Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Alternative Pop
Mit dieser Tour besinnt sich June Cocó zurück auf ihre Ursprünge. Intimer. Reduzierter. Klavier, Stimme und wenige punktierte Beats & Sounds. Sie spannt ein ganz eigenes Klang-Spektrum aus mitreißenden, berührenden Songs, die wie farbige Spaceshuttles zwischen Alltag und Schwerelosigkeit des Alls oszillieren. Flirrend, wie das Glitzern, das entsteht, wenn Sonnenstrahlen auf Asphalt treffen. Träumen, lieben, fühlen aber eben auch mal scheitern, aufstehen und weitermachen, das Leben in emotionalen Wellenbergen.
Mit ihrer einzigartigen Stimme und Präsenz umhüllt June Cocó ein Zauber, der in der Vergangenheit auch schon George Clooney begeisterte oder Udo Lindenberg zur spontanen Jamsession am Flügel animierte.
Zwischen gespenstischen Phantasiewelten, einem Hauch Melancholie, aber immer der Sehnsucht und Aufbruchsstimmung als treibende Kraft hinter den Songs bleibt am Ende immer ein wärmendes Gefühl. Und gerade im tristesten aller Monate, dem November, ist das doch etwas, wonach sich fast jeder sehnt.
Genre: Hip Hop
SELECTED ist eine Veranstaltungsreihe in Berlin mit Fokus auf einem ausgewählten Hip Hop-Programm, jenseits des Mainstreams und ohne gewaltverherrlichende oder diskriminierende Inhalte, in entspannter und respektvoller Atmosphäre.
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SELECTED is a series of events in Berlin with a focus on a selected Hip Hop program, beyond mainstream and without violent or discriminating content, in a relaxed and respectful atmosphere.
Genre: Kinderkonzert
Kindermusik aus dem Bauch, durch den Kopf direkt ins Herz!
Von schieflachen bis leichtgruseln – einfach rumanders!
ICH (Christoph Clemens) und HERR MEYER (Jens Brix, geb.Meyer), sind zwei Berliner, die seit 12 Jahren gemeinsam Musik machen. Das Kindermusik–Projekt „ICH & HERR MEYER“ gibt es seit Ende 2015. Die beiden verzaubern mit witzigen, intelligenten Texten, handgemachter Musik und einer großen Portion guter Laune Kinder und Eltern gleichermaßen. Stilistisch gibt es keine Grenzen.
Genre: Singer Songwriter
Prateek Kuhad bringt seinen bezaubernden Singer-Songwriter-Sound nach Deutschland
Nachdem er bereits Ende letzten Jahres Charlie Winston bei seiner Deutschlandtour begleiten durfte, kommt Prateek Kuhad mit seiner Gitarre im Gepäck zurück und wird zwei exklusive Konzerte am 1. Dezember im Privatclub Berlin sowie am 4. Dezember im Kölner Yuca spielen.
Lauscht man der Musik von Prateek Kuhad, werden schnell Vergleiche zu Musikern wie Angus Stone gezogen. Geboren und aufgewachsen in der kulturellen Vielfalt Indiens, ging es für den Singer-Songwriter ab dem College ins texanische Austin. Erst als 17-Jähriger verspürte Prateek Kuhad den Drang nach Musik, griff erstmals zur Gitarre und brachte sich autodidaktisch das Saiteninstrument bei, um es schließlich als Ventil für seine Gefühle zu nutzen. Parallel entstanden einzelne Fragmente, die sich nach und nach zu Songs entwickelten.
2015 erscheint mit „In Token & Charms“ das Debütalbum, mit dem sich Prateek Kuhad direkt einen MTV Europe Music Award schnappt und das von iTunes sowie Spotify als bestes indisches Indie-Album des Jahres ausgezeichnet wurde. Auch die nachfolgenden Singles, Künstler-Kollaborationen und verschiedenen Songs für Bollywood knüpfen an diesen Erfolg an und erweitern die Bekanntheit des Indie-Musikers weit über die Landesgrenzen hinaus.
Drei Jahre nach seinem Debüt veröffentlicht der Musiker seine EP „cold/mess“ (2018). Eine Hommage an die Zweisamkeit, für die es nicht mehr braucht, als Prateek Kuhads Stimme und den Klang seiner Gitarre.
Nachdem er in diesem Jahr in London zwei Tage hintereinander die Clubs ausverkaufte und 2018 als Support-Act von Charlie Winston auch hierzulande überzeugen konnte, kommt Prateek Kuhad im Winter 2019 erneut für zwei intime Konzerte nach Europa und auf deutsche Bühnen. Am 1. und 4. Dezember wird der Singer-Songwriter mit seinen intimen, verträumten Songs das Publikum in Berlin und Köln verzaubern.
Genre: Instrumental
City of the Sun spielen die Art Musik, von der man nicht wusste, dass man sie bisher in seinem Leben vermisst hat. Hat man sie dann einmal gehört, so ist man sofort angefixt von dieser besonderen Art von Instrumentalmusik, die irgendwie anders klingt als es die eigenen Hörgewohnheiten sonst zulassen.
Die Einflüsse sind so vielfältig, dass sie fast nach einem Widerspruch klingen mögen: Indie, Americana, Flamenco, Blues vor allem aber Post-Rock und irgendwie alles dazwischen. Man kann sowohl Explosions in the Sky heraushören, aber auch Rodrigo y Gabriela.
Gerade live sind City of the Sun eine sehr intensive Erfahrung – eine Erfahrung allerdings, die in Europa und insbesondere Deutschland bis dato selten stattgefunden hat: Umso erfreulicher ist es, dass die Band aus New York im kommenden Winter für zwei Konzerte nach Deutschland zurückkehrt und in Hamburg & Berlin einen Stopp einlegt.
Genre: Rock
Highly Suspect gehören zweifellos zu den vielversprechendsten amerikanischen Rock-Acts. Mit ihrem satten Stoner Rock haben sich Rich Meyer (Bass) und sein Zwillingsbruder Ryan (Schlagzeug) sowie ihr Sänger und Gitarrist Johnny Stevens an die Spitze einer neuen Bewegung gesetzt.
Der erdige und raue Rock, geprägt von Blues-, Progressive-, Grunge- und Alternativelementen und voller starkem Gesang und den rollenden Gitarrenriffs steht einerseits für eine Rückbesinnung auf alte Einflüsse, aber auch für einen progressiven Umgang mit den Quellen. Da mutierte sogar das Synthiepop-Two-Hit-Wonder Real Life und ihre kitschige Forderung „Send Me An Angel“ zur dystopischen Projektionsfläche.
Zum Erfolg beigetragen hat sicherlich auch die eingängige Stilistik und die klare politische Positionierung: Highly Suspect äußern sich patriotisch, wo immer es geht, gegen ihren Präsidenten, dem sie rein egoistische Motive unterstellen und ihm jede Form von Tauglichkeit absprechen.
Nach umfangreichen Touren haben sich Highly Suspect in letzter Zeit eher rar gemacht. Seit Februar nun ist das Trio im Studio, um die Arbeit am heiß ersehnten dritten Album abzuschließen, das noch dieses Jahr erscheinen soll, und Anfang Dezember kommen die Jungs für eine exklusive Show nach Berlin.
Genre: Hip Hop, Spoken Word
Sein letztes Album hieß The Rise of Hobo Johnson – und es wurde seinem Titel vollauf gerecht: in Eigenregie aufgenommen, produziert und veröffentlicht Ende 2017, bildete es den Abschluss eines Durchbruch-Jahres, von dem die meisten Musiker nur träumen können, beginnend mit der Hinterhof-Performance von „Peach Scone“, die Hobo Johnson (bürgerlich Frank Lopes Jr.) YouTube-Views im Millionenbereich einbrachte und zu einer riesigen, hingebungsvollen Fangemeinde führte, die jeden seiner nächsten Schritt sehnlich erwartete.
Der nächste Schritt lautet The Fall of Hobo Johnson, was – so hofft Frank – vornehmlich metaphorisch zu verstehen ist. Es geht um die Dinge, die Frank erlebt hat, während es für Hobo Johnson steil nach oben ging. Namentlich: eine Menge „falling“: falling in love, falling out of it – und falling apart, wenn es vorüber war.
