotfabrik
Die Aren&Chima EP ‚Von nun an glücklich‘ wird jetzt am 16.August veröffentlicht.
Liebe,
Aren & Chima
Genre: Deutschpop
MORITZ GARTH ist einer der erfolgreichsten deutschen Social Media Stars mit über 480.000 Abonnenten auf Youtube und 358.000 Followern auf Instagram. Als „einer der ganz großen Durchstarter der YouTube-Musikszene“ (WAZ), hat er nicht zuletzt mit seiner Single „Bumerang“ eindrucksvoll bewiesen, dass er auch über die Plattform hinaus mit seiner Musik begeistert – und wurde dafür bereits in 2018 mit dem ABOUT YOU Award und der Goldenen Kamera digital ausgezeichnet.
Mit fünf Singles auf dem Markt ist MORITZ Teil der neuen Generation deutscher Singer-Songwriter und kann mit erfolgreichen Künstlern wie Wincent Weiss und Max Giesinger allemal mithalten. Seine elektrisierenden und emotional aufgeladenen Popsongs schreibt der 23-Jährige selbst und in Zusammenarbeit mit anderen Songwritern wie Philipp Klemz (Glasperlenspiel, „Geiles Leben“), Mathias Ramson (Ben Zucker) oder auch Lukas Loules. Während seiner 1Live „Wahnsinns-Tour“ oder auf seinen Shows im Rahmen der Glow Convention, der VideoDays oder der Stylorama, konnte er bereits sein Talent auf der Bühne beweisen. Ab Oktober 2018 wird er Singer-Songwriterin LEA als Special Guest unterstützen und sich auf seine eigene große Headliner-Tour im April 2019 vorbereiten.
Genre: Indie Folk
Die fragilen, kleinen Songs von Hollie Fullbrook entfalten ihren ganzen Charme besonders in der Live-Darbietung. Die Neuseeländerin mit der rauchig-zarten Stimme ist Poetin, Songwriterin und Pop-Chanteuse zugleich und mit ihrer Band Tiny Ruins nicht weniger ein Erlebnis. Wer auf Nick Drake-artigen Indie-Folk mit Frontfrau extraordinaire steht, sollte am 10.04.2019 in den Privatclub gehen, um der Dame zu lauschen. Es lohnt sich!
Genre: Pop
„Spätestens seit seiner Debütsingle Please Don’t Lie will uns HUGO HELMIG einfach nicht aus dem Kopf gehen“ – Eine Aussage, mit der Radio Energy wohl vielen Fans aus der Seele spricht. Mit dem Release seiner ersten Single hat der Zwanzigjährige die dänische Musikszene komplett auf den Kopf gestellt: Nicht nur, dass der energetische Popsong in seinem Heimatland der meistgespielte Song des Jahres 2017 war, auch brachte er ihm zwei Gaffa Awards ein. Die Reaktionen in Deutschland sind ähnlich: Sowohl seine Debütsingle, als auch seine Single „Wild“ kletterten bis auf Platz 3 der Offiziellen Airplay-Charts.
Der große Erfolg hierzulande ist für den talentierten Singer-Songwriter eine Überraschung: „Ich hoffte, dass ich mit Please Don’t Lie in Dänemark einen Anfang machen kann. In meinen wildesten Träumen hätte ich nicht damit gerechnet, dass das passiert.“ Mit inzwischen über 50 Konzerten im In- und Ausland mit Halt in Hamburg, Köln, Berlin und München hat HUGO HELMIG bewiesen, dass er nicht nur on-air, sondern auch live überzeugt. Mit großen Schritten bewegt sich der Däne nun auf sein Debütalbum zu, welches Anfang 2019 erscheinen soll. Bei seiner Frühjahrs-Tour 2019 ist eine geballte Ladung neue Musik somit gesichert.
Genre: Indie folk, Singer- Songwriter
Durch die Netflix Serie „13 Reasons Why“ (deutsche Fassung: „Tote Mädchen lügen nicht“) wird die Stimme dieses Mannes in Millionen Wohnzimmer auf der ganzen Welt gebracht. Und er bekommt nicht nur wundervolle Bestätigung durch tausende „Shazams“ am Tag, sondern auch herzliches und enthusiastisches Feedback von vielen, neuen Fans weltweit.
Stellt Euch vor, Glen Hansard wäre der Tallest Man On Earth, im beschaulichen Örebrö in Schweden als „Bad Guy“ aufgewachsen und durch unzählige DIY-Konzertreisen auf fast allen Kontinenten dieser Welt, zu einem der fantastischsten & weltmännischsten Menschen dieser Erde geworden. Mehr als 15 Millionen Streams auf seiner Debüt-EP „The Only Boy Awake“ und über 500.000 monatliche Hörer. So viele Individuen begeistern sich schon für Meadows, erobert durch seine wohltuend tiefe Stimme und sein außergewöhnliches Akustik-Gitarrenspiel. Deutschland ist für den Schweden zu einer Art zweitem Zuhause geworden. Nicht zuletzt durch die freundschaftliche Beziehung zu seinem Hamburger Label „What we call Records“ und zahlreiche Konzerte in der Indie-Club-Landschaft.
Dieser Mann ist genau das Juwel, von dem immer alle so gerne reden. Intim, mitreißend, authentisch und tiefgehend kehrt Meadows sein Inneres nach Außen und erzählt die Geschichten seines Lebens. Mal düster, mal hoffnungsvoll, aber immer voller lebendiger Emotionen.
