Genre: Jazz

With a 21st century freshness, past any concept of vogue, or any linear genre lines, Norwegian band ROHEY deliver powerful and energetic nu-soul music that bristles with authenticity, that grooves with the best funk, that has deep soul roots while keeping an eye on the broad expanse of a very promising future. Lead vocalist Rohey Taalah brings all the emotional complexity you would expect of a classic jazz or soul singer being compared to giants as Erykah Badu, Amy Winehouse and Nai Palm (Hiatus Kaiyote).

With the release of “A Million Things” on Jazzland Recordings in early 2017, their path can be expected to take them ever further: music this good can’t be kept secret for long. “A Million Things” is a sincere conviction and joyful an artful expression without making things unnecessarily difficult for the audience. This has been borne out by the their nomination for ‘Best Single’ at the Scandinavian Soul Awards in 2015. The album also gained unanimous praise from radio legends Gilles Peterson and Jamie Cullum of BBC Radio.

Genre: Metal / Hard Rock

Belgium’s finest dark groove rockers Diablo Blvd have announced to have entered the studio to record the follow-up to 2015’s Follow The Deadlights. Diablo Blvd (est. 2005) have released two album on PIAS which made big waves in Belgium. Their third album Follow The Deadlights was released in May 2014 by Sony Music in the Benelux to huge critical acclaim with a top 3 charting. It got a full international release in January 2015, making Diablo Blvd the first Belgian band ever to get signed to Nuclear Blast. Diablo Blvd embarked on an 18 month lasting European promotion tour that landed them support act duties for Machine Head, Epica, Ace Frehley, Queensrÿche and Life Of Agony, for which they also did the USA support, including a number of festivals like With Full Force, Metal Days, Pukkelpop and Summer Breeze. They also organize their own metal festival Diablofest in Belgium where they give upcoming bands a platform to bigger audiences.

Genre: Indie Pop / Soul

Berlin’s finest Indie Pop label Firestation Records celebrates its first 20 years in business with a smashing birthday party! We have invited two of our alltime favourite bands to join us on the night of October, 21st 2017 at Privatclub in Berlin.

All the way from Manchester we welcome the legendary Railway Children with their first show in Germany for 30 years. Well-known for their mix of sophisticated guitar pop and neo-acoustic sounds, they started their career on the famous Factory label (New Order, Happy Mondays), and became internationally successful when they moved to Virgin Records.

The Railway Children will share the stage with a slightly younger band from London, New Street Adventure. They have just released their second LP on Acid Jazz, and are about to make their breakthrough while you’re reading this. They will thrill you with their heavily soul-influenced powerful pop music!

On the decks you’ll be treated with the best from Indie Pop to Northern Soul by a one-time reunion of Berlin’s much-beloved DJ collective Ship Shape Club.

Be seeing you in Berlin! Stay tuned.

Genre: Pop

Pegasus ist eine der erfolgreichsten Popbands der Schweiz. Ihre Alben und Singles wurden mit Gold, Platin und Doppelplatin und insgesamt drei Swiss Music Awards ausgezeichnet. Mit dem neuen Album «Beautiful Life» geht’s im Herbst 2017 auf Clubtour – und das sollte man auf keinen Fall verpassen! Denn Live auf der Bühne sind Pegasus eine Macht. Sie spielten in den letzten Jahren an vielen grossen Festivals, ihre Tourneen waren ausverkauft und als Supporting-Act performten sie vor Stars wie Coldplay und Hurts.

Genre: Indie Rock

Within the songs of Laetitia Tamko there are infinite worlds: emotional spaces that grow wider with time, songs within songs that reveal themselves on each listen. Tamko is a multi-instrumentalist and a producer, recording since 2014 as Vagabon. On her forthcoming debut, Infinite Worlds, she hones her singular voice and vision with an unprecedented clarity.

“I feel so small / my feet can barely touch the floor / on the bus where everybody is tall,” she sings softly and with caution, as she begin the album with “The Embers.” Driving punk drums pry her song open, exploding it into an anthem that pushes back at entitled people who make others feel tiny. “I’m just a small fish / and you’re a shark that hates everything,” she sings, repeating that line and over and over with strength and power. “I’ve been hiding in the smallest space / I am dying to go / this is not my home,” Tamko starts carefully on “Fear & Force,” before her finger-picked guitar playing gives way to slow-building synth claps and ethereal harmonies. “Mal á L’aise” is one of the album’s focal points, a five-minute meditation of ambient dream pop, featuring Tamko’s usage of samples; some are samples from a Steve Sobs song on which Tamko was featured, enticing the one writing collaboration of the album. “Mal á L’aise” means “discomfort” in French, Tamko’s first language, and throughout the song she works through different meanings of that word: social, cultural, physical.

Infinite Worlds builds upon Tamko’s stripped-down demos that have been circulating online and throughout the independent music community for the past two years. Her Persian Garden cassette, released in 2014 via Miscreant Records, was a lo-fi collection where she embraced a first-thought best-thought approach, making songs that began with just her voice and guitar. But here, Tamko is a main performer of synths, keyboard, guitars, and drums, at times enlisting the work of session studio musicians. This had Tamko channeling the thoughtfulness of her lyricism into her arrangement and production as well. The result is a wide-ranging eight-song collection that’s pleasantly unclassifiable: hypnotic electronic collages, acoustic ballads, and bursts of bright punk sit side-by-side cohesively, all tied together by Tamko’s soaring voice.

“I write a lot about places, archiving my memories in spaces that I used to be in, spaces I am currently in, or spaces I will eventually be in” she says. “Archiving different moments that I’ve been thinking about, have gone through. It’s not always autobiographical though. It could be about different situations I’ve seen people I love in. Or people I don’t know in. I think that comes a lot from being in different environments. Like growing up in Cameroon. There, we are happy with very little. Then moving here and seeing how the culture differs from where I’m from.”

Tamko’s songs are embedded with her own story and personal history: growing up in Cameroon, her family’s move to New York and adjusting to culture shock. Her family left Cameroon just in time for her to begin high school in the states. She grew up around music and loved it, but finishing engineering school was a priority before music could start to feel like a real possibility. “When I was in Cameroon, my mom would have these ‘reunions’ which was just her friends coming over on Sundays,” she says. “There was a lot of music around me. Traditional West-African songs sung as group chants, hand drums and percussive instruments being played, etc.” To date, Tamko mostly listens to East and West African music nostalgic of her childhood, styles of music that influence her own in subtle ways.

Infinite Worlds was recorded at Salvation Recording Co. in New Paltz, NY with engineer and co-producer Chris Daly. Tamko and Daly worked closely and tirelessly in his upstate NY studio through the winter into the spring of 2016. The album’s title references a book of poetry by Dana Ward called The Crisis of Infinite Worlds, a book Tamko found particularly inspiring during her recording process, but also very challenging to read: “I had to think critically while reading Dana Ward, it was exciting to be challenged in that way. While I was writing the album, it was a lot of me thinking critically about how to actualize my ideas, and the challenge of reaching proficiency in new instruments. It sort of mirrored my experience reading Dana Ward’s book. I found myself combing his writing over and over and over until I grabbed something from it.”

And as she sat with her songs, she found more and more. “A lot of it is about finding a space for myself, whether it is physical, emotional, social” Tamko says. “It’s about finding that place where I feel most comfortable. And also finding that the confidence within myself can continue to grow. And finding what it takes for me to feel whole through making music.”

