Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Indie
Deer Tick passen mit ihrer Musik längst in keine Genre-Schublade mehr. Selbst nach 13 Jahren Bandgeschichte entwickelt sich ihr Sound unermüdlich weiter. Sie bedienen sich aller wichtigen Schlüsselelemente des Indie-Rock, Country, Punk, Pop sowie Folk und lassen sich partout nicht auf eine Kategorie reduzieren.
Nach vier Jahren ohne Veröffentlichung kommt das Quartett aus Providence (Rhode Island) nun mit einem ganz besonderen Clou um die Ecke.
Am 15. September erschien nicht nur das Album Deer Tick Vol.1, sondern auch das Zwillingsalbum Deer Tick Vol. 2. Das Spannende: Beide Alben sind einerseits miteinander verflochten, doch gleichzeitig kontrastieren sie stark. Die neuen Stücke beschreiben die vielfältige Persönlichkeit, die sich hinter Deer Tick verbirgt – ruhig und nachdenklich vs. laut und rau.
Deer Tick Vol.1 orientiert sich an Musik, die ihre Wurzeln im Folk und Rootsrock findet, während Sänger und Songwriter John McCauley in einem perfekten Balanceakt einen Dialog zwischen der inneren Gefühlswelt und den Konflikten mit der Außenwelt dokumentiert. Seine Empathie und Beobachtungsgabe für die Emotionen der Menschen zeichnen diese Platte aus.
Vom Punk inspirierter Garagenrock ist das Credo von Deer Tick Vol.2. Eingängige Hooklines treffen auf clevere Texte und Melodien, die mit ihrer lauten Raffinesse den ganzen Raum einnehmen. Bassist Christopher Ryan versieht die Songs mit seiner Handschrift, man wird von der Autorität und Attitüde der Gitarren geradezu mitgerissen.
Auf der kommenden „Twice is Nice“-Tour wird das Motto der beiden aktuellen Alben auch live umgesetzt. Bei jeder Show werden Deer Tick ein Akustikset und ein elektrisches Set spielen, dabei werden sie nicht nur die neuen Songs, sondern auch Stücke von ihren anderen Platten interpretieren. Denn wer wünscht sich bei dieser Bandbreite noch, dass Deer Tick sich auf ein Genre beschränken?
With roots in New York and stints in San Francisco, Maui, London, Arizona, Austin, and Nashville. Joanna Barbera’s wandering spirit shines through in her evocative folk tunes. Her interest in the ethereal and the divine, from religious studies and yoga to shamanism and energy-healing, has influenced her otherworldly songs, which ask big questions about relationships, life, death, and finding one’s place. Joanna made the move to Nashville in the summer of 2014, where she wrote and recorded her latest EP, 2017’s IMAGO. The song “When the Rain Comes” landed a feature on CBS’s Criminal Minds, while a new single, “Sun,” will be released on October 12th. Joanna will follow the song’s arrival with a European tour alongside Deer Tick in November.
Genre: Pop
Die charismatische Sängerin hat unlängst auf YouTube als „das Mädchen mit den vielen Stimmen“ für Furore gesorgt- ihre Videos wurden millionenfach geklickt und geteilt.
Sie wurde 2016 mit dem Youtube-Hit „1 Girl 13 Voices“ über Nacht weltbekannt, in dem sie 13 Sängerinnen stimmlich bis zur Perfektion imitiert. Über 15 Millionen Menschen schauten sich bisher den Clip mit Stimmen von Stars wie Adele, Rihanna, Taylor Swift oder Katy Perry an.
In der deutschen Fortsetzung namens „1 Mädchen 14 Stimmen“ wagte sie sich gleichermaßen erfolgreich an Größen wie u.a. Hildegard Knef, Nena, Helene Fischer und Sarah Connor.
Nun erfüllt Jenny Marsala ihren Fans einen langersehnten Wunsch und offenbart ihre ehrlichste Stimme: die Eigene.
Im Dezember 2017 veröffentlicht sie ihr deutschsprachiges Debüt-Album „MEINE STIMME“.
Emotionsgeladene Texte besingt Marsala ehrlich und berührend, als hätte man die ein oder andere Situation selbst erlebt. Der Youtube Star ist nun live auf der aktuellen Tournee durch Deutschland, Österreich und Schweiz unterwegs, mit im Gepäck ihre Singles „Feuer“ und „Eisprinzessin“.
„Musikalisches Chamäleon – das ist wohl der passendste Begriff, der auf Jenny Marsala zutrifft.“
Stuttgarter Zeitung
Genre: Alternative Pop / Indie
Mike Bird und Dave Pen – kurz: BirdPen – beide auch Teil des Londoner Kollektivs Archive, tüfteln schon seit 2003 an experimentellen Pop-Sounds. Mit ihrer Musik reagieren sie auf das politische Chaos in ihrer Heimat und vergleichen ihren Sound selbst damit, mit einem Lächeln im Gesicht am Ende der Welt zu stehen.
Dieses Jahr kehren BirdPen mit einem neuen Album zurück, stets darauf bedacht ihre eigene Welt zu kreieren. Ihr neues Album ist inspiriert vom modernen Leben, der Kontrolle der Medien und der Wegwerfgesellschaft, die unser Zeitalter prägt. „There’s Something Wrong With Everything“ (VÖ 12.10.2018 | Rough Trade) verbindet wuchtige und psychedelische Gi-tarren mit schlingernden Basslinien, krautige Drums mit einer Spur von Elektronika der al-ten Schule, eingehüllt in einem Doom Groove Ambiente. Aufgenommen, gemixt und produ-ziert wurde in den Abbey Road Studios vom Duo selbst.
Auch dieses Mal, wie sollte es anders sein, legt das Duo viel Wert auf selbst kreierte Videos und Artwork, um mit diesen die Geschichte der experimentellen Popsongs visuell zu ver-stärken: ein wütender Blick auf eine kontrollierte Welt in der uns täglich Lügen und Ängste begegnen.
Live können sich Fans wieder auf ein mitreißendes und hypnotisierendes Erlebnis freuen!
Genre: Indie Rock, Bastard-Pop
Ist das schon Pop? Ja. Und nein, denn die Musik von Rainer von Vielen ist genrefrei.
Der aktuelle Single-Release FÜR IMMER UNENDLICH ist für die Allgäuer Band keine Reise in die Vergangenheit und kein Nostalgie-Genöle. Trotzdem atmet der Song kompromisslose Jugendlichkeit. Als wären 20 Jahre Bandgeschichte spurlos an ihnen vorbeigezogen, kommt hier die Hymne für den Sommer, mit Fahrtwind im Gesicht und Sommersprossen auf dem Fahrradlenker. Der Video-Clip zaubert dazu mit magischem Realismus ein Sommer-Abenteuer zweier Mädchen. Von a-ha inspiriert, die 1985 mit „Take on me“ einen Grundstein des musikalischen Verständnisses der kindlichen Vielens gelegt haben, brettert FÜR IMMER UNENDLICH wie eine 80er Jahre Indie-Reminiszenz über heißen Asphalt. Der Brückenschlag von 1985 nach 2018: gleiche Intervalle – andere Melodie. Darf man das? Die Bastard-Popper von Rainer von Vielen finden schon. Auf einen tollen Sommer 2018!
„Heute ist der Tag auf den ich
so lange gewartet hab‘.
Du hältst mich im Arm
und mein Herz auf Trab.“
Eigensinniger, deutschsprachiger Folkpop mit geistreich -wortwitzigen Texten.
Eine kräftige Stimme, kreative Texte, die mal bedeutungsschwanger poetisch und mal herzlich-leicht ironisch daherkommen und sowohl Hirn als auch Herz direkt bei der Hand nehmen und in einem schwebenden, folkigen Soundbett aus Gitarre, Orgel, Kontrabass und Schlagzeug in eine ganz eigene musikalische Welt entführen. Leo Grande macht Musik zum Zuhören, Schwelgen und Schmunzeln. Wer einen Vergleicht braucht, liegt wohl irgendwo zwischen Annenmaykantereit, The Villagers, Rio Reiser und Jeff Buckley richtig.
Genre: Folk, Pop
Seine Heimatliebe, gefestigt in den EPs „Forest Fires“ (2016) und „Quiet Eyes“ (2017), verschafften dem neunzehnjährigen Isländer AXEL FLOVENT Aufmerksamkeit und beste Kritiken in Indie-Fachkreisen. Leitmedien sind sich einig: AXEL FLOVENTs feinsinnige Folk-Harmonien, die er mit elektronischen Elementen und poetischen Texten zu besetzen weiß, gehen tief unter die Gänsehaut.
Mit seinen melancholischen, aber auch fröhlichen Songs verhilft der Isländer seinem Heimatland einmal mehr zu Ansehen in der internationalen Musikwelt. Immer wieder exportierte das nordische Eiland gefeierte Überraschungen in das Pop-, Rock- und Indie-Genre. Man denke an Sigur Rós, Björk, Kaleo, Múm oder Of Monsters And Men. Erstaunlich ist das in Anbetracht der Größe Islands ja irgendwie schon – das Fischer-/Heimatdorf von AXEL FLOVENT zum Beispiel zählt gerade mal 2000 Einwohner. Unstrittig ist aber, dass die isolierte, bildgewaltige Natur der Insel eine perfekte Inspirationsquelle für Indie-Sounds bietet: Einen Hauch Mystik, unberührte Weite und eine schroffe Schönheit, reich an eigenartigen Details. Man ahnt es – all das findet sich in den Kompositionen des jüngsten Singer/Songwriter-Insulaners, AXEL FLOVENT, wieder.
Der überführte seine schöpferische Kraft nach Amsterdam und von da aus nach Brighton, UK, wo er just seine dritte EP „Youthful Hearts“ fertig stellte. Der Name ist Repertoire: Erste Liebe, erste innere Leere – ohne Liebe. Das neueste Werk von AXEL FLOVENT sollte so manches Indie-Herz höherschlagen lassen – so, wie seine flankierende Release-Tour in Deutschland.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Line Up:
Franz Heidl
Marc Forrest
Genre: Pop / Rock
Zunächst die Fakten: Odeville ist eine Hamburger Band mit einer langen Geschichte. 200 gegründet, zeugen ihre bislang fünf veröffentlichten Alben von einer wechselhaften Historie, stets angetrieben von dem Wunsch, als Band künstlerisch weiter zu kommen. Begonnen als eine deutsche Antwort auf die US-amerikanischen Wechsel zu deutschsprachiger Musik und mehr Zugänglichkeit bis hin zum letzten Album “Phoenix“, das in seiner klare Orientierung hin zu einer einschmeichelnden Gefälligkeit zu ihrem bis dato poppigsten Werk geriet. Und nun also “Rom“, Album Nummer sechs, auf dem wieder vieles ganz anders und neu ist.