In vielerlei Hinsicht ist er immer noch der Hobo, den man kennen- und lieben gelernt hat. Er ist immer noch neurotisch, immer noch energiegeladen, verpackt immer noch große Ideen in zugängliche Metaphern (in „You and the Cockroach“ denkt er über das Schicksal der Menschheit aus der Perspektive des Insektes nach, das darauf aus ist, uns zu ersetzen). Er verwischt immer noch die Grenzen zwischen Sänger, Rapper und Poet. Und eine Menge von dem, was man auf dem Album hört, kommt direkt von Franks Laptop, ganz so wie alle seine bisherigen Veröffentlichungen.
Zugleich ist es jedoch auch Hobo auf einem gänzlich neuen Level. Mit 24 Jahren ist er immer noch ein Künstler im Wachstum, und dieses verlief zwischen seinem Debüt-Projekt Hobo Johnson’s 94 Corolla (das er tatsächlich im titelgebenden Fahrzeug aufnahm), The Rise of Hobo und The Rise of Hobo exponentiell. Der Erfolg hat ihm einen ganz neuen Fokus gegeben, und das merkt man: Die Kompositionen sind komplexer geworden, textlich hat er sich vom hyper-persönlichen Blickwinkel seiner früheren Arbeiten dahin entwickelt, dass er mehr über universelle Dinge wie Politik, Geschichte und die Zukunft spricht. Was Sinn macht, schließlich hört ihm inzwischen die halbe Welt zu.
Genre: Chanson, Folk
LES BARBEAUX sind der Musik mit Leib und Seele verschrieben, nehmen kein Blatt vor den Mund und lassen es auf der Bühne so richtig krachen. Hier brodelt und funkt es zwischen Cumbia-Melodien, Gypsy-Einfüssen, und Rock’n’Roll-Rifs. Die 5 Franzosen verwandeln das zu einem unwiderstehlichen Tanzfest, Die enthusiastischen Musiker und Sprach-Akrobaten sind seit 10 Jahren zusammen unterwegs, haben mehr als 600 Konzerte in Frankreich und Europa gegeben und gerade ihr fünftes Album veröfentlicht.
Both in French and Spanish, Les Barbeaux sing about life in a bright folk-punk style. With some popular guinguettes styling, the group commits to party while spreading a smart speech about the surrounding world. Always with a positive energy, the tireless Les Barbeaux will with no doubt please Manu Chao or Les Hurlements de Léo’s fans back when they frst started. Percussion and guitar are biting while the accordion and the violin run at full speed…Human warmth and a true sense of sharing arise! And this is a good thing, we surely need that!
Genre: Indie Rock
Berlin, 07.06.2019: Nach der Veröffentlichung von „The Kids Will Know It`s Bullshit“ im Mai 2017 sind die DUNE RATS endlich wieder auf Tour in Deutschland und statten dabei dem Privatclub einen Besuch ab!
2010 noch als Duo gegründet, wussten Gitarrist und Frontmann Danny Beaus und Schlagzeuger BC Michaelis schnell, dass zwei auf Dauer nicht genügen, um eine erfolgreiche Punkband zu werden. Also musste ein zusätzlicher Bassist her, welcher mit Brett Jansch schnell gefunden wurde. So war das Punk-Trio also komplett, um Brisbane als Wiege für Punkrock in Australien bekannt zu machen und anschließend die Welt zu erobern.
Ihre Ziele verfolgen sie ganz nach ihrem Lebensmotto: entspannt, verrückt, bekifft und immer nur dem Moment folgend. So kam es dann auch dazu, dass Singles, EPs in unregelmäßigen Abständen erschienen, bis dann auch die erste und selbstbetitelte LP „Dune Rats“ in 2015 erschien. Typische Punksongs, die perfekt den australischen Indie-Surfer-Vibe der Band eingefangen haben.
Und so folgt dann in 2017 auch schon das zweite Album „The Kids Will Know It`s Bullshit“ – frische und neue Songs, welche vor Energie nur so strotzen und dennoch die Gelassenheit der Band weiter in sich tragen.
Und das kann man auch live von der Band behaupten: eine packende Partystimmung, die einfach jeden mitreißt und ein Lächeln ins Gesicht zaubert.
Nicht ohne Grund, sind die DUNE RATS in Down Under wahnsinnig angesagt- auch das letzte Album stieg dort direkt auf Platz 1 der Charts.
Also, ab nach Berlin, wenn im Dezember im Privatclub ein paar australische Sommervibes zelebriert werden und am besten ab sofort mit der neuen Single „No Plans drauf vorbereiten!“
Genre: Hip Hop, Rap
Mit “Diskman Antishock Live” bringen Goldroger und das Producerduo Dienst&Schulter den Nachfolger zum gemeinsamen Debüt „Avrakadavra“ erstmals auf die Bühne.
In 8 Städten in Deutschland, Österreich und der Schweiz präsentieren die Kölner das neue Album, bekannte Songs und vielleicht für immer unveröffentlichtes Material.
Es wurde auch Zeit, Goldie!
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Dark Wave, Rock, Electronic
Szenekennern braucht man nicht zu sagen: Wer oder was die legendären Clan of Xymox sind…
Aber dennoch hoffen wir immer noch auf Neuzugänge und deswegen nochmal kurz zusammen gefasst:
Clan of Xymox gibt es seit den 80er Jahren und gehörten somit in den 80igern zu den wichtigsten Vertretern der Dark Wave Szene. Mit mehr als 30 produzierten Alben tourten die Clan of Xymox in ihrer Laufbahn durch viele Länder der Welt und haben sich in den Jahren eine sehr teure Fanbase erspielt.
Wichtigste Songs und die wir immer wieder auf Konzerten hören sind zum Beispiel: Louise, A Day, Medusa und viele andere.
Zuletzt veröffentlichten die Clan of Xymox ihr Album Days of Black in dem Jahr 2017.
Die Clan of Xymox sind immer wieder sehens- und erlebenswert. Wie bereits in 2017 geschrieben: dunkle Tage erfordern dunkle Musik. Nicht auszudenken also, was wir tun würden, wenn es Menschen wie Ronny Moorings nicht gäbe. Menschen, die seit vielen Jahren die Seele einer Szene sind, mit wachem Blick und offenen Ohren durch die Welt gehen und all das Besorgniserregende, all das Beunruhigende, all das Aufwühlende da draußen in düstere, aber genau deswegen so heilsame Musik fließen lassen.
Sicherlich kann man einem wie ihn nichts vormachen, sicherlich muss man einer der prägendsten, wichtigsten und populärsten Dark-Wave-Bands der Achtziger nicht erklären, wie sie Atmosphäre erzeugen und somit befinden sich Clan of Xymox bis heute auf einem beispiellosen Karrierehoch.
Als Special Guest laden wir dazu Auger aus den UK ein, die bereits in 2018 in Deutschland mit Stoneman auf Tour waren.
Auger siedelt sich im Dark Wave, Industrial, Gothic an. Die Band gründete sich erst in 2017 und hatte sofort Erfolge zu verzeichnen. Ihre Debüt Single wurde in sehr vielen Radios gespielt und dass bis hin nach Amerika, weiterhin spielten sie größere Konzerte mit den bekannten Bands wie The Crüxshadows, Ost+FRONT und Gothminister.
AUGERS knallharter Sound ist eine einzigartige Fusion von Darkwave, Industrial, Electronica, Gothic Rock und Metal. Im März 2018 erschien ihr neues Album „The Awakening.
Verlegt ins Lido. Tickets behalten ihr Gültigkeit.
Genre: Pop
Sein Song ist einer der großen Favoriten beim diesjährigen Eurovison Song Contest, bei den Buchmachern liegt er zumindest seit Wochen konstant in Führung. „Arcade“, diese gefühlige Ballade über eine niemals gelebte Liebe, hat bereits jetzt Fans rund um den Erdball zu Tränen gerührt.
