Genre: Folk / Rock / Singer-Songwriter

Seit fünfzehn Jahren ist Scott Matthews (bitte nicht zu verwechseln mit dem Australier Scott Matthew) bereits aktiv und konnte seitdem mit seiner geisterhaften, eindringlichen und hypnotischen Stimme viele Menschen in seinen Bann ziehen. Dies gelang ihm gleich mit seinem Debütalbum “Passing Stranger“ aus dem Jahre 2006. In den folgenden Jahren veröffentlichte Scott weitere fünf Studioalben, wunderbare Platten voller großer Songs, die bewegen und berühren. Seine von Folk und Jazz beeinflusste Musik erinnert an Nick Drake und John Martyn. Dass Scott Matthews in der Songwriter-Szene kein Unbekannter ist, beweisen Kollaborationen und Auftritte mit Künstlern wie Robert Plant, Rufus Wainwright oder den Foo Fighters.

Nun aber geht Scott wieder einmal neue musikalische Wege: auf seinem demnächst erscheinenden neuen Album wird er sein klangliches Spektrum erweitern um elektrische Gitarrenklänge und elektronische Rhythmen, und auch bei seinen Auftritten wird er dieses klangliche Konzept live umsetzen: “It will be one man and a guitar with a wave of electronica washing over me. I am fascinated by thought provoking sounds and how they totally immerse the listener and encourage them to dig a little deeper into their being. I think these songs will prick people’s ears up. They’ll keep people on their toes and hopefully their electronic grace will sweep them off their feet too.“

Genre: Folk / Pop / Indie

Zwischen dunklem Folk, Pop, Chanson und einer ganz wunderbaren Poesie bewegt sich das Duo von Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri. Mit Akkordeon, Gitarren und anderen zauberhaften Instrumenten sowie zwei außerordentlichen Stimmen, bringen Poems for Laila die ganze Breite menschlicher Abgründe auf die Bühne. Bodenlose Traurigkeit, blanker Zynismus, höchste Freude, emotionale Wagnisse, Experimente und immer mit dieser hoffnungsvollen Melancholie. Wenn Poems for Laila die Bühne betreten, erinnern sie an andere große Paare wie Hazlewood & Sinatra oder Gainsbourgh & Birkin.

Mit genau der gleichen Gelassenheit und Tiefe ziehen sie die Zuhörer in ihren Bann.

DARK TIMBER Das neue Album von Poems for Laila wurde in einer Jurte im Havelland aufgenommen. In absoluter Abgeschiedenheit, in einem Wald mit wirklich schwarzen Nächten, umgeben von Zeltwänden aus Holz, Filz und Wolle entstanden 12 mystische Songperlen mit größter Intensität und ungreifbarer, dunkler Atmosphäre und dennoch spürbarem Lebensgefühl.

DARK TIMBER ist neu. Auch, weil hier erstmals beide, Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri, Songs geschrieben haben. Ein gelungenes Gemeinschaftswerk.

Foto: Brandon Weiss

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Genre: Indie / Rock

Genre: Rock

Tamikrest bedeutet so viel wie „Knotenpunkt“ oder „Bündnis“ in der Sprache der Kel Tamashek, einem traditionellen Nomaden-Volk aus der Sahara, dass auch die Tuareg genannt wird. Es ist ein passender Name für eine Band, die so erfolgreich die Werte ihrer zeitlosen Kultur mit den Klängen und Visionen verbindet. Spuren von Blues, Psychedelia, und Rock fließen in Tamikrests moderne Interpretation der traditionellen Tuareg-Musik.

Die Musiker stammen ursprünglich aus Kidal im Nordosten Malis, während sich Tamikrest ihre musikalischen Träume verwirklichen konnten, wurden ihre Familien und Freunde aufgrund brutaler Sharia-Gesetze zu Flüchtlingen.

Ihr Album „Chatma“ landete auf Platz 1 der europäischem World Music Charts und war weltweit in unzähligen Jahresbestenlisten renommierter Musikmagazine vertreten.

Ihren Ruf als exzellente Live-Band, unterstrichen sie auf zahlreichen Festivals wie Flow Helsinki, Roskilde, Fusion, Reeperbahn Festival sowie auf Clubtourneen durch Europa, Japan und die USA.

2020 kehrten Tamikrest mit ihrem sechsten Studioalbum „Tamotait“ zurück aus der Wüste. Sie sind nun in absoluter Bestform und werden ihren Ruf als eine der innovativsten Bands Westafrikas mehr als gerecht.

Genre: Country-Blues

Reverend Peyton’s Big Damn Band has built its reputation the long, slow, hard way. After 12 years of playing as many as 300 shows each year, Rev. Peyton, the world’s foremost country blues finger-style picker, along with the biggest little band in the country has pieced together one of the most dedicated followings out there. This following is sure to eat up the band’s latest offering, Poor Until Payday, (the second on their own Family Owned Records label through hip Nashville indie Thirty Tigers) out October 5th, a country blues record that was made the right way — two feet on the ground and both hands getting dirty.

With all the power of a freight train, the Big Damn Band is known for its live shows. Rev. Peyton delivers guitar pyrotechnics the old fashioned way — ten fingers, a 6 string and an amp cranked at full tilt. In the country blues style, he plays the bass with his thumb, while picking the lead with his fingers at the same time. When he lifts the guitar behind his head to play there’s nothing but skill and 16 gauge nickel strings to make the sounds coming out of the speakers.
Beside him on stage are just two other people. His wife, “Washboard” Breezy Peyton playing with all the nuance and percussive power of a New Orleans drum line, and keeping the train moving is Max Senteney on a lean drum kit including a 5 gallon maple syrup bucket. Together they play Peyton’s wildman country blues that’s as much ZZ Top as it is Bukka White.