Genre: Singer-Songwriter / Pop

Der Deutsch-Amerikaner Michael Lane hat bereits viel erlebt: angefangen als Soldat im Irak und in Afghanistan hat er sich zu einem der aufstrebendsten Songwriter der Republik entwickelt. Nach zwei Album-Veröffentlichungen erscheint nun sein dritter Langspieler “Linger On”, das nahtlos die Brücke zwischen der wundervollen Utopie vom Menschen ohne Ängste und der harten Realität in der wir leben, baut. Mit einer großen Portion Hingabe stimuliert uns der Künstler zu einer Reise in unser Inneres, die ihn und uns auch in den Privatclub führt.

Genre: Indie Pop

Man hätte es Adrianne Lenker und ihren Herren von Big Thief als Arroganz auslegen können, dass sie ihr Debüt 2016 „Masterpiece“ nannten. Aber Lenkers Stimme und die gefühlstiefen Songs der Band aus Brooklyn waren schlichtweg so überzeugend, dass „Meisterwerk“ eben doch passte. Ihr zweites Album „Capacity“ hält das Niveau und lässt sogar noch tiefer blicken. Oder, wie Adrianne Lenker es treffender sagt: „Dieses Album hat noch düstere Düsternis und noch helleres Licht“.

Die Vorab-Singles „Mary“ und „Shark Smile“ bestätigen das, jede auf ihre Weise. „Mary“ ist eine minimalistische Folkballade, die fast nur auf Lenkers Stimme und ein leises Klavier setzt, während „Shark Smile“ als ein lässig abgehangenes Stück Rock daherkommt. Das Album erscheint in Deutschland am 16. Juni, die Welttournee dazu führt Big Thief dann im Oktober zu uns.

Foto: © Chris Baker

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Katie von Schleicher

Genre: Folk, Blues, Soul

Als Singer- und Songwriterin stattet Gaby Moreno ihre englisch- und spanischsprachigen Songs mit einem liebenswerten Charme aus: Elegante Harmonien, unerwartete Klangfarben und eine schlichte Instrumentierung vereinen sich auf wunderbare Weise und sorgen auf ihren Konzerten für große Begeisterung.

2006 gewann sie den John Lennon Songwriting Contest und veröffentlichte schließlich zwei Jahre später ihr Debütalbum „Still the Unknown“. Es begeisterte auf Anhieb Kritiker und Fans. So schrieb der STERN: „Ihre Lieder trägt sie, an Norah Jones und Tori Amos erinnernd, so gelassen vor, als wüsste sie ganz genau: Sie wird keine Unbekannte bleiben.“

Es folgten Tourneen mit Tracy Chapman und Ani DiFranco. 2010 kürte das „Latina Magazine“ sie zum „Best New Latin Artist 2010“. Im selben Jahr erhielt die talentierte Künstlerin gemeinsam mit Vincent Jones eine Emmy-Nominierung für die Komposition der Titelmelodie der NBC-Fernsehserie „Parks and Recreation“. Außerdem wurde ihre Komposition „Greenhorne Man“ in Fernsehshows wie „Lincoln Heights“, „Ghost Whisperer“ und MTVs „The Hills“ eingesetzt.

Ein weiterer Höhepunkt ihrer Karriere war das 50-jährige Jubiläum von Amnesty International, wo sie mit Stars wie Kris Kristofferson und Johnny Lang in Jay Lenos „The Tonight Show“ sang. Einige Wochen später folgte ein Auftritt im Rahmen des Konzertes „Electric Burma“ – zu Ehren der Nobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi – gemeinsam mit Bono, Damien Rice, Bob Geldof, Angelique Kidjo u.a.

2011 sang Gaby Moreno das von Charlie Chaplin komponierte Lied „Smile“ im Dokumentarfilm The Cove (Die Bucht), der in der Kategorie „Bester Dokumentarfilm“ mit einem Oscar ausgezeichnet wurde. Es folgten zwei weiteren Grammy Nominierungen für die Kategorien „Song des Jahres“ und „Aufnahme des Jahres“ für das Duett „Fuiste Tu“ mit dem ebenfalls aus Guatemala stammenden Latin-Superstar Ricardo Arjona (2012).

Mit ihm trat sie anschließend bei zahlreichen Konzerten von dessen „Metamorfosis World Tour“ auf. Mit diesem Duett gelang Gaby Moreno 2012 der endgültige Durchbruch!

Das „best kept secret“ der Jazz- und Bluesszene kommt nach Berlin und Hamburg

Genre: Jazz / Blues / Pop

Franko-Italiener Charles Pasi stellt neue CD „Bricks“ live vor

„Sperrt mich ja nicht in einen Käfig. Ich bin kein Soul- oder Blues-Man. Kein reiner Jazzer, auch kein Rocker.“ (‚Rolling Stone’). Charles Pasi ist ein Großmeister im Spiel mit verschiedenen Klangfarben und im Negieren von Genregrenzen. Ende Oktober kommt der mit einem Blue-Note-Plattenvertrag geadelte Franko-Italiener zur Vorstellung seines neuen Albums „Bricks“ (VÖ: 29.9., Label: Universal Music) nach Berlin und Hamburg. Wenn es ums Grundsätzliche geht, hält es der Mundharmonika spielende Anfangdreißigjährige ganz mit „Duke“ Ellington: „Es gibt nur zwei Arten von Musik: gute Musik und die andere Art.“

Charles Pasi, der schon mit Carla Bruni und US-Free-Jazz-Maestro Vernon „Archie“ Shepp kollaborierte, nutzt die volle Palette der ihm zur Verfügung stehenden Möglichkeiten: „Ich versuche, alles auf natürliche Art und Weise miteinander zu kombinieren. Auch Blues und Jazz haben fremde Einflüsse, zum Beispiel afrikanische und europäische. Wenn ich komponiere, ist alles sehr visuell. Meine Musik entspricht etwa dem Originalsong meines Lebens. Man kann sie mit einem Tagebuch vergleichen, welches ich nie geschrieben habe.“ Wer darin schmökert, findet intime, beseelte, poetische Inhalte – scharfsinnige Beobachtungen unserer widersprüchlichen Welt. Ein facettenreiches Potpourri vermeintlich antiquierter und moderner Stilelemente aus Jazz, Blues, Pop und Soul bildet den musikalischen Rahmen für die wertfreien Zustandsbeschreibungen des Englisch textenden Multiinstrumentalisten. Integraler Bestandteil vieler Pasi-Songs ist die Mundharmonika. Als 17-Jähriger wurde der literaturbegeisterte Cineast, der hierzulande bereits als Support von Maceo Parker und Zaz zu erleben war, durch Bob Dylans „Mr. Tambourine Man” zum Kauf seines ersten Exemplars motiviert: „Ich glaube, dass viele nicht wissen, was man mit ihr machen kann. Jeder weiß, wie ein Klavier klingt oder ein Saxofon, aber was die Mundharmonika angeht, die ist eher ein Spielzeug. Ein sehr günstiges zwar, aber man kann wirklich jeden Ton der Welt aus ihr rausholen.“

Nach Auftritten im Gospelchor, dem Studium an der Saint Louis Jazz School in Rom, an der Pariser Jazzschule CIM und der Schule für zeitgenössische Musik in Paris Atla liegen die Lehrjahre längst hinter ihm. Im Herbst erscheint seine dritte CD, die über 18 Monate hinweg zwischen Paris und Brüssel aufgenommen und vom französischen Schauspieler/Singer-Songwriter Jean-Philippe Verdin („Die Vermessung der Welt“) co-produziert wurde. „Bricks“, das ab dem 29. Oktober zu Ticketpreisen von 22 Euro (zzgl. Gebühr) auszugsweise live zu hören ist, ist der nächste „Baustein“ im unvollendeten Mosaik des Charles Pasi.

