Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Indie folk, Singer- Songwriter
Durch die Netflix Serie „13 Reasons Why“ (deutsche Fassung: „Tote Mädchen lügen nicht“) wird die Stimme dieses Mannes in Millionen Wohnzimmer auf der ganzen Welt gebracht. Und er bekommt nicht nur wundervolle Bestätigung durch tausende „Shazams“ am Tag, sondern auch herzliches und enthusiastisches Feedback von vielen, neuen Fans weltweit.
Stellt Euch vor, Glen Hansard wäre der Tallest Man On Earth, im beschaulichen Örebrö in Schweden als „Bad Guy“ aufgewachsen und durch unzählige DIY-Konzertreisen auf fast allen Kontinenten dieser Welt, zu einem der fantastischsten & weltmännischsten Menschen dieser Erde geworden. Mehr als 15 Millionen Streams auf seiner Debüt-EP „The Only Boy Awake“ und über 500.000 monatliche Hörer. So viele Individuen begeistern sich schon für Meadows, erobert durch seine wohltuend tiefe Stimme und sein außergewöhnliches Akustik-Gitarrenspiel. Deutschland ist für den Schweden zu einer Art zweitem Zuhause geworden. Nicht zuletzt durch die freundschaftliche Beziehung zu seinem Hamburger Label „What we call Records“ und zahlreiche Konzerte in der Indie-Club-Landschaft.
Dieser Mann ist genau das Juwel, von dem immer alle so gerne reden. Intim, mitreißend, authentisch und tiefgehend kehrt Meadows sein Inneres nach Außen und erzählt die Geschichten seines Lebens. Mal düster, mal hoffnungsvoll, aber immer voller lebendiger Emotionen.
Genre: Alternative, Indie
Auf ihrem neuen Album „No Trails and Other Unholy Paths“ sind Jaye Jayles transportable Verwüstung und halluzinatorische Klangmantras in ihrer ganzen Pracht dokumentiert. Mit seinen Bandkollegen Todd Cook (Shipping News, The For Carnation) am Bass, Neal Argabright (Phantom Family Halo, Freakwater) am Schlagzeug und Corey Smith (Phantom Family Halo) an Hilfsinstrumenten, spielt Patterson mit Einflüssen aus dem Neo-Folk, Krautrock Experimenten in Wiederholung, dunkelstem Blues, dem Nihilismus im Indischen Rock des Mittleren Westens und den analogen Schwingungen des frühen Tangerine Dreams.
Das Album ist voller Spannung und Vorfreude, mit einem erhöhten Push-and-Pull-Effekt auf Tracks wie „Marry Us“ und dem zweiten Song mit dem Titel „No Trail“, wenn die Songwriterin Emma Ruth Rundle dem Mix Call-and-Response-Vocals hinzufügt.
Genre: Indie, Singer-Songwriter
Sie spielte bereits bei bedeutsamen europäischen Festivals wie Roskilde, Primavera Sound oder auch Haldern Pop und war Anfang 2017 zuletzt auf Tour in Deutschland. Im April 2019 kommt Julia Jacklin zurück, um ihr am 22. Februar erscheinendes, zweites Studioalbum „Crushing“ bei vier Shows in Köln, Hamburg, Berlin und München zu präsentieren. Ursprünglich aus den australischen Blue Mountains, wuchs sie mit Billy Bragg und Doris Day auf, sang als Kind in Musicals und begann mit Anfang 20 ihre eigenen Lieder zu schreiben. Ihr erstes Album „Don’t Let The Kids Win“ veröffentlichte sie 2016, das von der internationalen Presse begeistert aufgenommen wurde „impressive indie country debut from Australia.“ (The Guardian).
Nach der Veröffentlichung tourte Julia Jacklin nahezu pausenlos. So entstand „Crushing“ während eben dieser fast zweijährigen Tourphase und wurde anschließend von Burke Reid (Courtney Barnett, The Drones) produziert.
Genre: 80s' | Dark Wave | Cold Wave | New Wave | Post Punk | Minimal | Synth | Electro | EBM
Am Kar-Freitag. wird es schaurig-schön im Privatclub: Vom Nebel verhüllt tanzen wir durch die Nacht zu Post Punk, Dark Wave, Goth und Synth-Klängen. Wir tauchen ein in die düster, morbide Atmosphäre zwischen schwarzen Rosen und Patchouli-Duft. Aus den Boxen dröhnen Xmal Deutschland// The Cure// Martin Dupont// Sisters of Mercy// Lebanon Hanover// She past away// The Danse Society// Message// Linea Aspera//Anne Clark und vieles mehr.
Unter die Haut legen sich Dj Raben Schwarz (und seine Freunde der Nacht) dir mit auf ewiglich….
Genre: Americana, Soul
To borrow a phrase from heaven’s new poet laureate, Leonard Cohen, Nicole Atkins was „born with the gift of a golden voice.“ But somewhere along the way she misplaced it. Goodnight Rhonda Lee is the story of Nicole finding her voice, and how, in doing so, she went a little crazy.
Great Art is born of struggle and Nicole was struggling. The problem was that she felt nothing. Her fans responded to her performances with the same fervor they always had, but Nicole felt nothing. Her new husband loved her and doted on her, but she felt nothing. She traced it back to her drinking and decided to try to learn to live without booze. But that first day of sobriety brought with it an unexpected additional test — Nicole’s dad was diagnosed with lung cancer. This Jersey girl, whose big voice was tethered to a big heart, and whose reaction to the mundane setbacks of everyday life had always been equally overblown, suddenly faced a real problem. „It toughened me up,“ she says.
And the songs started to come. Little bursts of therapeutic creativity. Thorny feelings transubstantiated into melodies. Beginning with „Listen Up,“ a wake-up call to a lucky girl who hadn’t realized how lucky she’d been, Nicole started to find her redemption in these songs. They rang true in a way no songs ever had before. They came from a deep, vulnerable place. If Nicole had been living an unexamined life, she wasn’t anymore.
She needed her newfound toughness though, as in the midst of all this turmoil, she prepared to move from her native Asbury Park to Nashville. Having spent more than a decade as the de facto queen of Asbury, Nicole was finally leaving the warm, but often stifling confines of her hometown. During one of her final nights before the exodus, a song came to her in a dream. “I Love Living Here Even When I Don’t” summed up the complicated feelings she experienced as she said goodbye to the only real home she’d ever known.
In Nashville, Nicole’s once hectic life was very different. Left home alone as her tour manager husband plied his trade out on the road, Nicole found herself writing songs that examined „feelings of separation and being scared of new surroundings.“ In particular, the songs „Sleepwalking“ and „Darkness Falls“ echo like ghosts through an empty house.
Unsurprisingly, her sobriety faltered. She drifted in and out of it. Nicole knew the wagon was good for her, but she had a hard time staying focused on what was good for her. As it went on however, the clarity of those sober days started to shine through. And she was able to string them together in longer stretches. For the first time, she was able to offer a shoulder for others to lean on, rather than always being the one in need of a shoulder. It helped that she had to be strong for herself in order to be strong for her dad. Much of what she was feeling was painful, but it beat the hell out of feeling nothing.
She reconnected with her old friend Chris Isaak who encouraged her, in the midst of all the soul-searching and soul-baring, to write songs that emphasized the one trait that most sets her apart from the mere mortals of the industry, telling her, “Atkins, you have a very special thing in your voice that a lot of people can’t or don’t do. You need to stop shying away from that thing and let people hear it.” To that end, the two of them collaborated on Goodnight Rhonda Lee’s standout track, the instant classic, „A Little Crazy.”
Great Art is a journey — and Nicole Atkins traveled quite a distance to bring us Goodnight Rhonda Lee. As Nicole explains it, „This record came to me at a time of deep transition. Some days were good, some not so good. What I did gain, though, from starting to make some changes and going inward, and putting it out on the table, was a joy in what I do again. Joy in the process and a newfound confidence that I don’t think I’ve ever had until now. The album title, Goodnight Rhonda Lee, also came from those feelings. Rhonda Lee was kind of my alias for bad behavior, and it was time to put that persona to bed.“
The direction in which these songs were headed was obvious. Nicole’s voice had always recalled a classic vinyl collection. She is the heir to the legacy of „Roy Orbison, Lee Hazelwood, Sinatra, Aretha, Carole King, Candi Staton.“ She is untethered to decade or movement or the whim of the hipster elite.