Poppy Rose is a 20 year-old singer and songwriter from the UK, currently based in Berlin. In her songs, Poppy Rose is unapologetically herself, her voice fragile yet powerful, and her honest lyrics tell compelling stories. She released her EP, The Rush, in April 2018 and after a sold out launch show in Berlin, packed up her guitar and hit the road for two month-long self-organised tours playing to Europe’s finest living rooms and bars. Her latest single, Joy / Fragile, is out now.
Genre: Indie
>> english version below
FCKFRVR ∞ DAS INDIE VIDEO DJ-SET
Indie für Auge, Ohr und Tanzbein.
2019 bringen wir die besten Indiesongs mit ihren Musikvideos auch in deinen Berliner Lieblingsclub.
FRESH INDIE & NEW HYPES:
Bilderbuch | Yungblud | Giant Rooks | alt-J | Gurr | Parcels | Von Wegen Lisbeth | Circa Waves | Roosevelt | Superorganism | Blond | Hippo Campus | Mavi Phoenix | BLOXX | The xx | …
CLASSICS & EVERGREENS:
Arctic Monkeys | Joy Division | Babyshambles | Mando Diao | The Cure | La Roux | The Strokes | Kate Nash | The Smiths | Arcade Fire | Franz Ferdinand | Bloc Party | Kasabian | Le Tigre | Oasis | …
Durchtanzte Nächte mit der letzten Gang der Stadt. Cause we all have a hunger! Jede Party wie ein Urlaub in Italien. Nur ohne die Eltern. Und mit guter Indiemusik.
Es wird ganz groß! Oh, das Video kenn ich ja noch gar nicht. Warum hat der DJ eigentlich ein Tamburin in der Hand? Egal. Kurz bis 21, 22, 23 gezählt, den Pfeffi geext und dann ab auf die Tanzfläche.
Ein Nachtmensch lebt seinen Traum. Hör nicht auf die quiet little voices und lass dich einfach gehen. Links flackernde LED-Röhren. Rechts Konfettiregen. Clever ain’t wise, bis uns das Licht vertreibt.
#fckfrvr #cleveraintwise
FCKFRVR AUF SPOTIFY
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FCKFRVR ∞ THE INDIE VIDEO DJ-SET
Indie for your eyes, ears and dancing shoes.
In 2019 we are bringing the best indie songs and their music videos to your favourite club in Berlin, too.
Dancing the night away with the last gang in town. Cause we all have a hunger! Every party like a holiday in Italy. But without the parents. And with good indie music.
It will be great! Oh, I don’t know this video yet. And why is the DJ actually holding a tambourine in his hands? Doesn’t matter. Let’s just count to 21, 22, 23, down the Pfeffi shot and then head to the dance floor.
A night owl living its dream. Don’t listen to the quiet little voices and let yourself go. On the left flickering LED tubes. On the right confetti showers. Clever ain’t wise, until the lights come on.
#fckfrvr #cleveraintwise
Genre: Alternative, Indie
Auf ihrem neuen Album „No Trails and Other Unholy Paths“ sind Jaye Jayles transportable Verwüstung und halluzinatorische Klangmantras in ihrer ganzen Pracht dokumentiert. Mit seinen Bandkollegen Todd Cook (Shipping News, The For Carnation) am Bass, Neal Argabright (Phantom Family Halo, Freakwater) am Schlagzeug und Corey Smith (Phantom Family Halo) an Hilfsinstrumenten, spielt Patterson mit Einflüssen aus dem Neo-Folk, Krautrock Experimenten in Wiederholung, dunkelstem Blues, dem Nihilismus im Indischen Rock des Mittleren Westens und den analogen Schwingungen des frühen Tangerine Dreams.
Das Album ist voller Spannung und Vorfreude, mit einem erhöhten Push-and-Pull-Effekt auf Tracks wie „Marry Us“ und dem zweiten Song mit dem Titel „No Trail“, wenn die Songwriterin Emma Ruth Rundle dem Mix Call-and-Response-Vocals hinzufügt.
Genre: Indie, Singer-Songwriter
Sie spielte bereits bei bedeutsamen europäischen Festivals wie Roskilde, Primavera Sound oder auch Haldern Pop und war Anfang 2017 zuletzt auf Tour in Deutschland. Im April 2019 kommt Julia Jacklin zurück, um ihr am 22. Februar erscheinendes, zweites Studioalbum „Crushing“ bei vier Shows in Köln, Hamburg, Berlin und München zu präsentieren. Ursprünglich aus den australischen Blue Mountains, wuchs sie mit Billy Bragg und Doris Day auf, sang als Kind in Musicals und begann mit Anfang 20 ihre eigenen Lieder zu schreiben. Ihr erstes Album „Don’t Let The Kids Win“ veröffentlichte sie 2016, das von der internationalen Presse begeistert aufgenommen wurde „impressive indie country debut from Australia.“ (The Guardian).
Nach der Veröffentlichung tourte Julia Jacklin nahezu pausenlos. So entstand „Crushing“ während eben dieser fast zweijährigen Tourphase und wurde anschließend von Burke Reid (Courtney Barnett, The Drones) produziert.
Genre:
Egal, ob ihr neu auf der Bühne oder erfahrene Performer seid – wir laden alle Musikerinnen und Musiker ein, Teil der neuen musikalischen Spielshow The Battle of Random Bands zu sein! Merkt euch also das Datum vor und bereitet euch auf eine unvergessliche Nacht vor.
The Battle of Random Bands ist eine neue musikalische Spielshow, die alle 2 Monate stattfindet. Dabei werden Musikerinnen und Musiker jeglicher Kulturen und Hintergründe durch Jammen verbunden, indem sie zufällig in Bands auf der Bühne zusammengebracht werden.