Genre: Folk / Indie

Nonesuch Records veröffentlicht “The Following Mountain”, das neueste Soloalbum des experimentellen Folk Sängers und Multiinstrumentalisten SAM AMIDON am 26. Mai 2017. In Zusammenarbeit mit dem Produzenten Leo Abrahams (Brian Eno, Regina Spektor) und Amidans Songwriting-Partner Shahzad Ismaily präsentiert es eine neue Seite AMIDONs, die von seiner sonstigen Herangehensweise, traditionelle Folk Songs neu zu interpretieren, abweicht und neue, vollkommen eigene Kompositionen zeigt, die sich hier und da noch an traditionellen Texten bedienen.

Als seltener Gaststar mischt Schlagzeuger Milford Graves mit, der ursprünglich für seine Arbeit in den 60ern mit Legenden aus dem Free Jazz, wie Albert Ayler und Sonny Sharrock bekannt ist. “The Following Mountain” ist zusammen mit einem Download des Album Tracks “Juma Mountain” auf iTunes, dem SAM AMIDON Store und Nonesuch Store vorbestellbar. Bei der Vorbestellung auf letzterem ist außerdem eine signierte Autogrammkarte des Künstlers in limitierter Edition mit erhältlich.

The Following Mountain entstand während zwei Aufnahmesessions: einem ausschlaggebenden Wochenende in Brooklyn, bei dem Ismaily und Amidon Graves, den Schlagzeuger Juma Sultan (Jimi Hendrix) und den Saxophonisten Sam Gendel für eine rein improvisierte Jam Session mit ins Boot nahmen. Danach folgte ein Sommer im Londoner Studio, in dem SAM AMIDON und Leo Abrahams die Songs weiter entwickelten und in Form brachten.
“’The Following Mountain’ ist ein Spaziergang durch das Dickicht der Phantasie”, erzählt AMIDON, “… eine persönliche Mythologie von Klängen, Sounds und Zeichen. Es ist mein erstes Album mit eigenen Kompositionen, aber es ist immer noch mit der Musik der Appalachen verbunden, die ich so liebe. Genau so, wie es mit Improvisationen, Beats, Don Cherry, Vermont und London verknüpft ist.”

“The Following Mountain” ist SAM AMIDONs sechstes Album nach Lily-O, seiner Kollaboration mit dem Gitarristen Bill Frisell im Jahr 2014 auf Nonesuch Records.

Im Oktober ist der Künstler erstmalig für drei Termine in Deutschland.

Support: Laucan
https://www.facebook.com/laucanmusic
http://www.laucan.com/

Genre: Indie Pop

Nach ausverkaufter Tour zurück in Deutschland

Genre: Pop

Nach vier Folk-Alben und fast drei Jahren Stille um Alynda Segarra’s Hurray for the Riff Raff, melden sie sich 2017 mit einem neuen Album zurück.

Obwohl ihre musikalische Karriere damit begann, dass die Sängerin mit 17 Jahren von zuhause, und damit von ihren Wurzeln, fortlief, sie sich mit Straßenmusik über Wasser hielt und sich auf das Perfektionieren ihrer Künste in Anlehnung an ihre Vorbilder Bessie Smith, Ma Rainey, Memphis Minnie und Woody Guthrie konzentrierte, wurde Segarra plötzlich bewusst, dass sie als puerto-ricanisches Kind aus der Bronx eine ganz andere Geschichte zu erzählen hatte.

So forscht das neue, von Paul Butler (u.a. Michael Kiwanuka und Devendra Banhart) produzierte Album „The Navigator“ (VÖ 10.03.17 | Ato Records) tief in der Welt der Latin- Rhythmen, glühendem Rock und durchdringenden Balladen und lässt Hurray for the Riff Raff an ihrer eigenen musikalischen Kreuzung stehen.

Erst im März war die Band auf ausverkaufter Deutschlandtour, somit dürfen sich alle Hurray for the Riff Raff Fans jetzt freuen, denn die Band kommt für zwei Festivaltermine schon diesen Sommer und für eine exklusive Headlineshow in Berlin im November nach Deutschland zurück.

Hold the Rythm Tour 2017

Genre: Pop

MICHAEL SCHULTE beginnt seine Karriere als YouTube Cover-Künstler im Jahr 2009. Inzwischen hat sein YouTube Channel 48 Mio. Views und über 190.000 Abonnenten. Sein bisher erfolgreichstes Cover „Somebody that I used to know“ von Gotye wird innerhalb kürzester Zeit über 4,5 Millionen Mal geklickt.

2011 entdeckt ihn Rea Garvey, lädt ihn zu einem gemeinsamen Auftritt auf der Kieler Woche ein und schreibt schließlich zusammen mit ihm den Song „Carry Me Home“, der 2012 auf Anhieb auf Platz 8 der deutschen Single-Charts einsteigt.

MICHAEL SCHULTEs erstes Studio-Album „Wide Awake“ erscheint im September 2012 und landet auf Platz 1 der Media Control Newcomer Charts. Das Album präsentiert er anschließend auf seiner deutschlandweiten Solo Acoustic Tour und auf zahlreichen Festivals, u.a. beim Hamburger Reeperbahn Festival sowie beim Deutschland Fest vor dem Brandenburger Tor. Insgesamt spielt er alleine 2013 über 50 Konzerte. Dabei kristallisiert sich einmal mehr heraus: MICHAEL SCHULTE ist ein erstklassiger Live-Performer. Ob Solo Acoustic oder mit Band, ob auf eigener Tournee oder als Support, er überzeugt das Publikum immer wieder aufs Neue. Auch 2014 sind viele seiner Konzerte nach kürzester Zeit ausverkauft, es folgt Ende 2014 sein zweites Studioalbum „The Arising“.

2015 nimmt sich MICHAEL SCHULTE eine Auszeit. Er will sich neu erfinden, seine musikalische Ausrichtung neu definieren. In zahlreichen Writings rund um die Welt (u.a. London, Stockholm, L.A.) entwickelt er sich zunehmend zu einem Künstler, der mit internationalen Popkünstlern mithalten kann.

Im August schreibt und singt er 3 Songs für das neue „Alle Farben“ Album, welches im April 2016 erscheint. Einer dieser Songs „Remember Yesterday“ wird Anfang 2016 zur MDR Sputnik Festival Hymne und soll Anfang 2017 als dritte „Alle Farben“ Single veröffentlicht werden. Mit „Alle Farben“ spielt er im Festival Sommer 2016 auch einige sehr erfolgreiche Konzerte, z.B. beim Lollapalooza in Berlin oder MS Dockville in Hamburg. Im Anschluss begleitet er „Alle Farben“ auf seiner laufenden Tour.

Fortan stehen alle Zeichen auf Umbruch: MICHAEL SCHULTE hat sich als Künstler neu erfunden und möchte das 2017 auch der ganzen Welt zeigen: Am 18.11.2016 erschien die Single „Money On Me“ über Universal Music international (zuerst in Finnland, Deutschland, Österreich und Schweiz) in Zusammenarbeit mit dem finnischen Elektro-Pop DJ-Duo Møtions. Im Dezember 2016 beginnt er zudem mit der Produktion eines neuen Albums, für welches er aktuell mit dem schwedischen Produzenten Kim Wennerström in Berlin zusammenarbeitet. Die Veröffentlichung ist für April 2017 geplant, eine erste Singleauskopplung erscheint Anfang 2017.