In order to capture the timelessness she sought, Nicole enlisted a modern day Wrecking Crew: Niles City Sound in Fort Worth, TX, who had just risen to national acclaim as Leon Bridges‘ secret weapon. „We spoke the same language. We wanted to make something classic, something that had an atmosphere and a mood of romance and triumph and strength and soul.“ The album was recorded in five days, live to tape. The album that Nicole and the boys came up with in those five days, Goodnight Rhonda Lee, is nothing less than Great Art and a quantum leap forward for Nicole Atkins who, no matter how much she grows up, will always be a little crazy
Genre: Indie Rock, Indie Pop
Zwischen 2001 und 2008 erschienen quasi im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, und Arcade Fire und den Thermals und Interpol und und und… Das war die Goldene Zeit des Indierock! Und die werden wir heute feiern.
Aber keine Angst: Neben Indierock aus den Jahren 2001 bis 2008 hat auch der ein oder andere Indieklassiker genauso Platz im Set, wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indierock-Bands.
Achtung: Ich mag Musikwünsche. Daher könnt Ihr Eure Vorschläge und Ideen einfach in die Facebook-Veranstaltung spammen.
Take Me Out füllt bereits Tanzflächen u.a. in Köln, Hamburg, Hannover, Mainz oder Leipzig. An den Plattentellern: Eavo (Münster)
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Between 2001 and 2008 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.
But don‘t worry: Other than indierock from 2001 to 2008, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.
Attention: I‘m open to requests, so you can just spam your ideas in the facebook event.
Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Hannover, Leipzig, Hamburg etc. On the Turntables: eavo (Münster)“
Genre: Pop
Sarah Hjellström kennen ziemlich viele Menschen über ihre Musik, ohne den Namen jemals gehört zu haben. Die schwedische Komponistin steckt zusammen mit Nirob Islam a.k.a. SHY Nodi hinter Hits für The Chainsmokers, Allan Walker, Kygo & Ellie Goulding, Astrid S oder Bebe Rexha. Im Jahr 2016, als die beiden zusammen mit Mike Perry den Track „The Ocean“ produzierten, trat sie erstmals unter dem Namen SHY Martin als Sängerin in den Vordergrund. Das Stück wurde zu einem Hit und zum Most Streamed Song of the Year auf Spotify und in ihrer Heimat ruckzuck mit Platin veredelt. Seither kann Hjellström mit all ihren Projekten und Features locker eine gute Milliarde Streams auf der Habenseite verzeichnen.
Im Dezember folgte dann endlich der ganze Schritt ins Rampenlicht: Mit „Overthinking“ erschien die Debüt-EP von SHY Martin. Das Songwriting, mit dem sie bislang andere Künstler ins Rampenlicht gestellt hat, ist auch hier genau abgestimmt auf Stimme und musikalische Atmosphäre. Diese sechs Tracks sind einfach perfekter Elektro-Pop aus der obersten Schublade, jeder einzelne ist ein absoluter Hit. Der Aufbau der Songs, die inneren Spannungsbögen, die reifen Melodielinien, die individuellen Arrangements, die unterstützenden Stimmmanipulationen, alles greift hier ineinander und fördert einen leicht irritierend spröden, aber eingängigen Sound zutage. Von Ohrwürmern zu reden, wäre auf der einen Seite zu kurz gegriffen und auf der anderen fast abwertend, denn in diesen Erfolgssongs steckt viel mehr. Da wird selten die einfache Lösung, sondern immer nach interessanten neuen musikalischen Einfällen und Kombinationen gesucht. Das macht SHY Martin zu einer neuen Stimme im Pophimmel. Die Verbindung aus langjähriger Erfahrung und Newcomer-Charme macht das Besondere der Skandinavierin aus.
Genre: Indie, Alternative
Man muss „bei Holley nicht von Songs, sondern von musikalischen Plastiken sprechen, in seinen Stücken arbeitet der Amerikaner Materie von Rohstoffen ab, er kratzt, beißt und schraubt sich in diese Musik rein, mit allem, was ihm zur Verfügung steht.“ (Musikexpress)
Obwohl Lonnie Holley, 1950 als siebtes von 27 Kindern in Birmingham, Alabama geboren, erst mit 62 Jahren sein erstes musikalisches Werk veröffentlichte, ist er mit seinen ‚found objects‘, Skulpturen, Gemälden und Installationen, in der Kunstszene schon lange ein Begriff. Ebenso abstrakt und schwer einordbar wie seine bildenden Künste ist auch seine Musik: ein windschiefer, brüchig wirkender Sound, der sich unter anderem aus Bestandteilen von Gospel, Blues, Ambient und Elektronika bedient, am Ende aber doch nichts von all dem wirklich ist. Seine Liveperformances sind immer unterschiedlich, nie spielt er einen Song zweimal auf die gleiche Weise.
Im September 2018 erschien sein drittes Album „Mith“ (Jagjaguwar/Cargo), welches er über fünf Jahre hinweg mit der Unterstützung von Künstlern wie Laraaji, Shahzad Ismaily, Sam Gendel und Richard Swift aufnahm. „Mith“ ist ein weiterer Meilenstein in Holleys musikalischer Karriere, ein Album, das so ziemlich mit allen Konventionen in Sachen Rhythmus und Tonalität bricht. Die entstandenen Songs „ergeben ein Seelenpanorama des afroamerikanischen Amerikas in Zeiten von „Black Lives Matter“ und Trumpism – mit tiefer Verwurzelung in afrozentristischen und afrofuturistischen Themen.“ (Spiegel Online)
Im April spielt diese einzigartige Legende ein exklusives Deutschlandkonzert in Berlin und wir warten voller Freude darauf, welche raffinierten Improvisationen seiner Songs er dieses Mal auf die Bühne bringen wird.
There is a fearless quality to the music of Christopher Paul Stelling. A voice that sounds both old and young, an effortless yet intricate finger-picking guitar style and lyrics that are both dramatic, and intensely confessional. It’s a sound that channels the restless spirit of a young man who left home to travel the country, haunting and impassioned songs formed by endless nights alone on stage with a guitar, playing to packed houses, other times to nearly empty rooms. Stelling estimates that he’s played over four hundred shows in just the past three years. It places him within a longstanding tradition that serves to nurture ones character and art.
“It takes a lot of work to stay on the road,” he says. “You learn to rely on your songs as a sort of resting place amidst all of the unfamiliarity. You fill your head full of places, and sounds, and ideas — and it all comes spilling out. When the things around you change constantly, you change too. And the things that stay the same become who you are. It’s nurtured my songwriting, knowing that the inspiration is all around you. If you aren’t seeing it, then look harder, and if you still don’t see it, then turn the corner, and if you still don’t see it then look at things differently, because it’s right there in front of you.”
Genre: Singer Songwriter | Pop
Ob Beziehungsdrama oder Herzschmerz RACHAEL YAMAGATA’s Stimme heilt alle Wunden. Ihr wichtigstes Instrument, ihre einzigartige Stimme, setzt sie mal mit heiseren Reibeisen-Appeal, mal mit glockenreinen Schmelz ein – aber niemals schmalzig. Ihre Texte haben Bedeutung und Tiefe, sind tröstlich, ungemein aufrichtig und niemals platt.
Fans lieben ihre Fähigkeit Emotionen in einen Song zu ‚packen‘. Sie ist hoch angesehen in Indiekreisen, stemmt aber auch die Hürden zum Pop ohne Werteverlust. Die US-Singer/Songwriterin RACHAEL YAMAGATA verfügt über die ‚alten Singer-Songwriter-Qualitäten‘, die auch auf Carole King und Joni Mitchell zutreffen, Heroinnen ihrer Jugend. Klanglich ist sie jedoch modern und tendiert in Richtung der dunkleren Stylings von Nick Cave, Tom Waits und PJ Harvey. Die in der US-Presse oft benutzten Vergleiche mit Tori Amos, Natalie Merchant, Sara Bareilles, Laura Marling oder Fiona Apple kann man zwar gut verstehen, doch dafür ist Rachael’s Stimme und Präsenz zu eigenständig.
Mit fast 100.000 Facebook-followern ist RACHAEL YAMAGATA kein Leichtgewicht in der alternative-Pop-Szene. Ihre Touren führen sie seit über 10 Jahren rund um den Globus mit ausverkauften Konzerten in den USA, Asien und Europa…Ob New York, L.A., Seoul, Singapore, Beijing oder London, Rom, Madrid, Berlin – in allen Städten hieß es: SOLD OUT. In Europa tourte sie als opener für Joshua Radin, mit dem sie dann wiederum eine Co-headliner-tour in den USA bestritt.
