Genre: Pop

We Three ist ein Pop-Trio aus Geschwistern aus Oregon (USA), das 2018 an der NBC-Show „America’s Got Talent“ teilnehmen konnte und viele Menschen mit Ihrer Lebensgeschichte berührt haben. Dort konnte das Trio bis ins Halbfinale vorstoßen. Im März 2020 befindet sich das Geschwister Trio auf Deutschland, Österreich und Schweiz Tournee.

Genre: Pop

Stolz. Feminin. Und ungeheuer zielstrebig. Wer das erste Mal mit Laura Lato über ihre Musik spricht, merkt sofort: Die Frau hat’n Auftrag. Die will was. Nun veröffentlicht die junge Künstlerin ihr Debütalbum „Kristallkind“.
Mit ihrem Album legt Laura Lato eine Sammlung moderner und durchschlagkräftiger Pop- Songs vor, die auf internationalem Niveau produziert sind und dabei den Tiefgang deutschen Songwriting-Handwerks aufgreifen. Die großen Fragen einer reflektierten Mitt- Zwanzigerin verwoben in druckvolle, moderne Arrangements.
Thematisch greift Laura Lato alles auf, was sie beschäftigt. Ob es in „Asche der Nacht“ um die Vergänglichkeit eine Party-Liaison geht, die mit dem präsenten Klavier-Pattern das Club-Gefühl passend einfängt oder in „Voodoo“ fast ein bisschen düster wird, wenn die Künstlerin sich selbst als Voodoo-Puppe opfert, weil sie sich für ihre Fehlverhalten gegenüber jemand anderem entschuldigen möchte.
Insgesamt hebt Laura Lato sich angenehm vom aktuellen Singersongwriter-Tum in Deutschland ab. Her mit dem Kleid, rein in die High Heels, Glamour getankt und los geht’s. Das ist moderner Feminismus. Machen Beyoncé & Co uns doch wunderbar vor. Zeit, in Deutschland Denkmuster zu durchbrechen – und das macht Laura Lato nur allzu gern.
Wir haben auf Laura Lato gewartet. Sie selbst weiß das schon ganz lange.

Genre: Chiptune / Indie

namanaguchi ist eine vierköpfige Chiptune Indie Band, die 2004 in New York gegründet wurde. Inspiriert von alten Nintendo Games wie Super Mario Brothers, Zelda und Megaman, produzieren Anamanaguchi einzigartig experimentelle Tracks. Neben traditionellen Bandinstrumenten nutzen Anamanaguchi alte Gaming Hardware aus den späten 80er Jahren. Gitarren gehören bei der New Yorker Band genauso zum Band Setup wie NES oder Gameboys. Sänger und Gitarrist Peter Berkman sagte in einem Interview, dass ihr Sound gleichermaßen von Videospielen, wie auch von einfacher Pop-Musik wie Weezer, Beach Boys oder Janet Jackson beeinflusst wird. Dass Anamanaguchi auch Inspiration in der japanischen Musikkultur finden, erkennt man schnell an den bisherigen Album Covern. Insgesamt drei Studioalben hat die Chiptune Band bisher hervorgebracht: Dawn Metropolis (2009), Endless Fantasy (2013) und [USA] (VÖ 25.10.2019)

Genre: Singer-Songwriter

They say it’s grim up North and one listen of breakthrough singer-songwriter Brooke Bentham’s opening salvo in 2017 might reinforce that sentiment. “It’s funny how small things can wreck away at your life, when you’re not doing anything but living inside,” she sings on the opening track of her debut EP ‚The Room Swayed‘. The swells and plummets of the track – titled ‚Nowhere Near Sense‘ – possess the epic alt rock journeying of War On Drugs or Ryan Adams with the added emotional vocal depths of Sharon Van Etten or Angel Olsen. That all this is the fruits of a 21-year-old from Newcastle might take you by surprise. It carries the weight of someone who’s lived a hundred lives already. Having spent most of her younger years up North, Bentham channels a maturity and life ethic that’s wise beyond her age, a result of having partially raised herself. Her parents worked away from home a lot, so it was often up to Bentham and her three older brothers to fend for themselves. Lending an air of fate too, the experience of being brought closer to elder siblings switched her onto their musical obsessions. The likes of French electro duo Justice and Ed Banger artist Uffie haven’t exactly informed Bentham’s own oeuvre, but being exposed to those sounds early on made her acutely aware of a world outside of commercial pop music. A huge fan of Yo La Tengo, Fleet Foxes, Kevin Morby and Bon Iver, she continued to mine her own creative voice to try and develop something similarly ground breaking. Eventually her first taste of success – a song called ‚Oliver‘ – was a turn in the road. That tune brought her the sonic direction she was working towards. She then moved to London to study Popular Music at the renowned Goldsmith University. It was there, in the artistic atmosphere of New Cross, where she met her fellow band mates and the producer of her upcoming EP. Six months of intense work resulted in a raw interpretation of visceral rock mixed with electronics. Releasing her first EP is one of many firsts to come. In view of her first tour she says smiling “All I ask is for people to just enjoy it, resonate with it!” True to her Northern roots, Brooke Bentham doesn’t ask for much. She’s just ready to work her socks off.

Genre: Folk

Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.

Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.

Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.

Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.

Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.

Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.

Photocredit: Moritz Keller

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Genre: R'n'B / Soul

Ta´Shan gibt weiterhin Gas und bringt ihr internationales Flair nun auf die Bühnen Europas. Ihr multikultureller Background prägt nicht nur ihr äußeres Erscheinungsbild, sondern auch ihren musikalischen Ausdruck. Ta´Shan hat ihren eigenen sogenannten «Bombay-Mami-Sound» gefunden: Ein Mix aus R&B, HipHop, Latin und Pop, mit Einflüssen aus der ganzen Welt. Mit den Singles «High», «This Time», und «Tik Tok» pflasterte sie sich eine vielversprechende Basis für eine spannende Zukunft. Nach der Veröffentlichung ihrer EP «BombayMami Vol. 1» und der Krönung zum «SRF Best Talent», war 2019 ihr bisher erfolgreichstes Jahr. Ta´Shan bedankt sich für die Blumen, ruht sich aber nicht auf den Lorbeeren aus.

Im neuen Jahr wird es im gleichen Tempo weitergehen. Es folgen Konzerte durch die Schweiz, Deutschland und UK, sowie neue Songs aus ihrem Projekt «BombayMami Vol. 2». Die Schweizerin mit indischen Wurzeln lebt aktuell in London. Nach ihren Auftritten beim «The Great Escape Festival» und dem «Glastonbury Festival» in 2019 ist sie nun bereit ihr multikulturelles Bühnenspektakel auch in ihrer Heimat zu präsentieren. Vorhang auf für die beeindruckende Ta‘Shan!

Live zu sehen gibt es Ta´Shan das erste Mal in Deutschland im März 2020 im Rahmen ihrer Europa-Tour.

Genre: Hip Hop / Rap

Bevor Audio88 & Yassin ihr neues bestes Album auf die Menschheit loslassen, geht es noch auf eine ganz besondere Tour! Es wird extrem eng, heiß und intim, da nur sehr kleine Clubs überfallen werden. Das Beste: Es werden erstmalig Lieder vom kommenden Album gespielt und ihr dürft als erste dazu im kleinen Kreis ausrasten, weinen oder ungläubig den Kopf schütteln.
Aufgrund der Größe der Clubs ist das Kartenkontingent der Platzangst Tour sehr begrenzt. Je nach Stadt gibt es nur 100 – 200 Tickets und keine Show wird hochverlegt. Hier sollte man schnell sein!

The Academic im Frühjahr 2020 auf Tour in Deutschland. The Academic sind auf dem Weg.

Genre: Indie-Rock

Irlands poppigster Indie–Export macht sich mit neuen Stücken auf Tour, um mit diesen Hook–gesättigten Tracks unsere Herzen zuerobern. Im Juni erschien „Superlike“, ein zündendes Liebeslied und im September folgte mit dem leicht verhallten „Aftertaste“ ein zweiter Vorgeschmack auf hoffentlich mehr. Sänger und Gitarrist Craig Fitzgerald, Schlagzeuger Dean Gavin und die Brüder Matthew und Stephen Murtagh an Gitarre und Bass haben einmal mehr das richtige Rezept gefunden, ihre Lieder mit großer Geste zu präsentieren. Das Quartett kennt sich schon aus früher Jugend und ist zusammen in der Kleinstadt Mullingar, Grafschaft Westmeath, in den irischen Midlands aufgewachsen. Also ziemlich genau da, wo einem nichts bleibt außer selbst Musik zu machen, wenn man etwas Aufregendes erleben will. Und so träumten sich die vier Jungs mit ihren Songs in eine strahlendere Zukunft. Wobei sie eigentlich nichts gegen das ländliche Irland haben. Es ist schließlich ihre Heimat. Aber die große Welt da draußen erobert man eben nicht in Gummistiefeln, sondern viel eher mit bestechend schöner Musik. Nach einigen Auftritten und ersten Singles erschien im Januar 2018 das Debütalbum „Tales From The Backseat“, auf dem sie all diese Perlen bündelten und noch ein paar neu geschriebene Tracks dazu packten. Dieser poppige Rock, der an die Twenty One Pilots, Circa Waves oder auch The Kooks mahnte, ist unglaublich catchy, steckte aber noch voll adoleszenter Lyrics. Jetzt, ein paar Jährchen älter und reifer, ist die Band textlich wie musikalisch gewachsen und überrascht mit cooler Ernsthaftigkeit und schärferen Produktionen, ohne an jugendlicher Lockerheit zu verlieren. The Academic, das darf man getrost konstatieren, sind gewachsen und noch besser geworden. Im Frühjahr kommen sie mit ihren neuen Songs zu uns auf Tour.