Duncan Laurence aber nur auf diesen Song zu reduzieren, griffe viel zu kurz. Der Niederländer hat schon seit seiner Jugend nur ein Ziel: „Ich werde Musiker.“ Dafür übt er jeden Tag Klavier, komponiert, schreibt Texte, feilt an seinen Talenten und lotet Möglichkeiten aus, seine Songs unter die Menschen zu bringen. Denn Musik ist für ihn auch eine Flucht aus dem Mobbing, das ihm fast täglich entgegenschlägt. Dafür erzählt er uns heute seine Geschichten, die häufig sehr melancholisch daherkommen, sich aber durch ihre positive Kraft und musikalische Form zum Guten wenden.
Laurence gewinnt Talentshows, kommt bei „The Voice of Holland“ ins Finale und studiert an der Rock Academy in Tilburg Gesang. Der heute 25-Jährige verbringt viel Zeit in Studios in den Niederlanden, Stockholm und London, um weiter an seinen Fähigkeiten als Produzent, Sänger und Singer/Songwriter zu arbeiten. All das mündet jetzt in „Arcade“, dem Stück, das ihm den weltweiten Durchbruch bringen wird. Diese große Stimme, die so mühelos zwischen Bariton und Falsetto wechselt und die Gefühle so fein dosiert zum Ausdruck bringen kann, ist die eine Seite seiner Qualität. Die andere ist sein überragendes Talent, verschiedene Stile zu bündeln und musikalisch kongruent umzusetzen.
Duncan Laurence ist auf dem Sprung zum Star, so viel ist sicher. Im Dezember kommt er zu uns auf Tour.
Genre: Indie-Pop
Es war still um die Berliner Indiepop-Band MEIN MIO in den letzten acht Jahren. Die Berliner Band gründete sich 2006 und lieh sich ihren Namen bei der Schrifstellerin Astrid Lindgren. „Moderne Großstadtmärchen“ sind ihre Songs, in denen sich eine andere Perspektive auf das banale Alltägliche offenbart. Schlichte Songwriter-Eleganz, Leichtigkeit und gleichzeitig Tiefe in der Musik machen den Charme von MEIN MIO aus. Die hingebungsvollen Texte entspringen der Feder von Sänger Sebastian Block, der auch als Solo-Künstler aktiv unterwegs ist.
In diesem Jahr feiert ihr vielgelobtes Debütalbum „Irgendwo in dieser großen Stadt“ (produziert von Nils Frahm) seinen 10-jährigen Geburtstag. Grund genug, etwas Besonderes auf die Beine zu stellen!
Mein Mio sind:
Sebastian Block / Bass – Gesang
Simon Gordeev / Gitarre
Daniel Schmidt / Piano
Hannes Schulze / Schlagzeug
Genre: Pop
Der finnische Singer-Songwriter Niila ist zurück – mit einer neuen Single, zwei exklusiven Clubshows und vielen weiteren geplanten Veröffentlichungen. Letztes Jahr, nach seiner dritten erfolgreichen Headliner Tour in Deutschland und Auftritten vor zahlreichem Publikum als Opener für die Band Sunrise Avenue auf deren Sommer Tour 2018, zog sich der Musiker ins Studio zurück, um an neuem Material zu arbeiten.
„Es dauerte etwas länger als gedacht, aber endlich sind alle Songs an ihrem richtigen Platz. Ich war mir sicher, dass dies die Musik ist, die ich für meine Fans mitnehmen möchte, wenn ich wieder aufs Pferd steige. Dieses Gefühl einen perfekten Song geschrieben zu haben kann man nicht erzwingen, auch wenn es hundert Versuche braucht, aber wenn man es dann hat, dann weiß man es und dieses Gefühl ist nicht zu schlagen! Das lange Warten war furchtbar, deshalb freue ich mich jetzt umso mehr endlich wieder zurück auf der Bühne zu sein, denn das ist was für mich am meisten zählt.“ – Niila.
Genre: Indie-Rock
Die Berliner Band „Poets“ ist vom Sound vergangener Tage inspiriert, den sie spielerisch als ihren eigenen klingen lässt. Rock, Wave und Folk steht auf den Fläschchen im Apothekerschrank, die gegen die Einsamkeit der Großstadt helfen sollen. Hoffnungsvolle Melancholie und zermürbender Trübsinn werden von rockigen Gitarren, wolkigen Synthesizern und energetischen Drums getragen.
Für ihre EP „And They Sleep On The Wind“ hat sich die Band in ein Haus auf dem Land zurückgezogen, hat dort Ideen gesammelt und sechs Songs aufgenommen. Von Producing, Recording über das Artwork und die Videos – DIY ist das Prinzip, nach dem die Band verfährt. Und so entsteht ein eigenes Konzept, in dem die Musik von „Poets“ Raum findet, sich zu entfalten. Verschiedene Musikstile von Rock, Indie, Wave und Folk greifen ganz natürlich ineinander und bilden so den Sound von „Poets“.
Genre: Rock'n Roll | Rockabilly
Seit 1985 machen Boppin’B mit ihrer ganz eigenen Interpretation des Rock’n’Roll die Bühnen dieses Planeten unsicher. Hervorgegangen aus einer Schulband, wurde die erste LP ‚Bee Bop‘ 1988 aufgenommen. Aufgrund der sich immer mehr häufenden Auftrittstermine entschloss man sich 1990 das Hobby zum Beruf zu machen, und seit dieser Zeit spielt die Band jedes Jahr ca. 200 Shows.
Sie waren die ersten in Deutschland(1990), die moderne Popsongs in ein Rock’n’roll-Gewand kleideten und waren damit Vorreiter für viele Bands, die das dann später ebenfalls sehr erfolgreich taten. (Dick Brave, Boss Hoss, Baseballs usw.) Mit diesem Konzept konnten sie 2004 und 2005 mit dem Album „Bop around the Pop“ sowie mit zwei Singleauskopplungen die deutschen Charts erobern und erlangten dabei große Aufmerksamkeit in der gesamten Republik. Doch beschränkten sie sich nicht allein darauf, sondern legten, trotz des damit erzielten großen Erfolgs, auch immer sehr viel Wert auf ihre eigenen Kompositionen. Ihre Hartnäckigkeit gab ihnen Recht und so konnten sie mit den drei letzten Alben „B.A.N.G.“, „Monkey Business“ und „Boppin‘ B“. welche hauptsächlich aus eigenen Songs bestanden, die oberen Ränge der Independent-Charts erklimmen, was Bands aus diesem Genre bisher nur sehr selten gelungen ist. Dies ist auch der Grund, weshalb sie regelmäßig in renommierten Clubs, als auch bei angesagten Festivals im In- und Ausland mit großem Erfolg auftreten. Ihre Live-Performance ist legendär und besticht durch die teilweise akrobatischen Showeinlagen. Bemerkenswert ist, dass der Erfolg der Band ausschließlich aus eigener Kraft entstanden ist und sie haben sich in all den Jahren das „Heft des Handelns“ nie aus der Hand nehmen lassen. Sie ist der lebende Beweis, dass sich Kontinuität und Kreativität nicht ausschließen, sondern in dieser Konstellation zum Erfolg führen.
Genre: New Wave, Postpunk, Indie und Synth
Zum ersten Mal in Berlin. Eavo spielt New Wave, Postpunk, Indie und Synth von den 1980er bis in die Gegenwart.
Vor 2000:
Bronski Beat, Bauhaus, Boytronic, B-52’s, B-Movie, Clash, Cure, Depeche Mode, Fehlfarben, Gang Of Four, Grauzone, Housemartins, Joy Division, New Order, Siouxsie, Sonic Youth, The Smiths, Soft Cell, Talk Talk, Trans X, Violent Femmes, Wipers uvm.
Nach 2000:
Crystal Castles, Drangsal, DIIV, Fontaines D.C., Gurr, Idles, Interpol, Isolation Berlin, Metronomy, MGMT, Motorama, Die Nerven, The Organ, Parquet Courts, Shame, Slaves, Soft Moon, Soviet Soviet, The XX uvm.
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Find english version below.
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: Hawaiian Instrumental / Ukulele / Art
Virtuosin, Songwriterin und Theaterproduzentin TAIMANE ist vor allem für ihren wilden und erfinderischen Stil bekannt, die Ukulele zu spielen. Taimane kommt aus Hawaii und hat einen Namen, der mit „Diamant“ aus Samoan übersetzt wird. Sie ist eine geborene Entertainerin und Autodidaktin, die nach Gehör lernt und spielt.