RACHAEL YAMAGATA wird gern wegen ihres aussergewöhnlichen Songwriter-Talents von Großen der Zunft zu Kollaborationen aufgefordert, darunter Jason Mraz, Ray LaMontagne, Bright Eyes und Ryan Adams. Mit allen tourte sie auch, ebenso wie mit Sara Bareilles, Amos Lee, Adam Cohen (Spross von Leonard) und David Gray, für den sie u.a. solo im Madison Square Garden eröffnete. Rachael wurde von Pete Townsend zu seinen „In the Attic Series“ eingeladen und war natürlich auch Gast in den angesagten TV-Shows wie Conan O’Brien und Jay Leno.
Ihre Songs liefen in zahlreichen TV-Serien wie: „How I Met Your Mother“, „ER“, „Smallville“, „The O.C.“, „Grey’s Anatomy“ und „Nip/Tuck“. Auch für Hollywood-Produktionen werden ihre Gänsehaut-Songs angefragt – so liefen ihre Titel u.a. in „Elisabethtown“ mit Kirsten Dunst, Orlando Bloom, Susan Sarandon und Alec Baldwin… „In Her Shoes“ mit Cameron Diaz, Shirley MacLaine und Toni Collette…“Prime“ mit Uma Thurman und Meryl Streep…“The Last Kiss“ mit Zach Braff und Casey Affleck….“Definitely, Maybe“ mit Rachel Weisz und Ryan Reynolds…“Hope Springs“ mit Meryl Streep und Tommy Lee Jones…
Rachels Alben ‚Happenstance‘ (2004), ‚Chesapeake‘ (2012), ‚Tightrope Walker‘ (2017) wurden von John Alagia (Dave Matthews, Jason Mraz, Paul Simon und John Mayer’s Debutalbum „Room For Squares“) produziert.
Genre: Singer-Songwriter
Lucy Spraggan ist zurück: Mit ihrem neuen Album ‚Today Was A Good Day‘, welches im April 2019 veröffentlicht wird, geht sie direkt auf Deutschlandtour!
Der ein oder andere mag die junge Sängerin aus Sheffield aus der 2012 ausgestrahlten X-Factor-Staffel noch kennen, doch Lucy Spraggan ist keine gewöhnliche Castingshow-Kandidatin. Sie ist die erste Teilnehmerin in der Geschichte X-Factor’s, die eine Single und ein selbstveröffentlichtes Album in den Top 40 vorweisen konnte, bevor die Liveshows überhaupt ausgestrahlt wurden. Ihr Debutalbum bei einem Majorlabel (Columbia Records) erreichte 2013 Platz 7 in den UK Charts.
„The mark of excellence of a singer songwriter for me is if you fall in love with the lyrics of a song and can tell there’s a beating heart inside them.“ (musiceyz)
Wir lernen hier eine Frau kennen, untrennbar von ihrer Gitarre, mit versiertem und unglaublich aufrichtigem Songwriting, gewürzt mit dem richtigen Maß an Witz, deren Musik stark an eine bunte Mischung aus Kate Nash, Lily Allen und Ed Sheeran erinnert.
Wer Lucy Spraggan schon live gesehen hat, weiß, welche Intensität die Singer/Songwriterin und Geschichtenerzählerin auf die Bühne bringt, wenn sie ihre Songs zum Besten gibt. Hier wird niemand stillstehen können!
Genre: Indie
Seit einigen Wochen wurde bereits wild spekuliert, dass die Lush-Frontfrau Miki Berenyi nach dem Ende ihrer grandiosen 90s-Indie-Band eine neue Formation zusammenstellt. Nun gibt es Gewissheit: Das frisch gegründete Quartett hört auf den Namen Piroshka und besteht neben Berenyi aus Gitarrist KJ McKillop (ehemals Moose), Bassist Michael Conroy (Modern English) sowie dem ehemaligen Elastica-Schlagzeuger Justin Welsh. Erst Ende September wurde dieses Line-up öffentlich bekanntgegeben, zu hören gibt es von der Band bislang noch nichts. Ihr erstes Konzert überhaupt werden Piroshka Ende November in London spielen, Anfang kommenden Jahres soll die erste Veröffentlichung folgen. Am 27. April 2019 kommen Piroshka dann für ein Konzert nach Deutschland, sie gastieren in Berlin.
Über die fantastischen Lush muss man wohl nicht viele Worte verlieren. 1988 gegründet, galten sie schnell als Vorreiter des so genannten Shoegaze, einer introvertierten Variante des Indie-Rock. Im Verlauf der zehn gemeinsamen Jahre veränderte sich der Sound allerdings in Richtung Britpop, wurde zugänglicher und freundlicher. Zwischen 1989 und 1996 erschienen elf LPs und EPs von Lush, häufig unter der kompositorischen Federführung von Miki Berenyi, bevor sich die Band 1998 auflöste. 2016 erschien sie noch einmal kurz auf der Bildfläche, brachte eine neue EP heraus und spielte ein paar Konzerte. Hier mit von der Partie: Justin Welsh, von 1992 bis 2001 Schlagzeuger der britischen Alternative-Rocker Elastica, mit denen er zwei Longplayer und zwei EPs einspielte. Nach diesem kurzen Intermezzo mit den reformierten Lush schrieb Berenyi über Welsh: „Er ist dermaßen gut, dass ich ihn ab dem Moment nicht mehr aus den Augen verloren habe.“ Es schien also klar, dass Welsh bei der Piroshka-Bandneugründung dabei sein würde.
Die anderen beiden Mitglieder von Piroshka haben eine ebenso lange Geschichte in der Indie-Musik Großbritanniens, obschon zumeist nur den Eingeweihten wirklich bekannt. Die ebenfalls dem Shoegaze zuzurechnenden Moose, deren Kopf KJ McKillop war, blieben ungerechterweise über ihre gesamte Existenz zwischen 1990 und 2000 stets ein Geheimtipp. Und dies trotz vier hervorragender Alben, die in der Szene andächtig gefeiert wurden. Als erfolgreicher erwies sich die Post-Punk- und New-Wave-Band Modern English, die mit Unterbrechungen seit 1979 besteht und in den 80er Jahren sogar mehrere Alben in den Top 5 der UK-Indie-Charts sowie sieben erfolgreiche Singles vorweisen konnte. Bassist Michael Conroy gehört der Band, die offiziell die einzige derzeit nicht aufgelöste Vorgänger-Band der Piroshka-Mitglieder ist, seit 1979 an.
Angesichts der Herkunft und jahrzehntelangen Expertise der Mitglieder wird es hochspannend sein zu hören, mit welcher Art von Musik uns Piroshka überraschen werden. Nur eines ist dabei absolut klar: der Sound dürfte zutiefst verwurzelt sein im klassischen Indie-Rock.
Genre: Rock, Rap, Poesie
Eine neue Platte blinkt am Horizont: Lyrische Wortgewalten, eingepackt in punkig-rockige Skagitarren und krasse Synthieklänge, getrieben von himmlisch-/höllischen Drums und Bässen. Diese rockigen Songs stammen aus einer kraftvollen Tradition von Musik und Sprache.
Herr Horst segelt jenseits des Zeitgeistes in den spöttischen Sprachuniversen. Und das Skurrile ist das Normale. Er ist ein Lyriker vom alten Schlage, einer aus der Riege Busch, Ringelnatz und Morgenstern.
Das ist Musik zum Durchtanzen und Mitsingen. Die abgefahrenen Texte muss man dazu freilich kennen, aber das ist zu schaffen!
Denn man kann sie schon besitzen, die Zweite von Herr Horst: Im Januar erscheint das schicke CD-Blech, zehn Wochen später das Vinyl, der März ist zum Durchhören da und im April geht’s in den charmanten Privatclub zur Rekordrealisierungsveranstaltung.
Ein Feier-Abend mit einer tollen Band und einem super Einheizer: Josh Chuang, einem Meister auf der japanischen Tsugaru Shamisen.
Kommen Sie zahlreich und haben Sie bitte Spaß!