Genre: South African Pop

Find english version below

Das in Kapstadt ansässige Trio Matthew Field (Gesang und Gitarre), Robin Brink (Schlagzeug) und Ross Dorkin (Bass) liefern einen einzigartigen Sound, der mühelos den südafrikanischen Mainstream-Pop besitzt. Von Poesie und Kunst bewegt, ließ sich Matthew von einer Skizze der Schweizer Stadt Beatenberg in einem Buch des Expressionisten Paul Klee inspirieren. Klassisch ausgebildet und lokal inspiriert, gründeten sie sich 2008 mit dem ausdrücklichen Wunsch, uns allen etwas Neues vorzustellen.
Mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums The Hanging Gardens of Beatenberg im Jahr 2014 wurde das Album zu einem Schaufenster für die Möglichkeiten der Popmusik. Beatenberg hat die Rekorde der Radio-Charts gebrochen und dafür zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter sieben South African Music Awards.
Anschließend wurde die Band eingeladen, mit Mumford & Sons in New York und London aufzunehmen und zu touren. Später traten sie in Jools Holland und The Tonight Show mit Jimmy Fallon auf. Diese Publicity veranlasste die Band, einen Vertrag mit Island Records UK abzuschließen, mit dem sie ihr neuestes Album 12 Views of Beatenberg veröffentlicht haben.
Es gibt allen Grund zu der Annahme, dass Field, Dorkin und Brink Südafrikas erster globaler Pop- Erfolg sein werden – und dass sie dies auf der Grundlage eines Sounds tun werden, der in den einheimischen Stilen ihres Heimatlandes verwurzelt ist und sich konsequent in die Zukunft bewegt.

English

Cape Town-based trio, Matthew Field (vocals and guitar), Robin Brink (drums) and Ross Dorkin (bass) deliver a unique sound that effortlessly owns mainstream South African pop. Moved by poetry and art, Matthew took inspiration from a sketch of the Swiss town of Beatenberg, in a book of lectures by expressionist Paul Klee. Classically trained and locally inspired, they formed in 2008 with the express desire to introduce us all to something new.
On the release of their debut album, The Hanging Gardens of Beatenberg in 2014 the album became a showcase for the possibilities of pop music, exploring sounds from around the world. Beatenberg has broken radio chart records and won numerous awards as a result, including seven South African Music Awards.
The band was subsequently invited to record and tour with Mumford & Sons in New York and London as well as making appearances on Later with Jools Holland and The Tonight Show with Jimmy Fallon. This exposure led the band to sign a deal with Island Records UK with whom they have released their latest album 12 Views of Beatenberg.
There’s every reason to believe that Field, Dorkin and Brink will be South Africa’s first global pop success – and that they will do this on the back of a sound that is rooted in their home country’s indigenous styles, unfailingly moving forward to the future.

Genre: Pop

Benoby (bürgerlich Robert Wroblewski) ist kein gewöhnlicher Singer-Songwriter. Er vereint sein Können als Popmusik-Komponist und Texter mit den Hiphop-Skills seiner Jugend – und das auf eine ganz eigene, intime und zugleich offensiv-sympathische Art. Neben seinen Eigenkompositionen ist er auch erfolgreicher Autor für andere Künstler. So schrieb er z.B. die Single „Nur mit dir“ für Helene Fischer. Der Song erreichte sofort Goldstatus.

Seine Debütsingle „Mein fünftes Element“ war mehr als nur ein Achtungserfolg und erreichte über Nacht mehr als 200.000 Streams. Im Februar 2018 erschien dann endlich sein Debütalbum mit gleichnamigem Titel. Fast jeder Song des Albums wurde mit einem Video veröffentlicht, womit Benoby seine Vielseitigkeit und Kreativität unter Beweis stellte. In diesem Zeitraum ging er als musikalischer Gast und Support mit Adel Tawil auf Tour. Er begeisterte über 150.000 Zuschauer mit seinem Talent und seiner Musikalität. Benobys Publikum wuchs immer weiter an. Die logische Konsequenz war die erste eigene ausverkaufte Clubtour im Frühjahr 2019. Die Fans konnten endlich „ihren“ Benoby hautnah in voller Länge genießen.

Als rastloser Musiker hält Benoby in jeder freien Minute Songskizzen fest und schreibt regelmäßig neue Songs. Sein zweites Album ließ daher nicht lange auf sich warten und erschien am 18. Oktober 2019 und stieg auf Platz 46 in die Offiziellen Deutschen Charts ein. Auf diesem Album wird Benoby noch ehrlicher und direkter. Er singt offen über seine Hoffnungen und Abgründe, über Fehler und Erfolge. Aufrichtig, so wie er als Künstler und Mensch ist. Im Frühjahr 2020 ist Benoby auf der „lass sie kommen“ Tour 2020 live zu erleben.

Genre: Folk

Christopher Paul Stelling
„It’s not Americana or alt anything, it’s really just soulful folk music,”
Ben Harper says of “ Best of Luck“, the new album by Christopher Paul Stelling,
which he produced.
The album’s title, Best Of Luck, mirrored perfectly the emotional landscape in which it was created. “Depending on how you say it, it can either be a blessing or a dismissal,” Stelling says.
“And that was exactly the point I was coming to with myself, my career as an artist, as a friend and as a person.”
The recording of Best Of Luck culminated on a rainy night in Los Angeles,
but the whole thing really began back in North Carolina.
Stelling calls Asheville home, though he has been in a state of near constant motion for years. Leaving Florida while young to roam and perfect his craft, he made stops in Colorado, Boston, Seattle, New York and eventually North Carolina – all interspersed with relentless touring – hundreds of performances a year, in bars, coffee houses, nightclubs and theaters.
“The lifestyle of constant touring was gaining on me,” Stelling says.
“And then I was back home, and in the abrupt silence, there was a clarity.
The fumes of hubris I had been running on for years were all but gone and my relationship with my environment and myself had turned toxic. I was scared but resolved to persevere.
On Christmas Day, after a few false starts, I gave up drinking and decided to take a look at myself.”

“The richly layered storytelling of John Prine, the croon-to-howl hybrid vocal of Tom Waits and Glen Hansard, and an intricately finger-picked guitar style that lands somewhere between Lead Belly and Lindsey Buckingham.”— ROLLING STONE MAGAZINE

Genre: Pop

„New Ways“, das neue Album von Leif Vollebekk, lebt zwischen der Kickdrum und der Snare, im aufregenden Moment kurz vor dem Backbeat. Der mit Spannung erwartete Nachfolger von „Twin Solitude“, dem für den Polaris Prize nominierten Meisterwerk, schafft es, eben diesen Moment konstant festzuhalten und gleichzeitig seine Zuhörer völlig einzunehmen und zu berühren durch vergleichsweise lautere Grooves und ungeschliffene Songzeilen, die man selten zuvor von dem Kanadier so gehört hat.

Das Album ist ein Porträt der Schönheit, der Begierde, der Sehnsucht, des Risikos und der Erinnerung – jedoch ohne auch nur eine Spur des Bedauerns. Es ist, als wollte der Kanadier den Soundtrack eines – seines – Lebens aufnehmen. „The way that it was is the way it should be“, diese Zeile aus dem Song „Phaedrus“ beschreibt sehr gut, worum es hier geht. Im Endeffekt dokumentiert „New Ways“ alles, was Vollebekk in den vergangenen zwei Jahren gefühlt hat, die Art und Weise, wie jedes Erlebnis ihn durchflutet hat.

„All das, was ich niemandem je erzählen wollte, habe ich einfach auf diese Platte gepackt“, erklärt der Sänger, Pianist und Songwriter seine Herangehensweise. Zärtlichkeit und Gewalt, Sex und Wiedergeburt, Plato und Julie Delpy: Hier kommt alles zusammen, findet seinen harmonischen Platz und erzählt mit Details eine ganzheitliche Geschichte. Leif Vollebekk hat erneut ein Meisterwerk und einen würdigen Nachfolger für „Twin Solitude“ geschaffen, das er auch live spannungsreich, aber auf warme, ruhige und friedliche Weise präsentiert.

Gerade erst war er mit Half Moon Run auch bei uns unterwegs und hat vor wenigen Tagen ein exklusives und intimes Solo-Konzert in Berlin gespielt, ein sehr seltenes, intensives Erlebnis. Umso mehr freuen wir uns, dass Leif Vollebekk im kommenden Frühjahr für eine Headliner-Tour nach Deutschland zurückkehrt.

Genre: Singer-Songwriter

„Soul für die Hip-Hop Generation“ (GQ Magazin)

Entdeckt von der amerikanischen Hip-Hop Institution The Roots, gewinnt Son Little mit seiner zeitlosen Soulmusik und einzigartigen Stimmfarbe weit über die Grenzen der Vereinigten Staaten immer mehr Fans. Im April 2020 kommt der Rhythm & Blues-Musiker mit seinem Ende Januar erscheinenden dritten Studioalbum „aloha“ nach Deutschland und wird am 04.04. in Hamburg, am 05.04. in Berlin sowie am 06.04. in Köln seine neue Musik live präsentieren.