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Genre: Indie Pop

Nicht ohne Grund heißt die Debüt-EP von Amy Shark „Night Thinker“. Der sehr eigene Pop-Entwurf der jungen Australierin ist hörbar von Nachtgedanken gespeist, die besonders tief wirken, weil sie uns diese in hochmelodischen Songs einsingt, denen man nur zu gerne Herz und Ohr öffnet. „Adore“ ist so einer – und nicht umsonst ihr bisher größter Hit. Starproduzent und TV-On-The-Radio-Mitglied Dave Sitek fand „Adore“ dermaßen großartig, dass er für sie (entweder für den Song oder für Amy) gar einen exklusiven Remix anfertigte, der den Song noch einmal in die Sterne katapultierte.

Aber auch die übrigen Stücke besagter „Night Thinker“-EP haben diese Qualität: „Weekends“ zum Beispiel, das als verhallte Ballade beginnt, plötzlich von einem schleppenden Beat auf die Schulter genommen wird und einen Refrain liefert, der einem die ganze Woche nicht aus dem Kopf gehen wird. „Blood Brothers“ wiederum klingt, als könnte man den Track auch einem Deep-House-DJ unterjubeln – und trotzdem kann man ihm nicht widerstehen. Wer sich der beschriebenen Wirkung von Amy Sharks Musik aussetzen will, hat am 5. November dazu eine Chance – nicht nur die „Night Thinker“ sollten diesen Termin wahrnehmen.

Genre: Singer-Songwriter

Der in Stockholm lebende Songwriter Albert Af Ekenstam war einer der Geheimtipps auf den relevanten Showcase-Events Eurosonic in Groningen und dem Reeperbahn Festival. Das intro Magazin schrieb über diese Gigs recht überschwänglich, Ekenstam vermittele dort „den Eindruck, als wolle er alleine Bands wie The National oder The Slow Show obsolet machen oder zumindest zeigen, warum diese auch ruhig wieder Noise-Gewitter in ihre Songs einbauen könnten.“

Als dann im Oktober letzten Jahres sein Debütalbum „Ashes“ erschien, wusste schließlich jeder mit Geschmack und Hang zu nordischer Melancholie: Der Kerl kann was! Ekenstams atmosphärischer Sound, der mit verhallt aufgenommener Akustikgitarre (im instrumentalen Album-Opener „1996“ zum Beispiel) genauso gut funktioniert wie mit pianoschwangerer Opulenz (man höre „Made Of Gold“) ist stets der perfekte Kompagnon für Ekenstams ungefilterte, emotionale Lyrics und seine tiefe, grübelnde Stimme.

Bei dieser Klangmischung passt es doch perfekt, dass Albert Af Ekenstam im November noch einmal auf Tour gehen wird – und den Auftakt auf dem vielleicht schönsten Herbstfestival bestreitet.

Genre: Indie Folk

Nachdem er als Frontmann der schottischen Indiegiganten Idlewild die Welt umrundete, spielte der gefeierte Songwriter Roddy Woomble vor kurzem anlässlich des 10. Jubiläums seines Debüt-Soloalbums „My Secret Is My Silence“ eine Tour durch das Vereinigte Königreich.

Roddy wuchs zwischen Amerika, Frankreich und Großbritannien auf, wohnte in Glasgow und New York City und lebt nun auf Mull, einer der westlichen Inseln Schottlands, von wo aus er jedes Jahr das Iona Village Hall Music Festival veranstaltet. Erst kürzlich erschien mit „Instrumentals“ eine Sammlung von Worten, Songtexten und Fotos aus dem Tourleben mit Idlewild.

Roddy gilt als eine der federführenden Personen in der blühenden zeitgenössischen Indie- Folk-Musikszene Großbritanniens und 2017 wird er mit seinem neuen Album eine dunklere Lo-Fi-Richtung einschlagen, die durch Roddys unverkennbare poetische Lyrics zusammengehalten wird: „eindrucksvoller Gesang und das vollkommene Geschenk einer Melodie.“

Genre: Pop

Genre: Indie / Folk

Mit ihrem fantastischen zweiten Album „Sleeping Operator“ (2014 / Secret City – Rough Trade) haben The Barr Brothers aus Montreal weltweit neue Freunde gewonnen. Neben dem eher noch etwas traditionelleren Roots-Indie-Folk vom ersten Album hören Kritiker und Fans nun auch Einflüsse von Arcade Fire bis Bon Iver in tollen Songs wie „Love ain’t enough“ und „Even the darkness has arms“. Sogar afrikanische Klänge werden auf moderne Weise integriert in das musikalische Gesamtkonzept.

Nach der Europatour als Special Guest von Calexico im Jahre 2015 kommt die kanadische Band um ihre drei Stammmitglieder Andrew Barr, Brad Barr und Sarah Page nun endlich wieder für zwei eigene Konzerte nach Deutschland.

„The Barr Brothers are out of the studio and back on the road. Stay tuned for more.“

Genre: Electronic Pop

Unter Social Repose vereint Richie Giese all seine kreative Energie, seien es die Youtube Videos, seine Verkleidungen oder seine Musik. Seit er das Projekt 2011 ins Leben gerufen hat, veröffentlichte er unzählige Videos, Singles und 2015 auch seine erste EP „Yalta“.

Über die Jahre hinweg explodierte seine Fanbase, und sein Youtube-Channel zählt mittlerweile über 900.000 Abonnenten. Man kann schon davon sprechen, dass die Fans Teil des Projekts geworden sind. Sie verkleiden sich auf den Konzerten, covern die Songs und lassen sich sogar Tattoos stechen. Aber auch Richie Giese zollt seinen Vorbildern Tribut und covert ihre Songs. Auch zu dem kürzlich verstorbenen Chester Bennington hatte er eine Verbindung und veröffentlichte ein sehr sentimentales Video nach dessen Tod.

Richie Giese möchte allen zeigen und sie darin bestärken, dass, wenn man einen Traum hat und für etwas kämpft, man es auch erreichen kann. Sein verspielter Synth-Pop erinnert an Bands wie Panic! At The Disco oder auch 30 Seconds to Mars.

Im November kommt er nun endlich zum ersten Mal nach Europa und wird auch in Deutschland und Österreich spielen. Supporten wird ihn auf der ganzen Tour One-Eyed Doll (US).

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Genre: Indie / Rock

Antiheld schicken sich an, mit ihrer eigenen musikalischen Interpretation von dem den Zeitgeist treffendem, deutschem Indie-Rock, den sie selbst treffend als „Strassenköterpop“ bezeichnen, einen festen Platz in der Musiklandschaft zu ergattern. Nicht zu unrecht gelten die Stuttgarter Jungs, die nebenbei unverwechselbar dem Akkordeon in der Welt des Indie-Rocks zu einer tragenden Rolle verhelfen, schon jetzt also eine der nächsten Bands, die den Durchmarsch bis weit nach „oben“ schaffen könnten. Dies zeigt auch das Interesse zahlreicher Plattenfirmen, denen nicht verborgen geblieben ist, dass die Band große Erfolge für sich verbuchen konnte.

Der Sieg des Play Live Finales oder auch Festivalslots wie Southside, Open Flair etc. sowie Supporteinladungen bei Rea Garvey, Boss Hoss, Culcha Candela, Max Giesinger bilden nur den Anfang der spielfreudigen und sympathischen Fünf, die nun schon einige Tausend Platten ihrer ersten EP verkauft haben.Nummern wie „Berlin am Meer“ oder „Wenn die Welt brennt“ kann man guten Gewissens als Szene-Hits bezeichnen und werden von der stetig wachsenden Fangemeinde lautstark bei den Konzerten verlangt. Antiheld und Straßenköterpop – zwei Begriffe die sicherlich bald für noch mehr Euphorie sorgen werden.

Mit Band! Zum ersten Mal in Berlin!