On Poor Until Payday Peyton wanted a sound as live and electric as the records made in the heyday of 45 rpm blues classics from Chess, Stax and Sun Records. Playing his beloved custom-made National steel resonator, a 1949 Harmony Archtop, a 1954 Supro Dual Tone and a 1955 Kay Speed Demon through a 1949 Supro amp, Rev wanted to restore the “warmth, pops and hisses” mostly eliminated by modern-day compression. The band played in a room together with minimal micing (using only the best classic pieces they could get) with the main effect being tape saturation.
That’s it.
The result is an album that is direct, soulful and demands to be played loud.
The themes of songs like the title track, “You Can’t Steal My Shine” and “I Suffer I Get Tougher” offer the antidote to today’s hard times by touting “perseverance, inspiration and hope… being your authentic self despite everything lined against you, a light at the end of the tunnel.” With a vocal style reflecting both the soulfulness and bite of his idols, Rev has added world-class singer to his already-renowned skills as a finger-pickin’ guitar phenom. Breezy and Max also contribute background vocals to most of the songs, with “The Miss Elizabeth of Country Blues” actually taking the spotlight with a sultry call-and-response showcase on “Dirty Swerve,” in which she also contributed to the writing.
Peyton’s blues pedigree is well established. Woodshedding since he was 12, Peyton has kept alive a tradition of finger picking pioneered by the likes of Mississippi John Hurt. However, Peyton plays with the energy and attitude of a Howlin’ Wolf. Indeed if it has strings he can play it whether that’s a custom-built National, a cigarbox, an axe or even a shotgun (seriously, Google it.).

He’s done his homework and been given the blessing of the gatekeepers of the tradition — even befriending and touring with some of the last of the great Delta Blues and Hill Country blues legends like David “Honeyboy” Edwards, T-Model Ford (whose grandson calls him Unk), and Robert Belfour.
Rev and Breezy make their home in rural southern Indiana near the adopted home of bluegrass legend Bill Monroe, among national parks and forests in what began as an artist’s colony. “Most of the people here can both paint a picture and skin a deer,” laughs Breezy.
There’s nothing dusty or sentimental about Peyton’s music, though. There’s no songs about picking cotton. They aren’t a museum piece. The Big Damn Band have taken nearly a century of blues songsmanship and crafted a thing all their own. There is not a single act out there that sounds like this.
The Big Damn Band make friends and fans every place they go — and there are few places they haven’t been, having performed in 37 countries. After Poor Until Payday, the only people who won’t be on the big damn bandwagon will be people who haven’t heard or aren’t paying attention.
This is real, from the heart, handmade music made by people, for people who don’t have time for BS.

PRAISE FOR REVEREND PEYTON’S BIG DAMN BAND
“The latest from Reverend Peyton’s Big Damn Band…. is, in short, a revelation. An amazingly well crafted, controlled explosion of talent, the range and depth of the music performed by the trio is remarkable.” – American Blues Scene
“… the reincarnated Mississippi moan of guys like Son House… a burly soul punishing the senses with a Deltapunk attack and a heavy helping of rural realism. You can’t ignore his Big Damn Band’s gospel.” — Elmore
“The tent revival, almost punk energy of the Big Damn Band is a refreshing splash of coldwater to the face. Between The Ditches doesn’t keep it in the road – it takes up both lanes as it barrels along.” — Living Blues
“The country blues is a gift of 20th century American music, and it’s awesome to see a band tap into its legacy with so much gusto and original vision.” – Music City Roots
“With his wife, Breezy, serving as a one-woman amen corner, and Max laying down the floppy-boot-stomp drums behind Peyton’s spiky, waspish National steel slide guitar on tracks like “Something for Nothing”, the result is a peculiarly infectious blues crusade, touching on themes of money, morality and social responsibility.” – The Independent (UK)
The Reverend Peyton’s Big Damn Band is a twenty-year-old bourbon in a room of vodka Red Bulls and PBRs; vintage yet timeless, exciting and still welcoming…” –MXDWN.COM
“The focal point and ring leader Reverend J. Peyton is the star of the show here flashing a guitar style that elates the ear, at times flying all over the fret board and equally delicately picking with ease.”  – Glide Magazine

Genre: Pop, Singer-Songwriter

Alles an dem Sänger und Songschreiber Nathan Ball ist ungezwungen. Seine Musik ist natürlich, leicht und beruhigend, und sie erreicht universelle emotionale Höhen mit ebenso viel Geschmeidigkeit, wie sie in stimmungsvolle Introspektiven hinabsteigt.

Da er seine Inspiration in der freien Natur findet, ist ein Großteil von Nathans Material mit seiner Umgebung verbunden. „Dort schreibe ich am besten; am Meer, in den Bergen, in den Wäldern. Ich liebe es, völlig in die Natur einzutauchen, so dass diese Themen ganz natürlich ihren Weg in die Musik finden. Ich liebe es, im Meer zu sein – einfach nur darin zu sein und mich völlig unbedeutend zu fühlen. Es ist eine Erinnerung an die Ordnung der Dinge“.

In Nathans Arbeit verschmelzen zwei große Lieben – das klassische Songwriting sowie die Lust am Experimentieren und Überschreiten klanglicher Grenzen. Überraschenderweise findet er auch Inspiration in der House-Musik. „Ich liebe die Art und Weise, wie man sich dabei fühlt – euphorisch, aber traurig, in sich gekehrt, aber ausdrucksstark. Ich liebe die dunkle Seite des Genres“.