2014 bringt der als Aaron Earl Livingston geborene Sänger seine erste EP „Things I Forgot“ auf den Markt. Ein Jahr später erscheint mit „Son Little“ das Debütalbum. Gleich mit diesem Longplayer wird Son Little zum neuen Hoffnungsträger für traditionsreiche Genres zwischen Soul, Rhythm & Blues und Hip-Hop. Sein Sound erschafft eine fabelhafte Symbiose zwischen dem Zeitgeist der 70er und der Moderne. Erst Kritikerliebling, avanciert die Platte zum Mainstream-Erfolg. Allein die Single „Lay Down“ wird innerhalb weniger Wochen über sieben Millionen Mal auf Spotify gestreamt.

Auch andere Musiker werden auf den Newcomer aufmerksam und bekennen sich als Fans. So hat Son Little die einmalige Chance Größen wie Kelis, Mumford & Sons und Leon Bridges auf ihren Tourneen zu begleiten.

2017 erscheint sein von der Szene gepriesenes zweites Album „New Magic“. Eine Scheibe mit sehr persönlichen Songs, die auffallend melancholisch klingen, aber den Zuhörer nie in die Tiefe ziehen. Der Sound ist minimalistischer und lässt den Klang seiner Stimme in noch schönerem Licht erstrahlen.

Auch als Produzent ist der Sohn eines Pastors und einer Lehrerin erfolgreich. Nach der Veröffentlichung seines Debütalbums bietet ihm US-Soul-Legende Mavis Staples an, ihre EP „Your Good Fortune“ (2015) zu produzieren. Mit der darin enthaltenen Single „See That My Grave Is Kept Clean“ wird er 2016 nicht nur bei den Grammys nominiert, sondern kann die Auszeichnung in der Kategorie „Best American Roots Performance“ auch nach Hause tragen.

Für Anfang 2020 hat Son Little sein neues, in gerade mal acht Tagen geschriebenes Album „aloha“ (31.01.) und Konzerte auf deutschem Boden angekündigt. Zwischen dem 4. und 6. April kann man sich in Hamburg, Berlin und Köln von seinen neuen Songs und der Magie des Future Souls verzaubern lassen.

Photocredit: Rüdiger Rübi Kusserow

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Genre: Pop

Es dauert nicht lang, bis man versteht, worum es bei PHIL SIEMERS geht. Nur wenige Sekunden von seinem Song Schöne Neue Welt und man ist drin im Kosmos des 26-Jährigen: Eine treibende Kontrabasslinie begleitet von Offbeat-Claps macht den Anfang; das Klavier setzt ein und legt mit einem jazzigen Riff eine schwebende Fläche, auf der PHIL mit Textzeilen, die sofort aufhorchen lassen, zu erzählen beginnt. Modernes Songwriting und die Liebe zur analogen Soundwelt der Soulplatten aus den 60er und 70er Jahren verbinden sich zu packendem, zeitgenössischem Pop, der berührt und fesselt. Wenn sein prägnanter, aber angenehm unaufgeregter Gesang einsetzt, ist man sofort vom Sound und Groove gefesselt und schnippt unwillkürlich mit den Fingern. „Ich liebe es, wenn man die Persönlichkeiten der Musiker hören kann. Die Energie, die entsteht, wenn ich mit meiner Band zusammenspiele“, so PHIL SIEMERS, der mit seinen Liedern Geschichten erzählt und Gefühle beschreibt, die man sofort nachvollziehen kann. Er spricht eine klare Sprache und schreibt geradlinige und durchdachte Songs, die sich anfühlen wie ein alter Freund, der sich zu Dir setzt und sich Zeit für Dich nimmt.

Vor allem seine Liebe zu natürlichen Instrumenten und organischen Arrangements zeichnen seinen speziellen Sound aus. Gemeinsam mit seiner Band arrangiert er mit spielerischer Spontaneität die Instrumentierung: Manchmal sparsam, manchmal mit geschickt pointierenden Chören oder Bläsern – je nachdem, was der Song braucht. „Text und Musik haben den gleichen Stellenwert“, betont PHIL. „Es ist mir wichtig, dass die Texte leichtfüßig und immer im Fluss mit der Musik bleiben. Beides muss einander ergänzen und eine harmonische Einheit bilden.“ In seinen Texten geht es um aufrichtige Gefühle, Zwischenmenschliches und die kleinen und großen Fragen unserer Zeit.

Vor gut 13 Jahren schrieb PHIL seine ersten Songs und gelangte über deutsch- und englischsprachiges Songwriting schließlich zum Soul. Künstler wie Bill Withers, Marvin Gaye oder Donny Hathaway inspirieren ihn. Dabei musste er den Soul nie lernen, er HAT ihn – in seiner Stimme, in seinem Gefühl und in seinem Songwriting. PHIL SIEMERS hat seine eigene musikalische Sprache entwickelt, für die es im deutschen Pop derzeit kaum Referenzpunkte gibt. Nicht wirklich überraschend ist dabei, dass er seit einiger Zeit zur Stamm-Besetzung der Formation Soulounge gehört, die bereits mit deutschen Soul-Größen wie Roger Cicero, Max Mutzke, Laith Al-Deen und anderen zusammenspielten.

Mit seinen eigenen Konzerten, u.a. im Hamburger Jazzclub Birdland, einigen Gastauftritten (u.a. im Hamburger Mojo Club bei Anna Depenbusch) sowie ersten Radio- und TV-Auftritten (NDR, RTL Nord, NDR 2, NDR 90,3), ist PHIL SIEMERS definitiv kein unbekanntes Gesicht und keine unbekannte Stimme mehr. Und man wird im Laufe der nächsten Monate noch viel von ihm hören. Am 4. April 2019 wird er ein Showcase im Hamburger Club „The Box“ geben. Eine perfekte Gelegenheit, einen Abend in entspannter und inspirierender Atmosphäre zu genießen.

Genre: Folk / Indie / Pop / Rock

MYKKET MORTON sind eine 4-köpfige Band aus Kassel in Hessen. Ihre ganz eigene Definition von Folk Musik bringen sie mit ihrer Tour auf die deutschen Bühnen: eine Mischung aus Indie, Folk, Ska und Swing. Daraus bilden sie einen neuartigen und originellen Sound, der sich explizit vom allgegenwärtigen & meist charakterlosen Folk unterscheidet.

Dabei verbinden sie ihren experimentellen und dennoch ehrlichen Sound mit einer mitreißenden Live-Performance, die noch jeden in den Bann gezogen hat.

Genre: Blues / Funk / Rock’n’Roll

Neal Francis hat mit seinen 30 Jahren schon mehrere Leben gelebt. Der in Chicago geborene Musiker wird von den Medien aber nicht nur deswegen gefeiert, seine Musik steht im Vordergrund. Craig Charles (BBC Radio 6) findet, er sei die „Reinkarnation von Allen Toussaint“, der Radiosender KCRW erinnert ihn an Leon Russel, Dr. John und JJ Cale, die Winnipeg Free Press sieht ihn als „Künstler, auf den man absolut achten“ solle und Cincinnati CityBeat spricht von „klassischem Funk, Soul und R&B“.

„Ich möchte einfach in allem ehrlich sein, von meinen musikalischen Einflüssen bis zu meiner Geschichte“, erklärt Neal Francis. Denn nach jahrelangem Drogenkonsum hat er sich selbst wieder befreit, die Musik als Therapie genutzt: Die erinnert an die längst vergangene Blütezeit des R&B, macht aber nicht Halt vor neuen Einflüssen. Da gibt es eine tiefe Verbindung zwischen den Sounds seiner Kindheit (Dr. John) und weiteren Vorbildern wie Allen Toussaint und Leon Russell, dem Pubrock der Rolling Stones, dem Gospel Soul von Billy Preston und der Roots-Musik von The Band.

Geboren wird er als Neal Francis O’Hara, als 18-jähriges Piano-Wunderkind tourt er mit Muddy Waters’ Sohn durch Europa und mit diversen Bands durch die USA. 2012 steigt er bei der populären Instrumental Funk-Band The Heard ein. Mit ihm als kreativem Kopf werden The Heard zu einer nationalen Größe, man tourt mit The New Mastersounds und The Revivalists. Aber mit dem steigenden Erfolg sinkt Neal Francis immer mehr in die Abhängigkeit. So wird er 2015 gefeuert, aus seinem Apartment geworfen und steht kurz vor dem Ende. Nach einem alkoholbedingten Anfall, bei dem er sich schwer verletzt, erkennt er die Notwendigkeit einer Reha an.

Die lange Reise von Krankenhausbett zu einer Solokarriere ist weder vorhersehbar noch einfach; ein steiniger Weg mit allem, was dazu gehört. Aber seine kreative Energie treibt ihn an und er kann sich aus der Falle befreien. „Das Trinken hat meine Musik irgendwie gehemmt, sie zurückgehalten. Erst nachdem ich nicht mehr getrunken habe, kam alles heraus, was in mir steckt.“

Er stellt ein profundes Team zusammen, um seine Ideen zu verwirklichen: Bassist Mike Starr (The Heard) und Drummer PJ Howard (The Revivalists, The Heard). Er engagiert den Produzenten Sergio Rios (Orgone, Cee Lo Green, Alicia Keys) und finanziert Studiozeit im Killion Sound in Los Angeles für die Aufnahmen. „In diesem Raum habe ich gelernt, meinen Instinkten zu vertrauen“, erinnert er sich. Das dabei herausgekommene Material spiegelt die gesamte Historie der Meister aus seligen Rock- und Soul-Zeiten.