Schon im Alter von 10 Jahren trat sie regelmäßig in der Öffentlichkeit auf und spielte jeden Freitagabend in den Straßen Waikikis, wobei Waikiki Beach Boys (Menschen, deren zuhause und Arbeitsplatz der Strand waren) als Band dienten. Mit 13 Jahren eroberte Taimane eine Position in Don Ho’s Show und spielte buchstäblich jede Woche bis zu seinem Tod im Rampenlicht.
Bis heute ist Sie eine Künstlerin, die um die Welt tourt und eine einzigartige Nische in der Musik geschaffen hat – sie verschmilzt eine breite Palette von Genres (von Bach bis Rock, Flamenco-Infernos bis hin zu Stammeshymnen) und beschwört eine scheinbar grenzenlose Palette von Emotionen mit ihrer Geige.
Genre: Singer-Songwriter
Ran Nir is mostly known as a founding member of the band „Asaf Avidan & The Mojos“ and as the singer-songwriter and frontman of the band „LFNT“. After a fruitful career with the two bands & a relocation to Berlin, Where Ran has been living for the past five years, he is now releasing his 1st solo album “Obsession”.
Obsessed by the never-ending noise of thoughts in his head and the pursuit of the unreachable, unobtainable and most likely nonexistent concept of absolute truth, Ran attempts to find a meaning and a cure for life with his music. all the while remaining optimistic about what life has to offer and how we all can make it better for us and for everyone else.
“Obsession“ is Ran Nir’s debate solo album. The album was recorded and produced by Ran Nir and Erez Frank in Ran’s Berlin Apartment.
After a musical career with Asaf Avidan & The Mojos, and as LFNT, and after many years of playing Rock music on stages all over the world, Ran is now focused more on himself. “Obsession“ is an observation into Ran’s self.
The album is a journal of Ran’s life in the past five years or so, moving from Tel-Aviv to Berlin, trying to escape the lonely life of a single-man and looking for a deeper meaning; love, family, friends, things that matter most, yet often get lost along the way, substituted for one obsession or another.
In this capitalistic, fast-track, rat-race of a world we live in, where the lines between art and hype get’s blurred constantly and FOMO makes us all miss ourselves, this album tries to make sense of it all. Indie-Folk, Freak-Folk, Bedroom-Folk, call it what you will, these are songs that tell these stories through Ran’s personal point of view, and though it is told from Ran’s experience it fits many of us out there, looking to find ourselves within the endless noise of the life around us. It’s ok to be sad, it makes room for happiness to shine, just don’t get stuck on one Obsession. Oh and one more thing, Global warming is real.
The live band was formed in Berlin with a group of amazing musicians who also play with amazing artists such as: Totemo, Noga Erez, Dan Billu, Max Prosa and more.
The live band:
Ran Nir – Singer, Acoustic guitar
Erez Frank – Guitar, Keyboard
Dan Billu – Bass
Ran Jacobovitz – Drums
Verlegt ins Lido
Genre: Hip Hop
Aries zählt zu den großen Phänomenen des aktuellen Hip-Hops. Während viele Musiker des Genres mit dem Dasein und Erfolg täglich zu kämpfen haben, baut sich der Rapper ohne großes Aufheben seine Fangemeinde kontinuierlich weiter auf. Mit einem Künstlernamen, der gegen jede Suchmaschine immun ist und ohne großen Promo-Background, hat es der Kalifornier in der Szene längst über den Geheimtipp-Status hinausgeschafft. In Berlin ist Aries am 19. Januar 2020 mit seinem Debütalbum „Welcome Home“ exklusiv im Privatclub zu Gast.
Kein musikalisches Genre hat sich in den letzten Jahren so sehr verändert und ist so schnelllebig geworden, wie der Hip-Hop. Das Netz ermöglicht es jedem, jederzeit Musik zu streuen – mit der Community zu teilen und, wenn auch oft nur kurzzeitig, Aufmerksamkeit zu erhalten. Es gilt aufzufallen und sich vom Einheitsbrei des Mainstreams abzuheben, um lange auf der Welle des Erfolges zu reiten. Einer, der von dieser digitalen Parallelwelt profitierte, ist Aries.
Aries hebt sich nicht nur mit seinem Gesang hervor. Auffällig ist vor allem seine Experimentierfreudigkeit in den Beats. Die Songs lassen sich nicht einem einzelnen Genre zuordnen und sind von Rock, Emo, Trap, R’n’B und Indie beeinflusst.
Über die Jahre konnte sich Aries eine treue YouTube Fangemeinde aufbauen. Zeigte er anfangs auf seinem Kanal Tutorials zur Musik- und Beatproduktion bekannter Größen, mischten sich nach und nach selbstgeschriebene, eingesungene und produzierte Songs mit dazu. Das gilt auch für seine Videos, die er selbst inszeniert. Sie alle sorgen im Netz schnell für hohe Klickzahlen.
Zu seinen erfolgreichen Songs gehören „Genie“ (2017), „Carousel“ und „Sayonara“ (beide 2018). Der rote Faden zieht sich auch durch diese Songs: In den Liedern vereint Aries düstere Texte mit fröhlichen und melancholischen Beats. So zählt der 21-jährige Rapper allein auf YouTube über 35 Millionen Klicks für seine Videos und hat fast eine Million monatliche Hörer auf Spotify.
Am 19. April 2019 erschien mit „Welcome Home“ das erste Album von Aries mit neun fein ausgewählten Songs, die in den Bann ziehen, anstatt einen nach wenigen Minuten wieder abschweifen lassen. Das Debüt strotzt vor minimalistischer Melancholie, die gleichzeitig eine träumerische Schwermütigkeit weckt.
Mit diesen Songs und sicherlich einer Handvoll neuer Beats geht es für Aries im kommenden Jahr vom sonnigen Südkalifornien nach Deutschland. Wer sich von der markanten Stimme, den frischen Beats und Loops selbst überzeugen will, der kann Aries exklusiv am 19. Januar im Privatclub Berlin erleben
Genre: Americana / Folk
Hinter Shovels & Rope steckt das amerikanische Ehepaar Cary Ann Hearst und Michael Trent, das seit seiner Gründung im Jahre 2008 bereits zweimal den renommierten Americana Music Award gewinnen konnte. Ihre ungemein stimmige Mischung aus Americana, Neo-Folk und Country-Pop ist es, die Shovels & Rope zu einem der versiertesten Acts dieses Genres werden ließ.
Ihre Live-Performances sind ebenfalls mehr als sehenswert. Hearst und Trent sind Multi-Instrumentalisten, großartige Sänger und überragende Geschichtenerzähler. Dabei kommt ihnen ihr messerscharfer Blick auf das aktuelle Weltgeschehen ebenso zugute wie ihr teilweise doch recht beißender Humor.
Genre: Indie-Rock
Was braucht es heutzutage, damit junge britische Lads das Gefühl haben, unbedingt eine Band gründen zu müssen? Fragt man die vier Jungs der Sea Girls, so sind es die folgenden Zutaten: Akute Langeweile in den Dörfern rund um Leicester, wo sie aufwuchsen sowie das Gefühl, in den Klassik- und Jazz-Gruppen, die die Schule bietet, falsch aufgehoben zu sein. Außerdem den Wunsch, zu einer eingeschworenen Gemeinschaft zusammen zu wachsen, gemeinsam größer zu werden, als das alle Vier alleine könnten. Und zu guter Letzt, sich Shows anderer Bands anzuschauen und mit einer gewissen Chuzpe überzeugt davon zu sein: Das können wir auch. Wenn nicht gar besser.
Mit diesen Attributen und Eindrücken ausgestattet, gründeten sich die Sea Girls 2015 aus den vier Musikern Henry Camamile (Gesang, Gitarre), Rory Young (Gitarre), Andrew Dawson (Bass) und Oli Khan (Schlagzeug) – und stiegen in weniger als 18 Monaten vom neuen Geheimtipp auf zu einer Band, die mit ihren brillanten Indie-Hymnen von bald allen Gazetten und Radioshows als „das nächste große Ding“ beschrieben wurden. Beweise? Hier: Allein in diesem Jahr befanden sich die Sea Girls unter den „Tips for 2019“ in Time Out, „Ones to Watch“ in Independent, Metro und It’s All Indie, unter den „Top 100“ des NME, auf der „Hype List“ von Dork und nicht zuletzt auf der höchst renommierten Liste BBC Sound of 2019 Poll – und dies nicht nur als einzige Band (auf einer Liste, auf der sonst nur Solokünstler stehen), sondern obendrein als ein zum damaligen Zeitpunkt noch ungesignter Act.