Die Musik von Nathan Ball besitzt eine universelle Anziehungskraft. Seine Durchbruch-Singles „Right Place“ und „Drifting“ sind sowohl in Großbritannien als auch international bekannt. Die von Presseveröffentlichungen wie Line of Best Fit und Clash sowie von Streaming-Diensten gefeierten Lieder überschreiten die traditionellen Grenzen von Indie, Folk und Elektronik, wobei der universelle rote Faden Nathans gefühlsbetonte und magnetische Stimme ist.

2019 veröffentlichte Nathan neue Musik und tourte durch Großbritannien, Deutschland, die Niederlande, Frankreich, Schweden, Dänemark und Australien. Seine neue Single „Just Say Something“ wurde Anfang 2020 veröffentlicht.

Genre: Pop, Singer-Songwriter

Nach seiner erfolgreichen Europatournee in 2020 in dessen Rahmen Christopher fünfmal in Deutschland auftrat, kündigt der begnadete Sänger nun eine exklusive Deutschlandtournee für April nächsten Jahres an. Erst kürzlich veröffentlichte der Däne seine neue Single „Leap Of Faith”. Der Song handelt von all den Entscheidungen, die wir im Leben treffen müssen, und wie wir am Ende mit ihnen umgehen. Es ist Christophers zweite Single in diesem Jahr und folgt auf „Ghost“, die im Januar erschien und sich für mehrere Wochen auf #1 der dänischen Airplay Charts hielt. Auch hierzulande stellte der Künstler seine neue Single bereits vor. Er war u.a. im ZDR Morgenmagazin zu Gast, wo er eine akustische Version des Songs präsentierte. Zudem stellte er sich auf YouTube den Fitness-Challenges von Pamela Reif, mit der er verschiedene Workouts passend zu seinen Songs durchführte.

Christopher über „Leap of Faith“: „Leap Of Faith“ ist ein Song, den ich schreiben musste. Es ist der Song, in dem ich mich hauptsächlich dazu ermutige, Risiken einzugehen und Veränderungen in meinem Leben herbeizuführen. Es ist der ultimative Fortschrittssong und ein Song über all die Entscheidungen, die du in deinem Leben treffen musst und die große Verantwortung, die sich in dich hineinschleicht, je älter du wirst.

Eins ist klar, auf seiner Deutschlandtour im nächsten Jahr wird Christopher einige neue Songs im Gepäck haben, die er mit seiner Band live präsentieren wird. Tickets gibt es ab sofort.

Genre: Indie / Elektro

ok.danke.tschüss ist mit über drei Mitarbeitern der größte (und einzige) Unterhaltungsdienstleister der Einhorn-Rock-Branche. Vom Hauptsitz Mannheim aus beliefern wir unsere Kunden mit innovativem und umfassendem Klamauk.
Wir schenken kleinen Kindern so lange Süßigkeiten, bis sie sich übergeben müssen. Alten Menschen helfen wir über den
Zebrastreifen, ob sie wollen oder nicht. Kleiner Scherz am Straßenrande!
Wir suchen Sie als Zuschauer (m/w/d):
Gewünschte Eigenschaften:
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Das bieten wir:
• anständige Musik mit unanständigen Worten,
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• Texte, die sich über irgendetwas beschweren,
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Das kann man bei uns lernen:
• kuriose Tanzbewegungen.
Bitte reichen Sie Ihre vollständigen Bewerbungsunterlagen im Rundschreiben unter
+491788842556 oder auf www.okdanketschuess.de ein. Optional auch im persönlichen Gespräch
(bitte beachten Sie die aktuell geltenden Konzerttermine).

Genre: Indie / Electro-Pop

Zwei Berliner Bands geben sich zum ausklingenden Jahr 2020 die Ehre, in den Privatclub in Kreuzberg mit einer Doppelshow zu laden!

ADAM IS A GIRL und NINA, beide bekannt vom „Synth-Pop goes Berlin“-Festival und diversen Auftritten im Vorprogramm bei DE/VISION und anderen, präsentieren überdies ihre neuen Alben: NINA stellt ihr neues Album „Synthian“ vor, ADAM IS A GIRL veröffentlichen ihr neuestes Schaffen auf dem Werk namens „Now or never“.

Sowohl von ADAM IS A GIRL als auch NINA kann man ein breites Spektrum an Hits aus ihrem neuen Album als auch von älteren Titeln erwarten. Beide Acts erhalten die gleiche lange Spielzeit, ergo freuen wir uns auf dieses Doppelkonzert an einem Abend!

Genre: HipHop / Rap

Genre: Indie Rock, Indie Pop

Find english version below.

Zwischen 2000 und 2010 erschienen gefühlt im Wochentakt die „großen“ Alben von Bands wie The Strokes, White Stripes, Libertines, von Franz Ferdinand, Bloc Party, den Arctic Monkeys, Arcade Fire, den Thermals und Interpol und und und … Für viele war das die beste Zeit des Indie-Rock. Und die feiern wir diesen Abend!