Neal Francis beendet die Aufnahmen für sein Debüt „Changes” im Februar 2018 in Los Angeles, die folgenden Monate gehören den Overdubs, die er in Chicago mit Engineer Mike Novak aufnimmt, der auch schon für die Demos verantwortlich zeichnet.

Danach geht es auf Tour. Nach dem Vertrag mit Paradigm Talent Agency, spielt Neal Francis seine erste US-Tour als Solokünstler mit den Australiern The Cat Empire. Die Resultate auf ihn und sein Debüt lassen aufhorchen, zahlreiche Radiosender wie KEXP, KCRW’s The Morning Becomes Eclectic, Lightning 100, The Current and BBC Radio 6 unterstützen ihn dabei. Neal Francis und seine vier Mann starke Band treten sogar auf dem New Orleans Jazz & Heritage Festival auf, teilen sich die Bühne mit The Meters und anderen Legenden. 2019 geht er allein auf Tour mit Black Pumas, Steel Pulse, Lee Fields & The Expressions, Dumpstaphunk und anderen. Neal Francis hat auch nicht vor, seine Tournee zu beenden, er möchte die Musik zu den Leuten bringen. „Ich tue dies, um den Antrieb in mir zu befriedigen, aber auch, um den Gaben, die mir in die Wiege gelegt wurden, gerecht zu werden. Und das alles mache ich aus immenser Dankbarkeit.”

Genre: Rock / Alternative

Photocredit: Rona Lane

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Genre: Hip Hop / Rock / Reggae

Since their formation in 2008, Dutch band Chef’Special has released three albums and toured extensively across Europe and the US. The band’s unique blend of hip-hop, rock and reggae is an exciting sound for longtime fans and new listeners alike. In 2017 the band released their third and now platinum rewarded album ‘Amigo’ and has been spotted in their studio recently.

A huge part of Chef’Special’s success are their already legendary live performances in which the audience is as vital to the experience as the band themselves. Appearances in world-famous venues like Madison Square Garden and the Red Rocks amphitheater (as a support act for Twenty One Pilots), as well as a tour through (inter-) national festivals (including Lowlands and Sziget) have left the band craving further world domination.
Although Chef’Special’s musical palette encompasses various genres, the band has a very recognizable sound in which their own emotions and experiences are front and center. That’s especially true when it comes to the Chef’Special breakout single “In Your Arms” about singer Joshua’s father passing away. Their latest single ‘Into the Future’ hit the German Top-100 single charts in 2019.

Genre: Pop

Pudeldame – Das sind vier Hamburger und Lübecker Boys um Sänger und Schauspieler Jonas Nay. Die Band verbindet verschiedene Element elektronischer Popmusik der letzten Jahrzehnte zu einem unverkennbaren Stil. Mitreißende Beats, treffen auf intelligente Gitarren- und Synthiearrangements und tragen Nays exzentrische Vocals. Mal Viby, mal pumpend, aber immer fresh und unerwartet!

2017 gegründet arbeitete die Band bisher vorallem im Studio und erforschte unterschiedlichste Sounds. Dabei gelang es den vier studierten Vollblutmusikern einen elektronischen Ansatz, den man sonst nur aus rein produzierter Musik kennt, in den Bandsound zu integrieren und somit ihre eigene musikalische Sprache zu entwickeln.

Mit „Egalität“ ist Ende 2019 die erste Single nach „Der Erbe“ erschienen. Der Song spielt mit Elementen der Neuen Deutschen Welle und überträgt sie in die heutige Zeit. Inhaltlich ist Egalität ein prototypischer Song und lässt – vor allem im Video – neben Anspielungen auf Verschwörungstheorien viel Interpretationsfreiraum. Vorallem lädt der Song allerdings zu einem ein: Eskalation! 2020 folgt eine Reihe weiterer Releases und jede Menge Live- Termine.

Support: Skilbeck

Sax, Sax, Sax!
Die drei saxy Saxisten aus Hamburg musizierten schon viele Jahre zusammen, bis ihnen endlich klar wurde, was sie wirklich verbindet: spontaner, unverbindlicher und ungeschützter Sax!
Ob Techno, Drum and Bass oder Jazz, ob tanzbar, melancholisch oder voll auf die Zwölf, diese Achterbahn der Gefühle lässt nichts anbrennen, macht keine Gefangenen und lässt ganz sicher kein Auge trocken.

Photocredit: ICM

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Alice in Chains Sänger auf Solo-Tour

Genre: Alternative Rock / Hard Rock / Metal

Normalerweise ist William DuVall als Gitarrist und Sänger von Alice in Chains bekannt, nun aber kommt er mit seinem Solodebüt „One Alone“ für drei intime Clubshows nach Deutschland. Am 07.04. im Club Volta, Köln, am 19.04. im Privatclub, Berlin sowie am 20.04. im Nochtspeicher, Hamburg wird der US-Amerikaner sein Publikum mit der Akustikgitarre und seiner markanten Stimme begeistern.

William DuVall blickt auf eine ereignisreiche Karriere zurück. Bereits in den frühen 80er Jahren spielt der gebürtiger Washingtoner in verschiedenen Hardcore-Bands. Während seiner Zeit in Atlanta gründet er 1983 Neon Christ, trägt Texte und Gitarren zu den Alben bei. Wenig später zieht es ihn nach Los Angeles, er wird für kurze Zeit Teil der legendären kalifornischen Gruppe Bl’ast und gründet ´87 The Final Offering. Ende der Achtziger Jahre erwirbt er einen Abschluss in Philosophie an der Georgia State University, zehn Jahre später geht er mit Comes With The Fall auf Tour und bringt deren Alben und EPs auf seinem eigenen Label DVL Recordings auf den Markt.

Obwohl DuVall nie der ganz große kommerzielle Durchbruch gelingt, erspielt er sich mit seinem eigenen Sound die Gunst seiner Fans und Kollegen. 2006 geht es für ihn in einen neuen Lebensabschnitt. Es braucht nur eine einzige Probe, in der William den Song „Love, Hate, Love“ singt und Alice in Chains sind überzeugt. Seitdem ist er gemeinsam mit Jerry Cantrell sowohl im Studio als auch auf der Bühne verantwortlich für Gesang und Gitarren. Die Band geht auf ausgedehnte Tourneen, veröffentlichen gemeinsam drei Alben.

Bei all dem Erfolg, den es mit Alice in Chains zu feiern gibt, fehlte DuVall bis jetzt in seiner Vita eigentlich nur noch eine Sache – eine Soloplatte. Diesen langersehnten Traum hat er sich nun erfüllt. Auf seinem Solodebüt „One Alone“ zeigt sich William DuVall von einer ganz anderen Seite. All die harten Riffs und Rhythmen sind weg. Was übrig bleibt ist Gesang, eine Akustikgitarre und elf fantastische Songs über das Leben. Vorgetragen von einer Stimme, die berührt.

Passend dazu geht William DuVall im Frühjahr 2020 auf Tour. Zwischen dem 7. und 20. April wird er in Köln, Berlin und Hamburg diese intimen Momente erstmals mit seinem Publikum teilen.

Genre: Alternative / Indie

Nach ihrer ausverkauften UK-Tournee und einem Auftritt auf dem Reeperbahn Festival im September 2019, die von den Kritikern gefeiert wurde, kommen sie nun für vier Termine nach Deutschland. Die Band ist bekannt für ihre dramatischen und theatralischen Auftritte, immer mit der Absicht, über sich hinauszuwachsen.

Den ganzen Sommer über beeindruckte die Band als Support von Sting auf namhaften Festivals wie dem Rock Werchter (Belgien), dem Montreux Jazz Festival (Schweiz) und dem Foire Aux Vins (Frankreich). Zusätzlich zur Tour sind bereits weitere Festivals für 2020 bestätigt, darunter Eurosonic (Niederlande), SXSW (USA) und Mad Cool (Spanien).

In Deutschland wächst ihre Fangemeinde stetig und die volle Show auf dem Reeperbahn Festival in Hamburg war ein Beweis dafür; außerdem hat die deutsche Presse ihre Fortschritte verfolgt und auch internationale Fernsehauftritte sind geplant. Die Band wurde auf Welt der Wunder (Deutsches Fernsehen), RTS La 1ère (Schweizerisches Nationalradio), Face Culture TV (Niederlande) sowie 2fm (Irland Nationalradio) vorgestellt. Hinzu kommen zwei Auftritte in der Flaggschiff-Frühstücksshow „Sunrise“ von Sky TV in Großbritannien im Juni und November.

Ihre neueste Single „Love Yourself“ ist bei BBC Radio 2 und Radio X sowie in den Streaming-Playlists bei Apple Music, Amazon und Deezer zu hören. Der Track ist eine Zusammenarbeit mit dem globalen Künstler Example, der mit zwei #1 Singles und einem #1 Album die Charts anführt.

Bang Bang Romeo veröffentlichten am 1. November ihr mit Spannung erwartetes Debütalbum „A Heartbreaker’s Guide To The Galaxy“ via Better Noise welches direkt in den iTunes Alternative Charts und iTunes Album Charts auf Platz 4 bzw. 29 landete.

Wir freuen uns sehr Frontfrau Stars und ihre Bandmitglieder Ross Cameron und Richard Gartland bald wieder live in Deutschland erleben zu dürfen!