Noch verwirrt? So funktioniert’s:
1- Alle Namen der Teilnehmenden werden auf kleine Zettel geschrieben und in eine Schüssel gegeben.
2- Der Gastgeber des Veranstaltung nimmt Namen nach dem Zufallsprinzip aus der Schüssel heraus und bildet Gruppen mit zufälligen Mitgliedern (von 3 bis maximal 5 Mitgliedern für jede Band).
3- Die Bands erhalten 2 Minuten Zeit, um ihren Namen zu wählen.
4- Jede Band wird auf die Bühne gerufen, um gemeinsam zu jammen, und einen Song von bis zu 8 Minuten zu spielen.
5- Die Bands treten daher in einem freundlichen Wettkampf gegeneinander an.
6- Das Publikum erhält einen Link, um für die Band zu stimmen, die ihnen am besten gefallen hat.
7- Der Gastgeber gibt die Gewinnerband bekannt!
Wenn du an diesem einzigartigen Event teilnehmen möchtest, gehst du zu diesem Link und registrierst du dich, es dauert 3 Minuten: Anmeldung
Oder sende uns einfach eine E-Mail mit deinem Namen und den Instrumenten, die du spielst, an [email protected] Die Plätze sind begrenzt, also sicher dir einen indem du dich schnell registrierst.
Wir haben ein Schlagzeug, Keyboard und Mikrofons. Wenn du etwas anderes spielst, bring dein Instrument und natürlich deine Freundinnen und Freunde mit!
Für die erste Ausgabe des The Battle of Random Bands haben wir die Ehre, eine ganz besondere Band für einen großartigen Eröffnungsakt, die demnächst bekannt gegeben wird, auf der Bühne willkommen zu heißen.
Wir sind noch nicht fertig. Begleitet wird diese Veranstaltung von einer Kunstausstellung und und einen DJ, der die Veranstaltung perfekt beenden wird – Informationen in Kürze.
Die Veranstaltung basiert auf Spenden, es gibt keine Teilnahmegebühren. Diese Veranstaltung wird von Musicboard unterstützt.
Bitte kommt früh, denn wir starten und enden pünktlich!
Folgt uns auf unserer Facebookseite, um auf dem Laufenden zu bleiben.
DNA ist eine Berliner Non-Profit Organisation, die sich für die Weiterentwicklung von MigrantInnen auf professioneller, Bildungs- und kultureller Ebene einsetzt.
Whether you’re new to the stage or an experienced performer, we are inviting every musician to be part of the new music game show The Battle of Random Bands! So save the date and prepare yourself for a night to remember.
The Battle of Random Bands is a new music game show that happens every 2 months, which involves connecting musicians from all cultures and backgrounds through jamming with each other as they will be picked up randomly in bands on stage.
Still confused? This is how it works:
1- All participants’ names will be written on small papers and will be put in a bowl.
2- The host of the event will pick up names randomly from the bowl to form bands with random members (from 3 to 5 members max for each band).
3- The bands will be given 2 mins to choose their names.
4- Each band will be called on stage to jam together, creating a song for up to 8 mins.
5- The bands will therefore compete in a friendly battle with each other.
6- The audience will be given a link to vote for the band they liked the most.
7- The host will announce the winning band!
If you wanna be part of this unique interesting event, all you have to do is to go to this link and register, it will take 3 mins: register.
Or send us an email to [email protected] with your name and the instrument/s you play. There are limited places so the faster you register your free ticket, the more you guarantee your place.
We have a drum set, keyboard and mics. If you play something else please bring your instrument and of course your friends!
For the first edition of The Battle of Random Bands, we have the honor to welcome a very special band that will be announced soon for an awesome opening act.
We’re not done yet. This event will be accompanied by an art exhibition and a DJ that will end the event just perfectly – information soon to come.
This event is donation based, no fee entry. This event is supported by Musicboard.
Please come early because we will start on time and finish on time!
To stay updated with the upcoming events, please like our page.
DNA is is a non-profit organisation based in Berlin that concerns the development of immigrants on the professional, educational and cultural levels.
Genre: 80s' | Dark Wave | Cold Wave | New Wave | Post Punk | Minimal | Synth | Electro | EBM
Am Kar-Freitag. wird es schaurig-schön im Privatclub: Vom Nebel verhüllt tanzen wir durch die Nacht zu Post Punk, Dark Wave, Goth und Synth-Klängen. Wir tauchen ein in die düster, morbide Atmosphäre zwischen schwarzen Rosen und Patchouli-Duft. Aus den Boxen dröhnen Xmal Deutschland// The Cure// Martin Dupont// Sisters of Mercy// Lebanon Hanover// She past away// The Danse Society// Message// Linea Aspera//Anne Clark und vieles mehr.
Unter die Haut legen sich Dj Raben Schwarz (und seine Freunde der Nacht) dir mit auf ewiglich….
Genre: Americana, Soul
To borrow a phrase from heaven’s new poet laureate, Leonard Cohen, Nicole Atkins was „born with the gift of a golden voice.“ But somewhere along the way she misplaced it. Goodnight Rhonda Lee is the story of Nicole finding her voice, and how, in doing so, she went a little crazy.
Great Art is born of struggle and Nicole was struggling. The problem was that she felt nothing. Her fans responded to her performances with the same fervor they always had, but Nicole felt nothing. Her new husband loved her and doted on her, but she felt nothing. She traced it back to her drinking and decided to try to learn to live without booze. But that first day of sobriety brought with it an unexpected additional test — Nicole’s dad was diagnosed with lung cancer. This Jersey girl, whose big voice was tethered to a big heart, and whose reaction to the mundane setbacks of everyday life had always been equally overblown, suddenly faced a real problem. „It toughened me up,“ she says.