Genre: Indie

Jane Weaver ist vor allem deswegen eine der besten Songwriterinnen unserer Tage, weil sie beides kann: Lieder schreiben und interessant bleiben. Nach 22 Jahren in allen möglichen Nischen von Folk über Kraut bis Bibliotheksmusik, zwei Bandgründungen und -auflösungen (Kill Laura – Britpop, fünf Singles, New-Order-Manager /// Misty Dixon – Folkwhatevertronica, diverse Singles, mysteriöses Ableben des Schlagzeugers) und einer Weiterbildung zur Labelchefin ist die Liverpoolerin nun angekommen: am Anfang. Ihr achtes Soloalbum „Modern Kosmology“ ist genau genommen ihr drittes. Weil es ist ein Kreisschluss ist und da nahtlos an seinen Vorvorgänger „The Silber Globe“ anknüpft, wo dieser die totale Wende zur Phantasmagorie einleitete. „Modern Kosmology“ ist aber vor allem deswegen ein Lehrstück in Space Age und utopischem Denken, weil es das Unsichtbare sichtbar macht: die Frau in der Musik.

„Epic kraut-pop opera teeming with motorik rhythms and analogue synths.” NPR

“A mind-expanding delight, devoid of retro posturing.” Guardian

“Sparkling strangeness from one-woman genre-buster..superb.” Uncut

“Intoxicating space-rock.” MOJO

Eleven Songs

Genre: Singer-Songwriter

Singer-Songwriter, Schauspieler, charismatisches Multitalent: der 1993 als Aliocha Schneider in Kanada geborene ALIOCHA veröffentlicht sein Debütalbum “Eleven Songs“ am 02.06. (PIAS) und schlägt gekonnt den Bogen zwischen Folk und 90er Grunge, von Rock bis Americana.

Die Musik ist seit langem ein wichtiger Teil im Leben des jungen Künstlers – der bereits mit 16 Jahren, inspiriert von Bob Dylan und Elliot Smith sowie Nick Drake und Scott Matthews – seine ersten eigenen Songs schrieb. Schon seine im Herbst 2016 erschienene EP mit der Single „Sarah“ ließ erahnen, dass sich hier ein großes Talent auf den Weg macht, Europa im Sturm zu erobern! Seine außerordentlichen Livequalitäten bewies er hierzulande bereits als support für Mick Flannery. Im November kommt ALIOCHA nun endlich wieder nach Deutschland und bringt seine komplette Band und sein großartiges neues Album mit!

Genre: Soul / Jazz

Die Geschichte der britischen Soul-Musik ist im Kern auch eine Geschichte der Suche nach einer künstlerischen Identität. Der in Ghana geborene und heute in Cambridge lebende Sänger, Musiker, Produzent, Designer und Regisseur Myles Sanko leistet mit seinem dritten „Just Being Me“ einen hörenswerten Beitrag zum langen Prozess dieser Suche. Mit elf neuen Kompositionen blickt „Just Being Me“ genauso nach Innen wie es sich durch seine stilistische Bandbreite nach Außen öffnet. Die reichhaltige Instrumentierung und ausgefeilte Arrangements lassen das Album eine so deutliche Sprache sprechen, wie es ein echtes Soul-Album tun sollte.

„Für mich ist Musik der Schlüssel zur Kommunikation zwischen den Menschen. Wenn ich komponiere, singe oder Musik spiele plane ich nicht, dass es ‘Soul’ oder ‘Jazz’ werden soll – es kommt einfach wie es kommt,” erläutert Myles Sanko. Mit seinem authentischen, emotionalen und direktem Style weiß Sanko Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander zu verknüpfen. Soul ist in Großbritannien seit den sechziger Jahren immer schon populär gewesen, beim Beat-Boom angefangen über den Northern Soul und den Acid Jazz bis hin zum heute massiv erfolgreichen Crossover von Soul zum Pop. Die Ikonen der britischen Soul sind so unterschiedlich wie sie eine unverkennbare Handschrift haben: Dusty Springfield, Tom Jones, The Real Thing, Soul II Soul, Adele oder Amy Winehouse. „Um ehrlich zu sein, ich fühle mich nicht als Teil einer bestimmten Szene. Natürlich inspirieren mich die klassischen Sounds der sechziger und siebziger Jahre aus Detroit, Memphis oder Philadelphia. Aber ich bin auf dem Land in England aufgewachsen. Bei uns gab e kein Ghetto oder Aufstände in den Straßen. Nichtsdestotrotz, wenn Du als Einwandererkind in eine konservative Nachbarschaft geworfen wirfst, must Du Dir eine starke, eigene Strategie entwerfen um Deine Träume zu verwirklichen.”

Ein Kernpunkt dieser Strategie war es, die Karriere in die eigene Hand zu nehmen, Nachdem Myles Sanko mit Top-Genre-Bands wie Speedometer gearbeitet hatte, nahm er sein Solo-Debüt “Born In Black & White” mit minimalem Budget in Cambridge sowie Paris auf und veröffentlichte es 2013 auf seinem eigenen Label 213 Music. “Born In Black & White” verkaufte sich ohne Vertrieb und Marketing so gut, dass Myles Sanko wusste: Ich bin auf dem richtigen Weg. Er stellte seine eigene Band zusammen, tourte durch die Clubs in Großbritannien und machte sich an Komponieren und die Aufnahmen zum zweiten Album. „Forever Dreaming“ wurde in Deutschland, Japan, Frankreich soviel einer Reihe von weiteren Ländern veröffentlicht. “Meine Fans machten ‘Forever Dreaming’ durch Crowdfunding möglich. Das war fantastisch. Schon mit meinem zweiten Album war es mir möglich, überall in Europa zu spielen. Sogar Gregory Porter lud mich ein, ihn auf seiner Deutschland-Tour als Support zu begleiten,” erinnert sich Myles Sanko an die ereignisreichen Jahre 2014 und 2015. Somit war es 2016 wieder an der Zeit, neue Musik zu schreiben und einzuspielen. “Die Band, mit der ich zu ‘Forever Dreaming’ getourt bin wurde zur Familie. Wir reisten sowie und so weit miteinander, das es ganz natürlich war mit diesen Jungs die neuen Songs auch im Studio aufzunehmen.“

Mit „Just Being Me“ ist Myles Sanko angekommen. „Auf diesem Album geht es um Liebe, Hoffnung und Politik. An jeder Stelle reflektiert es einen Teil von mir,” heißt es in den Liner Notes. Der Opener „Freedom” ist ein in den Titeltrack übergehender instrumentaler Prolog, nicht weit weg von Donny Hathaway. Das Album startet so mit einem starken Statement über die Suche nach der eigenen Mitte und dem Wunsch, seine eigenen Ansprüchen und Zielen treu zu bleiben. “Promises” ist Soul par excellence: Glaub nicht dem Hype, schau was hinter leeren Versprechungen steht. Und tanz dazu. “This Ain’t Living” erinnert daran, dass es viel mehr als den eigenen, kleinen Kosmos gibt und fordert die spirituelle Revolution, begleitet vom höchst attraktiven, orchestralen Soul-Jazz, den man sich diesseits von Matthew Halsall oder Cinematic Orchestra vorstellen kann, nicht zuletzt dank des Streicher-Trios Wayne Urquhart, Antonia Pagulatos und Stella Page. “The Sunshine” kommt auf den Punkt – und den Sonnenschein. “For You” geht seine Botschaft ebenso klar wie direkt an und malt die ultimative Metapher: “Die Liebe zur Musik!”