Freut Euch auf Musik von z. B. Arcade Fire – Arctic Monkeys – The Ark – Art Brut – Babyshambles – Beat!Beat!Beat! – Beirut – Black Kids – Bloc Party – Blood Red Shoes – Bombay Bicycle Club – Bonaparte – Boy Kill Boy – The Bravery – Cage the Elephant – Chikinki – Cold War Kids – The Coral – The Courteeners – The Cribs – Crystal Castles – CSS – The Dead 60s – Death from Above 1979 – Die Sterne – Dirty Pretty Things – Does It Offend You, Yeah? – Dogs – The Dresden Dolls – The Drums – Editors – Eight Legs – Elefant – The Fashion – The Films – Florence & The Machine – Foals – Franz Ferdinand – Friska Viljor – Frittenbude – The Futureheads – Good Shoes – Goose – Hard-Fi – Hot Chip – Hot Hot Heat – Hund Am Strand – Interpol – The Jakpot – Jamie T – Johnossi – Justice – Kaiser Chiefs – Kasabian – Kate Nash – Kilians – The Kills – Kings Of Leon – Klaxons – The Kooks – Ladyhawke – Ladytron – Le Tigre – The Libertines – Little Man Tate – Los Campesinos! – The Maccabees – Mando Diao – Maxïmo Park – Metric – Metronomy – Milburn – Miyagi – Modest Mouse- Moneybrother – The National – Okkervil River – The Organ – The Pains of Being Pure at Heart – Patrick Wolf – Pete & The Pirates – The Pigeon Detectives – The Postal Service – Radio 4 – The Rakes – The Rapture – The Robocop Kraus – Rooney – Shout Out Louds – The Shins – Silver Jews – Sons and Daughters – Soulwax – The Sounds – Spoon – Stars – The Streets – The Strokes – The Subways – The Sunshine Underground- Tapes ’n Tapes – The Teenagers – Those Dancing Days – The Thermals – Tocotronic – Tokyo Police Club – Tomte – TV on the Radio – Two Door Cinema Club – The Von Bondies – Vampire Weekend – Voxtrot – We Are Scientists – We Have Band – White Lies – The White Stripes – The Whitest Boy Alive – The Wombats – Yeah Yeah Yeahs – The xx – Zoot Woman …

Mehr Infos inkl. Spotify-Listen auf https://www.eavo.de/takemeout/

Und keine Sorge: Neben Indie-Rock aus 2000 bis 2010 hat auch der ein oder andere Indie-Klassiker genauso Platz im Set wie ausgewählte Stücke aktuellerer Indie-Bands.

Take Me Out findet inzwischen in über 16 Städten im Dreieck zwischen Berlin, Hannover und München statt.

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Between 2000 and 2010 it felt like there were „big“ albums coming out weekly from bands like The Strokes, White Stripes, Libertines, Franz Ferdinand, Bloc Party, The Arctic Monkey and Arcade Fire and The Thermals and Interpol and and and… That was the golden time of indie rock! And that‘s what we‘ll celebrate tonight.

But don‘t worry: Other than indierock from 2000 to 2010, there are going to be a few indie classics and some carefully chosen songs by newer indie bands.

Find Spotify play lists under https://www.eavo.de/takemeout/

Take Me Out already fills dancefloors in Cologne, Münster, Munich, Leipzig etc.

Genre: Blues / Bluesrock / Rock

Mit ihrem furiosen Debüt-Album Devil on the Loose öffneten sich für das Quartett aus dem schwedischen Bollnäs vor fünf Jahren die Türen der Blues- und Rock Fans weltweit, jetzt melden sich Black River Delta mit ihrem neuen Album Shakin‘ und einer Reihe von Live-Terminen im Dezember 2021 zurück. Bestätigt sind Konzerte in Hamburg (10.12.), Köln (12.12.), München (13.12.), Wien (14.12.), Frankfurt (15.12.), Dresden (17.12.) und Berlin (19.12.). Unterstützt werden Black River Delta von Special Guest Dorian Sorriaux, dem ehemaligen Gitarristen der Blues-Rock-Superstars Blues Pills.

Black River Delta haben kürzlich ihre neueste Single Burning And Burning über Sofaburn Records veröffentlicht. Der rasante Track ist die zweite Single aus dem kommenden Studioalbum Shakin‘, das auf die bisherigen Alben Devil on the Loose (2016) und Vol. II (2018) folgt. Der düstere Blues-Rock-Sound der Band schöpft aus klassischen Blues-Legenden wie Robert Johnson, dem rohen Stil von R. L. Burnside und modernen Bands wie The Black Keys, Gary Clark Jr. und Black Rebel Motorcycle Club. Ihre Fähigkeit, uralten Blues mit modernem Rock zu verbinden, hat mehrere Tourneen durch Europa und Nordamerika ermöglicht und die Aufmerksamkeit von Künstlern wie der Blueslegende Joe Bonamassa erregt, der Vol. II als eines der besten Alben des Jahres 2018 bezeichnete und die Band sogar zu seinem jährlichen Kreuzfahrtfestival einlud.

Wer A sagt, muss auch B sagen, wer Rock’n’Roll sagt auch – Boppin‘ B.

Genre: Rock'n Roll / Rockabilly

Bang! Bang! Bang! Boppin’ B is back in town! Nach fast 2 Jahren Zwangspause endlich wieder live auf einer Bühne vor Menschen.

Und wenn Deutschlands erfolgreichstes Rock’n’Roll-Quintett loslegt, stehen alle Regler auf elf – Schweiß, gute Laune und lachende Gesichter vor und auf der Bühne inklusive. Der musikalische Fünfer mag in den Jahren seit der Bandgründung 1985 auf den Straßen Europas schon einiges an Staub gefressen haben, aber der abendliche Auftritt entlohnt stets für alle Mühen.

Das im Bandbus gut durchgesessene Sitzfleisch hat dann einiges an Energiereserven gespeichert, die in einer wilden, abgefahrenen Performance abgebaut werden müssen: Da wird der Kontrabass gefühlt aus allen Himmelsrichtungen bespielt und genauso erklommen wie die Verstärker, das Schlagzeug oder auch das eine oder andere Bandmitglied.