And the songs started to come. Little bursts of therapeutic creativity. Thorny feelings transubstantiated into melodies. Beginning with „Listen Up,“ a wake-up call to a lucky girl who hadn’t realized how lucky she’d been, Nicole started to find her redemption in these songs. They rang true in a way no songs ever had before. They came from a deep, vulnerable place. If Nicole had been living an unexamined life, she wasn’t anymore.
She needed her newfound toughness though, as in the midst of all this turmoil, she prepared to move from her native Asbury Park to Nashville. Having spent more than a decade as the de facto queen of Asbury, Nicole was finally leaving the warm, but often stifling confines of her hometown. During one of her final nights before the exodus, a song came to her in a dream. “I Love Living Here Even When I Don’t” summed up the complicated feelings she experienced as she said goodbye to the only real home she’d ever known.
In Nashville, Nicole’s once hectic life was very different. Left home alone as her tour manager husband plied his trade out on the road, Nicole found herself writing songs that examined „feelings of separation and being scared of new surroundings.“ In particular, the songs „Sleepwalking“ and „Darkness Falls“ echo like ghosts through an empty house.
Unsurprisingly, her sobriety faltered. She drifted in and out of it. Nicole knew the wagon was good for her, but she had a hard time staying focused on what was good for her. As it went on however, the clarity of those sober days started to shine through. And she was able to string them together in longer stretches. For the first time, she was able to offer a shoulder for others to lean on, rather than always being the one in need of a shoulder. It helped that she had to be strong for herself in order to be strong for her dad. Much of what she was feeling was painful, but it beat the hell out of feeling nothing.
She reconnected with her old friend Chris Isaak who encouraged her, in the midst of all the soul-searching and soul-baring, to write songs that emphasized the one trait that most sets her apart from the mere mortals of the industry, telling her, “Atkins, you have a very special thing in your voice that a lot of people can’t or don’t do. You need to stop shying away from that thing and let people hear it.” To that end, the two of them collaborated on Goodnight Rhonda Lee’s standout track, the instant classic, „A Little Crazy.”
Great Art is a journey — and Nicole Atkins traveled quite a distance to bring us Goodnight Rhonda Lee. As Nicole explains it, „This record came to me at a time of deep transition. Some days were good, some not so good. What I did gain, though, from starting to make some changes and going inward, and putting it out on the table, was a joy in what I do again. Joy in the process and a newfound confidence that I don’t think I’ve ever had until now. The album title, Goodnight Rhonda Lee, also came from those feelings. Rhonda Lee was kind of my alias for bad behavior, and it was time to put that persona to bed.“
The direction in which these songs were headed was obvious. Nicole’s voice had always recalled a classic vinyl collection. She is the heir to the legacy of „Roy Orbison, Lee Hazelwood, Sinatra, Aretha, Carole King, Candi Staton.“ She is untethered to decade or movement or the whim of the hipster elite.
In order to capture the timelessness she sought, Nicole enlisted a modern day Wrecking Crew: Niles City Sound in Fort Worth, TX, who had just risen to national acclaim as Leon Bridges‘ secret weapon. „We spoke the same language. We wanted to make something classic, something that had an atmosphere and a mood of romance and triumph and strength and soul.“ The album was recorded in five days, live to tape. The album that Nicole and the boys came up with in those five days, Goodnight Rhonda Lee, is nothing less than Great Art and a quantum leap forward for Nicole Atkins who, no matter how much she grows up, will always be a little crazy
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: Rock, Grunge, Blues Rock, Stoner Rock
SONIC BEAT EXPLOSION (Altenburg)
Sonic Beat Explosion spielen 60s und 70s beeinflussten High Energy Rock`n`Soul. Der Sound der Vier Exil-Leipziger ist maßgeblich von Detroit-Ikonen wie MC5, The Stooges bis hin zu Humble Pie und Grand Funk Railroad geprägt.
SODA CAN (Berlin)
Soda Can are what the underdogs have been waiting for, bittersweet sounds influenced by The Stooges and The White Stripes, wrapped in a glamorous coat of gender-bending sex appeal.
SID VISION (Berlin)
Sid Vision is a Berlin rock band founded by two brothers, Paul (drums) & Sidney Klein (vocals, guitar). The brother’s sound arises from a deep love for the mellotron, Bonham-size bass drums, and the mysterious „An American Prayer“ by the Doors, which is a spiritual cleansing for them. Since mid-2015 the band has been playing in a four piece line up including Sonic Sebastian on bass guitar & synth and Erik Petzold on keys.
SCREAM OF THE BUTTERFLY (Berlin)
Scream Of The Butterfly spielen modern produzierten Vintage Rock. Retro-Allüren, eingängiges Songwriting und melodische Hooks verweisen auf vielfältige Einflüsse unterschiedlicher Genres der letzten 40 Jahre. Black Sabbath, Queens Of The Stone Age, Led Zeppelin und Velvet Revolver sind hier sichere Anknüpfungspunkte.
DEAF FLOW (Berlin)
Die Berliner machen eingängigen und tanzbaren Heavy-Rock mit Stoner-Einschlag, den sie „Disco-Doom“ getauft haben. DEAF FLOWs Motor ist der Spaß am gemeinsamen Musikmachen. Die Inspiration für ihre Songs ziehen sie aus den unterschiedlichsten Bereichen: Mythologie und Wissenschaft, Comichelden und B-Movies. Daraus entstehen tanzbare Songs, die skurrile oder absurde Geschichten mit eingängigen Melodien und harten Gitarrenriffs verweben.