Genre: Pop / Soul

Der irische Musiker SION HILL geht im April 2020 endlich wieder auf Tour und wird bei seinen Konzerten in Hamburg, Berlin, Dresden, Wien, München, Frankfurt und Köln neben bekannten Hits auch neue Songs von seinem kommendem Album vorstellen. Tickets für die Konzerte sind ab sofort unter www.eventim.de und bei allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

Aufwachen am späten Nachmittag, Jammen um Mitternacht zu Songs von ‘Faces’, ‘Arctic Monkeys’, ‘Paolo Nutini’ und ‘John Mayer’… Der Songwriter SION HILL begann bereits als Teenager Musik zu schreiben und aufzunehmen und spielte in verschiedenen Bars und Kaffeehäusern der Stadt. Mittlerweile wohnhaft in London hat SION HILL auch in Berlin und Hamburg gelebt, wo er sich kontinuierlich eine internationale Fangemeinde aufgebaut hat, während er durch Europa tourte und auf renommierten Musikfestivals wie dem Sziget Festival (Ungarn), All Together Now, Indiependence, Electric Picknic (Irland), Nürnberg Pop und Sound of the Forest (Deutschland) spielte.

SION HILL veröffentlichte sein Debütalbum ‘Elephant‘ im August 2016. 2018 unterschrieb SION HILL bei Warner Music Germany und veröffentlichte dort seinen bisher erfolgreichsten Song ‚Fuel Kids‘, der es unter anderem in die Playlists ‘New Music Friday UK‘ und ‘A Perfect Day‘ bei Spotify schaffte. Anfang Januar 2020 wird SION HILL eine weitere Single bei Warner veröffentlichen, gefolgt von seinem sehnlichst erwarteten Album, an dem er seit zwei Jahren arbeitet.

Als Support spielte SION HILL bereits vor namhaften Künstlern wie Alice Merton, a-ha, Jim James, St. Paul & the Broken Bones, Lilly Among Clouds, Pete Doherty (von Babyshambles und The Libertines) oder Hermitage Green. Im April 2020 sind er und seine Band dann auch wieder als Hauptact auf Tour und das Publikum kann sich auf energiegeladene Shows freuen.

Genre: Singer-Songwriter

Genre: Pop

„Small Steps“ fast 6 Millionen mal getreamt, „Run To You“ sogar über 25 Millionen mal. Peak Platz #4 der deutschen Airplaycharts und zahllose Festivals und Supportshows in den letzten Jahren. Nun kommt TOM GREGORY auf seine erste Headline-Clubtour. Kleine intime Konzerte im April 2020. Wir sagen: Besser schnell sein beim Ticketkauf. Es könnte eng werden. Geboren und aufgewachsen ist Tom Gregory (10.11.1995) mit seinen zwei Geschwistern im Norden Englands. Blackpool ist ein kleines Fischerdorf ohne viel Glamour. Das prägt. „Ich hatte immer Angst davor einen Job zu machen, den ich hasse. Ich war nie besorgt zu scheitern.“ Was zählt ist Substanz, Ehrlichkeit und Authentizität. Sein Talent liegt nicht nur in seiner unverwechselbaren Stimme, sondern auch darin seine Zuhörer in kürzester Zeit in seinen Bann zu ziehen. Schneller Erfolg bringt aber auch große Herausforderungen mit sich. Tom fragte sich „Wer bin ich“ und „Wofür steht meine Musik“ – an diesem Punkt steht wohl jeder Künstler irgendwann, wenn er auf dem Weg nach ganz oben ist. Dass Tom facettenreich und talentiert ist, hat er bereits bewiesen. Er lieferte unter anderem Top Lines für Gestört aber GeiL und EDX. Was dem jungen Briten immer klarer wurde ist, dass er nicht in eine Schublade gesteckt werden möchte. Glattgebügelter Pop und Belanglosigkeit sprechen ihm nicht aus der Seele – und seine Stimme trifft die Menschen genau dort – in der Seele.

Kein Wunder, denn Tom ist echt. What you see, is what you get. Was zählt, ist die Musik und das Gefühl, das in der heutigen Zeit leider viel zu oft auf der Strecke bleibt. Tom hat keine Angst vor dem Scheitern. Er folgt seiner Vision. Ehrlich und authentisch ohne aufgesetzten Glamour.

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Genre: Indie / Rock'n'Roll

THE DEARS, eine Rock’n’Roll Band aus Montréal, ist das Lebenswerk von Murray A. Lightburn. Als Sohn einer jazzaffinen Famile, wurde Lightburns Songwriting vom neunziger Rock und einer breiten Palette von Gospel, Soul und Popmusik geformt.

Die Band wurde 1995 gegründet und veröffentlichte 2000 ihr erstes Album, „End of a Hollywood Bedtime Story“. Ihr orchestraler, dunkler Popsound und ihre dramatischen Live Shows verankerten THE DEARS fest in der aufkommenden kanadischen Indie-Renaissance. 2001 und 2002 veröffentlichten sie die EPs „Orchestral Pop Noir Romantique“ und „Protest“, sowie eine Kollektion von unveröffentlichten Songs – „Nor the Dahlias“. 2003 brachten Sie ihr zweites Album „No Cities Left“ auf den Markt und starteten ihre internationale Karriere mit einer Reihe von hochgelobten Shows bei SxSW‘ 04. „Gang of Losers“ wurde 2006 veröffentlicht und von der Presse mit guten Kritiken gefeiert.

Die Musik von THE DEARS wurde häufig als ein Mix von The Smiths und Serge Gainsbourg beschrieben, Lightburns Stimme in Verbindung gebracht mit Morrissey und Blur’s Damon Albarn. Die Komplexität der Musik und der Arrangements wurde außerdem mit Radiohead, Jethro Tull und Genesis verglichen. Die starken Live Shows von THE DEARS wurden in Vergangenheit außerdem umschrieben als“…es ist, wie als würde man Gott ins Gesicht schauen.“

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Genre: Rock

Der Mann hinter Rockgrößen wie Queens Of The Stone Age, Arctic Monkeys, Chris Cornell und vielen mehr. Produzent, Rockmusiker und Songwriter Alain Johannes mit neuem Solo-Album im April in Deutschland unterwegs

Wenn man sich fragt, was so unterschiedliche Bands und KünstlerInnen wie u.a. Chris Cornell, No Doubt, Mark Lanegan, PJ Harvey und die Red Hot Chili Peppers gemeinsam haben, fällt sein Name: Alain Johannes.

Der in Chile geborene Kalifornier vereint derart viele musikalische Talente in einer Person, dass es kaum verwunderlich ist, dass sich die Liste all seiner bisherigen Kollaborationen wie die Enzyklopädie der jüngeren Rockgeschichte Kaliforniens. Alain Johannes ist nicht nur ein begnadeter Songwriter und Gitarrist, sondern als Toningenieur und Produzent mindestens genauso versiert.

Bereits in der Highschool sammelte Alain Johannes mit den späteren Red Hot Chili Peppers Flea, Hillel Slovak, Jack Irons und Anthony Kiedis erste Banderfahrungen. Zu größerer Beachtung gelangte er mit der Band Eleven, die er gemeinsam mit seiner Lebensgefährtin Natasha Shneider und Jack Irons an den Drums gründete, mit der er mehrere Alben veröffentlichte und mit Soundgarden, Pearl Jam und Queens Of The Stone Age tourte, bis die Band sich 2008 nach dem Tod Natasha Shneiders auflöste. Als Songwriter, Produzent und Toningenieur hat Alain Johannes über die Jahre mit Größen wie Chris Cornell, No Doubt, Queens Of The Stone Age, Jimmy Eat World, Brody Dalle, Arctic Monkeys und vielen mehr gearbeitet, war Mitglied in der Band von PJ Harvey und Them Crooked Vultures, in der er als Tour-Gitarrist neben Dave Grohl (Foo Fighters), Josh Homme (Queens Of The Stone Age) und John Paul Jones (Led Zeppelin) um die Welt reiste.

Auch als Soundtrack-Komponist aktiv, steuerte Johannes die Musik zum Film ›Eagles of Death Metal: Nos Amis‹ und zu Videospielen wie Tom Clancys ›Ghost Recon Wildlands‹ bei. Ebenso war er Mitglied der Sound City Players, die in Verbindung mit Film-Vorführungen der Dokumentation über die legendären ›Sound City‹ Studios auftraten. Gemeinsam mit Dave Grohl und Josh Homme schrieb und performte er den Song ›A Trick With No Sleeve‹ für den Film-Soundtrack. Mit den Brüdern Felo and Cote Foncea, die in ihrer Heimat Chile zu den echten Musikgrößen zählen, nahm Johannes das 2019 veröffentlichte Album ›Luna A Sol‹ auf, auf dem auch Mike Patton als Gastsänger zu hören ist – ein neues Alain Johannes Solo-Album erschien im Juli 2019 auf Mike Pattons Label IpeCac Records.

Da es kaum einen zeitgenössischen Musiker gibt, der aus einem reichhaltigeren Fundus schöpfen kann als Alain Johannes, darf man sich auf intime Abende mit vielen bekannten wie unbekannten Songs aus seiner Feder freuen!

Foto: © Rob Lewis

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Genre: Pop

Hört man die Stimme von Marius Bear, werden schnell Vergleiche zu Größen wie Rag’n’Bone Man und George Ezra gezogen. Anfang April veröffentlichte der gebürtige Schweizer mit „My Crown“ seine neue Single, nun folgen im November mit Köln, Berlin, Stuttgart, Frankfurt, Hamburg und München sechs Konzerte auf deutschem Boden.