Den Kern von Odeville bilden seit Anfang an Gitarrist David, Dummer Sascha und Sänger Hauke. Der Posten des Bassisten wurde einige Male neu besetzt und wird nun bekleidet von Tim, während Tastenmann Martin erst in den letzten Jahren vom Gast-Keyboarder zum festen Mitglieds aufstieg. “Wir sind auf eine stoische Weise unerbittlich mit Odeville und haben echt viele Bands überlebt“, lacht David. “Es ist ein Stück weit einfach Leben, das zu tun und weiter zu verfolgen.“
Ein wichtiger Schritt hin zu dem, was man nun auf “Rom“ hört, war das Vorgänger-Album “Phoenix“. Jense entstand in den Hannoveraner Horus Studios und wurde produziert von Arne Neurand (Donots, …Trail of Dead, Revolverheld). Es sei, so Hauke, “ein wichtiger Schritt gewesen, mal jemand von außen in den kreativen Prozess zu holen“. Da lad es auf der Hand, auch “Rom“ wieder in Hannover mit Arne einzuspielen, und man hört dem Album an, dass hier eine sehr funktionierende Einheit am Werk ist, die sich gut kennt, um das jeweils Beste aus jedem Einzelnen Detail herauszukitzeln.
Dies gilt nicht nur für die Musik, die in ihrer stilistischen Breite auf herrliche Weise jeder klassischen Kategorisierung entzieht und vor höchst angriffslustiger Verzerrung ebenso wenig zurück schreckt wie vor balladesken Momenten von großer Intimität; sondern gleichermaßen für die Texte. Hauke sinniert: “Für mich als großer Künstler war es wichtig, auf ‚Rom‘ mehr ins Erzählen zu kommen, ganze Stories anzubieten.“ Hauke, der neben der Musik ja auch Schauspieler und Regisseur am Theater ist, findet es “geil, wenn mutiges Theater die Leute ranholt und etwas mit ihnen macht – und warum sollte das mit Musik anders sein?“ Odeville ist eben die deutsche Band, die diesen künstlerischen Mut des Theaters überträgt auf deutschsprachige Rockmusik – bis hin zur durchweg höchst durchdachten Dramaturgie der Einzelnen Songs. Weil sie es kann auch muss. Weil das in ihren Genen steckt.
wirklich neu an der Platte sei, findet die ganze Band, “dass wir nun eben keine Kids mehr sind. Wir akzeptieren unser Erwachsensein – und binden das auch in die Arbeit ein. Und in eine Selbstverständlichkeit unseres Tuns, das jetzt eben so sein muss, weil wir das fühlen.“ Ein nachgerade dramatischer Beweis für die These des Erwachsenseins fanden sie in dem Tatbestand, dass im Zuge der Albumaufnahmen gleich vier der fünf Mitglieder ein Burn-Out hatten. Hauke: “Im Nachhinein müssen wir unserem Produzenten endlich dankbar sein, dass er es ausgehalten hat, mit vier kompletten Wracks zusammen dieses Album aufzunehmen.“
Es ist eine etwas abgenutzte Redewendung, aber selten traf sie so zu wie auf Odeville: Das einzig Beständige ist der Wandel, und gerade dafür kann und muss man diese Band so schätzen. Eine Band, die den ursprünglichen aus dem US-Punk stammenden DIY-Gedanken bis heute un in aller Konsequenz weiter trägt. Damit geht die Band sicher nicht den leichtesten Werg, aber das hat sie noch nie getan. Viel wichtiger sind all die Aspekte, die wahre Kunst letztlich auszeichnen: Glaubwürdigkeit. Substanzielle Tiefe und interpretatorischer Raum. Keine Begrenzungen, die der Markt oder ein aktueller Trend vorgeben würden. Eigenständigkeit, bis hin zur vorsätzlichen Mutwilligkeit in der Abgrenzung gegenüber Konfektions-Ware. Und in alldem seine signifikante Eigenständigkeit zwischen Melodiosität und kompositorischer Konfrontation, zwischen Eingängigkeit und eruptiver Roughness, zwischen dem Feiern des Moments und dem Erzeugen von etwas zeitlos Großartigem.
Genre: Rap, Trap, Metal
Die Verschmelzung von Rap und Rock ist ein Konzept, das mittlerweile seinen Weg aus dem Underground in den Mainstream gefunden hat. Bestes Beispiel sind Künstler wie Scarlxrd, Suicideboys oder Death Grips. Auch City Morgue, bestehend aus dem Duo SosMula und ZillaKami, vereinen in ihren Songs Elemente aus Trap und Metalcore mit krachenden Bässen und rauen Emotionen. Das Duo bietet eine neue und aufregende Atmosphäre für jeden Fan von echter Musik – von Hip-Hop bis Metal. It’s City Morgue Season!
Angefangen hat alles im Jahr 2016 in Harlem. Mittlerweile hat das Duo mehrere Mixtapes und einige Single veröffentlicht. Auch auf dem SXSW spielte das Duo bereits. Für 2019 holen wir SosMula und ZillaKami dann für drei Shows nach Deutschland!
Genre: Singer-Songwriter / Folk
Nachdem uns die Songwriterin Haley Heynderickx bereits im September 2017 bei einer ausverkauften Berlin-Show umgarnte, ist sie nun endlich wieder zurück und wird am 03. Dezember den Berliner Privatclub beehren. Dabei hat sie auch ihr frisch erschienenes Debüt-Album „I Need To Start A Garden“ im Gepäck, welches weltweit die großen Kritikerlorbeeren einheimste. Ihre Klänge, die an einen modernen Sound von 70s-Folk-Veteranen wie Joan Baez oder Don McLean erinnern, haben sie zu ausverkauften Tourneen quer um den Erdball geführt, bei dem sie allerlei Geschichten und Erfahrungen sammelte, die sie auf 8 Tracks gebündelt hat.
Es braucht eine gute Mischung an Geschick und Glück, um einen Garten zu pflegen, aber es ist unmöglich, dies ohne einen bestimmten Anteil an Liebe für die Sache zu tun. Während die zyklische Natur eines Gartens gegeben erscheint, ist Heynderickx in gewisser Weise erst am Anfang. Ihr Debütalbum „I Need to Start a Garden“ entstand auf dieser Suche nach Ruhe inmitten von Wellen der Unsicherheit und Wirrungen und erscheint am 2. März 2018 bei Mama Bird Recording Co. Die Gründe, warum diese emphatische Sängerin und Songwriterin so sehr nach Akzeptanz und Verständnis sucht, haben ihren Ursprung in einem Leben voller Paradoxen. Heynderickx ist in einem religiösen Zuhause in Oregon, USA; aufgewachsen, wo sie sich einerseits sehr mit ihren philippinischen Wurzeln identifiziert hat, andererseits aber einen Spagat zwischen verschiedenen kulturellen Identitäten macht. Jetzt, wo sie in Portland lebt, ist ihr Glaube nicht offenkundig erkennbar, aber ihre Selbstreflektion und das andauernde Ringen um Selbstverwirklichung sind leicht erkennbar und zuzuordnen.
Die Stücke auf „I Need to Start a Garden“ reflektieren gleichermaßen diese unterschiedlichen Elemente. Durch das sanfte Zupfen auf einer Akustikgitarre und gekonnt akzentuiertes Aufseufzen einer Posaune erinnert Heynderickxs Musik an Folk aus den 60er- und 70 er-Jahren gemischt mit der Liebe eines Jazzradios. Aber der Gesang von Heynderickx, der von sinnlich bis opernhaft reicht, widerlegt eine Beharrlichkeit ihrer Seele. Es ist eine Balance zwischen Selbstoffenbarung und Selbstschutz auf dem Album „I Need to Start a Garden“. Heynderickx schwankt zwischen Machtlosigkeit (Eröffnungssong „No Face“ ) und Ermächtigung (Leadsingle „Oom Sha La La“ ). Die geistige Großzügigkeit bleibt die Konstante das gesamte Album hindurch. Man kann die bemerkenswerte Sorgfalt in „Jo“ hören, wenn sie flüstert „You tended your garden like heaven and hell / and you buildt the birds houses to see if it helped at all“ (Du hast deinen Garten wie Himmel und Hölle gepflegt / und du hast die Vogelhäuser gebaut um zu sehen, o b es irgendetwas hilft). Im Bewusstsein für die Vögel, den Garten und jeden, der genau zuhört, dient Heynderickxs Musik als Einladung für alle, sich ihr anzuschließen. Denn die wahre Schönheit ein es Gartens ist es, obwohl er oft aus sehr persönlichen Gründen angelegt wird, dass man seine Schätze am besten gemeinsam mit anderen genießt und diese teilt. “
Genre: Pop / Rock
Der Multi Instrumentalist Jett Rebel ist zurzeit der Top Indie Popkünstler Hollands. Er mischt scharfe und kantige Melodien mit seiner tiefen Liebe zur Vintage-Popmusik, die an Prince oder Jamiroquai. Er ist extravagant, authentisch und steckt all sein Herzblut in die Musik. Bis es ihn umhaut, manchmal buchstäblich.
Wie ein leidenschaftlicher Superheld fliegt er über die Bühne, koordiniert jede Show mit seinem charmanten Enthusiasmus und entflammt die Begeisterung der Band sowie der Menge. Jett Rebel gibt alles, was er hat – Für dich.
Alle Instrumente auf seinen Alben werden von ihm selbst gespielt, aufgezeichnet und natürlich hat er alle Songs geschrieben. In einer Zeit, in der es mehr Nachfrage nach Singles gibt, ist Jett Rebel ein Album-Künstler. Es sind alle Geschichten mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende. Jedes Album hat seinen eigenen Klang, denn Jett Rebel will sich ständig neu erfinden. Fühlen Sie sich frei, an Bord dieses Hochgeschwindigkeitszuges zu hüpfen! erinnert.
Er veröffentlichte in den vergangenen vier Jahren nicht weniger als sechs Alben und gewann mehrere Auszeichnungen als bester Newcomer. Album Nummer sieben ist auf dem Weg und die ersten beiden Songs für 2018 sind bereits erhältlich in Form seiner ersten Single „Amy“ und „Good Boy“. Als Live-Künstler ist Jett Rebel ein absolutes Erlebnis, er spielt nie zweimal die gleiche Show, aber er enttäuscht auch nie. In diesem Sommer wird er zusammen mit seiner starken Live-Band auf Festivals in ganz Europa spielen. Erwarten Sie das Unerwartete, aber vor allem, erwarten Sie eine tolle Zeit, wenn Jett Rebel auf der Bühne ist.
Genre: Electronic, R'n'B, Soul
Seit vor einem Jahr Mac Ayres‘ Debüt-EP „Drive Slow“ erschien, sind die US-Medien voll des Lobes über diesen vielseitig begabten Solomusiker, der etliche Instrumente spielt, seine Songs selbst schreibt sowie alleine produziert und von vielen Gazetten als eine weiße Entsprechung zu Stevie Wonder oder D’Angelo gefeiert wird. Obwohl der 21-jährige Sänger und Multiinstrumentalist derzeit noch Songwriting am Berklee College of Music studiert, nimmt seine internationale Karriere schon mächtig Fahrt auf. Dies dürfte sich noch einmal potenzieren, wenn am 5. September sein Debütalbum „Something to Feel“ erscheint. Am 9. Dezember kommt Mac Ayres dann erstmals nach Deutschland, für ein exklusives Konzert im Berliner Privatclub.