Genre: Pop
Sarah Hjellström kennen ziemlich viele Menschen über ihre Musik, ohne den Namen jemals gehört zu haben. Die schwedische Komponistin steckt zusammen mit Nirob Islam a.k.a. SHY Nodi hinter Hits für The Chainsmokers, Allan Walker, Kygo & Ellie Goulding, Astrid S oder Bebe Rexha. Im Jahr 2016, als die beiden zusammen mit Mike Perry den Track „The Ocean“ produzierten, trat sie erstmals unter dem Namen SHY Martin als Sängerin in den Vordergrund. Das Stück wurde zu einem Hit und zum Most Streamed Song of the Year auf Spotify und in ihrer Heimat ruckzuck mit Platin veredelt. Seither kann Hjellström mit all ihren Projekten und Features locker eine gute Milliarde Streams auf der Habenseite verzeichnen.
Im Dezember folgte dann endlich der ganze Schritt ins Rampenlicht: Mit „Overthinking“ erschien die Debüt-EP von SHY Martin. Das Songwriting, mit dem sie bislang andere Künstler ins Rampenlicht gestellt hat, ist auch hier genau abgestimmt auf Stimme und musikalische Atmosphäre. Diese sechs Tracks sind einfach perfekter Elektro-Pop aus der obersten Schublade, jeder einzelne ist ein absoluter Hit. Der Aufbau der Songs, die inneren Spannungsbögen, die reifen Melodielinien, die individuellen Arrangements, die unterstützenden Stimmmanipulationen, alles greift hier ineinander und fördert einen leicht irritierend spröden, aber eingängigen Sound zutage. Von Ohrwürmern zu reden, wäre auf der einen Seite zu kurz gegriffen und auf der anderen fast abwertend, denn in diesen Erfolgssongs steckt viel mehr. Da wird selten die einfache Lösung, sondern immer nach interessanten neuen musikalischen Einfällen und Kombinationen gesucht. Das macht SHY Martin zu einer neuen Stimme im Pophimmel. Die Verbindung aus langjähriger Erfahrung und Newcomer-Charme macht das Besondere der Skandinavierin aus.
Genre: Indie, Alternative
Man muss „bei Holley nicht von Songs, sondern von musikalischen Plastiken sprechen, in seinen Stücken arbeitet der Amerikaner Materie von Rohstoffen ab, er kratzt, beißt und schraubt sich in diese Musik rein, mit allem, was ihm zur Verfügung steht.“ (Musikexpress)
Obwohl Lonnie Holley, 1950 als siebtes von 27 Kindern in Birmingham, Alabama geboren, erst mit 62 Jahren sein erstes musikalisches Werk veröffentlichte, ist er mit seinen ‚found objects‘, Skulpturen, Gemälden und Installationen, in der Kunstszene schon lange ein Begriff. Ebenso abstrakt und schwer einordbar wie seine bildenden Künste ist auch seine Musik: ein windschiefer, brüchig wirkender Sound, der sich unter anderem aus Bestandteilen von Gospel, Blues, Ambient und Elektronika bedient, am Ende aber doch nichts von all dem wirklich ist. Seine Liveperformances sind immer unterschiedlich, nie spielt er einen Song zweimal auf die gleiche Weise.
Im September 2018 erschien sein drittes Album „Mith“ (Jagjaguwar/Cargo), welches er über fünf Jahre hinweg mit der Unterstützung von Künstlern wie Laraaji, Shahzad Ismaily, Sam Gendel und Richard Swift aufnahm. „Mith“ ist ein weiterer Meilenstein in Holleys musikalischer Karriere, ein Album, das so ziemlich mit allen Konventionen in Sachen Rhythmus und Tonalität bricht. Die entstandenen Songs „ergeben ein Seelenpanorama des afroamerikanischen Amerikas in Zeiten von „Black Lives Matter“ und Trumpism – mit tiefer Verwurzelung in afrozentristischen und afrofuturistischen Themen.“ (Spiegel Online)
Im April spielt diese einzigartige Legende ein exklusives Deutschlandkonzert in Berlin und wir warten voller Freude darauf, welche raffinierten Improvisationen seiner Songs er dieses Mal auf die Bühne bringen wird.
There is a fearless quality to the music of Christopher Paul Stelling. A voice that sounds both old and young, an effortless yet intricate finger-picking guitar style and lyrics that are both dramatic, and intensely confessional. It’s a sound that channels the restless spirit of a young man who left home to travel the country, haunting and impassioned songs formed by endless nights alone on stage with a guitar, playing to packed houses, other times to nearly empty rooms. Stelling estimates that he’s played over four hundred shows in just the past three years. It places him within a longstanding tradition that serves to nurture ones character and art.
“It takes a lot of work to stay on the road,” he says. “You learn to rely on your songs as a sort of resting place amidst all of the unfamiliarity. You fill your head full of places, and sounds, and ideas — and it all comes spilling out. When the things around you change constantly, you change too. And the things that stay the same become who you are. It’s nurtured my songwriting, knowing that the inspiration is all around you. If you aren’t seeing it, then look harder, and if you still don’t see it, then turn the corner, and if you still don’t see it then look at things differently, because it’s right there in front of you.”
Genre: Singer Songwriter | Pop
Ob Beziehungsdrama oder Herzschmerz RACHAEL YAMAGATA’s Stimme heilt alle Wunden. Ihr wichtigstes Instrument, ihre einzigartige Stimme, setzt sie mal mit heiseren Reibeisen-Appeal, mal mit glockenreinen Schmelz ein – aber niemals schmalzig. Ihre Texte haben Bedeutung und Tiefe, sind tröstlich, ungemein aufrichtig und niemals platt.