Kein Wunder, dass jede Show frisch und unverbraucht wirkt, denn für Boppin’ B ist nur eines wichtig – dass am Ende des Abends alle vor und auf der Bühne gemeinsam eine gute Zeit gehabt haben. Kurzum: Spaß haben und alles nicht allzu ernst nehmen – am wenigsten sich selbst, was auch der Titel des Anfang 2020 erscheinenden Albums belegt: „We Don’t Care“.

Ach ja, apropos frisch und unverbraucht: Für neue Töne am Mikro und noch mehr Leben auf und vor der Bühne sorgt seit 2018 der neue Frontmann Michi Bock, mit dem man die seit Dekaden erfolgreiche Reise fortsetzt. Stillstand war gestern – Boppin’ B ist nach wie vor auf der Höhe der Zeit und manchmal sogar auch noch etwas voraus.

Boppin’ B sind: Michi Bock – Gesang, Golo Sturm – Gitarre, Frank Seefeldt – Sax, Didi Beck – Kontrabass, Thomas Weiser – Trommel

Genre: New Wave, Postpunk, Indie und Synth

Zum zweiten Mal in Berlin!
Euch erwartet ein flottes Set aus New Wave und Post-Punk in all seinen Spielarten. Mal poppiger, mal dunkler – mal mit Gitarren, mal mit Synthies.

Einst:
A Flock of Seagulls – Abwärts – Alien Sex Fiend – Alphaville – Andi Arroganti – Anne Clark – B-Movie – Bauhaus – Boytronic – Cabaret Voltaire – The Chameleons – Charles de Goal – The Cure – DAF – Depeche Mode – Fad Gadget – The Fall – Fehlfarben – Gang Of Four – Gary Numan & Tubeway Army – Grauzone – Guerre Froide – The Human League – Isolierband – Joy Division – Kate Bush – Kirlian Camera – Klaus Nomi – Lene Lovich – Liaisons Dangereuses – Malaria! – Moev – New Order – No More – Phillip Boa & The Voodooclub – Pink Turns Blue – Propaganda – Psyche The – Psychedelic Furs – Red Lorry Yellow Lorry – Rheingold – Silvia – Siouxsie & The Banshees – Soft Cell – The Sound – Tears for Fears – Turquoise Days – Tuxedomoon – Ultravox – Wipers – Yazoo

Heute:
A Projection – Adult. – Agent Side Grinder – Beak> – Blouse – Boy Harsher – Bragolin – Buzz Kull – Clinic – Cold Showers – Crack Cloud – Crystal Castles – De Ambassade – Deaf Dance – Depeche Mode – Desire – Dial M For Murder – DIIV – Drab Majesty – Drangsal – Drens – Echoberyl – Edwin Rosen – Ela Minus – The Faint – Fischerspooner – Ghum – Henric de la Cour – Holygram – Human Tetris – Interpol – INVSN – Isolated Youth – Kaelan Mikla – Karl Kave – KILL SHELTER – KOMPROMAT – The KVB – La Femme – Ladytron – Lea Porcelain – Lebanon Hanover – Lescop – Linea Aspera – Makthaverskan – Molchat Doma – Motorama – The Organ – Pale Honey – Preoccupations – RAVM – Rue Oberkampf – Sam Vance-Law – Schwarze Fiktion – She Past Away – She Wants Revenge – The Slow Readers Club – The Soft Moon – Soviet Soviet – Super Besse – Ton8 – TR/ST – TRAITRS – The Underground Youth – Vive la Fête – Walt Disco – Whispering Sons

Genre: Metal

DIE LIEBE IST TOT heißt das kommende Album der deutschsprachigen Metaler von HÄMATOM, das am 05. Dezember das Licht der Welt erblicken wird. Natürlich arbeiten die Jungs gerade mit Hochdruck an einer dazugehörigen Tour, um nach vielen Monaten Live-Abstinenz endlich wieder Live-Luft zu schnuppern. Doch bevor sie sich in das größte Tour-Abenteuer ihrer bisherigen Geschichte stürzen, möchten die vier maskierten Himmelsrichtungen kurz inne halten und sich bei den Menschen bedanken, die sie auf eine unbeschreibliche Art durch die Corona-Pandemie getragen haben: Ihren Fans.

Sänger NORD dazu:
„Wie für viele andere Künstler und Gewerke aus der Musikbranche, war und ist die Pandemie für uns ein absoluter Super-Gau. Doch zu sehen und zu spüren, mit wie viel Solidarität und Liebe uns die Freaks durch diese schwere Zeit gebracht haben, war unglaublich emotional und beeindruckend. Also war uns schon früh klar, dass die ersten Shows nach der Krise unseren Fans und ihrem einmaligen Support gewidmet sein müssen.“

Und so heißt es im Januar 2022: BACK TO THE ROOTS.
Raus aus der Pandemie und rein in die engen, schwitzigen Clubs. Dort hinein, wo man sich nah ist. Wo man jeden Einzelnen spüren, hören und sogar schmecken kann. Mit der Liebe im Herzen und einem großen DANKE auf der Brust.
Und eines steht jetzt schon fest: Diese vier Shows werden für Band und Freaks etwas ganz Besonderes.

Genre: Indie / Folk

„Sunflower“ lautet der Titel des Albums, mit dem Briston Maroney nun sein langersehntes Debüt feiert. Ebenso prächtig wie eine Sonnenblume wuchs auch er in den vergangenen Jahren zu einem strahlenden Singer/Songwriter heran. Mit seinen 23 Jahren präsentiert sich der in Nashville ansässige US-Amerikaner auf seinem Erstlingswerk so weise wie kaum ein anderer Musiker, dessen Karriere ähnlich früh ins Rollen geriet.