„Ich bin zwar noch ein junger Typ, aber mit einer alten Seele“, so wird Mac Ayres, der ursprünglich aus New Jersey stammt, aber mittlerweile in New York lebt, in einem seiner ersten online zu lesenden Interviews zitiert. Schon immer habe er mit seiner Mutter die alten Soul-Klassiker gehört, allen voran Stevie Wonder, Teddy Pendergrass sowie der gesamte Motown-Katalog. Als er als junger Teenager die D’Angelo-Platte „VooDoo“ entdeckte, „ist etwas in mir explodiert. Dies schien genau die Musik zu sein, die für mich gemacht ist und mir als Leuchtturm dienen soll“. Über die Jahre kamen als Einflüsse dann noch einige der unkonventionelleren Rap-Künstler hinzu, allen voran J Dilla und Slum Village. Und fertig war das Potpourri an Inspirationen, das nun den jungen Musiker definiert.
Das Besondere an Mac Ayres Musik sind zwei Dinge: Zum einen klingt sie überhaupt nicht ‚weiß‘, sondern als stamme sie von einem der klassischen Soul-Götter, nur in frischem Gewand. Was zum anderen zu einem einzigartigen Sounddesign führt, denn fast alle seiner Songs klingen im ersten Moment so, als stammten sie aus der Goldenen Zeit des Classic Soul – erst anhand einiger spezieller Studio- und Produktionskniffe erkennt man, dass seine Songs aktuell sind. Songs, die Mac Ayres vollkommen alleine schreibt, in seinem Schlafzimmer-Studio aufnimmt und autark produziert.
Denn auch, wenn er im Rahmen seines Studiums durchaus mit anderen Menschen kollaboriert, sei die Musik unter seinem eigenen Namen „ganz allein mein Ding. Hört man sich die alten Soulmusiker an, fällt eines auf: sie alle legen ihre ganze Seele, ihr Herz und ihre Leidenschaft in jedes einzelne Stück. Diese Musik, das sind sie selbst. Und genau so sollte man auch meine Songs hören: als einen Teil meiner selbst“. Nun bleibt dem jungen Mann neben dem zu erwartenden Erfolg rund um sein Debütalbum nur zu wünschen, dass er es noch schafft, sein Studium abzuschließen, bevor die weltweite Hysterie um seine fantastisch zeitlose Musik zu groß wird.
Genre: Alternative, Indie, Folk
Singer-Songwriter Nathan Ball geht seine Musik ganz ungezwungen an. Sein natürliches, ruhiges Gemüt zieht sich nicht nur durch seine Musik, sondern strahlt sich auch auf seine Zuhörer aus. Nathan selbst befindet sich gerne in der Natur und lässt seine Umgebung maßgeblich in seine Songs mit einfließen. Momentan lebt er in London, wo ihm das chaotische und zugleich belebende Panorama der Stadt Inspiration bietet:
Genre: Indie Pop | Rock
Eliza Shaddad kommt im Dezember für zwei Konzerte nach Hamburg und Berlin. Nachdem die junge Musikerin mit „In My Body“ und „White Lines“ bereits einen Vorgeschmack auf ihr Debütalbum „Future“ (VÖ 26.10. | Ferryhouse) gegeben hat, wird es Ende des Jahres Zeit für die Bühnen der Republik.
Aber auch bisher war Eliza Shaddads Leben alles außer eben gewöhnlich. Die Tochter sudanesischer und schottischer Eltern spricht vier Sprachen, hat einen Masterabschluss in Psychologie gemacht und im Anschluss ein Studium in Jazzgesang absolviert. Ihre Musik ist eine Komposition ihrer Herkunft mit all den Eindrücken, die sie rastlos verfolgen. So hat sie bereits mit Clean Bandit an deren Top 10-Debüt gewerkelt und gemeinsam mit ihnen Rudimental, SBTRKT und Alt-J auf Tourneen begleitet.
Wenn sie gerade nicht selber musiziert, engagiert sich Eliza Shaddad mit Samantha Lindo im gemeinsamen Künstlerkollektiv Girls Girls Girls, das durch besondere, interdisziplinäre Events unterschiedlichste Künstlerinnen im gesamten Vereinigten Königreich vernetzt und fördert.
Eine wahre Allrounderin also, die wir im Dezember auf den Brettern des Berliner Privatclubs und der Hamburger Nochtwache begrüßen dürfen. Wir sind uns sicher: Mit ihren tiefgründigen Texten und dem darunterliegenden erstaunlich leichtgängigen Sound wird sie auch hierzulande das Publikum in ihren Bann ziehen.
Genre: Alternative, Indie
„Ständig neu klingen? Ich will nach mir klingen!“ – Tim Neuhaus ist mit seinem dritten Album zurück
Nach „The Cabinet“ (2011) und „Now“ (2013) erscheint Tims offiziell drittes Album – diesmal eine vollwertige Soloplatte – noch 2017 bei Grand Hotel van Cleef. Fast jedes Instrument darauf hat Tim selbst eingespielt. Für Tim geht der Entstehungsprozess der neuen Stücke zurück zu seinen Anfangstagen: „Ich habe die Musik so geschrieben, wie ich es mit 16 schon gemacht habe. Nicht zu viel nachdenken, wenig Effekte, Experimente wagen.“
Dabei kamen, mehr als je zuvor, die zwei Seiten von Tim Neuhaus als Musiker zum Vorschein: als Drummer und musikalischer Kollaborateur von großen Pop-Acts wie Clueso oder Glen Hansard hat er auf riesigen Bühnen vor tausenden Menschen gespielt, und verstanden wie man gute, wertvolle Popsongs schreibt. Diese Skills schlagen sich in der ersten Hälfte des neuen Albums nieder. Eingängige, verständliche Stücke, die trotzdem mehrdimensional funktionieren.
Die zweite Seite des Albums gehört dem Frickler in Tim: vertrackte Drumbeats, verspulte Breaks, verschobene Arrangements. Tim lässt seinen Experimenten hier freien Lauf und lässt die Stücke zu dem werden, was sie verlangen.
Genre: Singer-Songwriter
PHELA hat es für ihr zweites Album nach Teneriffa verschlagen. Inmitten von Vulkanbergen, umringt von den rauen Stimmungen des Atlantiks, hat sie einen Ort gefunden, den sie als „prägend“ für ihr Album bezeichnet. Einen Ort fernab der Großstadt Berlin, in der sie lebt und seit 2 Jahren an den Songs zum neuen Album geschrieben hat. „Es war ein Holzhaus in den Bergen, das ganz zufällig meine Wege kreuzte. Das Bauchgefühl hat sofort gestimmt.“ Daraufhin verwirft sie das schon gebuchte Studio in Deutschland und fliegt für zweieinhalb Monate auf die Insel.
„Diese Abschottung habe ich gebraucht. Ich wollte außerdem einen Sound schaffen, der nicht nach einer deutschen Platte klingt.“ Um diesen Sound zu kreieren, lädt PHELA, die in einem 7-Häuser-Dorf auf dem Land groß geworden ist, neben ihrer Band Moritz Brümmer (Cello) und Roman Goly (Klavier) auch Gastmusiker, wie z.B. den Gitarristen Ómar Guðjónsson aus Island, den Drummer Tommy Baldu, Multi-Instrumentalisten Robert Laupert und Thomas Harsem, sowie Sound-Engineer Jochen Etzel ein. „Ich wollte zum ersten Mal meine Platte selbst mit produzieren und dabei nicht festlegen, wer im Raum der Produzent und wer der Tontechniker ist. Es war mir wichtig, eine Gruppe von großartigen Musikern und Menschen einzuladen, die diesen ganz besonderen Sound haben und gemeinsam aus einem ganz natürlichen Vibe heraus etwas erschaffen.“
PHELA spielte in 2017 ihre bisher größte Tour von 36 Konzerten am Stück. Dabei tourte sie nicht nur in Deutschland, sondern auch in Österreich, der Schweiz, Frankreich und den Niederlanden. „Mit meinen deutschsprachigen Songs auch im Ausland zu spielen, war die beste Erfahrung überhaupt. Ich habe gemerkt, dass Menschen, die zwar meine Sprache nicht sprechen, sehr wohl aber die Sprache meiner Musik verstehen und mindestens genauso aufmerksam waren.“ Und so kommt es, dass PHELA, die 2010 ein Jahr in Paris lebte, für das neue Album auch erstmals einen französischen Song schrieb.
Ihr zweites Album spricht eine andere Sprache als das erste. PHELA klingt reifer und der Sound ist organischer geworden. „Ich bin mit der Musik von Joni Mitchell und Bob Dylan groß geworden. Ich schreibe Popsongs, aber ich wollte den Sound der zweiten Platte nicht an deutscher Popmusik, sondern an der, mit der ich groß geworden bin, orientieren.“
PHELAs zweites Album soll im Frühjahr 2018 erscheinen. Tickets für ihre „Wegweiser“-Tour gibt es ab sofort im exklusivern Presale bei TV Noir und ab dem 18.12. an allen bekannten VVK-Stellen.
Genre: Rock'n'Roll | Gothic | Garage | Psych & Post-Punk
In Südafrika geboren ging es noch als Kind aus den Okavango-Sümpfen in die irische Hauptstadt Dublin. Die Stadt
mit ihrer musikalischen und literarischen Kulisse beeindruckte sie nachhaltig, konnte sie aber nicht halten. Candice
schloss sich einem Wanderzirkus an und ging nach London, bevor sie Shane MacGowan traf, die später ihre Debüt-
EP „Before The Sunset Ends“ produzierte.
Ihre Musik existiert multidimensional auf den Ebenen von Rock’n’Roll, Gothic, Garage, Psych und Post-Punk. Ihre
Live-Performance mit ihrer Band ist ehrlich, grob und besessen.
Seit der Veröffentlichung ihrer EP „Before the Sunset Ends und den Garage-Rock Singles Smoking Like the Barrel of
a Gun und Cannibal Love brachte es Candice´Debütalbum Garden of Beasts im September 2017 zu kritischem
Beifall. (Die Fachwelt dazu unten…)
Als Support stehen die Berliner von Steppenkind auf der Bühne. Neukölln Un&Plugged geht mal wieder nach
Kreuzberg und freut sich wie Bolle auf dieses vorweihnachtliche Konzert.
If Elvira, Patti Smith and Nick Cave had a love-child somehow, Candice Gordon would be her shaman priestess. Her
songs are potions taken directly out of Dr Caligari’s cabinet, fixing to heal the wounds of the human animal.
She was born in Southern Africa and after a stint as a feral child of the Okavango swamps, she was sent to be
socialised in Dublin. It almost worked. The city, with its musical and literary backdrop, made a lasting impression on
her, but it could not contain her. She joined a travelling circus and then escaped to London before meeting Shane
MacGowan who later produced her debut EP ‚Before The Sunset Ends.
Her music exists multi-dimensionally on the planes of rock and roll, gothic, garage, psych, and post-punk and her
live performance with her band is raw, crude and possessed.