Gleiches gilt fürs Radio, zahlreiche der berühmten BBC-DJs gaben sich unmittelbar als Fans aus, ihre aktuelle Single „Damage Done“ – zugleich die erste, die sie im Rahmen ihres Multi-Record-Deals mit Polydor veröffentlichten – wurde von Radio-Legende Annie Mac umgehend zur „hottest record of Radio 1“ deklariert.
Nun gut, was man auch weiß, ist dies: Die Hype-Maschine der UK-Musikindustrie funktioniert schon seit Jahrzehnten einwandfrei und oft erwiesen sich diese derart gehypten Acts mittelfristig als Luftpumpen. Mit den Sea Girls, die mittlerweile gemeinsam nach London zogen und ihren Namen auch beibehielten, nachdem sie herausfanden, dass sie sich nach einer Nick Cave-Textzeile benannten, die sie schlicht falsch verstanden hatten, wird dies nicht passieren.
Beleg für diese Behauptung liefert jede einzelne Show des Quartetts: Es ist eine Mischung aus Schweiß und Tränen, Melancholie und Euphorie, Coming-of-Age-Lyrik und gesellschaftlicher Allgemeingültigkeit, überragend mitreißenden Riffs im Wechselspiel mit einer subtil von hinten treibenden Rhythmusgruppe – und eben diesen bereits erwähnten, hymnischen Melodien, die jeden kleinen Club ebenso in Wallung, ja Rage versetzen, wie es die Sea Girls voraussichtlich schon in wenigen Jahren mit großen Stadien tun werden. Und dies alles eben nicht nur in ihrer Heimat Großbritannien, wo die Shows und Hallengrößen sich von Tour zu Tour in der Kapazität geradezu verdoppeln. Sondern ebenso bereits im Ausland – und auch bei uns, wie etwa die atemberaubend umjubelten Konzerte auf dem diesjährigen Haldern Pop oder erst unlängst beim Reeperbahn Festival belegen.
Mit nunmehr bislang drei EPs und rund einem Dutzend Singles im Rücken, die allesamt bereits zu solchen Fan-Favoriten avancierten, dass es bei manchen Konzerten fast schwer wird, die Band zwischen dem viele Hundert Stimmen starken Chor noch zu hören, die jede einzelne Textzeile mitschreit, sieht die Zukunft für die Sea Girls entsprechend rosig aus. Und all das ist nur der Anfang – noch ist nicht einmal ein Album von ihnen erschienen, die Unterschrift unter ihrem ersten Plattenvertrag noch nicht mal richtig trocken. Da kommt also noch viel mehr – mehr Shows, mehr Songs, mehr von allem. Und wer sich mit seinem Geschmack dem Indie verschrieben hat, wird ohne jeden Zweifel in den Sea Girls eine neue Lieblingsband finden. Von daher ist der Besuch ihrer vier anstehenden Deutschland-Shows zwischen dem 22. Januar und dem 4. Februar dringend zu empfehlen: In einem derart intimen Rahmen wird man die Sea Girls danach nie wieder zu sehen bekommen. Das ist ein Versprechen.
Genre: Pop, Hip Hop
Mit seinem brandneuen Album „Nasenbluten“ geht es für LOT Anfang 2020 auf ausgedehnte Deutschlandtour.
LOT. Lothar Robert Hansen: mit sechs Jahren wird LOT am klassischen Klavier ausgebildet, mit 15 Jahren beginnt er eigene Songs zu schreiben, schnell entdeckt er die musikalische Welt abseits der Klassik. Die Mutter, geboren in der Türkei, der Vater aus Deutschland. Als Scheidungskind groß geworden lernt er früh für sich selbst zu sorgen, denn ab seinem 16. Lebensjahr schlägt er sich mit seiner Schwester alleine durchs Leben. Sein Weg führt ihn nach Leipzig, seine neue Heimat; bis heute und wohl für immer.
Seit seinem Debütalbum 2015, „200 Tage“, ist LOT ein Synonym für Kenner, wenn es um „die Symbiose aus tiefgründigen und intelligenten Texten aus dem Alltag und poppigen Sounds aus dem Hinterhof“ geht. Es folgten über 100 Gigs und mehrere Supportshows für u.a. Alligatoah, Philipp Poisel und Cro. 2017 folgt sein zweites Album mit dem Titel „Der Plan ist übers Meer“. Kraftvoll und nachdenklich behandelt LOT die kleinen und großen Fragen des Lebens. Der einzige Featuregast: Prinz Pi. Eine ausverkaufte Clubtour im Oktober 2017 folgt und spätestens jetzt kommt man an LOT nicht mehr vorbei. Doch Zeit zum Ausruhen gibt es nicht. Noch im selben Jahr erscheint die EP „Was für ein Life“.
Jetzt, zwei Jahre nach „Der Plan ist übers Meer“, kommt mit „Nasenbluten“ das dritte Album von LOT. Er erzählt darauf wieder seine ganz eigenen Geschichten: ob von der Heimat am „Ende der Welt“ oder die Einsamkeit, die es bringt, wenn Familien zusammen „Allein“ sind. LOT lässt auf seinem neuen Album tief in seine Gefühlswelt blicken und zieht damit seine Zuhörer stärker denn je in seinen Bann; aber keine Angst, es ist nur „Nasenbluten“.
Genre: Indie
Schon lange hat man nichts mehr derart Berührendes und zugleich Reduziertes gehört, wie die Songs, die der Londoner Sänger, Gitarrist, Pianist und Songwriter Bruno Major im Verlauf des Jahres 2017 Monat für Monat online veröffentlichte und am Ende als Album, unter dem Titel „A Song for Every Moon“, herausbrachte. Nach erfolgreichen Tourneen durch Europa, die USA und Asien steht nun der nächste Schritt an: Anfang 2020 soll das zweite Album kommen, mit „Old Fashioned“ und „Nothing“ erschienen bereits zwei Vorboten. Rund um den neuen Longplayer wird Bruno Major am 4. und 5. Februar zwei Deutschlandkonzerte in Berlin und Köln geben.
Wie ganz früher, als selbstkopierte Kassetten die Runde machten, ist Bruno Major durch reine Mundpropaganda zu einem vielbeachteten Nachwuchskünstler aufgestiegen, der aus wenigen Akkorden, enorm berührenden Lyrics und einer unvergleichlich seelenvollen und vielseitigen Stimme Songs von großer Faszination formt. Bereits im Alter von 16 Jahren beherrschte er das Gitarrenspiel dermaßen brillant, dass er von seinen Jobs als Session-Gitarrist für andere Künstler leben konnte.
Motiviert durch seinen Bruder, mit dem Bruno Major in Camden ein Appartement teilte und der unter dem Künstlernamen Dot als Teil des Trios London Grammar auf dem Weg zu einer internationalen Indie-Sensation war, nahm Bruno sein Songwriting immer ernster. Er setzte sich zum Ziel, ein Jahr lang jeden Monat einen neuen Song fertigzustellen und hochzuladen. Von Anbeginn legte er dabei größten Wert auf maximale Reduktion – Die meisten seiner Songs bestehen tatsächlich nur aus einem Pianolauf oder ein paar Gitarrenakkorden plus seiner Stimme, die er anschließend durch dezente Rhythmus-Patterns aus dem Computer ergänzt.
Bis heute ist dem jungen, bescheidenen Talent nach eigener Aussage nicht wirklich klar, wie es zu derart großer Begeisterung auf seine Veröffentlichungen kommen konnte. Dabei muss man sich nur seine irrsinnig variable und gefühlvolle Stimme voller Soul anhören, um seinen Songs unmittelbar zu verfallen. Dies geschieht erneut bei seinen beiden aktuellen Singles „Old Fashioned“ und „Nothing“, und kann ebenso live erlebt werden, wenn Bruno Major am 4. Februar 2020 in den Privatclub, Berlin und einen Tag darauf, am 5. Februar, ins Yuca, Köln kommt.