„Sunflower ist mein Versuch eines Albums über Selbstfindung – erschreckend und heiter zugleich“, erzählt Briston Maroney über sein Werk. „Sich im vollen Umfang mit mir selbst zu befassen, war das Schwierigste, was ich je tun musste. Es ist aber gleichzeitig auch das Einzige, was mir erlaubt hat, wahre Freude in meinem Leben zu erfahren“. Die Platte fasse alle Momente der vergangenen Jahre im Leben des Sängers zusammen. Die Zeiten, in denen er sich mit Menschen und der Welt verbunden fühlte. Die Zeiten, in denen er geliebt hat, verzweifelt war oder das Gefühl hatte, nicht verstanden zu werden. All diese Emotionen hat Briston Maroney verarbeitet und in Form von gefühlvollen und warmen Songs aufbereitet. „Ich hoffe, dass die Leute das Album hören und wie durch ein Fenster auf das von mir Erlebte blicken können. Und hoffentlich können sie sich damit identifizieren“, so Maroney. „Ich weiß, dass diese Songs mir das weiterhin ermöglichen werden.“

Das Songwriting sei für ihn lange Zeit ein Tagebuch gewesen. „Das ist die Schönheit des Songwritings. Es ist ein Sammelalbum. Ein Fotoalbum. Und wenn du wirklich mit dem ganzen Herzen dabei bist und aus den richtigen Gründen Songs schreibst, dann sollte dich ein jeder von ihnen zurück an einen ganz bestimmten Ort transportieren.“ Mit „Sunflower“ setzt der Singer/Songwriter einen Meilenstein für eine internationale Karriere und hebt seine bisherigen musikalischen Gehversuche auf ein neues Level. Im Januar nächsten Jahres dürfen wir Briston Maroney hierzulande auf der Bühne erleben und zusammen mit ihm in seinem musikalischen Fotoalbum stöbern, wenn das Ausnahmetalent live in Berlin spielt.

Genre: Electronic Dark Pop

Innerhalb von wenigen Jahren haben sich EMPATHY TEST aus London in die Herzen der Liebhaber elektronischer Popmusik gespielt. Unzählige Auftritte im Vorprogramm anderer Größen sowie bislang zwei Tourneen mit mehreren ausverkauften Shows in Deutschland wurden zu ihren ersten beiden Alben gespielt. Im April erscheint die neue Single “Monsters”, dem Titeltrack zum gleichnamigen Album, welches dann im Mai folgt.

Zu dieser Album-Veröffentlichung begeben sich EMPATHY TEST auf ausgedehnte Deutschland-Tournee im September 2020, zu der sie keine geringeren als die postpunk-liebenden THE FOREIGN RESORT (www.theforeignresort.com) aus Dänemark im Gepäck haben.
2020 wird DAS Jahr für EMPATHY TEST!

Das dänische Trio THE FOREIGN RESORT spielt melodischen und atmosphärisch dichten Post-Punk und New Wave. Effektvolle Reverb-Gitarren erinnern gekonnt an Grössen wie The Chameleons, The Cure oder The Jesus & Mary Chain, aber auch an Joy Division oder My Bloody Valentine.

Im vergangenen Jahr ist mit dem eindringlichen Ohrwurm She Is Lost eine Vorab-Single zum aktuellen Album Outnumbered erschienen, das im ersten Halbjahr 2019 über das kanadische Label Artoffact Records (ACTORS, Kælan Mikla, GOLD, Front Line Assembly) das Licht der Welt erblickte.

THE FOREIGN RESORT teilten sich schon die Bühne mit Szene-Grössen wie The Soft Moon, She Past Away, The KVB oder Ash Code. Seit 2010 spielte die Band mehr als 450 Shows in Nordamerika und Europa, darunter auch Festivals wie zum Beispiel das WGT 2019 (Wave Gotik Treffen),W-Festival 2019, NCN 2018 (Nocturnal Culture Night) oder Amphi Festival 2020.

Genre: Pop

Nachdem er Anfang 2020 von Null gestartet ist, ging es für Oscar Anton innerhalb eines Jahres direkt in die Vollen. Über das gesamte Jahr veröffentlichte er monatlich 3-Song-Bundles, die er komplett in Eigenregie in seinem — in ein Studio verwandeltes — Pariser Schlafzimmer geschrieben, aufgenommen und produziert hat.

Mit 20 Jahren wurde er bei Polydor gesignt. Jetzt, mit 23, entschied er sich, das Label zu verlassen, sein eigenes zu gründen und seiner Intuition zu folgen. Und das mit beachtlichem Erfolg: Seither konnte er 45 Millionen Streams, 15 Millionen YouTube-Clicks, 840.000 Spotify-Follower sammeln. Die Singles „Nuits d’été“ and „Bye bye“ wurden zu viralen Hits.

Zuletzt konnte er mit seinem Song „Ophelie“ begeistern (Top #50 in Italien), bevor er im nächsten Jahr eine neue, einzigartige Song Challenge veröffentlichen wird. Passend dazu geht’s für Oscar Anton im Januar 2022 auf „First Tour Ever“, wo er den in der Pandemie entstanden „Bedroom Pop“ erstmals auf die Bühne bringen wird.