Since releasing the dark and smouldering EP ‘Before the Sunset Ends‘ (“the greatest song never to feature on the
Twin Peaks soundtrack” – Hotpress) and the garage-rock singles ‘Smoking Like the Barrel of a Gun‘ (“Watch out
We’ve Got a Badass over here” – Nylon), and ‘Cannibal Love‘ (“Agreeably bonkers slice of horror themed garage rock
raucousness” – The Guardian), she brought out her debut album ‘Garden of Beasts’ in September 2017 on Proper
Octopus Records to critical acclaim:
“Dark Brilliance” – DIY
‘Woozy, immersive” – The Independent
“ Candice Gordon is bound for greatness“ – The 405 (8/10)
„Gordon has the bone-chilling ability to genuinely discomfit the listener… An Accomplished and artful debut“ –
Hotpress, (7/10)
“Candice Gordon holds nothing back and ultimately delivers an album filled with flickers of absolute brilliance” –
The Last Mixed Tape (9/10)
Genre: Hip Hop / Rap / Funky Jazz
CPS aus Berlin-Kreuzberg war (und ist) eine der legendärsten HipHop-Livebands der 1990er Jahre.
Die Power des achtköpfigen Lineup aus Schlagzeug, Bass, Gitarren, Keyboard, three Mcs and one DJ machte die Konzerte der Band zu einem Liveerlebnis der Sonderklasse. Der “Crosshill Party Squad” brachte weit über die Grenzen der Republik die Clubs zum kochen und setzte gemeinsam mit Bands wie Sugar Ray, Dog Eat Dog oder den Sex Pistols so manches Dach in Brand.
CPS veröffentlichte ein Album (Firebreaka) und sechs Singles (2Gather, Firebreaka, Jazz / Turn It Up, Phonkey Man, und Beedog Turn The Heat Up). Nach ihrer Auflösung im Jahr 1999 trennten sich die Wege vorerst, einige Bandmitglieder aber waren auch weiterhin in Bands aktiv, u.a. mit Das Department.
Im Januar 2017 formierte sich CPS neu und brennt nun, in leicht veränderter Formation, wieder ihr Funk-HipHop-Feuerwerk auf den Bühnen dieser Stadt ab. Neu mit am Start ist Drummer Maser, den einige noch von den H-Blockx kennen dürften. Unvergessen bereits jetzt last year’s show im Privatclub, bei der nicht nur wohlbekannte Gäste der Golden Era wie Ono von Walking Large dabei waren, sondern aus der neuen Generation auch die unglaubliche Crew von Rapkreation. CPS is back & keeping the the vibe alive. Don’t you miss the Phonkey Men!
Aftershow: DEJOE & Surprise Guests
CPS from Berlin-Kreuzberg was (and is) one of the most legendary hip-hop live bands of the 1990s. Their eight-piece lineup consisting of drums, bass, guitars, keyboard, as well as a DJ and three MCs, made the band’s concerts a live experience of a special kind. The „Crosshill
Phonk Squad“ brought the kettles to a boil and set every house on fire! Their shows alongside bands like Sugar Ray, Dog Eat Dog or the Sex Pistols are unforgotten. CPS released an album (Firebreaka) and six singles (2Gather, Firebreaka, Jazz / Turn It Up, Phonkey Man, and Beedog Turn The Heat Up). After their break up in 1999, some members of CPS were still active in bands and founded, among others, Das Department. In January 2017, CPS got back together, in a slightly different formation, to rock the stages of your City. New member of the crew is drummer Maser, whom some of you will still remember from his time with the Band H-Blockx. CPS is back – so turn it up and get down with the phonkey men!
Aftershow: DEJOE & Surprise Guests
CPS: Inkahood Halfbreed (Bass)
Maser (Drums)
Monkey C (Guitar)
Triple B (Vocals, Human Beatbox)
P-Syko (Vocals)
Bruder (Vocals)
Genre: Singer Songwriter | Pop
Weltumarmende Popmusik aus einem kleinen Ort in Bayern. Es ist alles sofort etwas leichter, alles etwas heller, wenn der 20-jährige Paul Kowol seine Gitarre in die Hand nimmt. Seine Musik ist von einer Zuversicht, die ansteckend ist. Aloha, so kann das Leben sein. Die Sonne geht im Süden auf. Der Sommer ist noch nicht vorbei.
Genre: Rock'n Roll | Rockabilly
Seit 1985 tourt der Fünfer aus Aschaffenburg unermüdlich durch die Welt, spielt Konzert um Konzert und hat sichtlich Spaß dabei – egal, ob man einen Club abfackelt, ein Festival-Line-Up aufmischt oder als Support Act auf der Bühne steht.
Inzwischen wurden knapp 6.000 (!) Shows gespielt und 13 Alben veröffentlicht, ein Ende ist nicht in Sicht. Wurden anfangs sehr gerne moderne Pop-/Rocksongs adaptiert und in ein Rock’n’Roll/Rockabilly Stück verwandelt (legendär der Chartstürmer „If You Believe“, im Original von Sasha), wird heute mehr Wert auf Eigenkompositionen gelegt, was eindrucksvoll auf den letzten Alben nachzuhören ist (und sich in diversen Indie-Charts-Platzierungen manifestiert hat).
Boppin’ B machen, ach was, leben Rock’n’Roll. Nicht puristisch, nicht als Neuerfindung, einfach so wie sie ihn verstehen, mögen und fühlen.
Vier vor und los geht’s, volle Kraft voraus vom ersten Song eines Konzertes an (die Band hält nicht viel vom Aufwärmen), ohne Scheuklappen durch alle Spielarten des Genres. Was Gralshüter des Rock’n’Roll manchmal den Stock im Arsch vibrieren lässt, bringt alle anderen zum tanzen und schwitzen.
Mit Michi Bock, seit März 2018 der neue Mann am Mikro, kommt noch einmal –man kann es kaum glauben- eine extra Portion Spielfreude und Power dazu, die Boppin‘ B noch einmal auf ein höheres Level heben.
Kommen, abrocken, Spaß haben – Boppin‘ B, Rock’n’Roll, Aschaffenburg.
Boppin‘ B sind:
Michi Bock – Gesang
Golo Sturm – Gitarre
Frank Seefeldt – Sax
Didi Beck – Kontrabass
Thomas Weiser – Trommel
Aktuelles Album (CD/Doppel-LP/Download):
„The Bop Won’t Stop“ (Financial Disaster Records)
Vertrieb: Broken Silence
Genre: Pop, Rock
Four on the Floor bringt Rock & Pop Hits der letzten Jahrzehnte – direkt und ungeschminkt – mitten auf die Bühne. Echte, handgemachte Musik von vier erfahrenen Musikern. Der Name ist Programm und wird konsequent mit vier Musikern umgesetzt.
Und das, alles live!
Gute Laune ist garantiert, der perfekte Jahresabschluss.
Ein Abend, von dem ihr auch noch im nächsten Jahr erzählen werdet.
Vocals: Ina Wagler / Barbara Hellmuth
Guitar: Carsten Höpfner
Bass: Jens Färber
Drums: Tom Börner
Genre: Reggae, Ska, Soul
Upbeat, Offbeat, Downbeat – our NYE Böller-ama Soul DJs spin Reggae & Ska and the Reggae DJs play Soul. Opposite day!
Reggae & Ska: VIP Hitman, Peanut Vendor, Marc Forrest
Soul: Judge Celik, Frank Upsetter, BossK
Genre: Alternative, Indie, Rock
Immer, wenn irgendwas richtig gut funktioniert, Abenteuer bestanden und Rätsel gelöst werden, die Chemie stimmt, das Gute gewinnt, dann sind Duos im Spiel gewesen. Wayne & Garth, Bonnie & Clyde, Michael und KITT, Asterix & Obelix, Bud Spencer & Terence Hill, Bibi & Tina, die Liste lässt sich endlos fortfahren – und das wird sie auch:
LÄSSING & GRILLI, zwei Typen in der Blüte ihres Schaffens, unverbraucht und hungrig, geben Stoff und nehmen ihre Bands mit. Alle rein in den Bus und raus auf die Straßen, die kein Geld bedeuten. Clubs werden aufgemischt, E-Gitarren zersägen die Luft, Ohren klingeln.
LÄSSING, ein Trio mit Sound zwischen Power-Pop und Oberbrett. Immer catchie, schmissig, ’n bisschen angepisst, aber total gut drauf.
GRILLMASTER FLASH & THE JUNGS zimmern direkt die große Wall of Sound, fürs Stadion reicht’s noch nicht ganz, Herz und Attitüde sind aber mindestens genauso groß.
Hier kommen zwei Headliner, bei denen es sich gerade jetzt lohnt, Fan zu werden, denn gerade jetzt ist Realness nicht nur mehr ein Wort. Es geht los. Die Cases sind gepackt, die Brote geschmiert, der Busfahrer ist frisch und die Tickets sind günstig! Keiner weiß, was passiert, aber es wird stark. Richtig stark. Und wer die kürzere Kippe zieht, fängt an.
Genre: Pop
NEO steht für Emotionen und Tiefgang. NEO vereint mehrere Stilrichtungen wie Alternative Rock, Electro und Pop.
Genre: Pop
Der Multi-Instrumentalist Youngr hat sich durch seine One-Take Live Performance Videos bemerkbar gemacht und damit großen Eindruck hinterlassen. Er spielt mehrere Instrumente gleichzeitig und hat ein einzigartiges Live Video Konzept dafür kreiert.
Youngr ist der Name für das Projekt des Musikers Dario Darnell. Das ist der gleiche Dario Darnell, der vor einigen Jahren das elektronische pop Duo Picture Book, zusammen mit seinem Bruder Lorne, gegründet hat. Hinzu kommt, dass er August Darnells Sohn ist, welcher kein Geringerer ist, als der berühmte Tropical Pop Gangster Kid Creole von Kid Creole and the Coconuts.
Obwohl das Projekt der Brüder auf Eis gelegt wurde, haben beide seitdem weiter Musik gemacht. Lorne unter dem Namen Lord High Owl und Dario unter dem Namen Youngr.
Die früheren Projekte geben bereits einen guten Vorgeschmack auf die Arbeit von Youngr und ist hörbar auf seinem Debut Release „Out Of My System“. Hier wird sein Feel Good Upbeat Sound deutlich.
Genre: Cumbia, Salsa, Latin Roots und andere tanzbare Rhythmen
Psychedelic Cumbia Party Berlin ist eine Reise zu den Ursprüngen der Cumbia. Ihr taucht ein in ein Paradies, in eine Welt der Schamanen, in der Zeit und Raum ineinander fließen, wo die Natur und das Leben gefeiert werden. Die Cumbia vereint auf unvergleichbare Art die rhythmischen Klänge des Amazonas mit den modernen electronic Beats der Großstadt.
Genre: Singer-Songwriter
Was für eine Erfolgsgeschichte bisher: ELI wird als Straßenmusiker für eine sehr große Werbekampagne entdeckt, in der seine Geschichte ganz authentisch 1:1 erzählt wird. Für ELI ein Glücksfall – und so macht er sich mit eigenem Label als Independent Artist ohne weitere Unterstützung eines Majors auf, die Fans auch über das Netz für sich zu gewinnen.