Genre: World, Fusion, Tribal
IFRIQIYYA ELECTRIQUE ist mehr als nur ein Konzert. Es ist eine kuriose, aber unglaubliche Mischung aus Wüstenrock, Percussion, Gesang, Hip-Hop und Nuancen von Nine Inch Nails. Neu komponierte Musik, eine transzendentale und postindustrielle Zeremonie. Es ist ein therapeutisches Ritual von BESESSENHEIT und TRANCE. Sie lassen die Dämonen mit COMPUTERN und ELEKTRISCHEN GITARREN kommunizieren, um dieses adorcistische Ritual der Besessenheit zu zelebrieren. Im Bewusstsein, dass so das BEDÜRFNIS SICH ZUVERGESSEN und sich zu erheben vom Djerid bis in die Diskotheken Ibizas ode Moskauer Rock-Clubs absolut identisch ist
Genre: Deutschrock
Deine Cousine ist nicht irgendwer. Sie ist deine beste Freundin, deine größte Feindin und deine Geliebte in einem. Du möchtest mit ihr Pferde stehlen, auf den Dächern dieser Stadt tanzen, sich dabei den Kiez von oben anschauen und auf ihn runter spucken. Deine Cousine geht dahin wo es wehtut und kuschelt sich dann wieder ganz geschmeidig an deine Schulter.
„Mein Wille mein Kopf, mein Weg.“ Eine Zeile aus „Kiez oder Kinder“ und eine Kampfansage, die klar macht, dass Deine Cousine keine Kompromisse eingeht, sondern gerade heraus ihrer Linie folgt. Mit Champagner in den Adern und Dreck in der Stimme erzählt sie Geschichten über Menschen die man nie kennenlernen durfte, über Süchte, Prostituierte die sich nicht unterkriegen lassen, Stalker, beste Freunde und über die schönen und grausamen Seiten unserer Gesellschaft. Sie redet über die letzte Partynacht mit genau so starker Intensität wie über gesellschaftskritische Themen. Ihre Songs sprühen vor Energie und wenn man ihr dabei zuschaut denkt man nicht selten an ein Kind das gerade das erste Mal ohne Aufsicht ist.
Genre: Superheavy Funky Soul & Boogaloo
Kickin‘ Ass since 2000!
Soul Explosion wurde im Jahr 2000 von Frank (Dj Soulpusher) in Berlin gegründet. Die Party entwickelte sich schnell zur größten Soul und funky soul Party im Club Pavillon und fand bald 2 Mal monatlich statt. 2005 zog Frank nach Guinea (Africa) und übergab die Party seinem alten Freund Mark. In den nächsten Jahren entwickelte Mark (Dj King Dynamite) die Party weiter und veranstaltete sie in Stuttgart Hamburg und in weiteren unregelmäßigen Abständen in kleineren deutschen Städten. Der Erfolg war vorallem in Stuttgart enorm. In 2010 zog die Party in Berlin um in den größeren Festsaal Kreuzberg und bis zu 1000 Gäste tanzten wie die Verrückten zum rauhen, aber frischen funky soul und Boogaloo Sound der Jahre 1966 – 74. Der Festsaal Kreuzberg erlag 3 Jahre später einem Feuer und die Soul Explosion war gezwungen weiter zu ziehen. Heute findet die Party in wechselnden Locations statt. Ab 1. September 2018 jeden ersten Samstag im Monat im Privatclub.
Dj King Dynamite begann im Jahre 1998 Vinyl Platten zu sammeln und spezialisierte sich schnell auf funky soul, deep funk und boogaloo. Die Idee von Soul Explosion ist die Party so original wie möglich zu machen, eine Reise in die späten 60er und frühen 70er. King Dynamite legt ausschließlich originale Platten, fast ausschließlich 45s (Singles) der Jahre 1966 – 74 auf und JEDER einzelne Song muss 100% sein und natürlich muss jede Scheibe die Tanzfläche unter Feuer setzen.
„Funk“ oder funky Soul entwickelte sich mitte der 60er Jahre aus Jazz, R & B und Soul und wurde nicht nur von den damaligen Scene grössen wie James Brown oder Rufus Thomas gespielt. Vielmehr entwickelte sich in nahezu jeder amerikanischen Großstadt mit einem afroamerikanischem Bevölkerungsanteil eine sehr vitale und virtuose lokale Scene. Wenige wurden überregional bekannt und oft spielten die Bands in den Jazzclubs der Städte oder einfach auf der Strasse. So lässt sich erklären, dass es von vielen Bands nur wenige Aufnahmen bzw. Veröffentlichungen gibt und einige nur 2-3 Singles in Kleinstpressungen veröffentlichen konnten. Boogaloo entstand aus einer Kreuzung des Soul/Funk und traditionell karibischer Musik und wurde von der steigenden Zahl lateinamerikanischer Einwanderer hauptsächlich in New York gespielt.
Natürlich graben wir immer wieder „neue“ und selbstverständlich die besten und seltensten Platten aus und präsentieren sie auf der Soul Explosion dem dankbaren Publikum. Seit 18 Jahren findet die Soul Explosion in Berlin statt und bildet somit ein Clubphänomen abseits aller kurzlebigen Trends! Hier bleibt garantiert kein Tanzbein still und kein Hemdchen trocken !!!
Genre: Singer / Songwriter
Benjamin Francis Leftwich wird im Frühjahr nächsten Jahres auf Europatour gehen und auch in Deutschland vier Konzerte geben.
Anfang November hat er mit der wunderschönen Single ‚Gratitude‘ einen ersten Einblick in sein neues Album gegeben, welches nächstes Jahr im Frühling bei Dirty Hit veröffentlicht wird. ‚Gratitude‘ beruht auf dem Fundament der bisher veröffentlichten EPs, bringt aber mehr elektronische Elemente mit ein. Die Single ist düsterer und wesentlich aufwendiger produziert als die vorherigen Alben, gleichzeitig behält der Sound seine greifbare Emotionalität, die schon immer in Leftwichs Songs zu hören war. Weit und überweltlich klingt seine neue Idee von Musik, gleichzeitig ist sie noch immer in dem hölzernen Körper mit den sechs Saiten verwurzelt. Dadurch erscheint der Sound wundervoll einfach und erzählt seine erlebten Geschichten.
Nach dem Release seines hochgelobten Debüts Last Smoke Before The Snowstorm (VÖ 03.07.11 | Dirty Hit) änderte sich Leftwitchs Lebensweg in eine unerwartete Richtung, als er durch die härteste Phase seine Lebens ging: Der Verlust seines Vaters, der wichtigsten Inspirationsquelle des Künstlers. Nach fünf langen Jahren kam schließlich sein zweites, sehnsüchtig erwartetes Album After The Rain (VÖ 19.08.16 | Dirty Hit) heraus. Nochmal drei Jahre müssen seine Fans warten, bis sein drittes Album im Frühjahr 2019 endlich erscheint. Nach ‚Gratitude‘ ist jedoch klar, dass auch dieses Album ein einzigartiges Meisterwerk von Benjamin Francis Leftwich werden wird.
„For me it represents the searching for a whole new horizon following the cyclical and self destructive nature of pain and struggle…“ (Benjamin Francis Leftwich via Twitter)
At 20, Rosie has spent close to half of her life in the music industry, developing a debut body of work to be unveiled across the next year. She left school in rural Ireland at just 13 to showcase in New York and Los Angeles and was signed to a major before she was old enough to drive. Her later teen years were absorbed by twin struggles of asserting herself creatively in a larger system – ultimately leaving it all together – while facing her own challenges with mental health.
Throughout her youthful evolution, the one constant has been her songs, which play a dual role of being both cathartic and empowering, “Songs that feel lived-in and worn, conveying a bruised ache well beyond her years.” – NPR
Genre: Singer-Songwriter, Pop
Wer die aktuelle Single der Songwriterin aus New York hört, wähnt sich auch im grausten Winter plötzlich in dem Land, deren Namen der Song trägt: „Mexico“. Austers rauchig laszive Stimme, eine Geschichte von Sonne, Staub und gefährlichen Liebschaften, eine nostalgische Film-Noir-Stimmung und dazu diese unwiderstehlichen Mariachi- Bläser – man kann sich gar nicht dagegen wehren, direkt in Austers Welt zu tauchen und mit ihr in einem alten Cabrio über den Grenzübergang zu rasen. Diese Liebeserklärung an ihre Kunst ist übrigens ausdrücklich nötig, damit nicht wieder alle nur schreiben: Paul Austers Tochter macht auch Musik. Denn natürlich ist sie die Tochter der zwei weltweit angesehenen Schriftsteller Paul Auster und Siri Hustvedt, aber Sophie Auster ist eben auch eine faszinierende Schauspielerin und Songwriterin, die schon im Teenageralter Jazz-Standards performte. Zuletzt zu hören 2015 auf ihrem Album „Dogs and Men“.