Genre: Folk / Sea Shanty / Singer-Songwriter

Nathan Evans wäre es im Traum nicht eingefallen, dass er mit nur einem Song einen Internet-Hype auslöst. Das globale Phänomen um den Hit „Wellerman“ wurde mit der Chartspitze gekrönt. Ein sensationeller Erfolg für den schottischen Shootingstar, der erst vor wenigen Wochen seine Shanty-Version von „Wellerman“ auf TikTok hochgeladen und damit ein weltweites Shanty-Fieber ausgelöst hat. Zu seiner minimalistischen Version der neuseeländischen Walfänger-Ballade formierte sich auf der Plattform ein vielstimmiger digitaler Seemannschor, der Nathan Evans ordentlich Aufwind verschaffte.

Freunde multi-harmonisierter Folkmusik haben Grund zur Freude, denn der charismatische Sänger Nathan Evans kommt für seine erste Live-Tour im Januar 2022 nach Köln, München, Zürich, Berlin und Hamburg.

Nathan Evans, ein ehemaliger Postbote, widmete sich schon immer seiner Leidenschaft, dem Singen. Auf TikTok lädt er mit „Leave Her, Johnny“, seinen ersten Shanty-Coversong hoch. Pünktlich zum Jahreswechsel folgt „Wellerman“. Die Coverversion der neuseeländischen Walfänger-Ballade aus dem 19. Jahrhundert holt innerhalb einer Woche acht Millionen Aufrufe.

Nachdem der sympathische Schotte die Offiziellen Deutschen Charts eroberte, erhält er schnell einen Plattenvertrag, hängt seinen Job als Postbote an den Nagel und widmet sich nur noch der Musik. Auch der dazugehörige Remix der britischen Produzenten 220 Kid und Billen Ted wurde zu einem viralen Hit und katapultiere den Song auf Platz zwei der britischen Singlecharts.

Nathan Evans hat es mit seinem Song „Wellerman“ geschafft, dass alte Seemannslieder einen enormen Aufschwung erleben und im Mainstream ungeahnte Beachtung finden. Allein auf TikTok finden sich mehr als 3,2 Milliarden Videos mit dem Hashtag #seashanty und sorgen für millionenfache Duette auf der Plattform.

Genre: Alternative / Indie-Rock

Neue Tournee-Ankündigungen sind in diesen Zeiten schon generell eine kleine Sensation; doch diese hier wäre es selbst unter völlig normalen Bedingungen: Mit The Luka State wird uns im September 2021 die derzeit vielleicht aufregendste, sicher aber meistdiskutierte Indierock-Band Großbritanniens für drei Live-Shows beehren! Im Gepäck habem sie neben ihren erfolgreichen Radio-Singles, die in England bereits als die Indierock-Hymnen einer neuen Generation gefeiert werden, auch alle Songs ihres Ende Januar 2020 veröffentlichten Debütalbums „Fall In Fall Out“, das bereits vor seinem Erscheinen hohe Wellen in den britischen Medien und sozialen Netzwerken schlägt.

Zwischen dem 14. und 16. September gastiert das Quartett aus Winsford/Cheshire, das aus seinen drei großen Einflüssen The Beatles, The Jam und The Clash eine zeitgemäße Form großer Indie-Grandezza geformt hat, für drei Clubshows in Berlin, Hamburg und Köln.

Seit dem überwältigenden Erfolg des britischen Garagerock, der mit Bands wie The Libertines, Kaiser Chiefs, Bloc Party und weiteren kurz nach dem Jahrtausendwechsel eine lange nicht erlebte Dringlichkeit und Frische in die englische Rockmusik pumpte und in der Folge zu dem Rocksound für das neue Millenium avancierte, ist es im UK-Indierock seltsam still geworden. Umso euphorischer und ungeduldiger begleiten die Fans und Fachmedien des Vereinten Königreichs jeden Winkelzug der satt rockenden Hoffnungsträger The Luka State, seit sich das Quartett 2012 zusammenfand.

Gleich die ersten aufgenommen Songs gerieten zu soliden Indierock-Smashern und fanden landesweit über Mundpropanda und ein enormes Live-Ethos nicht nur ungewöhnlich viel Radio-Airplay für einen ungesignten Newcomer, sondern auch immer mehr beinharte Fans – darunter nicht wenige vom Fach und aus der Branche. Zu den ersten Unterstützern gehörte auch der Produzent Sam Williams, der dem UK-Indierock mit der Entdeckung und Betreuung von Supergrass schon einmal frische Iumpulse und einen neuen Twist verliehen hatte. Und auch von The Luka State war er restlos überzeugt, seit er die Band in einem kleinen Club live erlebt hatte

Unter seiner Führung gelang The Luka State eine kleine Sensation: Mit „Matter of Time“, „30 Minute Break“ und „Rain“ veröffentlichte das Quartett ein Jahr der Gründung seine ersten drei Songs, die allesamt zu Indie-Hitsingles aufstiegen und der Band fast über Nacht Streamingraten in Millionenhöhe bescherten. Kaum erschienen, setzte auch der in England übliche Hype in den Fachgazetten ein; „Vulture Hound“ etwa bezeichnete sie als der „absolute Inbegriff des modernen Rock’n’Roll“.

Seither gesellten sich weitere Indierock-Glanztaten hinzu, teils als einzelne Singles und teils gebündelt in Form von zwei EPs; parallel tourte die Band jährlich quer durch Großbritannien und zunehemend auch in Mitteleuropa und Nordamerika. Die Aufnahmen zu einem kompletten Album hatten bei all dem Interesse oft das Nachsehen, und so gingen die beiden Jugendfreunde Conrad Ellis (Gesang, Gitarre) und Sam Bell (Bass), die bereits seit frühen Teenagertagen in verschiedenen Formationen zusammen Musik machen, sowie die für The Luka State rekrutierten Jake Barnabas (Schlagzeug) und Lewis Pusey (Gitarre) erst 2018 ins Studio, um ihren ersten Longplayer aufzunehmen.
Von jenem erwartet die Musikwelt nicht weniger als eine Renaissance des gesamten UK-Indierock; das Zeug dazu haben diese vier jungen Lads im Geiste der Mod-Kultur, wie auch ihre drei Deutschland-Shows im kommenden September unschwer belegen werden.