Nach einer durchfeierten Nacht lässt sie sich manchmal blicken – diese raue Whisky-Stimme. Für Marius Bear ist es sein Markenzeichen, denn der gebürtige Appenzeller hat von Natur aus ein solch tiefes Timbre, dass so mancher seiner Kollegen erblasst. Und dabei hatte er eine Karriere als Musiker nie im Sinn. Mit Anfang 20 teilte er beim Schweizer Militär lautstark Befehle aus, worauf ein Soldat ihm entgegnete „mit dieser Stimme solltest du singen!“. Diverse Jam-Sessions in der Armee bewiesen sein Talent und so wagte er nach dem Wehrdienst den großen Sprung nach New York. Neben einem Kurzfilm-Soundtrack schrieb er dort auch Songs für ein Debütalbum und lies dieses vom eigenen Geld produzieren. Doch bis zur Veröffentlichung sollte es nie kommen. Für Marius Anspruch fehlte es ihnen an Seele und Tiefgang. Nach einem Produzenten- und Ortswechsel strahlte sein Sound in einem neuen Gewand und er begann in London Musikproduktion an der BIMM, dem British and Irish Modern Music Institute, zu studieren.

Nach der Single „I‘m a Man“ (2017) präsentierte Marius Bear im Sommer 2018 „Sanity“, eine EP mit sechs kraftvollen Songs. Dabei verzichtet er auf Effekthascherei, stellt den Gesang in den Fokus und umgibt sich mit elektronischem Blues sowie einer Prise Soul. Am 05. April dieses Jahres erschien mit „My Crown“ die neueste Single, welche den ersten Vorgeschmack auf das für September 2019 erwartete Album liefert.

Wenn Marius Bear die Bühne betritt, macht er das meistens barfuß – er liebt es, den Bass unter den Füßen zu spüren. Ob ihm danach auch im Winter ist, wird sich zwischen dem 19. und 26. November zeigen, wenn er für sechs Konzerte quer durch Deutschland zieht.

Genre: Folk Rock

Frankfurt, 15. November 2019 – Im Frühjahr 2020 erscheint mit „Kids Like Us“ (3 Sirens/Red Music/Orchard) das dritte Album des renommierten Americana-Duos The Grahams. Im Zuge der Veröffentlichung des im wahrsten Sinne des Wortes grenzensprengendem Werk, kündigen Alyssa und Doug Graham auch ihre erste Deutschland-Tournee überhaupt an. Das Ehepaar aus Nashville spielt am 29. April 2020 in Köln im Blue Shell, am 1. Mai 2020 in Hamburg in der Nochtwache, am 2. Mai 2020 in Berlin im Privatclub und am 6. Mai 2020 in München im folks! Club.

The Grahams sind in New Jersey geboren, in New York aufgewachsen und in Nashville zuhause. Das Ehepaar Alyssa und Doug Graham lernt sich früh kennen, sieht seine Lieblingskünstler in New York live und beginnt die gemeinsame Karriere, indem es zunächst in dortigen Clubs auftritt. Mit dem Debüt „Riverman’s Daughter” (2013) geben sie ein erstes Statement ab, die Songs entstehen auf einer Reise entlang des Mississippi. Das von Grammy-Gewinner Malcolm Burn produzierte Album wird ein großer Erfolg und hält sich elf Wochen lang in den Top 40 Radio-Charts. Der Nachfolger „Glory Bound” (2015) entsteht während einer Zugreise durch Nordamerika, das unabhängige Musikmagazin ‚No Depression‘ erklärt es zu „einem der besten Americana-Alben des Jahres“. Der während der Reise entstandene Dokumentarfilm „Rattle The Hocks”, Regie führt Cody Dickinson von den North Mississippi Allstars, wird bei vielen Film-Festivals wie in San Jose, Napa, Crossroads, Chagrin und Raindance (UK) ein Erfolg. 2017 schließlich starten die Grahams ihr nächstes ambitioniertes Projekt: Sie befahren mit ihren Harleys die legendäre Route 66, um das Konzept des realen Amerikas mit seinen exzentrischen und außergewöhnlichen Charakteren zu verstehen und zu dokumentieren. Was sie dabei entdecken und erfahren, ist gleichzeitig herzergreifend und herzzerbrechend: Das Land ist gespalten, weil es jahrzehntelang vergeblich versucht hat, den amerikanischen Traum zu verwirklichen. Typisch für die Grahams ist ihre Konsequenz aus dieser Erfahrung: ein weiterer Dokumentarfilm und ein dazugehöriges Album; ein Soundtrack, bei dem die besten Musiker aus Nashville mitgemacht haben, darunter Elizabeth Cook, Aaron Lee Tasjan, Dylan Leblanc, Chuck Mead, Andrew Combs und viele mehr. „Love & Distortion” ist nicht nur ein Reiseführer oder ein musikalisches Biopic, es ist eine Dokumentation, die den Grahams auf der Route 66 folgt, wo sie in ihrer unkonventionellen Art und Weise die Subkulturen entlang der legendären ‚Mother Road‘ einfangen und beschreiben. Zusammen mit diesem Film und seinem Soundtrack ist das neue Album „Kids Like Us“ entstanden, mit dem im Juli 2018 verstorbenen Produzenten Richard Swift (The Arcs, The Black Keys, The Shins) und Dan Molad (Lucius, JD McPherson). Und mit ihm kommt auch ein neuer Sound: „Kids Like Us“ ist eine Liebeserklärung an die zeitlosen Pop-Juwelen aus einer Phase, als Künstler wie Brian Wilson, Nancy Sinatra, The Ronettes, Dusty Springfield und Diana Ross & The Supremes im Radio zu hören waren. Geschrieben wurden die Songs auf der langen Reise entlang der Route 66, während der Hochphase des Präsidentschaftswahlkampfes 2016. Das Chaos, in dem sich die beiden damals wiederfanden, wurde transferiert in klassische Melodien, die in Motel-Zimmern unter außergewöhnlichen Umständen zustande kamen. „Alles an der Route 66 – die Neonreklamen, die Motels, die Autos, die Speisekarten – ist wie aus einer anderen Zeit“, erklärt Alyssa Graham. Wie kann es da anders sein, dass das Resultat ebenfalls wie aus der Zeit zu fallen scheint: Momente von Fantasie und Übernatürlichkeit vermischen sie mit alter Sensibilität für den Pop. „Der größte Unterschied zu den anderen Aufnahmen ist einfach: Wir haben uns vorgenommen, uns nicht an irgendwelche Genres oder Schubladen zu halten. Darin haben wir uns sowieso niemals wohl gefühlt“, ergänzt Alyssa Graham. „Vielleicht haben wir dieses Album auch einfach nur geschrieben, um aus der Realität zu flüchten. Allerdings hat uns der ganze Prozess auch dazu ermutigt, uns nicht in irgendwelchen Kategorien stecken zu lassen. Wir wollten, dass uns die Leute so nehmen, wie wir sind, nämlich authentische Menschen. Das bedeutet dieses Album für mich. Es ist wie das Abwerfen von einer Haut.” Ihr Ehemann Doug Graham fügt hinzu: „Wir wollten uns keine Grenzen setzen und einfach loslassen und experimentieren, das hat den Unterschied gemacht. Wir starteten in Chicago mit Blues und Motown und endeten in Los Angeles mit den Beach Boys. Alles das hört man. Zum ersten Mal gab es keine Selbstzweifel, keinen Selbsthass – nur Dankbarkeit, Glück und absolute Zufriedenheit mit dem Prozess und dem Ergebnis. Wir waren noch nie so glücklich mit einer Platte.”

Genre: Hip Hop / Rap

Der gefühlvolle Song ›Say My Name‹ stellte 2017 den Durchbruch des Stuttgarter Rappers mit spanisch/türkischen Wurzeln dar und verzeichnet inzwischen weit über 3 Millionen Streams. Dieser Erfolg kam jedoch weder über Nacht, noch ist er Zufall: Seit der Veröffentlichung seiner ›Pablo Picasso EP‹ in 2016 hat der Stuttgarter einen beeindruckenden Output vorgelegt: 21 Singles, 4 EPs, ein Mixtape mit dem treffenden Titel ›Future Kid‹ und seit diesem Jahr mit ›Chérie‹ auch sein Debutalbum, das zeigt, dass man von JIGGO künftig noch einiges hören wird. Im Mai 2020 kommt er auf eine zehn Termine umfassende Debüttour, die ihn durch Berlin, Dortmund, Frankfurt, Hamburg, Köln, Heidelberg, Wien, München, Zürich und Stuttgart führen wird.

JIGGO, auch ›Jiggx‹ genannt, wurde 1995 im Raum Stuttgart geboren. Der Newcomer überzeugt mit Gesang und Melodien, bringt gefühlvolle Vibes auf Songs wie ›Say My Name‹ oder ›Mi Amor‹, fesselt seine Hörer aber auch mit Tracks für die dunkleren Tage wie ›Geh mir aus dem Weg‹ oder
›Für immer‹.

Im Frühjahr 2016 erschien mit der ›Pablo Picasso EP‹ sein fünf Songs starkes Debut, auf das er nur kurze Zeit später die ›Next Level EP‹ (2017) sowie sein erstes Mixtape ›Future Kid‹ (2017) folgen ließ. Die darauf enthaltenen melodischeren Songs machten deutlich, wo die musikalische Reise von JIGGO hingeht. Den Durchbruch bedeutete die Videoauskopplung ›Say My Name‹, die inzwischen millionenfache Streams und Klicks erreichte.