„Next Time“, das am 15. März 2019 erscheint, führt diesen Entdeckerdrang noch ein wenig weiter und schlägt völlig selbstverständlich einen Bogen von „Mexico“ zu hypnotischem Crooning auf „Tom C“, und verrauchtem traurigen Jazz wie in „Black Water“.
Genre: Jazz, Pop-Rock, Electronic
Trashy pop-rock, combined with grungy vibes and electronic sounds, framed by outstanding song writing of highly acclaimed musicians, makes this band an experience in itself. It ́s an artistic statement, a sonical trip, a smack in the face, a recreation of a musical identity that sets the band up into a new artistic journey where a sensitivity for clear pictures goes hand in hand with a powerful soundscape and a deep connection to their musical roots.
Genre: Singer-Songwriter, Folk
Eine Künstlerin, die auf der Bühne mit einer fast unerträglichen Intensität agiert wie Aldous Harding, einfach nur „Sängerin“ zu nennen, wäre vermessen. Ihre Auftritte sind theatralische Inszenierungen der Körperlichkeit. Sie tanzt mit stählerner Inbrunst durch ihre Show und durch einen Mischmasch aus Gefühlen. Wie eine Puppe beim japanischen Bunraku-Theater, die ihren Ausdruck in Sekundenschnelle vom unschuldigen Mädchen in den eines finsteren Monsters verwandeln kann, verändern sich auch ihre Songs.
Ihre „gothic fairytales“, wie die Sängerin selbst ihre Songs nennt, ziehen ihre hypnotische Kraft aus der entwaffnenden Offenheit der trostlosen Bildern und der zurückgenommenen Instrumentation. Die Grundthemen sind Tod, Geburt, Trauer, Trost und Liebe. Schon mit „Party“ erweiterte sie ihr musikalisches Spektrum über das ursprünglich leicht folkige Singer/Songwritertum hinaus. Die Gitarre steht immer noch im Mittelpunkt, doch elektronische Klänge, dezente Beats, ein Flügel und düstere Sounds betonen den schwereren Charakter der Party.
Im Moment beendet Harding die Arbeiten an ihrem dritten Studioalbum. Ihr zur Seite steht dabei wieder der Produzent John Parish, der – neben seiner wegweisenden Zusammenarbeit mit PJ Harvey – auch sowohl für das Debütalbum als auch für die letzte Platte mit dem Titel „Party“ der Neuseeländerin verantwortlich war. Mit diesem Werk vom vergangenen Jahr katapultierte sie sich weltweit in die Köpfe und auf die oberen Plätze unzählige Jahres-End-Polls.
Die Tochter zweier Musiker, die eigentlich nie selbst professionell auf die Bühne gehen wollte, hat ihre Sprache gefunden, und man darf sehr gespannt sein, wie sie sich auf der kommenden Platte – über die noch kaum etwas bekannt ist – weiterentwickelt. Im Mai kommt Aldous Harding für eine exklusive Show nach Berlin und präsentiert ihre neuen Stücke.
Genre: Electronic, Alternative
THOSE GODDAMN HIPPIES was born from a desire to find new meaning in life. At times fragile and at times bold with declarations of hope, their sound is refreshingly insightful. Their upcoming debut album ‘purpose’, is a thoughtful and rich musical offering with complex rhythms weaving around tender vocals. A cinematic sound experience fueled with positive melancholy.
Genre: Folk, Pop
Ob Fake News, Verschwörungstheorien, staatliche, industrielle oder häusliche Lügen, die Nachrichten erinnern uns immer wieder daran, dass diese Verzerrungen der Realität heute Teil unseres täglichen Lebens sind. Tétés neues Album kommt als umgekehrte Frage zu dieser unvorhergesehenen gegenwärtigen Zukunft: „Wie kann man sich über seine Wahrnehmung im Klaren sein?“ Daher das Konzept der „Fauthentique“, wobei der französische Ausdruck für „falsch authentisch” steht.
Die Platte wirkt wie ein Epos des Schwindels, eine Art melodische Illusions-Odyssee, die auf organischer Programmierung basiert. Falsche Naivität. Falsche Akustik. Fauthentique.
Tété wuchs mit den Beatles, Tom Waits und diversen Jazz-Sängern auf (die Lieblingsstücke seiner Mutter). Die Ankunft von Hip Hop in Frankreich in den frühen 90er Jahren ist seine erste musikalische Offenbarung. 16 Jahre später beginnt er Gitarre zu spielen und schreibt seine ersten Songs. Ein paar Jahre später beginnt er, in Bars aufzutreten und überlegt, davon zu leben. Das sagt er absichtlich: „Das Glück ist greifbar, wenn man bereit ist, es zu akzeptieren“.
Tété ist seit seiner Jugend ein begeisterter Gitarrist und veröffentlicht 2001 sein erstes Album: “L’air de Rien”. Seine Weihe kommt zwei Jahre später mit “À la faveur de l’automne”. “Le sacre de Lemmings et autres contes de la lisière” wird 2006 veröffentlicht: Eine Sammlung von Geschichten, die ihn an Orte wie Japan, Australien, Großbritannien und die USA führt. “Le premier clair de l’aube” ist minimalistischer als die vorherigen Alben und wurde in den USA aufgenommen. Es feiert die Blues- und Folkmelodien, die er als junger Mann liebte.
Seitdem hat Tété nicht aufgehört – sei es das auf Tour gehen oder das Songwriting für sich selbst und andere Künstler (Gaël Faure, Fréro Delavega, Mayra Andrade….), oder die Moderation von verschiedenen Fernsehsendungen (wie“ Tété ou Dédé“ mit André Manoukian), die das Duo durch die ganze Welt brachte, um Musiker im Auftrag des französischen Fernsehens zu interviewen).
Nach mehreren Tourneen, die ihn um den kompletten Globus brachten (Japan, Australien…) und mehr als 500.000 verkauften Platten, veröffentlicht Tété ein fünftes Album: “Nu là-bas”, das 2013 veröffentlicht wurde.! “Les Chroniques de Pierrot Lunaire”, die 2016 an die Quelle zurückgeht, will zur Quelle zurückkehren: Zwischen Blues und Folk schwebend, verbindet sich seine klare Stimme mit der Einfachheit und dem Minimalismus seines frühen Materials.
Tété gönnt sich dann nach einer weiteren Welttournee (Japan, Kanada, Deutschland, Holland…) eine Pause, um ein wenig zu atmen, um sich mit neuer Musik zu füllen und die Zeit mit seinen Lieben zu verbringen, einen Schritt zurückzutreten von einer Welt, in der alles manchmal etwas zu schnell geht, um sich vor dem zu bewahren, was manche als „Aufmerksamkeits- Burn Out“ bezeichnen.
Innerhalb dieser wenigen Monate entwickelt der Singer / Songwriter 12 neue Songs, die er zusammen mit seinem langjährigen Kollegen Johan Dalgaard in seinem eigenen Studio schreibt, komponiert und produziert.
“Fauthentique” soll eine optische Illusion sein. Es ist eine musikalische Collage, die darauf abzielt, ein Trompe l’oeil zu sein. Alle Lieder sind echt wahr, aber können wir dasselbe über unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum sagen? „Fauthentique“ erscheint am 01. Februar 2019. Im Mai kommt Tété dann mit seinem neuen Album für sechs Termine nach Deutschland.
Genre: Pop | Rock
Lebenswerke werden überbewertet. Chris Hyla hat seins vorsorglich weggeschmissen. Wie das klingt, erzählt seine aktuelle Platte „Lebenswerk X“. Das Leben schmeckt am besten pur: Du und eine Flasche Wein im Garten deiner Eltern; mit deinen komischen Freunden auf den Straßen deiner Stadt, Regentropfen in den Grübchen; das Gesicht deiner großen Liebe auf einem verbrannten Foto.
Das Leben ist oft kompliziert, außer wenn du mit ihm tanzt, stolperst du einmal zu oft über ein fremdes Lächeln, fällst hin, stehst auf und wünschst dir eine Zigarette.
Es gibt zwei Arten von Menschen: Schafe und Wölfe. Chris Hyla ist beides: ein rarer Popmusiker von der Sorte, die im Unterhemd zum Opernball erscheinen können, ohne rauszufliegen. Der Pop ist die Arena, auf die er den Wolf los lässt: Seine Texte schnörkellos ehrlich, seine Stimme eine Stahlfeile an den Gitterstäben, die dich von dem abhalten, was dich glücklich macht. Und das Schaf? Das schweigt und kaut. Aber fühlen kannst du es: Weiche, fette Synthiewolle und Ohrwurmmelodien, die leicht eine ganze Herde in Hüftschwung versetzen.