„Land Of Paradise“ eröffnet die zweite Seite des Vinyl-Albums und auch das zweite Kapitel von “Just Being Me”. Die Botschaft von Vertrauen und Hoffnung wird durch die markanten Bläser und ein pointiertes Klavier transportiert. So versetzt „Land Of Paradise“ die universelle, urbane Jazz Poetry von Gil Scott-Heron oder den Last Poets auf subtile Art in die Straßen von London oder Manchester: “Dieses Mal habe ich mich für eine klassische Jazz-Produktion entschieden, aber trotzdem den Soul behalten und den Groove nie aus dem Blick gelassen. So ich wollte ich meine musikalische Reise von den Hip-Hop-Anfängen meiner Jugend zur heutigen Faszination von Soul und Jazz dokumentieren und meinen Fans die Möglichkeiten geben mich zu begleiten,“ erzählt Myles. “I Belong To You“ schlägt in dieselbe Kerbe, eine zeitlose Soul-Ballade, man stelle sich Bill Withers vor wie er mit Maxwell auf der Bühne steht und kommt der Sache ziemlich nahe. „Forget Me Not“ bleibt im Hier und Jetzt, unmittelbar melodisch und außerordentlich funky. „Missing You“ holt “Just Being Me” auf den Boden zurück, ganz im Sinne der akustischen Soul-Stilistik eines Bobby Womack, während „Empty Road“ das emotionale Ende einer wunderbar erzählten Geschichte manifestiert.

“Just Being Me’ markiert einen Neubeginn für mich. Das Album handelt von mir als Mensch, es geht aber auch Gemeinschaft und das Teilen,” betont Myles Sanko. “Was kann man als Komponist und Musiker überhaupt beitragen? Du hast das ultimative Werkzeug, um Deine Ideen und Gefühle mit anderen zu teilen, auf der Bühne aber auch mit Deinen Platten. Das ist seltenes Geschenk, mit dem Du als Künstler viel gestalten kannst.”

Genre: Folkpop

Drei Jahre nach «L’euphorie» und einer Tour mit über 200 Konzerten, kehren CARROUSEL mit ihrem neuen Album «Filigrane» im November endlich auf die deutschen Bühnen zurück.

«Filigrane», das vierte Werk des französisch-schweizerischen Duos mit Sophie Burande und Léonard Gogniat, umfasst zwölf Titel und besticht durch Originalität und Vielfältigkeit: Sei es optimistisch und direkt, mit chansoneskem Charme oder mit im Ohr haftenden, wundervollen Melodien versehen.

Der Draht zum Publikum wurde an über 500 Konzerten geknüpft – quer durch Europa haben sie sich gespielt und auch im Kaukasus und in Asien schon live überzeugt. Ihr direkter Charme und die französische Lässigkeit sind die besten Botschafter ihrer Musik, die durch ihre Eingängigkeit und die beiden Stimmen von Sophie Burande und Léonard Gogniat auffällt.

«Filigrane» erscheint am 29. September und wird in ganz Deutschland live auf den Bühnen präsentiert.

John Joseph Brill: Der Bariton der Melancholie! Neue große Stimme der Schwermut aus Liverpool

Genre: Alternative, Indie, Rock

Mit der einzigartigen Bariton-Stimme von John Joseph Brill erlebt Großbritannien derzeit den Aufstieg eines neuen Barden der Melancholie, der persönliche Erfahrungen und Schicksalsschläge in brillanter Weise in berührende Songs zu transformieren vermag. Der Sänger und Gitarrist, der ursprünglich dem kreativen Zentrum Westlondons entstammt, in dem auch profilierte Künstler wie The Staves, Laura Marling und Bear’s Den ihren Anfang nahmen, zog für den Auftakt seiner Solokarriere nach Liverpool, um in einer neuen Umgebung völlig unvoreingenommen Songs zu komponieren, die nichts mit seiner bisherigen künstlerischen Laufbahn gemein haben. Bereits die ersten beiden veröffentlichten EPs „Pieces“ und „False Names“ belegten, mit welcher Präzision und Empathie Brill selbst die schwierigsten persönlichen und psychischen Rückschläge in atemberaubende Songs zu formen versteht; mehr als 1,4 Millionen Spotify-Plays der beiden EPs sprechen eine deutliche Sprache. Mit seiner aktuellen, dritten EP „I’m Not Alright“ erzählt John Joseph Brill nun die verschiedenen Stationen einer Trennung rückwärts – und bringt damit ein diffiziles zwischenmenschliches Thema sehr berührend auf den Punkt. Nach Europa-Tourneen an der Seite von Bear’s Den und Daughter kommt John Joseph Brill nun zwischen dem 21. und 23. November für drei Headline-Shows in Köln, Hamburg und Berlin nach Deutschland.

Eine gewisse Tiefgründig- und Schwermütigkeit muss man dem bärtigen Endzwanziger John Joseph Brill eindeutig attestieren. Bereits als Frontmann der Londoner Heavy-Rocker Burning Beard stach der getragene Bariton Brills eindeutig hervor und machte diese Band zu einer besonderen ihrer Art. Zum Kreativ-Pool der prosperierenden Westlondoner Musikszene gehörend, galten Burning Beard für den Rock in etwa als das, was die engen Freunde von Bear’s Den für die Folk- und Pop-Musik sind: eine besondere Formation, die aus bekannten Zutaten etwas Neues und höchst Eigenständiges zu kreieren versteht. Und doch entschied sich John Joseph Brill im Jahr 2013, seiner Band und Heimatstadt den Rücken zu kehren, um in Liverpool eine neue, noch aufrichtigere Form des Songwritings zu finden und auszuformulieren. Er studierte zunächst die Alben großer Vorbilder wie Leonard Cohen, Jason Molina und Neil Young, um auf dieser Basis seinen ganz eigenen aufrichtigen Stil der Komposition zu entwickeln und Songs über die wirklich bedeutenden Dinge im Leben zu schreiben, von Herzschmerz über Freundschaften bis hin zum Tod.

Gleich mit der ersten veröffentlichten EP „Pieces“ stieß Brill auf breites Interesse. Das Magazin Q wählte die Lead-Single „Muscle And Bone“ zum „Track of the Week“, viele Musikblogs empfahlen John Joseph Brill als die kommende Stimme für die eher melancholischen Momente des Lebens; erste stimmliche Vergleiche mit The Nationals Matt Berninger machten die Runde, die sich bis heute weiter verbreiten. Kein Wunder, denn Brills Stimme ist fürwahr eine dieser ganz besonderen, die man, einmal gehört, nicht mehr vergisst.

Mit der zweiten EP „False Names“ stieg der Stern von John Joseph Brill in ganz Großbritannien. Er ging auf Europa-Tournee mit Bear’s Den und Daughter, spielte ausverkaufte Shows im ganzen Land und wurde auf große Festivals wie Reading, Leeds oder Hyde Park’s British Summer eingeladen, wo er das Publikum als Support der großen Carole King für sich einzunehmen verstand. In Deutschland wurde die Fachpresse erstmals im Rahmen des Reeperbahn Festivals in Hamburg auf ihn aufmerksam, wo man seinen Auftritt zu einem der aufregendsten des gesamten Festivals erklärte. Nun kommt John Joseph Brill im November erneut nach Deutschland, um seine überwältigenden Songs über die schwierigen Momente des Lebens machtvoll mit Leben zu füllen.