Der erst 20-jährige gebürtige Kölner, Wahlberliner, Musiker und Autodidakt hält sich mit seiner ersten Veröffentlichung CHANGE YOUR MIND seit 20 Wochen in den Top 100 der Media Control Charts. Der Song wurde bereits über 30 Millionen Mal im Netz gestreamt und hat über 6 Millionen Aufrufe bei YouTube. Die zweite Veröffentlichung „GONE GIRL“ ist vor wenigen Wochen erschienen.
Die eigentliche Liebe von ELI ist und bleibt aber das Live-spielen für seine Fans. Ob auf der Straße, bei Rock am Ring, wo er in diesem Jahr erstmalig als Newcomer dabei sein durfte, oder als Support diverser internationaler Stars wie Jessie J, The Fray oder Jake Bugg. Jetzt spielt ELI seine erste eigene Clubtour und die Vorfreude ist einfach riesig!
Genre: Hip Hop
Ollie is a hip hop artist based out of a small town near Toronto, ON. He first emerged on the hip hop scene after he dropped out of university, and left his football career behind to pursue what he felt was his true purpose – music. Inspired by a variety of genres such as country, rock and hip hop, Ollie has developed a unique sound that is often compared to artists like Logic and Hopsin. Despite some major setbacks and a car accident that nearly took both his and his brothers lives, Ollie has found ways to tell his story through music, where listeners can find comfort by knowing that they are never alone. Deep, meaningful and real music is what Ollie prides himself on, with the phrase „More Than Music“. With every song he makes, he stays true to those three words, never forgetting how or who got him to where he is today.
After experiencing a life threatening car accident with his brother, Ollie (22) started rapping over self-produced bedroom beats as a form of healing. He started sharing the music online and it connected early with music fans around the globe. His music is a mix of hip hop, pop and R&B and the show is backed by live instruments.
Raised in Jackson, WY, Abstract is known for his immense musical versatility and affinity for providing uplifting music for a turbulent world. With a knack for storytelling, he provides introspective motivation to all who take the time to dive into his work. Notably known for his remix of Ruth Bs Lost Boy “Neverland” which has garnered hundreds of millions of plays on YouTube, his work with Drumma Battalion and Roze, and his 2016 album Something to Write Home About. He heads a collective known as “A Team Worldwide” 5 musicians from 4 different countries. Producers Drumma Battalion of Norway, Blulake of Sweden, Cryo Music of Scotland, and Abstract. He recently completed an overseas tour with New York rapper Yonas, a 22 City headlining tour in the USA, and released a brand new concept album called Super Human. The album is a multimedia experience consisting of a short film he produced, directed and wrote, alongside a 19 song album.
Genre: Indie
“You know when a song is good enough to let go,” muses Seamus Fogarty of his patient and meticulous approach to songcraft. Over time and tide it’s given rise to the London-based Irish alt-folk and electronica alchemist’s truly magnificent second album and Domino debut The Curious Hand. A record not born of grand ideas realised at a stroke, but eked out slowly and steadily, honed and cultivated, turned over and around, deconstructed and put back together again. A record made through open-spirited collaboration with friends and family and hours lost in a headphone world. All that and Seamus’s natural inclination to take his songs and “screw them up,” as he puts it. By which he means squirreling them back to his home studio and applying the synthesiser drones and circuit burps, found sounds and spoken-word audio samples that give all of his records such wonderful atmosphere. It’s as if they’re haunted by rogue half-tuned signals from another world.
“Screwing up” his songs, in the best possible sense, is a recurring theme throughout Seamus’s slim but nigh-on flawless catalogue. The first installment was his ghostly debut album God Damn You Mountain, originally released on Fence Records in 2012 and later re-released in expanded form on Lost Map Records in 2014. An auspicious introduction to his unique idiom, it gave acoustic guitar, banjo, fiddle and bouzouki new context among Steve Reich-like lo-fi electronic pulses and gurgles and all sorts of found-sound miscellanea from the breaking of eggs to snippets of random conversations (“an intriguingly uneasy handshake between the ancient and the modern” as I wrote of it at the time). From there, also via Lost Map, followed what now represents a kind of bridge between Seamus’s two longplayers, the haunting Ducks and Drakes EP. A repurposed passage of Ducks and Drakes – from the shape-shifting track A Mile Beneath The Broken Heart of London Town – even carries over to The Curious Hand in the shape of the melancholy Seems Wherever.
The Curious Hand’s 11 tracks are the most thematically and sonically immersive music Seamus has made to date. It’s clear from the first droning strains of opener Short Ballad for a Long Man, a lament for the skeleton of a 250 year old giant Irishman Charles Byrne displayed in The Hunterian Museum in London (“it’s free in and in its own quite strange way, recommended,” comments Seamus). As he’s paraded for gawping audiences’ pleasure from “Canary Wharf to Skibereen, Timbuktu and back again”, he can’t help but sound like someone a travelling giant Irishman singer-songwriter might feel a certain empathy with. It’s clearer still throughout Carlow Town, a folk-blues number recounting with Homerian flourish a night spent sleeping in a church and waking up during mass, rewired with a squelching electronic beat, dirty analogue bassline and various synthesiser wheezes, hisses and slithers, vocal glitches and other sounds from Seamus’s sandbox of strange noises. Or in Van Gogh’s Ear, a plaintively gentle masterpiece splicing together philosophical musings on a niggling ear infection with a tumble of sorrowful ruminations on the tragic loss of a close friend – multi-instrumentalist Vince Sipprell, a player with Hot Chip, New Order, Elbow and his own project Geese among others, whose suicide in 2015 shocked the music community in London and beyond. As a softly motorik bassline and swooping and cascading strings carry the narrator forth on a journey through the landscape of his troubled mind, it’s as if each new line of lyrics – sung in Seamus’s softly rasping west coast Irish burr – is vying to outdo the last.
Like most songs on The Curious Hand, Van Gogh’s Ear started life as a simple set of words and chords, before being built up layer upon layer. It’s one of a number of songs on the album that was recorded in Seamus’s home studio, its graceful wordless vocal hook originated from an improvised violin part by multi-instrumentalist Emma Smith, whose harmonies and playing on bass, violin, viola, cello, clarinet, Hammond organ and Fender Rhodes are a cornerstone of The Curious Hand. Alongside these homemade recordings, many of the songs on the record were laid down live as a trio featuring Aram Zarikian on drums and Emma on bass, over four days last Easter at Big Jelly in Ramsgate, a small church transformed into a studio, where sessions were helmed by co-producer and engineer Leo Abrahams (Wild Beasts / Regina Spektor / Frightened Rabbit et al).
Where the counties of Kerry and Seamus’s native Mayo were very much the setting for God Damn You Mountain – a backdrop so authentically rural Irish that one reviewer amusingly noted “you can almost smell the cowshit off it” – London firmly provides the canvas for The Curious Hand. It’s there in the starkly heartbroken Seems Wherever, written from the perspective of the tube system and the deep well of the city’s troubled soul, and in the stoney-faced rush hour commuters in Van Gogh’s Ear, pouring onto train carriages “bound for Egham or Whimple or West Ham”. “I seem to mention trains and buses a lot on this album,” Seamus notes, “I guess that idea of travel and moving on is a big one”.
But The Curious Hand also reaches back to Seamus’s homeland and past in charmingly simple and direct ways. For instance, one of the men sampled talking in the title track is Seamus’s former Mayo neighbour – recorded for another project 10 years ago, he also featured on the Ducks and Drakes EP (“I went round to his house a few weeks ago when I was back in Ireland and played him the song and he was very impressed”). Or on Tommy the Cat, when a skeletal instrumental becomes a bed for a recording of a shouting competition in the West of Ireland (yes, this is an actual thing). Establishing his own unique slant on the folk singer’s role as collector and custodian of stories, traditions and cultural curio, Seamus lifts sounds wholesale from his environment and tucks them into the folds of his songs like keepsakes, rendering himself at once artist and archivist.
Where previous releases were, says Seamus, “97% me fucking about with the tunes,” The Curious Hand throws its arms wide open to all kinds of external input. The aforementioned Aram Zarikian and Emma Smith were key. A hugely respected player with everyone from James Yorkston to Jon Hopkins, Meilyr Jones and Bonobo, and a bandmate of the late Vince Sipprell in Geese, Smith’s violin playing in particular has to rate as some of the finest and most fluent of her career, and is a standout quality of the whole album. As well as co-producing and engineering sessions at Big Jelly, Leo Abrahams also added electric guitar, piano and vocals, and ultimately mixed most of the record. Former Lost Map label mate Rozi Plain provides the soft backing hums on Carlow Town, while Domino label mate James Yorkston gifted Seamus the set of chords which form the basis of Short Ballad For A Long Man. Seamus’s brother John Fogarty even made a dedicated trip over from Ireland to Ramsgate for a day in the studio, to throw some accordion and backing vocals on a few songs, not least the title track, the woozy instrumental passages of which makes for a reflective reverie at the album’s half-way stage.
For all the talented players who generously lavished their time and inspiration on The Curious Hand, there will always be a vacant space somewhere close to its heart. “He’d have been all over it,” remarks Seamus without hesitation when I ask if Vince would have featured at all on the record were he still with us today. “These are the moments he lived for,” he adds, with a sigh. Instead one of the wonderful lines in Van Gogh’s Ear, perhaps the most memorable of the lot, seems to speak to Vince’s memory and tragedy by proffering gentle reassurance that we don’t all have to be at the top of our game all of the time. “It’s alright to be just alright / and it’s okay to feel just fine,” sings Seamus, “because love will cure most anything / but it don’t work all the time”.
The Curious Hand elevates Seamus Fogarty into a whole new bracket of artists doing fascinatingly skewed and modern and heartfelt things with roots-influenced and electronic music. He’s an evocative and thoughtful lyricist and melodicist and inquisitive sonic explorer for fans of all from Alasdair Roberts, Bill Callahan, James Yorkston and Will Oldham to Jon Hopkins and Kieran Hebden. All the proof needed is in the unabashed romanticism of Heels Over Head, the jazz-tronic ear-candy of St John’s Square, the sighing ambience of The Curious Hand and the noirish skittering rumble of Mexico. Capping it all is the old man of the bunch, Number One, The Curious Hand’s unashamed singalong moment and the record’s longest-gestating track, dating all the way back to 2008. Like a wizened veteran songwriter at the bar waiting until the end to grumble about hearing his one true hit pilfered by a young upstart, it proffers a metaphorical caution to never let a good thing slip through your fingers. “I had a number one years and years ago / but someone stole my song, I heard it on the radio”. Taking its own good advice, The Curious Hand realises every bit of its vast potential and more.
Genre: Pop
Der Schauspieler und Musiker Jonas Nay verkündete das Ende der Band „Northern Lights“. Nun sind er und seine Band zurück – mit neuem Namen, neuen Songs und neuem Look. Unter dem Label PUDELDAME haben sich die vier Musiker aus Lübeck und Hamburg neu aufgestellt. Mit der ersten Single „Der Erbe“ beschreiten sie musikalisch und visuell neue Wege. Der Single-Release war am 23. September 2016.