Fans lieben ihre Fähigkeit Emotionen in einen Song zu ‚packen‘. Sie ist hoch angesehen in Indiekreisen, stemmt aber auch die Hürden zum Pop ohne Werteverlust. Die US-Singer/Songwriterin RACHAEL YAMAGATA verfügt über die ‚alten Singer-Songwriter-Qualitäten‘, die auch auf Carole King und Joni Mitchell zutreffen, Heroinnen ihrer Jugend. Klanglich ist sie jedoch modern und tendiert in Richtung der dunkleren Stylings von Nick Cave, Tom Waits und PJ Harvey. Die in der US-Presse oft benutzten Vergleiche mit Tori Amos, Natalie Merchant, Sara Bareilles, Laura Marling oder Fiona Apple kann man zwar gut verstehen, doch dafür ist Rachael’s Stimme und Präsenz zu eigenständig.
Mit fast 100.000 Facebook-followern ist RACHAEL YAMAGATA kein Leichtgewicht in der alternative-Pop-Szene. Ihre Touren führen sie seit über 10 Jahren rund um den Globus mit ausverkauften Konzerten in den USA, Asien und Europa…Ob New York, L.A., Seoul, Singapore, Beijing oder London, Rom, Madrid, Berlin – in allen Städten hieß es: SOLD OUT. In Europa tourte sie als opener für Joshua Radin, mit dem sie dann wiederum eine Co-headliner-tour in den USA bestritt.
RACHAEL YAMAGATA wird gern wegen ihres aussergewöhnlichen Songwriter-Talents von Großen der Zunft zu Kollaborationen aufgefordert, darunter Jason Mraz, Ray LaMontagne, Bright Eyes und Ryan Adams. Mit allen tourte sie auch, ebenso wie mit Sara Bareilles, Amos Lee, Adam Cohen (Spross von Leonard) und David Gray, für den sie u.a. solo im Madison Square Garden eröffnete. Rachael wurde von Pete Townsend zu seinen „In the Attic Series“ eingeladen und war natürlich auch Gast in den angesagten TV-Shows wie Conan O’Brien und Jay Leno.
Ihre Songs liefen in zahlreichen TV-Serien wie: „How I Met Your Mother“, „ER“, „Smallville“, „The O.C.“, „Grey’s Anatomy“ und „Nip/Tuck“. Auch für Hollywood-Produktionen werden ihre Gänsehaut-Songs angefragt – so liefen ihre Titel u.a. in „Elisabethtown“ mit Kirsten Dunst, Orlando Bloom, Susan Sarandon und Alec Baldwin… „In Her Shoes“ mit Cameron Diaz, Shirley MacLaine und Toni Collette…“Prime“ mit Uma Thurman und Meryl Streep…“The Last Kiss“ mit Zach Braff und Casey Affleck….“Definitely, Maybe“ mit Rachel Weisz und Ryan Reynolds…“Hope Springs“ mit Meryl Streep und Tommy Lee Jones…
Rachels Alben ‚Happenstance‘ (2004), ‚Chesapeake‘ (2012), ‚Tightrope Walker‘ (2017) wurden von John Alagia (Dave Matthews, Jason Mraz, Paul Simon und John Mayer’s Debutalbum „Room For Squares“) produziert.
Genre: Singer-Songwriter
Lucy Spraggan ist zurück: Mit ihrem neuen Album ‚Today Was A Good Day‘, welches im April 2019 veröffentlicht wird, geht sie direkt auf Deutschlandtour!
Der ein oder andere mag die junge Sängerin aus Sheffield aus der 2012 ausgestrahlten X-Factor-Staffel noch kennen, doch Lucy Spraggan ist keine gewöhnliche Castingshow-Kandidatin. Sie ist die erste Teilnehmerin in der Geschichte X-Factor’s, die eine Single und ein selbstveröffentlichtes Album in den Top 40 vorweisen konnte, bevor die Liveshows überhaupt ausgestrahlt wurden. Ihr Debutalbum bei einem Majorlabel (Columbia Records) erreichte 2013 Platz 7 in den UK Charts.
„The mark of excellence of a singer songwriter for me is if you fall in love with the lyrics of a song and can tell there’s a beating heart inside them.“ (musiceyz)
Wir lernen hier eine Frau kennen, untrennbar von ihrer Gitarre, mit versiertem und unglaublich aufrichtigem Songwriting, gewürzt mit dem richtigen Maß an Witz, deren Musik stark an eine bunte Mischung aus Kate Nash, Lily Allen und Ed Sheeran erinnert.
Wer Lucy Spraggan schon live gesehen hat, weiß, welche Intensität die Singer/Songwriterin und Geschichtenerzählerin auf die Bühne bringt, wenn sie ihre Songs zum Besten gibt. Hier wird niemand stillstehen können!
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia Amazónica. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia Psicodélica vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt. Party mit lateinamerikanischen dj’s aus der berliner Szene.
Genre: Indie
Seit einigen Wochen wurde bereits wild spekuliert, dass die Lush-Frontfrau Miki Berenyi nach dem Ende ihrer grandiosen 90s-Indie-Band eine neue Formation zusammenstellt. Nun gibt es Gewissheit: Das frisch gegründete Quartett hört auf den Namen Piroshka und besteht neben Berenyi aus Gitarrist KJ McKillop (ehemals Moose), Bassist Michael Conroy (Modern English) sowie dem ehemaligen Elastica-Schlagzeuger Justin Welsh. Erst Ende September wurde dieses Line-up öffentlich bekanntgegeben, zu hören gibt es von der Band bislang noch nichts. Ihr erstes Konzert überhaupt werden Piroshka Ende November in London spielen, Anfang kommenden Jahres soll die erste Veröffentlichung folgen. Am 27. April 2019 kommen Piroshka dann für ein Konzert nach Deutschland, sie gastieren in Berlin.