„Lebenswerk X“ ist ein persönliches, menschliches Album, genauso tierisch und widersprüchlich wie das Menschsein selbst. Hyla schafft süß-saure Projektionsflächen, in denen Platz ist für dein Lachen und deine Tränen, deine Wut, deine Hoffnung, für Chancen und Krisen. Er schöpft dabei aus dem Einzigen, das wir als Menschen haben: dem eigenen Menschsein. Bei einem, der sein Herz auf der Zunge trägt, umfasst das nicht nur die rosigen Vorzeigemomente; nee: Hylas Geschichten sind erfrischend dreckig und staubig.
Das tut gut in der Zeit von Instagram-Filtern und Tiernasenprofilfotos. Was er erzählt, wie es dabei klingt, ist so echt wie du und ich. Man könnte auch sagen: authentisch – aber mal ehrlich, das schreibt erstens jeder und zweitens glaubt es einem keiner.
„Lebenswerk X“ ist das erste Album von Chris Hylas Projekt Schafe & Wölfe. Es erzählt die Geschichte einer jungen Wildheit, die Bedacht und Tiefe gewinnt, um am Ende auch nicht schlauer, aber vielleicht ein klein wenig weiser zu sein. „Lebenswerk X“, das ist Synthpop mit Eiern und lyrischem Sprechgesang – kürzer kann man es kaum sagen. Es ist tanzbar, kuschelbar, feierbar und wunderbar. Wer das anders sieht, dem fehlt aller Wahrscheinlichkeit nach eine von zwei Zutaten im Leben: Schaf oder Wolf.
– Renan Cengiz, 2018
Genre: Electro Pop
HYPHEN HYPHEN stammen aus dem französischen Nizza. Dort schloss sich das inspirierte Trio im Rahmen des gemeinsamen Studiums der bildenden Künste zusammen. Es ist ja immer gut, wenn Popkünstler eher kunst- als kommerzgetrieben sind – doch leider nicht immer von Erfolg gekrönt. HYPHEN HYPHEN aber sind mit ihrem kunstvollen Elektro-Popstil auf dem bestem Weg nach oben – so geht’s:
Eine Auszeichnung als Best New Live Act 2016, ein Deal bei der Parlophone Label Group, Warner, und ein hitversprechendes Team um sich herum, das bereits Stars wie Mariah Carey, Beyoncé, Christina Aguilera, Christine and the Queens oder Kayne West in die Charts brachte.
In Frankreich stehen HYPHEN HYPHEN kurz vorm Dernier Cri – dem berühmten letzten Schrei – auf dem Reeperbahn Festival 2018 brachten sie Fans intelligenter Popmusik zum Kreischen und 2019 schreit förmlich danach, das HYPHEN HYPHEN-Jahr zu werden. Nach über 200 Konzerten in den letzten zwei Jahren, der Produktion eines gefeierten zweiten Albums („HH“) und zwei Hit-Singles („Like Boys“, „Mama Sorry“) kommen sie im Mai zurück nach Deutschland – mit ihrer opulenten Electro Show, die beweist, dass Synthwave wieder Disco und Popkultur doch große Kunst ist.
Wegen eben diesem energiegeladenen und mitreißenden Auftreten wurden HYPHEN HYPHEN zur „Bühnenoffenbarung des Jahres“ im Rahmen des französischen Musikpreises „Victoire de la Musique“ 2016 gekürt.
Genre: Alternative Rock
Yonaka aus Brighton haben in den vergangenen anderthalb Jahren einen kometenhaften Aufstieg hingelegt. Im Oktober 2017 erschien die Debüt-EP „Heavy“, die das Quartett direkt ins Vorprogramm von Andrew WK und Don Bronco und im Anschluss in die Arenen Großbritanniens geführt hat, wo sie der Support-Act für Bring Me The Horizon waren.
Aber Sängerin Theresa Jarvis, Gitarrist George Edwards, Bassist Alex Crosby und Schlagzeuger Robert Mason haben von Anfang mehr vorgehabt und 2018 gleich zwei weitere EPs nachgeschoben. Auf „Teach Me To Fight“ und zuletzt „Creature“ führen sie ihren Sound konsequent weiter. Auf Letzterer geht es um eine gespaltene Persönlichkeit, grade so wie sich die Musik in zwei Richtungen zugleich zu entwickeln scheint. Da ist einerseits der groovige Electro-Pop-Ansatz mit diesen geschwungenen Melodiebögen und den hymnischen Refrains, die von Jarvis’ charakterstarken Stimme getragen werden, die in die tiefste Seele der Lyrics vorstoßen. Auf der anderen Seite schlagen die schweren Indie-Rock-Riffs zu Buche, die dem Klang diese erdige Schwere und rhythmische Struktur geben. Wenn dann beim letzten Stück, der Coverversion „She’s Not There“ der psychedelischen Popikonen The Zombies, ins Verlangsamte, Tiefdüstere abrutscht, hofft man, dass hier bald noch viel mehr aufregende neue Musik aus England auf uns zukommt.
Dieser aggressive Alternative Rock mit slickem Pop-Appeal ist schon was ganz Besonderes und lässt für die ersten Auftritte von Yonaka in Deutschland im Mai Großes erwarten.
Genre: Singer-Songwriter
Die irische Sängerin, Gitarristin und Multi-Instrumentalistin Bridie Monds-Watson alias SOAK griff zwar erst relativ spät erstmals zu einer Gitarre – damals war sie 14 Jahre alt –, das positive Feedback auf ihre erste Veröffentlichung war dennoch gewaltig. Mit ihrer brüchigen Stimme performt sie tiefschürfende Gedichte, die sie in ein eigenwilliges Klangbett gießt. Das beweist bereits ihr Künstlername SOAK, ein Zusammenschluss aus ‚Soul‘ und ‚Folk‘ – und selbst diese Genre-Bezeichnungen geben ihren außergewöhnlichen Stil nur unzureichend wieder. Seit Veröffentlichung ihres Debütalbums „Before We Forgot How To Dream“ im Jahr 2015 erhielt sie nicht nur weltweit überwältigende Kritiken, sondern obendrein eine ganze Reihe an renommierten Preisen, darunter den Choice Music Award für das beste Album des Jahres, je einen Northern Irish Music Prize und einen European Border Breaker Award, sowie als eine der jüngsten Künstlerinnen überhaupt eine Nominierung für den Mercury Prize. Nach ausgiebigen Tourneen durch Europa kündigte die mittlerweile 22-Jährige mit der Anfang Oktober erschienenen Vorab-Single „Everybody Loves You“ die Veröffentlichung ihres zweiten Albums an, das für das Frühjahr 2019 erwartet wird. Im Mai kommt SOAK sodann für drei ihrer stets höchst nahbaren Konzerte nach Deutschland, mit Stationen in Hamburg, Berlin und Köln.
Musik sei, so berichtete die aus dem irischen Derry stammende Bridie Monds-Watson in einem Interview, anfangs nichts weiter gewesen als ein Vehikel, um ihre lyrischen Gedanken in konkretere Formen zu bringen. Ihre ersten Gehversuche auf der Bühne unternahm sie sodann mit einer – wie sie sagt – „eher miesen Band“, bevor sie sich dazu entschied, ihre Musik alleine aufzunehmen und live zu performen. Bereits ein Jahr nachdem sie mit dem Gitarrespielen begonnen hatte, blickte sie auf eine gewisse lokale Berühmtheit – ihre intimen Shows wurden beschrieben als eindringliche, berührende Momente, die den Blick in die Gedanken und Emotionen eines reflektierten Teenagers erlauben.
Eine erste, selbst aufgenommene EP mit dem Titel „Sea Creatures“ fand viel Anklang auf YouTube und Soundcloud, und so wurde die Band Chvrches auf SOAK aufmerksam und ermöglichte ihr, mit „Blud“ ihre erste offizielle EP sowie im Mai 2015 auch ihr Debütalbum „Before We Forgot How To Dream“ zu veröffentlichen. Auch für diese Veröffentlichungen spielte sie alle Instrumente selbst ein – schon deshalb, um über die große Intimität ihrer sehr persönlichen Gedanken auch bei der klanglichen Ausgestaltung weiterhin die volle Kontrolle zu behalten.