„Die netten Jungs von nebenan gibt es nicht mehr“, so Sänger und Schauspieler Jonas Nay, der aktuell mit Schauspielkollege Axel Prahl für die Komödie „Kuddelmuddel“ vor der Kamera steht. „Deutsch ist eine tolle Sprache für Songtexte. Das macht richtig Spaß zu komponieren., gerade wenn man nicht darauf achten muss, politisch korrekt zu sein. Und musikalisch legen wir noch einen drauf. Die PUDELDAME ist ausgerissen und zum Straßenköter geworden. Sie ist dreckig und verrucht. Ich hoffe, dass unsere Fans uns folgen und wir neue für unsere Musik begeistern können.“
Die Band – JONAS NAY VOCALS & KEYS / DAVID GRABOWSKI VOCALS & GUITAR / JON ANDER KLEIN DRUMS / FRANZ BLUMENTHAL BASS – bleibt in ihrer ursprünglichen Besetzung bestehen und wird künftig ausschließlich deutschsprachige Songs in ihrem musikalisch ganz individuellen Stil präsentieren. Mit ihrem neuen Style und dem passenden Auftreten geben sich PUDELDAME als die parodistische Antwort auf die versnobten Reichen und Schönen.
Genre: NDH, Industrial, Gothic, Metal
Etwas rührt sich in den Schatten. Etwas will ans Licht. – Schattenmann sind da! Erst Ende 2016 haben sie sich zusammengefunden und schon jetzt visiert das Quartett große Ziele an. Diese junge Band aus Nürnberg hat eine klare Vorstellung von sich selbst und die Fähigkeit ebendiese auch auf Platte und live an den Mann zu bringen. „Neue Deutsche Härte 2.0“, so einfach und präzise definieren Sänger Frank Herzig, Gitarrist Jan Suk, Basser Luke Shook und Drummer Nils Kinzig ihren monumentalen und wuchtigen Sound. Gespeist wird er aus der NDH, aus Industrial und Metal und ohne Scheu auch melodische Hooklines einfließen zu lassen – vor allem aber zeichnen sich Schattenmann durch eines aus: dem brennenden Bedürfnis, alle inneren Dämonen zu exorzieren.
Der Schattenmann steht für die Seite in uns, die wir lieber verborgen halten. Die manchmal aber eben hervorbricht, die sich nach Freiheit sehnt, die ausgelebt werden will. „Wir singen über das, was uns selbst in Atem hält“, so Sänger Frank. „Wir wollen das im Verborgenen liegende zu Tage fördern.“ Stücke wie das explosive „Brennendes Eis“, das hochemotionale „Gekentert“, das ikonische und hymnische „Licht an“ oder das auffällige, provokante „Generation Sex“ zeigen, welches Potenzial in dieser Band steckt, die gerade erst anfängt. „Wir sind bereit, alles für Schattenmann zu geben“, betont Frank Herzig entschlossen. Die vergangenen Monate sind Beweis genug, dass die Band mit großen Schritten vorwärts strebt: Diverse Live-Shows, eine exklusive und bereits ausverkaufte Tour-EP und natürlich das Debütalbum „Licht An“ stärken Schattenmann den Rücken und motivieren auf genau diese Weise weiterzumachen.
Ihr Debüt ist der erste Schritt in eine klangliche Welt, die gleichermaßen lockt wie verstört. „Schattenmann bieten eine ebenso geheimnisvolle wie unerbittliche Reise zwischen Licht und Dunkel“, fasst Frank zusammen, dessen unverkennbare Stimme der Band einen einzigartigen Charakter verleiht. Jahrelang trug Herzig musikalische und lyrische Ideen und Visionen mit sich herum, unwissend, dass sie längst die Saat waren, aus der jetzt Schattenmann emporgewachsen ist. Schäumende Härte wird von epischen Melodien im Zaum gehalten, militant marschierende Beats wechseln mit ruppigem Thrash-Drumming, brettharte Gitarrenwände vermischen sich mit orchestralen Synthies. Das mag ungewohnt klingen, aber Grenzen sind da, um überwunden zu werden. – Und so erschaffen Schattenmann locker eines der spannendsten und originellsten NDH- Debüts der letzten Jahre.
Darüber hinaus stehen die Zeichen gut: Die Neue Deutsche Härte braucht frische Helden! Auf Konzerten mit Stahlmann oder Heldmaschine konnten Schattenmann mit ihrer fulminanten Show viele neue Fans für sich gewinnen. Diese Band hat Bock, diese Band ist hungrig, diese Band wird alles tun, um uns auf die dunkle Seite zu locken. Und der eindrucksvoll mit den Muskeln spielende Erstling „Licht An“ liefert gleich xx gute Gründe, warum wir dieser Versuchung widerstandslos nachgeben sollten.
Genre: Singer-Songwriter / Country
In diesen Tagen, in denen Ausgrenzung und Abschottung zu regieren scheinen, ist ein Künstler wie Christian Kjellvander überlebensnotwendig für unser Seelenheil. Der schwedische Singer-Songwriter ist einer, der das Fremde umarmt und das zutiefst Menschliche auslotet. Bereits der Titel seines neunten Albums „WILD HXMANS“ zeigt: Etwas ist anders, irritierend. Christian Kjellvander macht uns ein X für ein U vor. Das ist gut, denn er macht uns nachdenklich, er sensibilisiert. Wir nutzen ein X, um unsere Stimme abzugeben. Aber auch, um einen Fehler grob unkenntlich zu machen. „Einfach durchstreichen und weg – wenn Leute versuchen, dieses Prinzip auf andere Menschen anzuwenden, haben wir ein Problem“, sagt Christian Kjellvander. Und so erzählt uns der 42-Jährige in sieben rauen wie soghaften Songs zwischen Folk, Blues, Americana und Free Jazz von Abschied und Aufbruch, von Flucht und dem Gefühl, neu in einer Welt zu sein. So erschafft er einen Sound, der ruhig atmet und pulsiert, um sich dann aus dieser Intimität in eine unglaubliche Dynamik hineinzufiebern, in etwas Dunkles, Sattes, Schwüles. Mitunter scheint seine Musik zu entschwinden, um kurz darauf flirrend und transparent zu strahlen.
Christian Kjellvander ist ein emphatischer Vagabund, ein daydreaming Desperado. In „Strangers In Northeim“ lässt er das Neue, Ungezähmte in eine perfekte Kleinstadt einbrechen. „Faux Guernica“ wiederum basiert auf einem Roadtrip mit seinem jüngsten Sohn ins Baskenland. Und „Curtain Maker“ ist inspiriert von einer Begegnung in Verona mit einer Frau aus Syrien: Es geht um die Stille, die unerträglich ist nach einer Trennung, nach dem Tod. Was für eine paradoxe Aufgabe für einen Musiker, dieses ewige Schweigen zu vertonen. Und was für ein Glück, wenn es gelingt. Getragen werden die facettenreiche Lieder von Christian Kjellvanders Wunderstimme, die mal an Leonard Cohen, mal an Neil Young, mal an David Sylvian erinnert und die doch ganz eigen ist. Sein Gesang geht so brüchig in den Schmerz hinein und so hell schimmernd in die Zuversicht,
dass all die im Alltag oft verschütteten Emotionen hochgespült werden. In „The Thing Is“ reist der Hörer zurück ins Texas der 90er Jahre. Der Tod seines Vaters und seines jüngsten Bruders prägen dieses intensive Stück: „We’re all born with a weight / We get lighter for every day / Come on now, spread the love / Until we finally drift away.“ Was für eine ultimativ positive Weise, dem Ende entgegen zu leben. Und auf diesem Weg braucht Christian Kjellvander das Fremde für seine Kunst: „Ich begebe mich häufig in Situationen oder an Orte, über die ich absolut nichts weiß. Dann lerne und schreibe ich.“
***english***
In days like these, dominated by dark clouds of marginalisation and isolationism, an artist like Christian Kjellvander is absolutely critical to our spiritual salvation. The Swedish singer-songwriter embraces the foreign, the unknown and seeks out the most profound sense of humanity. Take the title of his ninth album “WILD HXMANS”: something is different, disconcertingly so. Christian Kjellvander slips us an X for a U. He forces us to think, sets our senses on edge. We cast our vote with an X, but we also use it to blot out a mistake. “Cross it out and forget about it – if this is how people treat each other, then we have a problem”, Christian Kjellvander suggests. Through seven raw, compelling songs between folk, blues, Americana and free jazz, the 42-yearold speaks to us of farewells and departures, of escape and the sensation of arriving in a new world. In doing so, he crafts a sound which breathes peacefully, pulsating as he surges headlong from intimacy into incredibly dynamic, deep, oppressive darkness. At times it seems as if his music disappears, only to resurface with a flash moments later, shimmering transparently. Christian Kjellvander is an emphatic vagabond, a daydreaming desperado. On “Strangers In Northeim” he ushers something new and untamed into a perfect little town. “Faux Guernica” is based on a road trip through the Basque country with his youngest son. And “Curtain Maker” is inspired by an encounter in Verona with a woman from Syria: it articulates the unbearable silence which follows a separation, the stillness which follows death. Could a musician face a more paradoxical challenge than creating sound to express this eternal silence? What a stroke of fortune when he actually succeeds …
These multifaceted songs are carried by Christian Kjellvander‘s wondrous voice, with echoes of Leonard Cohen, Neil Young and David Sylvian, yet distinctively his own. A voice so brittle in the presence of pain shines even brighter in the coruscating conviction that emotions routinely concealed in everyday life will rise up to the surface. “The Thing Is” transports the listener back to 1990s Texas. The deaths of his father and his youngest brother leave their mark on this intense piece: “We’re all born with a weight / We get lighter for every day / Come on now, spread the love / Until we finally drift away.” Ultimately, this represents a positive approach to life as the end draws closer. Christian Kjellvander faces up to the unknown and uses it in his art: “I often find myself in situations or places I haven’t got a clue about. So I learn and then I write.”
Genre: Indie Pop
Viele Jahre macht Simon Lewis Straßenmusik und spielt an Ubahnausgängen, um seinen selbst geschriebenen Songs Gehör zu verschaffen.
Anfang 2017 durchlebt Simon Lewis eine Trennung, und setzt alles auf eine Karte, kündigt seinen Job in einem Callcenter und zieht sich in das alte Haus seiner verstorbenen Großmutter in die Berge nach Kufstein zurück, um die Songs für sein Debutalbum zu schreiben. Dass das die richtige Entscheidung war, zeigt sich kurz darauf, als Ö3 seinen Song „All I Am“ auf Rotation nimmt. Es geht darum, zu sich selbst zu stehen und seine Träume zu leben. Damit trifft er den Nerv von sehr vielen Menschen. „All I Am“ läuft in ganz Europa über 5000 Mal im Radio. Auch mit seinem Trennungslied „Hey Jessy“ landet Simon Lewis in den großen Radiostationen. Er wird sogar als bester Songwriter für den Amadeus Award nominiert, etwas, von dem Simon Lewis sich ein Jahr zuvor nicht mal zu träumen gewagt hatte.