Genre: Rock'n'Roll

Sie schlagen wieder zu – und schenken dieses Mal gleich doppelt ein. „Zwei Fäuste für Rock’n’Roll“ heißt das siebte Studioalbum von OHRENFEINDT, produziert vom bewährten Team Roggenrohl aka Olman Viper und Chris Laut. Wie gewohnt halten die Kiezrocker, was sie versprechen: die amtliche Rock’n’Roll-Dröhnung drückt ordentlich im Gesicht. Samthandschuh ist nicht – auf dieser Scheibe gibt das voll auf die Ohren, bis der lautgeprüfte Hörer seinen Kopfbewuchs mit einem breiten Grinsen reichlich schüttelt. Schon der Opener „Deine Mudder singt bei Lordi“ lässt keinen Zweifel an der Marschrichtung des druckvollen Reeperbahn-Dreizylinders aufkommen: geradeaus, und das mit Macht! Brecher wie „Starkstrom-Baby“ oder „König und Rebell“ geben sich die Klinke in die Hand mit Stampfern, die auf so formschöne und kugelsichere Namen wie „Dreh Dein Radio auf“ oder eben „Zwei Fäuste für Rock’n’Roll“ hören.

Dabei bleibt auch nicht verborgen, was die St. Paulianer antreibt: „Koks und Noten“ – nur dass der Koks in diesem Fall schwarz ist und aus dem Ruhrgebiet importiert wird. Irgendwie alles beim Alten also, und doch immer wieder neu. Das Rad wird nicht neu erfunden, aber der „Vollgasroggenrohl“ der Drei von der Rockstelle ist und bleibt alters- und zeitlos. Ein Gute- Laune-Vier-Akkorde-mit-der-Keule-auf-die-Omme-Brett ohne Rücksicht auf Verluste, ein fettes Augenzwinkern am Rande des Wahnsinns, mit beiden Fäusten bis zum Ellenbogen im Rock’n’Roll- Gewitter: unsere Nachbarn hören immer sehr laut OHRENFEINDT. Ob sie wollen oder nicht. Hörempfehlung: Lautstärkeregler auf Anschlag! Ab 23. Juni 2017 steht das Album beim Plattendealer Deines Vertrauens. Die Band, die lauter rockt als Chuck Norris schweigt, spielt allerdings schon jetzt in einem Club in Deiner Nähe. Lasst uns den Roll rocken!

Nach ein paar wenigen exklusiven Soloauftritten in den letzten drei Jahren kommt Michael Malarkey nun zum ersten Mal mit eigener Band für zwei Konzerte nach Deutschland.

Genre: Singer-Songwriter / Pop

Die meisten (vor allen Dingen jungen) Menschen kennen Michael Malarkey in erster Linie als Schauspieler aus der populären Serie „Vampire Diaries“. Aber Michael war schon vor seiner Schauspielkarriere auch tätig als Musiker und Songwriter. Und spätestens seit seiner ersten Singleveröffentlichung „Feed the Flames“ (2014) wissen wir, dass er auch ein toller Sänger und Performer ist.

Im September 2017 erscheint nun endlich Michael Malarkeys’ Debutalbum unter dem Titel „Mongrels“. Darauf sind ausschliesslich Eigenkompositionen enthalten, die nicht nur zeigen, dass Michael ein grossartiges Gefühl für Melodien besitzt, sondern die auch lyrisch sehr eindringlich sind. Michaels’ Baritonstimme mischt sich mit Musik beeinflusst vom frühen Tom Waits und von Townes van Zandt, Nashville liegt manchmal atmospärisch sehr nah.

Michael Malarkey sagt selber über die Songs auf seinem Debutalbum:
„Mongrels represents the many-faced animal within us that is here but never quite from here; the dreamer within us, stricken with wanderlust, who is tuned to the frequencies of change; the nomad within us whose roots grow not in the ground, but in the wind. It represents the mystery of our vagrant nature, at times a source of weakness and at times a source of power.”

Genre: Deutschpop

„Lass uns mal wiedersehen, auf `nen Drink oder zehn.“

TAGTRAEUMER sind keine verträumte Boygroup, sondern eine wahrhaftige Band mit realen Erfolgen: Ihre Single „Sinn“ blieb 38 Wochen in den Österreichischen Hit-Listen und erreichte Goldstatus. Ihr Debütalbum „Alles OK“ enterte die Top 5 der Albumcharts, dem folgte die Auszeichnung als „Band des Jahres 2015“ beim „Amadeus“, Österreichs wichtigstem Musikpreis. Selten hat eine Band so rasant Powerplay im österreichischen Radio bekommen.
Das liegt an der Einzigartigkeit von TAGTRAEUMER. In ihren Songs treffen tiefgründige Texte über Freundschaft und Liebe auf lässige Pop-Arrangements. Es sind die jungen wilden aber auch wohlgewählten Worte, die vor allem weibliche Herzen höherschlagen lassen – und dabei nicht im Kitsch versinken. Die TAGTRAEUMER-Twens sind gereifte Pop-Romantiker, mit Ecken und Kanten – und das kann auch mal ne kleine Punk-Einlage bedeuten. Zur Freude von Fans des facettenreichen Deutschpop.

Fast 8 Millionen Aufrufe, 27.000 Follower und etliche Videos auf Youtube sind der Beweis für den medialen Fleiß der fünfköpfigen Gruppe – TAGTRAEUMER nutzen eben den Tag und stecken unendlich viel Herzblut in Kanäle, Konzerte und Karriere. „Unendlich gleich“ heißt ihre neueste Single, „Unendlich eins“ das dazugehörige Album. Die Single wartet mit autobiografischem Zungenschlag und packenden Pop-Riffs auf – hier mischen sich musikalische Reife und jugendlicher Leichtsinn. Das Video ergänzt die verträumte Rebellion um verregnete Startbahnen, Roadster und Hubschrauberrotoren. Guter Übergang zur Touringaktivität der Band: Im November 2017 werden TAGTRAEUMER erneut auf große Dreiländertournee gehen. In Deutschland, Österreich und der Schweiz darf man sich auf ein Wiedersehen mit der kraftvollen Live-Band freuen, deren seriöser, handgemachter Sound andere Bands ihres Alters an die Wand spielt. Dabei sind die Jungs von TAGTRAEUMER aber immer noch nahbar, bodenständig und sweet – und laden herzlich ein zu siehe oben.

Genre: Rap / Rock

Genre: Singer-Songwriter

Es kann endlich losgehen! Ja, eigentlich ist es höchste Zeit, dass die Musik dieses jungen Mannes einem noch grösseren Publikum zugänglich wird. Gestatten: DAMIAN LYNN, 25 und Singer-Songwriter aus Luzern. Man könnte DAMIAN zwar als Newcomer bezeichnen, er ist aber schon lange kein unbeschriebenes Blatt mehr. Über 250 Shows hat er alleine in den letzten beiden Jahren gespielt und sich so Schritt für Schritt die Aufmerksamkeit erspielt, die die Musik dieses jungen Künstlers verdient hat.

Live spielen, live spielen, live spielen (oder „slow but steady wins the race“).

Die Liebe zur Musik und das Talent von DAMIAN LYNN zeigten sich schon als kleiner Junge – mit gerade mal neun Jahren, als er an einem Abschlusskonzert erstmals als Solist vor einem grösseren Publikum stand und dieses mit Songs von The Bangles und Mike & The Mechanics begeisterte. Nach Erfahrungen in verschiedenen Bands, nahm er seine Karriere selbst in die Hand.
DAMIAN LYNN begann seine eigenen Songs zu schreiben und einzusingen, stellte Clips von Live-Performances auf YouTube und ergatterte sich so erste Auftritte. Seine Fangemeinde hat sich der junge Luzerner auf seinen Konzerten Schritt für Schritt erspielt und sich so in der Szene langsam aber sicher einen Namen gemacht. Diese Ausdauer wurde dieses Jahr unter anderem mit einem Swiss Music Award als „Best Talent“ belohnt. Neben vielen Einladungen von Schweizer Musikgrössen (Bligg, Büne Huber, Pegasus) auf deren Tourneen, wurde mit der Support-Tour von Stefanie Heinzmann ein weiterer wichtiger Schritt gemacht: Erstmals war DAMIAN LYNN auch in Deutschland zu sehen.