Seit der Veröffentlichung von „Before We Forgot How To Dream“ ist das Feuilleton der arrivierten britischen Tageszeitungen voll des Lobes für SOAK. Der Guardian etwa beschrieb ihre Musik als einen „jungen Paul Brady, der in der Tonlage von Joni Mitchell das Tagebuch der Anne Frank singt“, während der Telegraph ihre Musik bereits mit Größen wie „Cat Power im Chillwave-Feeling von Bands wie Beach House und Best Coast“ verglich. SOAK selbst sagt, ihre größten Einflüsse fänden sich zwischen Abba und Pink Floyd, und dass sie keine Ahnung habe, wie man ihre Musik kategorisieren könne: „Ich habe keine Idee, in welches Genre ich passe. Was ich tue, ist schon ein wenig schräg, ebenso sehr Alternative wie Folk.“
Spannend bleibt es damit allemal, inwieweit sich der Sound ihres kommenden, zweiten Albums verändert hat. Mit der unmittelbar einnehmenden Vorab-Single „Everybody Loves You“, einer selbstironischen Abrechnung mit dem Konzept, mit sich selber stets sehr gnädig zu sein, bestätigt sie den Eindruck ihres ersten Albums nachdrücklich, dass sie eine herausragend musikalische, ebenso ätherisch wie selbstbewusst agierende junge Künstlerin zwischen Poesie und hinreißenden Songs ist.
Genre: Folk Rock / Indie
Auf Timothy Showalter’s Album „Heal“ war der bedachte, ruhelose Folk seiner ersten drei Alben zunehmend synth- und gitarrenlastigen Klängen gewichen. Auf seinem darauffolgenden Werk „Hard Love“ (2017 | Dead Oceans) und dem im Jahr 2018 (selbst-) veröffentlichten „Stiefbruderalbum“ „Harder Love“ geht der musikalische Weg noch mehr in die Richtung eines dynamischen, fast kompromisslosen neuen Bandsounds. Die Musik von Strand Of Oaks auf diesen Alben brodelt und bebt, sie ist voller Leben – in allen seinen Facetten und Widersprüchlichkeiten.
Jetzt kündigt Tim Showalter alias Strand Of Oaks sein sechstes Studioalbum “Eraserland” (VÖ 2019) an, welches zusammen mit dem Großteil der Bandbesetzung von My Morning Jacket entstanden ist. Jeder Song wurde live aufgenommen, während alle Musiker gemeinsam in einem Raum spielten, die suggestive Kraft der Musik entsteht aus der gemeinsamen Spontanität im Studio.
Wir sind gespannt, welche Überraschungen uns auf dieser Platte erwarten werden, und freuen uns darauf, die Liveumsetzung der neuen Songs im Konzert erleben zu können.
Genre: Indie Pop
Die Unverfrorenheit ungeschliffenen Slacker Rocks und die catchige Melancholie moderner Indiepop-Acts: Das ist der Boden, auf dem Some Sprouts gedeihen. Vintage-Synth-Sounds geben die Nährstoffe, die markante Stimme von Sänger Joshua das Wasser, sodass der Entfaltung der Sprouts keine Grenzen gesetzt sind.
So tourten die fünf Regensburger mit ihrer Debut-EP „Florescer“ quer durch Deutschland – erregen dabei aber Aufsehen, das über die deutsche Indie-Szene hinausgeht: Etablierte Gröflen aus den USA wie We Are Scientists oder Albert Hammond Jr (The Strokes) wurden auf Some Sprouts aufmerksam und machten sie zum Deutschlandsupport für ihre eigenen Touren.
Im Oktober 2018 veröffentlichten Some Sprouts ihre neue EP „IMMT“. Die EP zeigt die Entwicklung der Band, die sie seit ihrer Debut-EP durchlaufen hat und verbindet noch klarer ihre zwei Haupteinflüsse aus vorantreibenden Indie-Rock und träumerischen Pop/Folk Sound.
Nach der grandiosen IMMT TOUR 2018 gehen Some Sprouts 2019 erneut auf Tour und sind am 25. Mai live im Berliner Privatclub zu sehen.
Genre: 6ts & 7ts Upfront Rare Soul
Nach dem phänomenalen Kracher ReggaeSteadySoul „Mix It Up – Soul Boys playing Rocksteady, Rudeboys playing Soul“ zu Silvester hat uns eine so nicht erwartete FLUTWELLE an positiven Feedback und der nicht zu überhörende Wunsch nach baldiger Wiederholung erreicht. Daher denke wir, das die Mitte des Jahres (so mehr oder weniger) der richtige Zeitpunkt ist, Euch und uns den Gefallen zu tun und zur zweiten Runde, BEST IN SOUL, BOSSIEST IN REGGAE einzuladen. Um der dicken Worthose aber auch vinylige Töne gleicher Güte folgen zu lassen verzichten wir diesmal auf vertauschte Rollen. Vielmehr bieten wir Euch neben den Siebziger Soul Biscuits von Franz und dem 6ts Upfront RARE SOUL von Marc mit JUDGE CELIK (Reggae Hit The Town Nürnberg) und THEE SNUFFERER (Right On Time Köln) zwei der wohl europaweit gefragtesten deutschen Reggaeboys ! Rocksteady and Soul, es kommt (wieder) zusammen was zusmamengehört.
Two strokes of the same breed!
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Germanys oldest and longest running Soulclub, one of the few places where todays biggies meet yesterdays dream classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar 6ts/7ts/8ts tunes! We dont do playlists. You have to be there to get IT.
Hip City Soul Club – still going strong after 27 long and fantastic years – and still one of the few places where todays biggies meet yesterdays classics and get mixed with the semi-known and fresh under the radar tunes!
– THE REAL DEAL –
Genre: Singer-Songwriter, Folk, Americana
A.A. Bondy ist einen weiten Weg gegangen, seitdem er als Scott Bondy in den 90er Jahren die Grunge-Band Verbena anführte. 2007 veröffentlicht Auguste Arthur Bondy, so sein richtiger Name, mit „American Hearts“ sein Solodebüt, das größtenteils in Eigenregie entstand. Das Label Fat Possum entdeckt schnell das Talent des Musikers aus Birmingham, Alabama und veröffentlicht zwei Jahre später „When The Devil’s Loose“, das wie A.A. Bondys erstes Album weitgehend aus akustischen Klängen besteht.
Bondy tüftelt seitdem ununterbrochen an seinem Sound und kreiert eine Mischung aus Folk, Rock-Elementen sowie Einflüssen aus Gospel und Soul. Ein Mix, der nach eigener Aussage „Raum für Wunder lässt“.
Im Mai erscheint mit „Enderness“ das vierte Album von A.A. Bondy. Mit diesem im Gepäck steht er am 28.05 im Berliner Privatclub auf der Bühne.
Genre: Indie
Die Geschichte von Michael Spieler, Timothy Lush, Kerim Öke und Thomas Sedlacek dreht und windet sich bereits seit 2012.
Seit der Schülerband machen sie in verschiedenen Konstelationen zusammen Musik, in dieser Zeit haben die Münchner viel an ihrem Sound und Songwriting gearbeitet und 2015 die ON THE RUN EP unter dem Milky Chance Label Lichtidicht Records released. Es folgte die erste Tour durch die Republik und eine große Festival Runde mit Stationen beim SXSW 2016 in Austin / Texas, Melt! Festival und MS Dockville. Das Debüt Album HEADS AND TALES, im September 2016 veröffentlicht, landete auf #14 der iTunes Alternative Charts, die Songs wurden bis dato mehr als 7 Millionen mal auf Spotify gestreamt.
Kytes begannen im Sommer 2017 die Arbeiten am Nachfolgealbum zusammen mit dem Wiener Produzenten Filous, parallel dazu spielten sie auf weiteren europäischen Festivals u.a. The Great Escape (UK), Sziget (HUN) und FM4 Frequency (AU). Im April diesen Jahres headlineten Kytes die egoFM Feste und eröffneten quer durch Europa den Abend für die Indie-Heros Shout Out Louds und Everything Everything. Jetzt gehen Kytes, die mittlerweile mehr als 250 Shows auf dem Buckel haben, mit viel neuer unveröffentlichter Musik im Gepäck für 5 exklusive, kleine Club Konzerte auf Tour.
Genre: Psychedelic, Garage, Rock
Mit „Plum“ veröffentlichen Wand aus Los Angeles ihre vierte LP. Die neue Platte ist aber auch das langersehnte, erste Album nach zwei Jahren und ein Meisterwerk des Psychedelic-Rocks.