Genre: Pop
„Es gibt keinen Plan B für mich – nur die Musik“, sagt LEJO aus Hamburg.
Um seine ersten Demos aufzunehmen, hat der 24-jährige Sänger und Multiinstrumentalist deshalb ein halbes Jahr lang quasi nicht geschlafen. Ein guter Freund von ihm hatte sich
gerade ein Studio gebaut und Lejo erlaubt, immer nachts darin zu arbeiten. „Ich bin erst abgehauen, wenn morgens die Putzfrau kam“, sagt Lejo, „und so war ich zumindest nachts der König dieses Studios.“ Dort hat er alleine geschrieben, alles selbst eingespielt.
Sein erstes Instrument war als Kind das Schlagzeug, mit 12 kam Tenorsaxophon dazu, mit 14 Chöre, und er begriff, wie gerne er singt. Dann mit 16 der Lifechanger, die Gitarre, deren Seriennummer er sich inzwischen auf sein Bein tätowiert hat. Einflüsse wie John Mayer, Stevie Wonder, Marvin Gaye oder auch Frank Ocean inspirieren ihn bis heute. Finanziert hat er sich während der Demoaufnahmen als Kellner und am Bau – immer ein paar Wochen lang, um dann wieder aufnehmen zu können.
Auf das Resultat dieser Aufnahmen war er so stolz, dass Lejo, etwas gemacht hat, was sich nur die wenigsten trauen würden: „Ne Mail liest eh keiner“, sagte er sich. „Deshalb habe ich mir Flugtickets nach London und Stockholm geholt und Bahntickets für alle deutschen Städte. Ich hatte einen Rucksack voller USB-Sticks mit meinen Songs dabei und einen Brief mit Infos über mich. Dann bin ich zu den Labels rein und habe gesagt: Das müsst ihr euch anhören!“ Der Einsatz hat sich ausgezahlt. Inzwischen ist er bei Scoop, dem Management von Bosse unter Vertrag und hat mit Robert Stevenson, Produzent der Mighty Oaks, von Fil Bo Riva und von wegen Lisbeth, in Berlin einen Mitstreiter gefunden, der beim Musikmachen genauso die Zeit vergisst wie Lejo. Absolute Leidenschaft. Gleichzeitig tat er sich mit Pianist Jakob Jürgens zusammen, mit dem er nicht nur schreibt, sondern auch in einer Wohnung lebt und live mit ihm auf der Bühne steht.
Auch mit Zebo Adam, dem Produzenten von Bilderbuch, sind einige Songs entstanden. Als Lejo die Mail bekam, dass Zebo mit ihm arbeiten möchte, war er gerade mit seinem Bruder auf dem Jacobsweg. „Den Rest des Weges bin ich nur noch gerannt“, lacht Lejo, „weil ich so schnell wie möglich ins Studio wollte!“ Das Ergebnis all dieser Kollaborationen sind wunderbar gefühlvolle, aber eben auch groovige Songs, in denen Lejo schonungslos auf sich und seine Gegenüber blickt. Letzten Herbst durfte die Band, Künstler wie Antje Schomaker, Klan und Bosse auf ihrer Tour begleiten und schon erste Songs aus der kommenden EP vorstellen.
Genre: Pop, R'n'B, Rock
Es ist so einfach, und doch so wahr: Ohne Unglück gibt es kein Glück, ohne Leid keine Freude. Höhen und Tiefen gehören zum Leben. Genau diese Erkenntnis besingt Christopher in seiner aktuellen Single „Real Life“ – eine Ode an das Glücklichsein und die dafür notwendigen Voraussetzungen. Ein ungetrübtes Glücksgefühl, so sagt uns „Real Life“, existiert nur im Kontrast zu den Herausforderungen des Lebens.
Nach anderthalb Jahren intensiven Arbeitens an seinem jüngsten Album „Under The Surface“, das im Februar erschien, erhöht Christopher nun die Gangart und kehrt mit dem vibenden Uptempo-Song zurück. In „Real Life“ flirten warme Tropical-Gitarren mühelos mit einem tanzbaren Beat, der die Sommergefühle in Wallung bringt. Die Lyrics wurden von Christopher selbst geschrieben. Für das dazugehörige Musikvideo, stürzte der 27 Jahre alte Däne sich in das Nachtleben einer chinesischen Großstadt.
Nach dem Erfolg seiner Single “Irony“, die hierzulande die Radiocharts stürmte, war Christopher im Mai auch erstmals im Rahmen seiner ausverkauften Clubtour live mit Band in Deutschland zu sehen. Es folgten exklusive Festivalshows von Mai bis September. Doch auch 2020 kommt er zurück zu uns, und zwar gleich 5x im Rahmen seiner großen Europatournee. Wir empfehlen, zeitnah Tickets zu sichern, denn neben einer energiegeladenen Live-Show, darf auch mit neuer Musik gerechnet werden.
Genre: Pop
Das breite Lächeln im Gesicht, das viel Lebensfreude ausstrahlt, ist nahezu ihr größtes Kennzeichen. Doch daneben fällt Coby Grant mit ihrer weichen und markanten Stimme auf. Mit sehr viel Gefühl verbreitet sie Wärme auch in kalten und dunklen Stunden. Ihre Single „Winter Bear“ wurde nicht nur ein Hit, sondern auch Anker für Trauernde.
Die Australierin mit Wohnsitz in Deutschland hatte immer den Traum von ihrer Musik leben zu können. Ihr persönliches Märchen beginnt sie als Straßenmusikerin. Mittlerweile spielt sie zahlreiche Konzerte in Deutschland, Frankreich und den Niederlanden, wo sie mit ihren Folk- Songs mit Country-Elementen auf viel Gegenliebe stößt. In ihrer Heimat Australien feierte die Sängerin bereits zahlreiche Erfolge.
Ihre Cover von Elton Johns „Your Song“ oder „Glorybox“ von Portishead haben auf Youtube zehntausende Aufrufe. Die Lieder von ihren vier Alben schrieb sie allerdings alle selbst. Daher kommt die Authentizität der aus Perth stammenden Sängerin, die eine wahre Frohnatur ist. „Alle Songs, die ich schreibe, kommen direkt aus dem Herzen“, beschreibt Coby Grant ihre Musik. Ihr Hit „Song About Me“ lief 2011 in vier verschiedenen Ländern in der Werbung, hier in Deutschland kennt man sie spätestens seit ihrer Teilnahme bei „The Voice of Germany“, wo sie 2018 im Team von Michi Beck und Smudo vor einem Millionenpublikum auftrat.
Fit hält sie sich mit veganer Küche, Bikram Yoga und Lachen – diese Energie überträgt sie auch live.
Genre: Indie Pop
Isobel Campbell hat schon so eine Art (kleinen) Legendenstatus. Bekanntgeworden als Mitbegründerin der Indiehelden Belle & Sebastian veröffentlichte sie rund um ihren Ausstieg aus der Band 2002 (nach vier gemeinsamen LPs und zahllosen Singles und EPs) zwei Dreamfolkalben als „The Gentle Waves“ und zwei Soloplatten unter ihrem eigenen Namen.
Die meisten Musikfans kennen sie aber wohl durch die drei Werke, die sie zwischen 2006 und 2010 mit dem ebenfalls großartigen Mark Lanegan (Ex-Screaming Trees, Ex-Queens Of The Stone Age, Ex-Twilight Singers) veröffentlicht hat. Fast alle Songs in dieser Zusammenarbeit wurden dabei von Isobel Campbell geschrieben. Das Zusammenspiel ihrer sensitiven, hohen Stimme und des rauen Basses von Mark Lanegan erschuf Duette, die an die legendäre Zusammenarbeit von Nancy Sinatra mit Lee Hazlewood erinnerten.
Nach einer etwas längeren Pause kommt Isobel nun zurück und veröffentlicht Anfang 2020 ihr nächstes Soloalbum mit dem Titel „There Is No Other“. 13 Songs wird es enthalten, die ihren wunderschönen Gesang und tolle Melodien in schimmernden Arrangements präsentieren.