Über die fantastischen Lush muss man wohl nicht viele Worte verlieren. 1988 gegründet, galten sie schnell als Vorreiter des so genannten Shoegaze, einer introvertierten Variante des Indie-Rock. Im Verlauf der zehn gemeinsamen Jahre veränderte sich der Sound allerdings in Richtung Britpop, wurde zugänglicher und freundlicher. Zwischen 1989 und 1996 erschienen elf LPs und EPs von Lush, häufig unter der kompositorischen Federführung von Miki Berenyi, bevor sich die Band 1998 auflöste. 2016 erschien sie noch einmal kurz auf der Bildfläche, brachte eine neue EP heraus und spielte ein paar Konzerte. Hier mit von der Partie: Justin Welsh, von 1992 bis 2001 Schlagzeuger der britischen Alternative-Rocker Elastica, mit denen er zwei Longplayer und zwei EPs einspielte. Nach diesem kurzen Intermezzo mit den reformierten Lush schrieb Berenyi über Welsh: „Er ist dermaßen gut, dass ich ihn ab dem Moment nicht mehr aus den Augen verloren habe.“ Es schien also klar, dass Welsh bei der Piroshka-Bandneugründung dabei sein würde.
Die anderen beiden Mitglieder von Piroshka haben eine ebenso lange Geschichte in der Indie-Musik Großbritanniens, obschon zumeist nur den Eingeweihten wirklich bekannt. Die ebenfalls dem Shoegaze zuzurechnenden Moose, deren Kopf KJ McKillop war, blieben ungerechterweise über ihre gesamte Existenz zwischen 1990 und 2000 stets ein Geheimtipp. Und dies trotz vier hervorragender Alben, die in der Szene andächtig gefeiert wurden. Als erfolgreicher erwies sich die Post-Punk- und New-Wave-Band Modern English, die mit Unterbrechungen seit 1979 besteht und in den 80er Jahren sogar mehrere Alben in den Top 5 der UK-Indie-Charts sowie sieben erfolgreiche Singles vorweisen konnte. Bassist Michael Conroy gehört der Band, die offiziell die einzige derzeit nicht aufgelöste Vorgänger-Band der Piroshka-Mitglieder ist, seit 1979 an.
Angesichts der Herkunft und jahrzehntelangen Expertise der Mitglieder wird es hochspannend sein zu hören, mit welcher Art von Musik uns Piroshka überraschen werden. Nur eines ist dabei absolut klar: der Sound dürfte zutiefst verwurzelt sein im klassischen Indie-Rock.
Genre: Rock, Rap, Poesie
Eine neue Platte blinkt am Horizont: Lyrische Wortgewalten, eingepackt in punkig-rockige Skagitarren und krasse Synthieklänge, getrieben von himmlisch-/höllischen Drums und Bässen. Diese rockigen Songs stammen aus einer kraftvollen Tradition von Musik und Sprache.
Herr Horst segelt jenseits des Zeitgeistes in den spöttischen Sprachuniversen. Und das Skurrile ist das Normale. Er ist ein Lyriker vom alten Schlage, einer aus der Riege Busch, Ringelnatz und Morgenstern.
Das ist Musik zum Durchtanzen und Mitsingen. Die abgefahrenen Texte muss man dazu freilich kennen, aber das ist zu schaffen!
Denn man kann sie schon besitzen, die Zweite von Herr Horst: Im Januar erscheint das schicke CD-Blech, zehn Wochen später das Vinyl, der März ist zum Durchhören da und im April geht’s in den charmanten Privatclub zur Rekordrealisierungsveranstaltung.
Ein Feier-Abend mit einer tollen Band und einem super Einheizer: Josh Chuang, einem Meister auf der japanischen Tsugaru Shamisen.
Kommen Sie zahlreich und haben Sie bitte Spaß!
Genre: Dance, Electronic
Wer den ursprünglich aus dem ländlichen Massachusetts stammenden und nach einigen Jahren in Kalifornien nun in Portland residierenden Musiker und Produzenten Big Wild mangels besseren Wissens einfach so in die große Schublade der vielen jungen EDM- und Technoproduzenten einsortiert, die dank der sozialen Medien von einem einsamen Nobody vor seinem Computer in Handumdrehen zu einer Weltkarriere mit Superstar-Format abhoben, der irrt gewaltig. Zwar schraubt und lötet auch Jason Stell, das kreative Mastermind hinter Big Wild, seine Soundkollagen vorzugsweise am Computer zusammen, aber mit dem betont radiofreundlichen Dance-Pop von EDM-Kollegen wie Felix Jaehn oder Robin Schulz haben seine eklektischen und stets äußerst bezugsoffenen Elektronik-Kompositionen jenseits aller Genrekategorisierung kaum etwas gemein. Außer vielleicht, dass auch Big Wild letztlich nur eine Hand voll selbst produzierter Tracks benötigte, um via Soundcloud und YouTube weltweit manchmal Tausende neue Fans pro Woche einzusammeln. Dabei sei alles bis hierhin, sagt er, nichts weiter gewesen als Vorspiel und Vorbereitung auf die wahren Großtaten, die erst noch kämen, wenn er seine „Studentenjahre“ als beendet betrachte. Derweil kann man die enorme künstlerische Progression von Big Wild mit bald jedem neu veröffentlichten Track unmittelbar nachzeichnen – und aus diesen extremen Entwicklungen schließen, dass sich Big Wild tatsächlich noch im Vorstadium zu einer klar erkennbaren künstlerischen Handschrift befindet – und auf dem Weg dorthin keine Scheu zeigt, auch ungewöhnliche oder sogar abstrakte Abzweigungen voller Neugier zu erkunden und in seiner flirrenden elektronischen Klangästhetik auszuprobieren.