Das Laut- und Leise-Spiel beherrschen Wand wirklich perfekt. In seiner Verschrobenheit erinnert das Ganze an frühe Pavement-Werke und spätestens, wenn im Video zu „Plum” Wackeldackel, Liveaufnahmen und der letzte Wald-Ausflug der Band hinter einer blauen Wolke zusammengeschnitten werden, weiß man, dass Wand sich selbst nicht allzu ernst nehmen, dafür aber ihren künstlerischen Auftrag.
Nach einer grandiosen Show im November letzen Jahres spielen Wand am 30.05. erneut in Berlin. Jetzt Tickets sichern!
Genre: Indie Pop, Folk
Jesse Mac Cormack, dessen Songs millionenfach gestreamt und international für begeisterte Kritiken gesorgt haben, könnte man getrost als „neuen Held des modernen Folks“ bezeichnen. Der Soul von Bill Withers, der Pop-Appeal der Beatles, Caribous Folktronica, westafrikanischer Blues— Mac Cormacks Einflüsse reichen weit und verschmelzen mit seiner Stimme zu einem unnachahmlichen Sound. Mit der Veröffentlichung seines ersten Albums im Frühjahr wird der kanadische Multi-Instrumentalist und Songwriter im Mai 2019 ebenfalls erstmals auf eigene Headline-Tour nach Deutschland kommen und sein neues Material live präsentieren.
Genre: Indie | Prog Rock
In einer Zeit, wo “Kontent” ein konstant reißender Fluss geworden ist, geben wir die Hoffnung nicht auf, dass auch die ehrliche und ambitionierte Kunst seinen Weg finden wird. Die Art von Kunst, die emotional und geistreich daherkommt und uns inspiriert, motiviert und vielleicht auch innehalten lässt. Die Art von Kunst, die laut in ihrer Motivation, aber feinsinnig in ihrer Wahrheit ist.
Genau dies trifft auf das neue Album “Ten Seated Figures” von Yes We Mystic zu, das am 19.04. weltweit erscheint. Mit diesem sicher sehr ambitionierten Werk haben sie etwas Größeres geschaffen als die beiden Vorgänger. Gesänge und Instrumente stehen gleichberechtigt nebeneinander, kreieren einen “Wall of Sound” so kompakt und so komplex, dass es recht schwierig erscheint, deren Herkunft in eine Schablone zu pressen.
Yes We Mystic kommen auf Tour und werden uns dieses monströse Album präsentieren, welches das Ergebnis einer monatelangen, kreativen Explosion ist, die ihre Bestimmung als “Art-Pop-Transformers” zeigt.
Viele musikalische Überraschungen warten auf den Hörer und werden vielleicht dazu animieren, die Dinge, die wir sehen und hören etwas mehr in Frage zu stellen.
Genre: Soul, Pop
Im Juni kommt der Singer-Songwriter Jeangu Macrooy auf seine erste Headliner Tour nach Deutschland und spielt vier Konzerte in Köln, Hamburg, München und Berlin.
Jeangu ist in Suriname geboren und aufgewachsen. 2014 beschloss er, seine musikalische Karriere in den Niederlanden fortzusetzen, wo er seitdem mit dem Produzenten und Komponisten Perquisite erfolgreich zusammenarbeitet. Sein Debütalbum „High On You“ wurde 2017 für einen Edison Pop Award als „Best Album“ nominiert. Darauf hin spielte er unter anderem auf dem Lowlands Festival sowie dem North Sea Jazz und beendete das Jahr 2017 mit einer ausverkauften Homecoming-Show in Suriname.
Seit seinem Debüt hat er sich zu einem selbstbewussten Mann und Künstler entwickelt, der die Welt erforscht, getrieben von Neugier und Lebenslust. „Ich möchte Wiederholungen vermeiden“, sagt er. „Sobald ich in meinem Songwriting bestimmte Muster erkannt hatte, stoppte ich und versuchte herauszufinden, ob es alternative Wege gibt, um darüber nachzudenken.“
2018 war Jeangu zusammen mit Curtis Harding und Trombone Shorty auf Tour und begeisterte das Publikum mit seiner Mischung aus Soul und Pop.
Genre: Indie, Garage Rock
Mit ihren zügellosen Riffs und unwiderstehlichen Hooks sind Ex Hex ein Powertrio der Extraklasse. Angeführt wird die reine Frauenband von Sängerin und Gitarristin Mary Timony, einer Musikerin, die etlichen Fans von ihren früheren Bands Helium und Wild Flag her bekannt sein dürfte. Gemeinsam mit Drummerin Laura Harris und Bassistin und Sängerin Betsy Wright ist ihr mit „Rips“ (2014) ein famoses Album gelungen, das auf große Anerkennung bei Kritikern stieß. „Es ist genug Energie in „Rips“, um den ganzen Energiebedarf eines kleinen Landes komplett zu decken“, schreibt NPR Music über Ex Hex.
Spätestens nach ausgiebigen Tourneen in 2015 und 2016, gilt die Band inzwischen als ein verwegenes Rocktrio mit eindrucksvollen musikalischen Fähigkeiten und einer rasenden und unverfrorenen Liveshow. Zwischen Power-Pop und Glam, Punk und New Wave pendeln die Songs von Ex Hex, die zudem die Inspirationsquellen des Garagen-Pop-Trios aus Washington/DC offenbaren und dabei mit viel Retro-Touch extrem frisch daherkommen: Ramones und Johnny Thunders, Blondie, The Pretenders, Tom Petty oder die Runawys.
Ex Hex sind schon lange eine der besten amerikanischen Gitarren-Bands, aber mit ihrem zweiten Album „It’s real“ (VÖ 2019) wird ihre musikalische Gerissenheit in Kombination mit einer Alles geht-Attitüde und der Hingabe zur Perfektion noch deutlicher. Ergebnis ist eine Platte, die in maximaler Lautstärke gehört werden möchte. Am besten live.
Genre: Singer-Songwriter, Indie, Pop
Max Jury meldet sich mit einem neuen Album zurück: Im Mai erscheint mit „Modern World“ der Nachfolger des gefeierten Debüts, mit dem sich der Amerikaner aus dem Stand ganz nach oben katapultierte. Schon vorab gibt es die Single „Sweet Lie“ in voller Pracht zu hören. Mit dem neuen Werk liefert der 26-Jährige, der bekanntlich schon ein paar Jahre regelmäßig in Paris lebt, ein wunderbar klingendes Gegengift für den überwältigenden Ansturm des alltäglichen Wahnsinns.
Schon mit seiner ersten Single „Numb“, welche zig Millionen Streams auf Spotify erreichte, gelang ihm der Durchbruch. Doch der Erfolg forderte auch seinen Tribut, wie Jury heute offen bekennt: „Auf dem neuen Album hört man die erste Musik, die ich im Studio nüchtern aufgenommen habe.“ Ein Entzug sei nur das eine gewesen. Das andere war die Ursachenforschung. Wie geht man mit einer Krankheit um, die offenbar eine ganze Generation angesteckt hat: Die Einsamkeit, die ewige Langeweile und der Suche nach Erlösung von was auch immer. Das Ergebnis dieses Prozesses ist „Modern World“ und der Weg dorthin ein Neustart als Sänger, als Songwriter, als Künstler.
Wie sich das anhört, kann man schon jetzt in allerdings reduzierter Version hören: Jury entschloss sich, einige der Songs des neuen Albums in akustischen Demo-Versionen vorab zugänglich zu machen. Insbesondere zwei Schlüsselstücke: Das eher resignierte „Primrose Hill“ und das überaus persönliche Titelstück, ein souliger Song über die tägliche Tretmühle. Sie stechen dabei hervor und zeigen einen reflektierten Musiker, der eine offensichtlich schwere Krise kreativ überwunden hat. Gleichzeitig hört man hier auch schon die neuen Einflüsse heraus, die das Album prägen: Ella Fitzgerald, Chet Baker, John Coltrane, Miles Davis und Donald Byrd bringen mehr Jazz in die Tracks, die elektronischen Pop-Produktionen eines Kanye West den fülligen Sound. Die Arrangements sind noch weitgehender als beim Debüt, die Streicher klingen satt und voll aus den Speakern, der Background-Gesang hebt das Feeling auf ungeahnte Ebenen.
Jetzt darf man sich freuen, wie Max Jury das alles live umsetzt, wenn er im Juni für eine exklusive Show nach Berlin kommt. Mit der neuen Platte hat er jedenfalls das Zeug, zu einem begnadeten Crooner zu werden.