So hört man neben Bossa Nova- und federleichten Elektrorhythmen auch entspannten Indiepop und Folkrock. Isobel Campbell: „The main thing with this album was to find my own voice“; „A record without reference points.“
Genre: Dark Ambient, Rock
Mit „Seafarer“ hat LINDY-FAY HELLA ihr neues Solo-Album angekündigt. Es ist das erste Album der WARDRUNA-Sängerin.
Die Norwegerin startete vor zwei Jahren mit den Aufnahmen zu „Seafarer“. Dabei sicherte sie sich die Unterstützung von Herbrand Larsen (Ex-ENSLAVED, Ex-AUDREY HORNE) und ihrem Cousin Ingolf Hella Torgersen. Als Gast-Musiker sind zudem Sänger Kristian Eivind Espedal (GAAHLS WYRD, TRELLDOM, Ex-GORGOROTH) Organist Roy Ole Førlund und Drummer Jan Tore Ness mit von der Partie.
LINDY-FAY HELLA verfolgt auf ihrem Debütalbum das Otherworld-Konzept und beschreibt parallele Orte, neue Gefühle und Emotionen. Die Neugier für das Unbekannte und das Unbewiesene führt die Musik und die Lyrics in entsprechende Fahrwasser von „Seafarer“.
Genre: Singer-Songwriter
Philipp Dittberner geht im Frühjahr 2020 auf „Akustik Tour“mit im Gepäck: gefühlvolle Texte, inspiriert mal von verliebten, mal von gebrochenen Herzen, Melancholie im alltäglichen Leben und von jugendlicherLeichtigkeit. Dittberner gelingt es kaum greifbare Gefühle in Worte zu fassen und seinen Fans aus der Seele zu sprechen. Ein Erfolgskonzept,das aufgeht;die neue Single „So kann es weitergehen“ läuft in den großen und kleinen Radioanstalten auf Rotation und auch die über zwei Millionen Streams sprechen für das Songwriting des jungen Berliners. Philipp Dittberner holt einen mit seinen Texten dort ab, wo man gerade steht, mit allem Ballast, aller Sehnsucht, aller Euphorie, aller Melancholie.
Im Frühjahr 2020 startet Philipp Dittberner zusammen mit zwei Bandkollegen seine Clubtournee, mit neuen Songs und lyrischem Feingefühl.
Genre: Folk
„It’s not Americana or alt anything, it’s really just soulful folk music,” Ben Harper says of “ Best of Luck“, the new album by Christopher Paul Stelling, which he produced.
The album’s title, Best Of Luck, mirrored perfectly the emotional landscape in which it was created. “Depending on how you say it, it can either be a blessing or a dismissal,” Stelling says. “And that was exactly the point I was coming to with myself, my career as an artist, as a friend and as a person.”
The recording of Best Of Luck culminated on a rainy night in Los Angeles, but the whole thing really began back in North Carolina. Stelling calls Asheville home, though he has been in a state of near constant motion for years. Leaving Florida while young to roam and perfect his craft, he made stops in Colorado, Boston, Seattle, New York and eventually North Carolina – all interspersed with relentless touring – hundreds of performances a year, in bars, coffee houses, nightclubs and theaters. “The lifestyle of constant touring was gaining on me,” Stelling says. “And then I was back home, and in the abrupt silence, there was a clarity. The fumes of hubris I had been running on for years were all but gone and my relationship with my environment and myself had turned toxic. I was scared but resolved to persevere. On Christmas Day, after a few false starts, I gave up drinking and decided to take a look at myself.”
“The richly layered storytelling of John Prine, the croon-to-howl hybrid vocal of Tom Waits and Glen Hansard, and an intricately finger-picked guitar style that lands somewhere between Lead Belly and Lindsey Buckingham.”— ROLLING STONE MAGAZINE
Genre: Folk
Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.
Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.
Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.
Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.
Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.
Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.
Genre: Pop
Es dauert nicht lang, bis man versteht, worum es bei PHIL SIEMERS geht. Nur wenige Sekunden von seinem Song Schöne Neue Welt und man ist drin im Kosmos des 26-Jährigen: Eine treibende Kontrabasslinie begleitet von Offbeat-Claps macht den Anfang; das Klavier setzt ein und legt mit einem jazzigen Riff eine schwebende Fläche, auf der PHIL mit Textzeilen, die sofort aufhorchen lassen, zu erzählen beginnt. Modernes Songwriting und die Liebe zur analogen Soundwelt der Soulplatten aus den 60er und 70er Jahren verbinden sich zu packendem, zeitgenössischem Pop, der berührt und fesselt. Wenn sein prägnanter, aber angenehm unaufgeregter Gesang einsetzt, ist man sofort vom Sound und Groove gefesselt und schnippt unwillkürlich mit den Fingern. „Ich liebe es, wenn man die Persönlichkeiten der Musiker hören kann. Die Energie, die entsteht, wenn ich mit meiner Band zusammenspiele“, so PHIL SIEMERS, der mit seinen Liedern Geschichten erzählt und Gefühle beschreibt, die man sofort nachvollziehen kann. Er spricht eine klare Sprache und schreibt geradlinige und durchdachte Songs, die sich anfühlen wie ein alter Freund, der sich zu Dir setzt und sich Zeit für Dich nimmt.
Vor allem seine Liebe zu natürlichen Instrumenten und organischen Arrangements zeichnen seinen speziellen Sound aus. Gemeinsam mit seiner Band arrangiert er mit spielerischer Spontaneität die Instrumentierung: Manchmal sparsam, manchmal mit geschickt pointierenden Chören oder Bläsern – je nachdem, was der Song braucht. „Text und Musik haben den gleichen Stellenwert“, betont PHIL. „Es ist mir wichtig, dass die Texte leichtfüßig und immer im Fluss mit der Musik bleiben. Beides muss einander ergänzen und eine harmonische Einheit bilden.“ In seinen Texten geht es um aufrichtige Gefühle, Zwischenmenschliches und die kleinen und großen Fragen unserer Zeit.
Vor gut 13 Jahren schrieb PHIL seine ersten Songs und gelangte über deutsch- und englischsprachiges Songwriting schließlich zum Soul. Künstler wie Bill Withers, Marvin Gaye oder Donny Hathaway inspirieren ihn. Dabei musste er den Soul nie lernen, er HAT ihn – in seiner Stimme, in seinem Gefühl und in seinem Songwriting. PHIL SIEMERS hat seine eigene musikalische Sprache entwickelt, für die es im deutschen Pop derzeit kaum Referenzpunkte gibt. Nicht wirklich überraschend ist dabei, dass er seit einiger Zeit zur Stamm-Besetzung der Formation Soulounge gehört, die bereits mit deutschen Soul-Größen wie Roger Cicero, Max Mutzke, Laith Al-Deen und anderen zusammenspielten.
Mit seinen eigenen Konzerten, u.a. im Hamburger Jazzclub Birdland, einigen Gastauftritten (u.a. im Hamburger Mojo Club bei Anna Depenbusch) sowie ersten Radio- und TV-Auftritten (NDR, RTL Nord, NDR 2, NDR 90,3), ist PHIL SIEMERS definitiv kein unbekanntes Gesicht und keine unbekannte Stimme mehr. Und man wird im Laufe der nächsten Monate noch viel von ihm hören. Am 4. April 2019 wird er ein Showcase im Hamburger Club „The Box“ geben. Eine perfekte Gelegenheit, einen Abend in entspannter und inspirierender Atmosphäre zu genießen.
Genre: Alternative Rock / Hard Rock / Metal
Normalerweise ist William DuVall als Gitarrist und Sänger von Alice in Chains bekannt, nun aber kommt er mit seinem Solodebüt „One Alone“ für drei intime Clubshows nach Deutschland. Am 07.04. im Club Volta, Köln, am 19.04. im Privatclub, Berlin sowie am 20.04. im Nochtspeicher, Hamburg wird der US-Amerikaner sein Publikum mit der Akustikgitarre und seiner markanten Stimme begeistern.