Auf ›Mi Amor‹ und der dazugehörigen ›Casanova EP‹ (2018) überzeugt JIGGO noch deutlicher als auf den Vorgängern mit stärkeren Ohrwurm-Hooks und harmonischen Gesangspassagen. Auf seiner 2018 veröffentlichten ›Guns & Roses EP‹ und den Singleauskopplungen ›Nur noch mit dir‹, ›Diablo‹ und ›Für immer‹ untersteicht JIGGO einmal mehr, was für unterschiedliche Vibes er beherrscht, wieunter anderem das Musikvideo zu ›Bésame‹ mit Laruzo zeigt.

Mit seinem Debutalbum ›Chérie‹ stehen nun alle Regler auf ›Zukunft‹ für das ›Future Kid‹.

Da geht noch einiges!

Foto: Mathias Christensen

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Genre: Pop

Manche Menschen brauchen einfach keinen Plan B – Das trifft auch auf den 22-jährigen dänischen Singer-Songwriter NICKLAS SAHL zu. Alles, was er in seinem Leben getan hat, tat er für seinen großen Traum: vom schamlosen Diebstahl der Spielzeuggitarre seiner Schwester mit gerade mal vier Jahren, bis hin zu seiner späteren Solo-Reise durch Dänemark. „Musik war schon immer meine oberste Priorität“, erklärt er. „Da ist dieser Antrieb in mir – da ist irgendetwas, was mich in diese Richtung zieht.“ Die Zielstrebigkeit und die Leidenschaft, die NICKLAS SAHL für die Musik hegt, lässt sich deutlich in seiner fünfspurigen Debüt-EP „Planets“ erkennen, die er 2019 um vier Akustik Versionen sowie den Song „I Killed Your Night“ erweiterte und ein zweites Mal herausbrachte. Bereits nach der erstmaligen Veröffentlichung stieg die Single „Hero“ bis auf Platz 1 der dänischen Charts, seine nachfolgende Single „New Eyes“ brachte ihm schließlich über 10 Millionen Streams sowie einer Gold-Auszeichnung ein.

Seine Musik selbst beschreibt Sahl als „Popmusik mit einem Hauch nordischer Melancholie und Experimentierfreude. Durchzogen von einer sanften Strömung des Elektropop, inspiriert von dem klassischen Singer-Songwriter-Feeling seiner früheren Helden James Taylor und Paul Simon sowie beflügelt von Pop-Vordenkern wie Bon Iver und Francis and the Lights, ist seine Musik ebenso zeitlos wie abwechslungsreich. Das Ziel: Aus vielen Emotionen ganze Kunstwerke für Herz und Kopf basteln, die das Geschichtenerzählen alter Schule mit modernem Pop vereinen. Bald wird der dänische Singer/Songwriter NICKLAS SAHL auch in Deutschland zu sehen sein, wenn er Tina Dico im Frühjahr 2020 auf ihrer Fastland Tour begleitet und im April schließlich seine erste Headliner-Tour hierzulande antritt. Ein weiterer Support im Herbst 2019 wird im Spätsommer bekanntgegeben.

Genre: Jazz

Mit ihrem Release auf dem finnischen, international gefeierten Label WeJazz haben Timo Lassy und Teppo Mäkynen die Messlatte für akustische Saxophon und Schlagzeug Kompositionen maßgeblich höher gelegt. Das Spiel der beiden reicht von fast transzendentalem Freispiel bis hin zu ansteckenden 4/4 Grooves, die Körper und Geist unweigerlich in Bewegung versetzen. Jazz thing subsumiert die Zusammenarbeit der Finnen als „13 Duette mit Suchtfaktor.“

With their release on the internationally renowned Finnish label WeJazz, Timo Lassy and Teppo Mäkynen have raised the bar for acoustic saxophone and drum compositions. They play from almost transcendental free play to infectious 4/4 grooves that inevitably set body and mind in motion. Jazz thing subsumes the collaboration of the Finns as „13 duets with addiction factor“.

Genre: Jazz

Die Gruppe gilt als der britische Exportschlager des Funky Jazz. Der Sound von Resolution 88 ist unweigerlich mit dem seidig, smoothen Sound der Fender Rhodes verwachsen und inspiriert von Jazz-Größen wie Herbie Hancock. Die Musik der Band zeichnet sich durch spielerische Leichtigkeit, ansteckenden Flow und beseelte Tiefen aus. Kurz gesagt, Resolution 88 ist musikalisch anspruchsvoll, zeitlos, aber dennoch modern und technisch virtuos, aber vor allem eines – funky.

The group is regarded as the British export hit of funky jazz. The sound of Resolution 88 is inevitably intertwined with the silky, smooth sound of the Fender Rhodes and inspired by jazz greats such as Herbie Hancock. The band’s music is characterized by playful lightness, infectious flow and soulful depths. In short, Resolution 88 is musically sophisticated, timeless, yet modern and technically virtuoso, but above all – funky.

Genre: Jazz

Emma-Jean Thackray ist eine preisgekrönte Multiinstrumentalistin, Sängerin, Produzentin und Komponistin. Die junge überaus diverse Musikerin gilt als eine der aufregendsten und bedeutendsten aufstrebenden Jazzmusikerinnen Großbritanniens. Kein Wunder, dass sie unter anderem von Persönlichkeiten wie Theo Parrish, Mr Scruff und Gilles Peterson bis in die höchsten Töne gelobt wird. Die einzigartige, zeitlich ungemein relevante Künstlerin gilt es auf keinen Fall zu verpassen.

Emma-Jean Thackray is an award winning multi-instrumentalist, singer, producer and composer. The young and diverse musician is considered one of Britain’s most exciting and significant up-and-coming jazz musicians. No wonder that she is praised to the highest notes by personalities such as Theo Parrish, Mr Scruff and Gilles Peterson. The unique, temporally immensely relevant artist should by no means be missed.

Genre: Indie

Erneut hat sich die Band The Lone Bellow mit Aaron Dessner von The National zusammengetan und veröffentlicht Anfang 2020 ihr neues Album „Half Moon Light“. Es ist ein artistischer Triumph, geschaffen in einem gemeinschaftlichen längeren kreativen Prozess im Aufnahmestudio. Das Trio, bestehend aus Gitarrist Brian Elmquist, Leadsänger Zach Williams und Multi-Instrumentalistin Kanene Donehey Pipkin, gestaltet Momente, die bedeutsam werden könnten für aufnahmebereite Musikfans, die diese Band bisher noch nicht kennengelernt haben.

The Lone Bellow vermischen Licht und Dunkelheit und erschaffen einen komplexen Lobgesang auf Erinnerung, Hoffnung und Empathie. Verankert in ihrer ganz eigenen Art und Weise des akustischen Geschichtenerzählens, durch das die Band sowohl bei Fans als auch Kritikern über die Jahre immer mehr an Zuneigung gewann, geht The Lone Bellow mit „Half Moon Light“ nun einen risikofreudigeren Weg und experimentiert mit neuen Strukturen und instrumentalen Anreizen, um eine vollumfängliche musikalische Erfahrung zu kreieren. Das Resultat ist ihr bisher hochwertigstes und erfüllendstes Werk.

Die Geschichten hinter den Songs sind bedeutsam – aber sie sind nicht das Wichtigste. Letztendlich braucht die Musik der Band keinerlei Erklärung, das reine Zuhören allein bietet Balsam und Schutz. “In my own perfect little world, I would be able to put the music out and not talk about it–just, Here. Bye. See you next time,” sagt Zach und lacht sanft. “I do hope someone will find this music in a peaceful moment, when they can turn it on and get lost in the story and the sound.”

Genre: Singer-Songwriter

Die Sängerin und Songwriterin Anna Burch sammelte ihre ersten Live Erfahrungen, als sie mit Bands wie Frontier Ruckus sowie Failed Flowers zusammen auf der Bühne stand und so einen großen, musikalischen Erfahrungsschatz schöpfte. Mit ihrem Debütalbum „Quit The Curse“ schaffte die junge Musikerin 2018 ihren Durchbruch.

Die neun Songs auf dem Debütalbum erscheinen auf dem ersten Blick verspielt und süßlich und doch versteckt sich hinter den Texten ein düsteres, lyrisches Thema, das das Zusammenspiel zwischen Melancholie und Euphorie perfekt macht.

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When Anna Burch introduced herself on her 2018 debut ​Quit The Curse​, it was with a concentrated wash of energetic, serotonin-boosting pop. Jangly guitars, blithe vocal harmonies and an occasional undercurrent of grungy fuzz all converged in seemingly straightforward songs that hid their complexities under sunny hooks. The impact of the songs was immediate and exciting, presenting narratives of confusion and upheaval with melodies so bright it was hard to do anything but smile. Two years later, Burch’s follow up ​If You’re Dreaming​ takes us down a different path than its predecessor, shedding some nervous energy in favor of a deeper exploration of an internal world.

After months on the road in support of ​Quit The Curse​, Burch disappeared for a while. The long stretches of touring had been broken up by only a few weeks off here and there, and a month spent writing in Berlin between European dates. The time she did get to spend at home in Detroit was disrupted by several unexpected housing changes, adding to the transient feelings brought on by constant touring. When things finally stabilized, Burch encamped into a slow, thoughtful and intentional writing process for what would become the second album. Days were spent playing guitar, exploring unconventional chord changes, ruminating on song structures and allowing her subconscious to wander until lyrics materialized. Though about half of the songs were already written, this time was dedicated to taking a closer look at the loose ends of three years of ideas and seeing if there were common threads that held them together.