Nun ist das Debutalbum „Pilot“ fertig aufgenommen und erscheint am 21.9.2018. Das Label Karmarama hat ihn mit offenen Armen aufgenommen. Das Album wird großartig aktuell und zeitlos, am besten zu beschreiben als eine Mischung aus „The Calling“, „Lifehouse“ und „James Morrison“, gemischt mit Folkeinflüssen, manchmal kommen auch „Mumford & Sons“ durch. Und dann diese verrauchte Stimme von Simon Lewis, die einen alles vergessen lässt, die einen in seinen Bann zieht und nicht wieder los lässt.. Am 11.12. präsentiert er mit seiner Band sein Debutalbum im WUK. Danach geht es auf Tour durch Österreich und Deutschland.
Genre: Indie-Pop
Popfans aufgewacht – hier kommt MAX FROST! Geradewegs aus Texas, best gelaunt und mit frisch gepresstem Debüt-Album namens GOLD RUSH (VÖ: 05.10.2018). Die vitalen und positiven Tracks des 25jährigen Sängers bieten Freunden gut gelaunter Radio-Grooves den perfekten Start in den Tag. Um mit solcher Musik erfolgreich zu sein, muss man als Songwriter früh aufstehen.
Zunächst spielte sich MAX FROST als Drummer und Gitarrist durch nahezu alle Amateurbands des Staates Texas und wurde von vielen lokalen Stilen beeinflusst. So finden sich Blues-, Jazz- oder Hip-Hop-Anleihen in seinem vielschichtigen Pop-Sound. Dank seiner Umtriebigkeit reifte der talentierte Musiker zu einem bühnenerprobten Multiinstrumentalisten, der auch ohne Band im Stande ist, abendfüllende Konzerte zu geben. Das kommt an: Bald tourte MAX FROST mit Größen wie Gary Clark Jr. oder Fitz and The Tantrums – und gewann deren Frontman, Michael Fitz, für sich.
Das Mastermind hinter Hits wie „Moneygrabber“ oder „Handclap“ produzierte MAX FROSTs Debüt und wurde zu seinem „Songwriting Fitness Coach“. So gelang es, die ansteckende Energie des Sängers in einem Electro-Soul-Album mit Guter Laune- und Mitsing-Garantie zu bündeln.
Erfrischend, dachten sich PEPSIs Marketing-Strategen und pickten den ausgekoppelten Weckruf „Good Morning“ zum Einführungssong ihres neuen Sparkling-Drinks. Den gibt’s noch nicht in Deutschland, aber MAX FROST kommt: Ausgeschlafen, sprudelnd und bereit, auch auf unseren Bühnen durchzustarten.
Genre: Hip Hop, Rap
Multiinstrumentalist, Produzent, Sänger. Der im Jahr 1997 geborene Nugat ist all das und noch viel mehr: ein eigenständiger Künstler mit einer Vision, viel Talent und noch mehr Ehrgeiz. Seine Musik: Ein Spiegel seines zerrissenen Innenlebens, musikalisch wie inhaltlich.
Kein Künstler mag die Betitelung als Wunderkind. Wer ist schon gern ein »Wunder«? Bedeutet das nicht auch gleichzeitig man sei früh vollendet, also bereits so gut, dass man nichts mehr zu verändern braucht, beziehungsweise soll? Nugat ist genau das passiert, vor gut vier Jahren, als er noch in seinem Jugendzimmer in einer Kleinstadt lebte und wegen seiner ersten veröffentlichten Songs von der Musikpresse (JUICE, Noisey u.v.m.) mit Vorschusslorbeeren überschüttet wurde. Der Grund: seine EP »Beats x Beer x Green«; eine Samplelastige Arbeit im Sinne deutschsprachiger BeatKoriphäen wie Dexter oder Brenk.
Aus dem schmalen Korridor, den Nugat am Anfang seiner musikalischen Laufbahn bespielte, ist mittlerweile gewissermaßen ein großzügig geschnittenes Apartment geworden, in dem eine Mischung aus kontemporären Rap & R’n’B musikalisch wie lyrisch den offensichtlichsten Platz einnimmt, allerdings neben vielfältigen Pop& RockEinflüssen. Die Wichtigste Veränderung: Seine Musik ist mittlerweile deutlich Vocallastiger. Die Gesangsstimme? Nugat selbst. »Der Gesang war tatsächlich immer meine große Leidenschaft, schon als Jugendlicher«.
Das Schlüsselerlebnis, das in Nugat das Bedürfnis auslöste, Lyrics zu schreiben und selbst einzusingen war ein Düsteres: 2016 wurde er wegen Depressionen und einer Persönlichkeitsstörung ins Krankenhaus eingeliefert. Noch während Nugat darum kämpfte eine eigentlich unkontrollierbare Krankheit unter Kontrolle zu bringen, entstand auf Station 8 mittels Laptop, Mic & MidiKeyboard die EP »Ward 8«, auf der er Einsamkeit, Persönlichkeitsstörungen, irrationale Ausraster und Identitätskrisen lyrisch und musikalisch verarbeitete. Seine Stimme hatte Nugat auf Englisch gefunden, weil die Fremdsprache es ihm ermöglichte tonnenschwere, persönliche Themen auf eine wie er findet gelassenere, weichere Art und Weise auszudrücken.
»Wer bin ich?« Das ist seitdem die zentrale Frage, die Nugat versucht mit seiner Musik zu beantworten. Und obwohl diese Musik oft von Realitätsverlust und Angstzuständen erzählt, vergisst sie aufgrund ihrer Schönheit und Energie zu keiner Zeit: da ist Hoffnung. Und das ist es vermutlich letztlich, was den NugatSound so greifbar, identifikationsstiftend und fühlbar für seine Hörererinnen und Hörer macht: Er entsteht aus der Dunkelheit heraus, in der nur ein Funken Licht glimmt, nimmt diesen und macht aus ihm ein Feuerwerk.
Und nun: Wir spulen vor. Es ist der Rekordsommer 2018, Nugat hat ihn beinahe komplett im Studio verbracht und ein paar Dutzend Songs recordet, die er nun – nach und nach – der Öffentlichkeit präsentiert. Den Anfang macht er mit dem Track für Track veröffentlichten »Intelligence«Projekt, dessen komplette Bandbreite seine Hörer erst dann verstehen werden, wenn im November 2018 der letzte Baustein auf das Fundament gesetzt wurde. Es ist – nach dem Mixtape »Antisocial« – der zweite Teil einer Trilogie, die Anfang 2019 mit der »The Intelligence of an Anti Social«EP vollendet sein wird.
Genre: Singer-Songwriter
Als einzige Sängerin aus Malaysia, die es weltweit zu Starruhm gebracht hat, ist es YUNA gewöhnt, Erwartungen zu übertreffen. Die junge Sängerin und Songschreiberin wird zwar oft mit Norah Jones, Feist, Ellie Goulding und Adele verglichen, hat mit ihrer Musik aber längst eine eigene Spur gefunden. Das zeigte sich schon 2012, als sie ihr erstes internationales Album “YUNA” herausbrachte, das den von Pharrell Williams produzierten Hit “Live Your Life” enthielt. Mit dem zweiten Album “Nocturnal” folgte der nächste Hit “Falling”, den sie gemeinsam mit dem Produzenten Robin Hannibal (Rhye, Kendrick Lamar, Cee Lo Green, Chairlift) schrieb. Mit ihrem jüngsten Album “Chapters” ließ sie ihre Einflüsse Folk, Jazz und Pop hinter sich und prägte einen eigenen Stil. Hip-Hop und R’n’B der 90er vereinen sich auf dem Album ebenso wie DJ Premier, Usher oder die Neo-Soul-Sängerin Jhené Aiko. Produziert wurde vom Grammy nominierten Duo Fisticuffs und einer Legende der Zunft, David Foster (Whitney Houston, Michael Jackson, Madonna, Beyoncé). Die Zusammenarbeit mit diesem Kreativ-Team zählt zu den Erfolgen ihres langen Weges, der sie von Malaysia in die USA und dort in die Top-Liga der Studio-Szene führte.
YUNA begann ihre Karriere als Sängerin mit 14 Jahren auf den Bühnen der Jazzcafés und Kaffeehäusern von Kuala Lumpur. Sie war noch ein Teenager, als sie mithilfe von sozialen Medien zu einem nationalen Superstar aufstieg. Übergesiedelt nach L.A. erregte sie mit ihren Alben und einer Coverversion des Beatles-Songs “Here Comes The Sun” u.a. Oliver Stones Aufmerksamkeit, der den Song in seinem Film “Savages” einsetzte. Während sich ihre Musik über H&M-Werbekampagnen verbreitet, bereitet YUNA emsig ein neues Album vor. Die Arbeiten daran verzögern ihre für diesen Herbst angesetzte Release-Tour. Der für November geplante Termin in Berlin verschiebt sich daher auf den 1. April 2019. Die Tickets für die ursprünglich auf den 20.11.2018 terminierte Show im Berliner LIDO behalten keine Gültigkeit und müssen zurückgegeben werden. Tickets für die in den Privatclub verschobene Show im April gibt es an unten genannten VVK-Stellen.
Nachholtermin vom 26.09.2018. Bereits erworbene Tickets behalten ihre Gültigkeit.
Genre: Singer-Songwriter
Der 26-jährige Sänger, Pianist und Komponist Billy Lockett blickt bereits auf einen weit verzweigten künstlerischen Weg: Seit 2013 veröffentlicht er seine Songs online und hat seither zwei radikale stilistische Wendungen vorgenommen, die sich auch in jeweiligen Umzügen ausdrückten. Nach einigen Jahren in London ist er 2015 in seine Heimat Northampton zurückgekehrt und hat seine Musik noch einmal komplett neu gedacht – wie sich nun auch auf seiner ersten offiziell über Warner veröffentlichten EP „Burn It Down“ zeigt, die direkt auf Platz 8 der britischen iTunes-Album-Charts schoss und bislang über 6 Millionen Mal gestreamt wurde. Mit „Empty House“ erschien im Frühjahr die erste Single seines kommenden, derzeit noch unbetitelten Debütalbums, das in diesem Jahr erscheinen soll. Am 26. September kommt Billy Lockett für ein exklusives Konzert nach Berlin.
Billy Lockett war Anfang 20, als er begann, in seinem Schlafzimmer-Studio erste Songs zu produzieren, die er anschließend online stellte. Erst trug sich die Kunde seiner gefühlvollen Musik, die ebenso an Bon Iver erinnert wie an die versponnenen Arrangements von Radiohead, durch die Region Northamptons – und von dort weiter nach London. Nach diesen ersten Songs entschied er deshalb, nach London zu ziehen, um dort sein Glück als Profimusiker zu suchen.