William DuVall blickt auf eine ereignisreiche Karriere zurück. Bereits in den frühen 80er Jahren spielt der gebürtiger Washingtoner in verschiedenen Hardcore-Bands. Während seiner Zeit in Atlanta gründet er 1983 Neon Christ, trägt Texte und Gitarren zu den Alben bei. Wenig später zieht es ihn nach Los Angeles, er wird für kurze Zeit Teil der legendären kalifornischen Gruppe Bl’ast und gründet ´87 The Final Offering. Ende der Achtziger Jahre erwirbt er einen Abschluss in Philosophie an der Georgia State University, zehn Jahre später geht er mit Comes With The Fall auf Tour und bringt deren Alben und EPs auf seinem eigenen Label DVL Recordings auf den Markt.
Obwohl DuVall nie der ganz große kommerzielle Durchbruch gelingt, erspielt er sich mit seinem eigenen Sound die Gunst seiner Fans und Kollegen. 2006 geht es für ihn in einen neuen Lebensabschnitt. Es braucht nur eine einzige Probe, in der William den Song „Love, Hate, Love“ singt und Alice in Chains sind überzeugt. Seitdem ist er gemeinsam mit Jerry Cantrell sowohl im Studio als auch auf der Bühne verantwortlich für Gesang und Gitarren. Die Band geht auf ausgedehnte Tourneen, veröffentlichen gemeinsam drei Alben.
Bei all dem Erfolg, den es mit Alice in Chains zu feiern gibt, fehlte DuVall bis jetzt in seiner Vita eigentlich nur noch eine Sache – eine Soloplatte. Diesen langersehnten Traum hat er sich nun erfüllt. Auf seinem Solodebüt „One Alone“ zeigt sich William DuVall von einer ganz anderen Seite. All die harten Riffs und Rhythmen sind weg. Was übrig bleibt ist Gesang, eine Akustikgitarre und elf fantastische Songs über das Leben. Vorgetragen von einer Stimme, die berührt.
Passend dazu geht William DuVall im Frühjahr 2020 auf Tour. Zwischen dem 7. und 20. April wird er in Köln, Berlin und Hamburg diese intimen Momente erstmals mit seinem Publikum teilen.
Genre: Indie / Rock'n'Roll
THE DEARS, eine Rock’n’Roll Band aus Montréal, ist das Lebenswerk von Murray A. Lightburn. Als Sohn einer jazzaffinen Famile, wurde Lightburns Songwriting vom neunziger Rock und einer breiten Palette von Gospel, Soul und Popmusik geformt.
Die Band wurde 1995 gegründet und veröffentlichte 2000 ihr erstes Album, „End of a Hollywood Bedtime Story“. Ihr orchestraler, dunkler Popsound und ihre dramatischen Live Shows verankerten THE DEARS fest in der aufkommenden kanadischen Indie-Renaissance. 2001 und 2002 veröffentlichten sie die EPs „Orchestral Pop Noir Romantique“ und „Protest“, sowie eine Kollektion von unveröffentlichten Songs – „Nor the Dahlias“. 2003 brachten Sie ihr zweites Album „No Cities Left“ auf den Markt und starteten ihre internationale Karriere mit einer Reihe von hochgelobten Shows bei SxSW‘ 04. „Gang of Losers“ wurde 2006 veröffentlicht und von der Presse mit guten Kritiken gefeiert.
Die Musik von THE DEARS wurde häufig als ein Mix von The Smiths und Serge Gainsbourg beschrieben, Lightburns Stimme in Verbindung gebracht mit Morrissey und Blur’s Damon Albarn. Die Komplexität der Musik und der Arrangements wurde außerdem mit Radiohead, Jethro Tull und Genesis verglichen. Die starken Live Shows von THE DEARS wurden in Vergangenheit außerdem umschrieben als“…es ist, wie als würde man Gott ins Gesicht schauen.“
Genre: Pop
Hört man die Stimme von Marius Bear, werden schnell Vergleiche zu Größen wie Rag’n’Bone Man und George Ezra gezogen. Anfang April veröffentlichte der gebürtige Schweizer mit „My Crown“ seine neue Single, nun folgen im November mit Köln, Berlin, Stuttgart, Frankfurt, Hamburg und München sechs Konzerte auf deutschem Boden.
Nach einer durchfeierten Nacht lässt sie sich manchmal blicken – diese raue Whisky-Stimme. Für Marius Bear ist es sein Markenzeichen, denn der gebürtige Appenzeller hat von Natur aus ein solch tiefes Timbre, dass so mancher seiner Kollegen erblasst. Und dabei hatte er eine Karriere als Musiker nie im Sinn. Mit Anfang 20 teilte er beim Schweizer Militär lautstark Befehle aus, worauf ein Soldat ihm entgegnete „mit dieser Stimme solltest du singen!“. Diverse Jam-Sessions in der Armee bewiesen sein Talent und so wagte er nach dem Wehrdienst den großen Sprung nach New York. Neben einem Kurzfilm-Soundtrack schrieb er dort auch Songs für ein Debütalbum und lies dieses vom eigenen Geld produzieren. Doch bis zur Veröffentlichung sollte es nie kommen. Für Marius Anspruch fehlte es ihnen an Seele und Tiefgang. Nach einem Produzenten- und Ortswechsel strahlte sein Sound in einem neuen Gewand und er begann in London Musikproduktion an der BIMM, dem British and Irish Modern Music Institute, zu studieren.
Nach der Single „I‘m a Man“ (2017) präsentierte Marius Bear im Sommer 2018 „Sanity“, eine EP mit sechs kraftvollen Songs. Dabei verzichtet er auf Effekthascherei, stellt den Gesang in den Fokus und umgibt sich mit elektronischem Blues sowie einer Prise Soul. Am 05. April dieses Jahres erschien mit „My Crown“ die neueste Single, welche den ersten Vorgeschmack auf das für September 2019 erwartete Album liefert.
Wenn Marius Bear die Bühne betritt, macht er das meistens barfuß – er liebt es, den Bass unter den Füßen zu spüren. Ob ihm danach auch im Winter ist, wird sich zwischen dem 19. und 26. November zeigen, wenn er für sechs Konzerte quer durch Deutschland zieht.
Genre: Pop
Manche Menschen brauchen einfach keinen Plan B – Das trifft auch auf den 22-jährigen dänischen Singer-Songwriter NICKLAS SAHL zu. Alles, was er in seinem Leben getan hat, tat er für seinen großen Traum: vom schamlosen Diebstahl der Spielzeuggitarre seiner Schwester mit gerade mal vier Jahren, bis hin zu seiner späteren Solo-Reise durch Dänemark. „Musik war schon immer meine oberste Priorität“, erklärt er. „Da ist dieser Antrieb in mir – da ist irgendetwas, was mich in diese Richtung zieht.“ Die Zielstrebigkeit und die Leidenschaft, die NICKLAS SAHL für die Musik hegt, lässt sich deutlich in seiner fünfspurigen Debüt-EP „Planets“ erkennen, die er 2019 um vier Akustik Versionen sowie den Song „I Killed Your Night“ erweiterte und ein zweites Mal herausbrachte. Bereits nach der erstmaligen Veröffentlichung stieg die Single „Hero“ bis auf Platz 1 der dänischen Charts, seine nachfolgende Single „New Eyes“ brachte ihm schließlich über 10 Millionen Streams sowie einer Gold-Auszeichnung ein.
Seine Musik selbst beschreibt Sahl als „Popmusik mit einem Hauch nordischer Melancholie und Experimentierfreude. Durchzogen von einer sanften Strömung des Elektropop, inspiriert von dem klassischen Singer-Songwriter-Feeling seiner früheren Helden James Taylor und Paul Simon sowie beflügelt von Pop-Vordenkern wie Bon Iver und Francis and the Lights, ist seine Musik ebenso zeitlos wie abwechslungsreich. Das Ziel: Aus vielen Emotionen ganze Kunstwerke für Herz und Kopf basteln, die das Geschichtenerzählen alter Schule mit modernem Pop vereinen. Bald wird der dänische Singer/Songwriter NICKLAS SAHL auch in Deutschland zu sehen sein, wenn er Tina Dico im Frühjahr 2020 auf ihrer Fastland Tour begleitet und im April schließlich seine erste Headliner-Tour hierzulande antritt. Ein weiterer Support im Herbst 2019 wird im Spätsommer bekanntgegeben.