If You’re Dreaming​ was tracked with producer Sam Evian in his home studio in the Catskill mountains of upstate New York. Where the first album had been a rush of inspired songwriting followed by a drawn-out process of arrangement and mixing, Burch and Evian worked with self-imposed time limitations to establish a sharper focus and get to the core of the new songs. The work was swift but somehow more relaxed, locking into a groove of tracking the basic elements and then expanding on the arrangements with overdubs and auxiliary instrumentation. The end goal was to present not just an assortment of new songs, but craft an album that moved dynamically through an interconnected emotional arc.

With recurring themes of isolation, weariness and longing, these songs deliver that emotional arc with a delicate but uncompromising execution. Burch’s intrinsically catchy songwriting dials down the urgency of her debut a notch, taking a turn towards airy, jazz-voiced chords, floating reverb and an expansion of the sonic palate with unexpected instrumentation. The soft-rock bass grooves and understated saxophone lines of “Not So Bad” push an impressive pop structure into exciting new territory, and the sweetly melancholic “Tell Me What’s True” centers around muted electric piano, its languid but metered vibe recalling the gentler side of Carole King.

The nuance of arrangements that could sometimes get buried on ​Quit The Curse​ rises to the surface on patient, opulent tunes like “Every Feeling” and in the twelve-string guitar hooks of “Party’s Over.” The album drifts dreamily as much as it hones in with a sharper clarity on some of Burch’s most personal songs.
Even at its most introverted, ​If You’re Dreaming​ is always warm and present. It’s a deliberately drawn chapter of Burch’s work, trading in the wild-eyed and sometimes neurotic party hopping of ​Quit The Curse​ for a more solitary walk after midnight. Daring and clear-headed, these songs cut deeper in their subtleties. ​If You’re Dreaming moves with intention, taking its time revealing new layers of sophistication and growth in Burch’s always charming songcraft.

Genre: Dance / Electronic

Frankfurt, 28. November 2019 – Endlich ist es soweit! Das belgische Geschwister-Duo YellowStraps kommt für ein Konzert nach Deutschland. Die zwei Brüder Alban & Yvan, die eigentlich aus Rwanda in Ostafrika kommen, in Uganda aufwuchsen und mittlerweile in Brüssel wohnen, bringen ihren einzigartigen Elektro-Sound nach längerem Warten nach Deutschland. Am 22. Mai 2020 werden sie in Berlin im Privatclub auftreten.

YellowStraps sind kein gewöhnliches Brüderpaar. Statt sich zu streiten oder die Gegend unsicher zu machen, haben sie mit 13 Jahren lieber angefangen, zusammen Musik zu machen. Alles begann damit, dass Yvan aus Spaß das Singen ausprobierte. Schnell steigt Alban mit ein und die Beiden nehmen zunächst Coversongs auf, um ziemlich bald auf eigene Tracks zu wechseln. Mittlerweile sind YellowStraps ein paar Jahre älter und haben einen eigenen Plattenvertrag bei „Majestic Casual Records“ in der Tasche. Dem Label hatten sie einfach 2018 ihre „Blame EP“ auf Facebook geschickt und schwups, war der Deal eingetütet. Das ist auch kein Wunder bei dem besonderen Sound der Brüder. Sie vermischen in ihrer Musik Jazz, Soul, Hip-Hop und elektronische Elemente. Speziell hierbei ist vor allem ihr kultureller Background, der sich auch in ihrem Klang wiederspiegelt: so werden hier und dort traditionelle afrikanische Beats eingestreut, aber auch an moderneren, westlichen Vibes wird nicht gespart.

Die harte Arbeit der beiden Jungs hat sich seit ihrer Jugend ausgezahlt. Nicht nur einen Plattenvertrag haben sie unter Dach und Fach, sondern auch schon einen eigenen Preis gewonnen. 2014 konnten sie den „Award of Most Promising Artist“ der Redbull Elektropedia mit nach Hause nehmen. Seitdem geht es für YellowStraps steil bergauf. 2016 veröffentlichten sie „Mellow“, ihre erste Kollaboration mit dem renommierten Producer Le Motel um dann, im Jahr 2018, ihre „Blame EP“ herauszubringen. Mittlerweile haben sich die Beiden einen Namen in der belgischen Musikszene gemacht und sind dabei, auch außerhalb ihrer Heimat durchzustarten. Genau aus diesem Grund werden die Brüder 2020 auch nach Deutschland kommen. Die Beiden bezeichnen sich selbst als „Young Dreamers“, also junge Träumer. Ihre Musik ist definitiv verträumt und lässt den Hörer teilweise aus dem Alltag fliehen und in eine entspannte, ruhige Welt eintauchen. Genau das kann man auch von einem ihrer Konzerte erwarten.

Genre: Indie Pop / Synth Pop

Die in L.A. lebende, kanadische Songwriterin und Sängerin konnte schon unter ihrem Hausnahmen Allie Hughes einige Veröffentlichungen vorweisen, so richtig gefunden hatte sie sich aber erst als Alli X. Ihr vorher eher indielastiger Sound klingt auf ihrem letzten Album „Super Sunset“ genauso, wie Pop heute klingen muss: catchy, kraftvoll – und dank ihrer großen Stimme: nicht ganz von dieser Welt.

2014 veröffentlichte Allie X ihre Debütsingle „Catch“ welche nicht nur vom Time Magazine hoch gelobt wurde, sondern auch von niemand geringerem als Katy Perry abgefeiert wurde. 2015 veröffentlichte Allie X ihre erste EP „CollXtion I“, gefolgt von ihrem ersten Album „CollXtion II“ (2017).

Allie X macht Pop-Music, ist mit ihrem Sound aber so weit weg von Mainstream wie man nur sein kann. Ihre Songs sind edgy, ihr Style extravagant bis leicht weird. Vor kurzem kündigte Allie X ihr zweites Album „Cape God“, welches im Februar 2020 erscheinen soll.

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Genre: Singer-Songwriter

Lenka is an Australian singer/songwriter, formerly of the band Decoder Ring, who has been releasing solo albums and touring worldwide for the last decade. She is best know for her songs The Show, Trouble Is A Friend and Everything At Once, all of which were top ten radio hits in Germany. Her music has been used in movies such as Moneyball and Easy A, TV shows like Ugly Betty and Grey’s Anatomy, commercials for Microsoft and Coca Cola, to name a few, and Billy Crystal even sang her song at the 2012 Oscars. She released her 5th album ‘Attune’ in 2017 and has recently toured in China and Australia. 2020 will see the release of two twin EPs from Lenka, one of covers and one of originals. She will be touring Germany to support the release.

Nick Howard’s life and musical journey reads like a movie script. Originally from the UK but having spent most of his adult life in the US, Howard has played over 1000 shows across the world, released 6 albums and seen his singles top the iTunes charts in 4 countries. He even managed to learn German in just two months & win The Voice of Germany back in 2012. His single ‘Our Time’ made big waves and for good reason. The hit song being spotlighted by the likes of SiriusXM, Radio Disney, Fox, CMT, Apple Music, WPLJ/New York while also recently closing out the season finale of NBC’s hit show, ‚World of Dance‘. His new single ‘Fire’, a collaboration with Norwegian DJ/Producer SCVN is due for release on January 17th and recently received it’s word premier on SiriusXM The Pulse.

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Genre: Dark Rock / Electropop / Alternative

Das LUXFEST ist ein einzigartiges Musikfestival auf dem düster-elektronische (Rock)musik zelebriert wird. LUXFEST ist dein Ort um in dunkler Atmosphäre eine Farbexplosion an großartigen Erinnerungen mit nach Hause zu nehmen… Zum Fest wird jedes Jahr von AnnA Lux und Freunden eingeladen. Wir freuen uns 2020 mit Alienare, Schwarzschild und Alphamay drei großartige Bands mit an Bord zu haben!

AnnA Lux
Mit ihrem unverkennbaren Sound gelingt Anna Lux der Spagat zwischen Dark Rock und radiotauglichem deutschen Pop wie noch keiner anderen Band zuvor. Die sympathische Frontfrau Anna, schreibt ihre Songs fast ausschliesslich selbst. Eingängige Melodien, singbare Chöre und kumulierte Energie machen Lust auf mehr. Die Musik von Anna Lux hat keine Angst vor harten Riffs, breiten Gitarren und elektronischen Elementen. Die deutschen Texte sind direkt und ohne Tabus.

Alienare
Alienare bedeutet eine brillante Mischung von Sounds der 80er, Dark Wave und modernem Synthpop und auch den richtigen Rockelementen für die Gehörgänge. So liefern sie Gänsehautmomente, tagelang im Kopf bleibende Melodien und Lyrics, aber auch treibende Sounds der härteren Gangart.

Alphamay
Alphamay ist mehr als eine Electroband, es ist ein multimediales Gesamtkonzept, in dem Video, Licht, Musik und Stimmen zu einem schlüssigen Gesamtkonzept verschmelzen. Gegründet von zwei Freunden, verbunden in einer langen musikalischen und sehr persönlichen Geschichte…
In allen medialen Aspekten von Alphamay existieren hypermoderne Medien in Harmonie mit Retro-Strömungen, die zu einem einzigartigen, unwiderstehlichen und zeitlosen Ganzen fusionieren.

Schwarzschild
Dieser Name steht für ein fesselndes, elektronisches Klanggewand mit Elementen aus Industrial, Goth- und Synth-Pop: Treibende Beats, untermalt von düsteren, melodischen Synthesizern lassen in Verbindung mit Dino Serci’s unglaublich kraft- und gefühlvoller Stimmgewalt ein eigenes SCHWARZSCHILD-Universum entstehen. Perfekt vervollständigt wird dieses durch tiefgründige, deutsche Lyrics welche sofort ins Ohr gehen.