Es entstanden weitere Songs, oft getragen von seinem gefühlvollen Pianospiel und seiner markanten Stimme, meist allerdings im Anschluss angereichert durch zahlreiche Schichten an zusätzlichen Instrumenten und Klangschnipseln. Ein tragischer Einschnitt in sein Leben veränderte alles: Als 2014 sein Vater, der renommierte Maler und bildende Künstler John Luce Lockett, verstarb, stellte der Sohn seine eigene Kunst auf den Prüfstein. „Ich fragte mich, warum ich diese Songs, die ich geschrieben hatte, so gestaltete, wie ich es bis dahin getan hatte“, erzählt er. „Und fand die Antwort darin, dass ich damit letztlich nur eines wollte: berühmt werden. Als mir das klar wurde, habe ich London sofort wieder verlassen und bin zurück in meine Heimat gezogen.“
Zwei Jahre ging Billy Lockett in eine Art innere Klausur und überprüfte seine Kunst auf ihre Aufrichtigkeit. Jeder Ton, der nicht seiner tiefsten Empfindung entsprach, wurde gelöscht, zum Vorschein kam ausschließlich die reinste Authentizität – die sich, wie seine neuen Songs beweisen, nun in einer beachtlichen Reduktion auf das Wesentliche äußert. „Meine Musik ist nichts für Partys, sie ist gedacht für intime Momente der Innenbetrachtung, etwa bei langen nächtlichen Autofahrten.“
Mit diesem neuesinger sonn, reduzierten Sound wuchs die Beachtung für ihn immens. Die erste EP in diesem neuen Klang, seine offizielle Debüt-EP „Burn It Down“, geriet entsprechend zu einem vielbeachteten Stück Musik auf allen Musikdiensten und wurde viele Millionen Mal gestreamt. Bei Support-Shows für Lana del Rey, Birdy, Leon Bridges und andere Künstler bewies der junge Komponist, dass sich seine Songs in der Live-Situation wieder ganz anders darstellen. „Ich mag den Gedanken sehr, dass ein Künstler live ganz anders klingt als im Studio“, sagt er. „Erst dadurch wird ein Song für mich zu einem echten Kunstwerk.“ Live sind Billy Locketts Songs Ende September dann auch in Deutschland zu erleben.
Genre: Deutschpop
MORITZ GARTH ist einer der erfolgreichsten deutschen Social Media Stars mit über 480.000 Abonnenten auf Youtube und 358.000 Followern auf Instagram. Als „einer der ganz großen Durchstarter der YouTube-Musikszene“ (WAZ), hat er nicht zuletzt mit seiner Single „Bumerang“ eindrucksvoll bewiesen, dass er auch über die Plattform hinaus mit seiner Musik begeistert – und wurde dafür bereits in 2018 mit dem ABOUT YOU Award und der Goldenen Kamera digital ausgezeichnet.
Mit fünf Singles auf dem Markt ist MORITZ Teil der neuen Generation deutscher Singer-Songwriter und kann mit erfolgreichen Künstlern wie Wincent Weiss und Max Giesinger allemal mithalten. Seine elektrisierenden und emotional aufgeladenen Popsongs schreibt der 23-Jährige selbst und in Zusammenarbeit mit anderen Songwritern wie Philipp Klemz (Glasperlenspiel, „Geiles Leben“), Mathias Ramson (Ben Zucker) oder auch Lukas Loules. Während seiner 1Live „Wahnsinns-Tour“ oder auf seinen Shows im Rahmen der Glow Convention, der VideoDays oder der Stylorama, konnte er bereits sein Talent auf der Bühne beweisen. Ab Oktober 2018 wird er Singer-Songwriterin LEA als Special Guest unterstützen und sich auf seine eigene große Headliner-Tour im April 2019 vorbereiten.
Genre: Indie folk, Singer- Songwriter
Durch die Netflix Serie „13 Reasons Why“ (deutsche Fassung: „Tote Mädchen lügen nicht“) wird die Stimme dieses Mannes in Millionen Wohnzimmer auf der ganzen Welt gebracht. Und er bekommt nicht nur wundervolle Bestätigung durch tausende „Shazams“ am Tag, sondern auch herzliches und enthusiastisches Feedback von vielen, neuen Fans weltweit.
Stellt Euch vor, Glen Hansard wäre der Tallest Man On Earth, im beschaulichen Örebrö in Schweden als „Bad Guy“ aufgewachsen und durch unzählige DIY-Konzertreisen auf fast allen Kontinenten dieser Welt, zu einem der fantastischsten & weltmännischsten Menschen dieser Erde geworden. Mehr als 15 Millionen Streams auf seiner Debüt-EP „The Only Boy Awake“ und über 500.000 monatliche Hörer. So viele Individuen begeistern sich schon für Meadows, erobert durch seine wohltuend tiefe Stimme und sein außergewöhnliches Akustik-Gitarrenspiel. Deutschland ist für den Schweden zu einer Art zweitem Zuhause geworden. Nicht zuletzt durch die freundschaftliche Beziehung zu seinem Hamburger Label „What we call Records“ und zahlreiche Konzerte in der Indie-Club-Landschaft.
Dieser Mann ist genau das Juwel, von dem immer alle so gerne reden. Intim, mitreißend, authentisch und tiefgehend kehrt Meadows sein Inneres nach Außen und erzählt die Geschichten seines Lebens. Mal düster, mal hoffnungsvoll, aber immer voller lebendiger Emotionen.
Genre: 80s' | Dark Wave | Cold Wave | New Wave | Post Punk | Minimal | Synth | Electro | EBM
Am Kar-Freitag. wird es schaurig-schön im Privatclub: Vom Nebel verhüllt tanzen wir durch die Nacht zu Post Punk, Dark Wave, Goth und Synth-Klängen. Wir tauchen ein in die düster, morbide Atmosphäre zwischen schwarzen Rosen und Patchouli-Duft. Aus den Boxen dröhnen Xmal Deutschland// The Cure// Martin Dupont// Sisters of Mercy// Lebanon Hanover// She past away// The Danse Society// Message// Linea Aspera//Anne Clark und vieles mehr.
Unter die Haut legen sich Dj Raben Schwarz (und seine Freunde der Nacht) dir mit auf ewiglich….
Genre: Indie
Seit einigen Wochen wurde bereits wild spekuliert, dass die Lush-Frontfrau Miki Berenyi nach dem Ende ihrer grandiosen 90s-Indie-Band eine neue Formation zusammenstellt. Nun gibt es Gewissheit: Das frisch gegründete Quartett hört auf den Namen Piroshka und besteht neben Berenyi aus Gitarrist KJ McKillop (ehemals Moose), Bassist Michael Conroy (Modern English) sowie dem ehemaligen Elastica-Schlagzeuger Justin Welsh. Erst Ende September wurde dieses Line-up öffentlich bekanntgegeben, zu hören gibt es von der Band bislang noch nichts. Ihr erstes Konzert überhaupt werden Piroshka Ende November in London spielen, Anfang kommenden Jahres soll die erste Veröffentlichung folgen. Am 27. April 2019 kommen Piroshka dann für ein Konzert nach Deutschland, sie gastieren in Berlin.
Über die fantastischen Lush muss man wohl nicht viele Worte verlieren. 1988 gegründet, galten sie schnell als Vorreiter des so genannten Shoegaze, einer introvertierten Variante des Indie-Rock. Im Verlauf der zehn gemeinsamen Jahre veränderte sich der Sound allerdings in Richtung Britpop, wurde zugänglicher und freundlicher. Zwischen 1989 und 1996 erschienen elf LPs und EPs von Lush, häufig unter der kompositorischen Federführung von Miki Berenyi, bevor sich die Band 1998 auflöste. 2016 erschien sie noch einmal kurz auf der Bildfläche, brachte eine neue EP heraus und spielte ein paar Konzerte. Hier mit von der Partie: Justin Welsh, von 1992 bis 2001 Schlagzeuger der britischen Alternative-Rocker Elastica, mit denen er zwei Longplayer und zwei EPs einspielte. Nach diesem kurzen Intermezzo mit den reformierten Lush schrieb Berenyi über Welsh: „Er ist dermaßen gut, dass ich ihn ab dem Moment nicht mehr aus den Augen verloren habe.“ Es schien also klar, dass Welsh bei der Piroshka-Bandneugründung dabei sein würde.
Die anderen beiden Mitglieder von Piroshka haben eine ebenso lange Geschichte in der Indie-Musik Großbritanniens, obschon zumeist nur den Eingeweihten wirklich bekannt. Die ebenfalls dem Shoegaze zuzurechnenden Moose, deren Kopf KJ McKillop war, blieben ungerechterweise über ihre gesamte Existenz zwischen 1990 und 2000 stets ein Geheimtipp. Und dies trotz vier hervorragender Alben, die in der Szene andächtig gefeiert wurden. Als erfolgreicher erwies sich die Post-Punk- und New-Wave-Band Modern English, die mit Unterbrechungen seit 1979 besteht und in den 80er Jahren sogar mehrere Alben in den Top 5 der UK-Indie-Charts sowie sieben erfolgreiche Singles vorweisen konnte. Bassist Michael Conroy gehört der Band, die offiziell die einzige derzeit nicht aufgelöste Vorgänger-Band der Piroshka-Mitglieder ist, seit 1979 an.
Angesichts der Herkunft und jahrzehntelangen Expertise der Mitglieder wird es hochspannend sein zu hören, mit welcher Art von Musik uns Piroshka überraschen werden. Nur eines ist dabei absolut klar: der Sound dürfte zutiefst verwurzelt sein im klassischen Indie-Rock.
Genre: Pop
Die vier Jungs aus dem hohen Norden sind der Geheimtipp schlechthin. In Schleswig-Holstein so gut wie alle ihrer Konzerte ausverkauft, 1000 Fans am Abend die Regel, Monate vor der Show das Hamburger Knust ausverkauft, Schleswig-Holstein beim Bundesvision Songcontest vertreten und mit den großen Namen des Popbusiness’ auf Du – all das hat sich ausbezahlt, denn sie sammeln fleißig ihre Fans ein, waren auf Tour mit Bands wie Silbermond, Johannes Oerding, Philipp Dittbrenner und Mark Forster.
Mit ihrem deutschen Pop, der die Tiefe nicht scheut und den Frohsinn sucht, laden Jeden Tag Silvester auf ihren Konzerten zum Träumen, Nachdenken und Mitsingen ein. Zwischen Clueso, Revolverheld und internationalen Acts wie Coldplay und den Killers schaffen sie sich mit unfassbaren Melodien ihre Nische. JTS konstruieren ihre Musik nicht. Müssen sie auch nicht, denn die Antwort ist so einfach wie klar: handgemachte, melodische, introvertierte Feuerwerke, die durch ihre melodischlyrischen Ummantelungen, echte Instrumente, warmen Sound und einer tollen Stimme direkt ins Herz gehen und jede Sekunde authentisch und glasklar sind.
Jeden Tag Silvester führen einmal mehr vor Augen, dass die deutsche Sprache im Klangtext melodischer Vertonungen mitreißen und berühren kann und wirklich bewegt. Ihr Werdegang ist beeindruckend und es ist schön zu sehen, wie die Band vom Norden her die Republik nach und nach aufrollt und bei jedem ihrer Konzerte beweisen, dass Norddeutschland viel mehr zu bieten hat als Fischbrötchen und Friesennerze. JTS die mitreißende Kombination aus musikalischem Anspruch und Authentizität. Perfekt und echt. Und eines ist sicher. Es wird in ihrer unaufhaltsamen Karriere noch viele Feuerwerke geben, denn Jeden Tag ist Silvester!