Seine Unbefangenheit im Umgang mit jedem neu entdeckten Klang sowie die darauf häufig bei ihm folgende Phase des hemmungslosen Experimentierens mit diesen Klängen kommt nicht von ungefähr, denn der Endzwanziger hat bereits jetzt eine stattliche Reise der fortwährenden klanglichen Entwicklung unternommen. Begonnen als klassischer Hip-Hop-DJ und Beat-Produzent, begann er bereits nach wenigen produzierten Tracks, in seinen experimentellen Hip-Hop-Stücken immer häufiger ganz auf Raps oder andere Leadstimmen zu verzichten und sich mehr und mehr der rein instrumentalen Welt des Abstract Hip-Hop zuzuwenden. Als seine Forschungen ihn auch in dieser Randzone des Rap immer häufiger an Grenzen brachten, entdeckte er urplötzlich ein wachsendes Interesse an tanzbarer elektronischer Musik jedweder Art – und das, obwohl ihn Dance-Music stets völlig kalt gelassen hatte. Es war eben weniger das Genre als vielmehr die sich darin bietenden künstlerischen Freiheiten, die aus ihm letztlich einen betont eigenwillig agierenden Dance-Musiker reifen ließen.
Sein Anfang Februar erschienenes Debütalbum „Superdream“ darf man damit als eine erste Standortbestimmung betrachten, in wie viele unterschiedliche Richtungen seine Soundforschungen ihn wohl künftig noch tragen werden.
Genre: World, Fusion, Tribal
IFRIQIYYA ELECTRIQUE ist mehr als nur ein Konzert. Es ist eine kuriose, aber unglaubliche Mischung aus Wüstenrock, Percussion, Gesang, Hip-Hop und Nuancen von Nine Inch Nails. Neu komponierte Musik, eine transzendentale und postindustrielle Zeremonie. Es ist ein therapeutisches Ritual von BESESSENHEIT und TRANCE. Sie lassen die Dämonen mit COMPUTERN und ELEKTRISCHEN GITARREN kommunizieren, um dieses adorcistische Ritual der Besessenheit zu zelebrieren. Im Bewusstsein, dass so das BEDÜRFNIS SICH ZUVERGESSEN und sich zu erheben vom Djerid bis in die Diskotheken Ibizas ode Moskauer Rock-Clubs absolut identisch ist
Genre: Indie Pop | Indie Rock |Extravaganza
Um Gitarrenmusik wieder spannend zu machen, leben die Mitglieder der Berliner Band Capitano einfach ihre geheimen Macken aus, und nennen das Gesamtkunstwerk Independent Pop Extravaganza.
Capitano. Ein Gemisch aus Studio54-Disco, 70s-Prog und Schweinerock mit eimerweise Glitter und Glam, das mit einer wahnwitzigen Energie vorgetragen wird und ungebrochen bleibt. Hört auf mich, das ist das nächste große Ding!
CAPITANO polarisieren! Doch genau das scheint ihre musikalische Mission. Mann muss sich nur darauf einlassen, ob nun bombastische Hymne, oder metallische Horror-Oper plus Kopfgesang-Schmuse-Momenten. Das einzige, was man machen sollte, um sich an ihre Musik heranzuwagen, ist die eigene Maske, die einen auf nur eine festgelegte musikalische Stilrichtung einengt, abzusetzen, damit CAPITANO genügend Platz haben, um uns ihre kunterbunten Musikmasken überzustülpen.
Pressestimmen:
„Mit großen Gesten skandinavischer The-Bands klopft die Freiheit des Rocks an der Tür. So macht Identitätssuche Spaß!“ – VISIONS
„Capitano sind ein audiovisuelles Gesamtkunstwerk, deren Sound süchtig macht.“ – Museek.de
Warum Capitano? Die Art, wie Capitano fremdes wie eigenes Publikum einfängt und aufpeitscht, hat mit einer „klassischen Rockshow“ nicht viel zu tun. Capitano ist emotional, eigenartig und authentisch. ehen die drei Sonderlinge bis an ihre Grenzen, damit das Publikum nach jeder Show mit einem breiten Grinsen nach Hause geht. „Capitanos Debüt »Hi!« ist ein glimmender, stampfender Bastard aus Glam-Rock, Punk (Hallo Turbonegro!) und Swing, darin absolut mitreißend und verantwortlich für ein richtig unwiderstehliches Ausrufezeichen-Debüt.“ – INTRO
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Für uns ist Capitano ist ein Ort für Existenz, Entfaltung und Extase. Mit Capitano zelebrieren wir, woraus wir gemacht sind und wofür wir brennen. Und das möchten wir mit Dir teilen.
Wir wollen frei von Alltagsschrott, Vorverurteilung und Selbstlimitierung gemeinsam mit Dir eine gewöhnliche Nacht zu einer besonderen machen.
Alles was du brauchst sind 1-5 Menschen, die dir etwas bedeuten, Kleidung, in der du dir alleine vorm Spiegel am besten gefällst, und dieses Ticket hier – Das war`s!
Wir freuen uns auf Dich.
Fuzz, Dyve & John