Der Shootingstar aus der Schweiz

Genre: Pop

Vincent Gross macht Musik – sehr, sehr schöne Musik: Der jüngste Gewinner der Schweizer Primetime-Show „Hello Again“ hat sich schon längst in die Herzen seiner Fans gesungen und kommt im Dezember 2017 endlich auch live auf Solotour nach Deutschland! Tickets für die sieben Konzerte in Deutschland und der Schweiz sind ab 14. Mai erhältlich!

„Rückenwind“ ist das Debütalbum (VÖ 24.03., Sony Music / Ariola Music) des vielleicht spannendsten Newcomers der Schweiz mit einer elektrisierenden Mischung aus sanftem Pop, pulsierendem Dance und gefühlvollem Soul. Kein Wunder also, dass er als Support von Mike Singer bei dessen ausverkaufter „Karma“-Tour den Jubel des Publikums auf seiner Seite hatte. Vincent Gross ist nicht nur mit Rückenwind unterwegs, er nimmt auch alle mit und zeigt, wie viel Spaß deutscher Pop machen kann! Und auch bei den Konzerten wird pure Energie und Lebensfreude versprüht.
Die Erfolgsgeschichte von Vincent Gross geht unaufhaltsam weiter: Die neue Single „Du Du Du“ des smarten 20-Jährigen landete aus dem Stand einen Hit und sorgt seitdem für schmachtende Mädchenherzen. Vincent Gross begeistert sein Publikum mit seiner charismatischen Stimme und seiner positiven Ausstrahlung und gewinnt täglich zahllose Fans dazu.

Foto: © Phil Fisk

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Genre: Folk / Americana / Singer-Songwriter

Der hochgelobte Gitarrist und Singer-Songwriter John Smith hat sein neues Album „Headlong“ via BARP Records am 30. Juni 2017 veröffentlicht, sein letztes Album ist bereits vier Jahre alt. Produziert von Sam Lakeman und abgemischt von Ruadhri Cushnan (Mumford & Sons, Flo Morrissey, The Maccabees) ist das neue Werk dem verstorbenen, englischen Gitarrenvirtuosen John Renbourn gewidmet, ein enger und guter Freund von John Smith.

„Far Too Good“ ist die erste Singleauskopplung des Albums, ein Song mit dem er in letzter Zeit all seine Live-Konzerte eröffnete. Getragen wird „Far Too Good“ von Johns musikalischem Markenzeichen, seiner rauchig-sanften Stimme. Ein Song, der sich nach einem Telefonat mit einem guten Freund, der gerade eine schwere Zeit durchlebte, wie von selbst schrieb erklärte John.

Ununterbrochen auf Tour, begeistert John Smith Menschen in Festivalzelten, Wohnzimmern und ausverkauften Konzertsälen weltweit. Ben Howard bezeichnet ihn als Zauberer und musikalisches Vorbild, was als klare Empfehlung seiner Live-Show ausreichen sollte. Nach den abgeschlossenen Aufnahmen für sein aktuelles Album zieht es John Smith wieder auf die Bühnen der Welt. Wir sind sehr froh, ihn im Zuge dessen auch wieder nach Deutschland einladen zu dürfen.

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Genre: Rock'n Roll

Boppin’B kommen mal wieder vorbei und rocken die Stadt. Mehr als 5000 Gigs und seit 2015, 30 Jahre Bandhistorie haben die fünf Rockenroller auf dem Buckel, und unzählige CDs, sowie einige Charterfolge im Schlepptau. Man kennt Boppin B. aus TV und Radio, von der Autobahn, vom Blumengießen bei gekipptem Fenster oder aus der Kneipe nebenan. Diese Rock’n’Roll-Typen stehen für feine musikalische Unterhaltung, ebenso wie für anschließendes Theken-Entertainment. Sie haben ihre Verstärker bereits in fast jeder Steckdose des Landes zum dröhnen gebracht. Falls du dich nun fragst was hinter all dieser Angeberei wirklich steckt und was die fünf wunderschönen Kerle tatsächlich auf der Pfanne haben, dann bleibt dir nichts anderes übrig als selbst vorbei zu kommen und dich von ihrer Genialität zu überzeugen. Obwohl Boppin B. häufig im TV und Radio präsent sind, ist die wahre Heimat der Band eindeutig die Bühne. Das ist nach bislang über 5000 Auftritten auch kein Wunder. Die unglaubliche, teils sehr artistische Show der Band, ist stets der Musik untergeordnet und besticht vor allem durch die enorme Spielfreude und Energie. Damit gehört Boppin B. mit Sicherheit zu einem der besten Live-Acts der heutigen Zeit.
Kommt Gucken!

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Julius Lahai lebt Musik, Julius Lahai ist Musik.

Genre: Pop / Afro-Music / Funk

Aus Soul, Funk und Afro-Music, Rock, Pop und einer Spur Reggae schafft der Westafrikaner seinen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil. Seine achtköpfige internationale Band „1st-Family“ setzt seine ausschließlich selbst komponierten Songs live mit Lahai um.

Zweistimmiger Gesang, eine durchdachte Choreografie, anspruchsvolle Soli und vor allem eine unbändige Energie und Spielfreude machen die Konzerte der Band aus.

Es darf getanzt werden – und es wird getanzt werden!

Geboren in Liberia trat Julius Lahai schon als Kind im Fernsehen auf. Als Jugendlicher tourte er mit seiner Band erfolgreich durch acht afrikanische Länder. 1992 folgte der erste Plattenvertrag, ein französischer Talent-Scout entdeckte ihn und ebnete ihm mit einem Vertrag bei der „Crystal Music Agency“ in Paris den Weg nach Europa. Über einen Abstecher auf Sylt kam Lahai nach Köln, wo er heute lebt und arbeitet.

FROM B TO A STAGE

Genre: Singer/Songwriter

GREGOR McEWAN (http://facebook.com/gregormcewanmusic) ist ab 2018 wieder auf ausgedehnter Solo-Tour, um seinem Publikum sein neues, drittes Album vorzustellen. Aber natürlich dürfen auch Stücke der ersten beiden Alben „Houses And Homes“ und „Much Ado About Loving“ nicht fehlen, welche McEwan immer wieder Vergleiche mit internationalen Genre-Größen wie Ryan Adams, Damien Rice, City And Colour, Noel Gallagher oder Glen Hansard einbrachten. Seine neue Platte beschreibt er selbst als “Folk meets Pop meets Dance meets frühen Emo a la The Get Up Kids meets Hans Zimmer des Interstellar Soundtracks“

„… Wer bei Gregor McEwan an einen schottischen Schauspieler mit ähnlich klingenden Namen denkt, der wurde vielleicht sogar absichtlich auf eine falsche Fährte gelockt. Hier ist die Rede von einem begnadeten New Singer/Songwriter…“
(radioeins)

„… Große Liebeslieder! Dass man Americana auch durch glühende Verehrung detailgetreu nachempfinden kann, beweist McEwan, der auf seinem zwischen Raubeinigkeit und Sensibilismus oszilliert…“
(Rolling Stone)

„… Der Wahlberliner schafft verträumte Melodien und großartige Momente. Schließt die Augen und lasst Euch von Gregor McEwan eine Gänsehaut nach der Anderen über den Rücken jagen…“
(Radio Fritz)