Genre: Alternative / Indie-Rock

Young Knives (die Brüder Henry Dartnall und The House of Lords) haben ihr neues Album Barbarians veröffentlicht. Ihr erstes Album seit sieben Jahren, nach der 2013 gefeierten Sick Octave. Barbarians ist ein Sprung in das klangliche und thematische Experimentieren einer Band, die es gleichermaßen liebt, zu verwirren und zu unterhalten. Geschrieben, aufgenommen und gemischt von Young Knives in ihrem Studio in der Nähe von Oxford, sagt Henry über Barbarians: “ We broke down all the barriers to creativity and made the most cathartic and noisy album of our career.”

Als die Brüder sich an das Buch des Philosophen John Gray aus dem Jahr 2002 wagten, wurden sie dazu inspiriert, sich in die gewalttätige, brutale Natur des Menschen einzuwählen.

Henry kommentiert:“As with every Young Knives album, me and House always need a good reason to make it. We often start with some high concept that we feel passionate about and use it like a framework to build lyrics and motifs around. As confirmed but self-aware nihilistic miserabilists we often have to dig our way out of a spiralling bleak world view that would make for a super depressing listen. This album is no different. But I think that’s the point of the records we make: how can we turn the worse aspects of humanity into something really fucking entertaining? Obviously there was a lot going on around the world at the time we were writing the record, with the rise of the alt-right and politics designed to divide us. All this fed into a sense that humans are always going to have this battle between our collective existence and the existence of the individual, some days we give and some days we take.
I read Straw Dogs after having put it off for years because of the hype. It’s something you can’t un-read. Its key point is that no matter what scientific progress we have made, what advances we have made in our understanding of how the universe works, we have not become better humans, we are no less barbaric. I just thought that it was such an undeniable point; we are obsessed with self and social improvement, but we don’t get any better as human beings. What if cruelty to others is just part of who we are? How do we live with that?”
In der Lead Single ‘Sheep Tick’ werden diese Fragen frontal angegangen. Henrys erster Text, „Cruelty, I let you back in / I’m wondering why“, gibt den Ton für ein beunruhigendes Zuhören an, begleitet von einem Video, das unangenehm und unerwartet ist. Henry sagt weiter: „Music videos are awful and we wanted to lean into that. The idea behind this one was to make a video that you couldn’t have pitched. We just started shooting without knowing what it was, our goal to make it as baffling and entertaining as possible. Weirdly, the great thing is that some of the video started to make sense with the song after we had finished it: House’s goblin character is the voice inside that tells you how worthless you are, and you have to make peace with him. Most of it doesn’t make any sense though.“

Genre: Indie-Rock / New Wave

Fünf Jahre nach dem Erstling “6” legt SJÖBLOM sein zweites Full-Length-Album “Demons” vor. Johan Sjöblom Eliot, bestens bekannt auch als Gründungsmitglied und einer von zwei Sängern der schwedischen Band THE EXPLODING BOY, präsentiert 10 brandneue Songs irgendwo zwischen energetischem Post Punk, leidenschaftlichem Wave und melodiösem Indie Pop.
Nicht nur die drei Vorabsingles “Tape”, “Brand New Life” and “Telephone”, sondern auch Soundjuwelen wie das tosende “The Storm” oder wie der herzschmelzende Titeltrack “Demons” zeigen einmal mehr Johan’s bestechende Songwriting-Qualitäten. Produzent Jon Bordon (Nicole Sabouné, Agent Side Grinder) hat das Material in den Stockholmer Joniverse Studios schließlich veredelt.

“Demons” wird auf CD in einem sechsseitigen Digipak, auf schwarzem Vinyl mit bedrucktem Inner Sleeve und auf allen digitalen Plattformen veröffentlicht.

Photo: Sandrine And Michael

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Genre: Pop

Dagny kam buchstäblich aus dem Nichts und überwältigte die – insbesondere virtuelle – Welt mit ihrer Debüt-Single „Backbeat“ nahezu über Nacht. Nachdem der renommierte BBC-DJ Zane Lowe ihre Single in seiner „Beats 1“-Show vorgestellt hatte, sammelte Dagny innerhalb weniger Wochen mehr als neun Millionen Spotify-Plays ein, mittlerweile sind es rund 42 Millionen. Im Anschluss kultivierte die 30-jährige Norwegerin im Rahmen zahlloser Kooperationen ihre Erfahrung und Identität als Künstlerin, bevor sie im September 2016 mit ihrer Debüt-EP „Ultraviolet“ weithin begeisterte. Nun, vier Jahre und zahllose Kollaborationen später, erscheint mit „Strangers/Lovers“ endlich ihr lang erwartetes Debütalbum, digital in zwei Teilen: Die A-Seite ist seit Ende Mai erhältlich, die B-Seite folgt am 02. Oktober. Im kommenden Jahr geht Dagny mit ihrer Band auf Tournee und wird zwischen dem 17. und 22. April auch drei Deutschland-Shows in München, Berlin und Hamburg spielen.

Dagny Norvoll Sandvik hatte bei genauerer Betrachtung geradezu perfekte Startbedingungen, um zu dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin zu werden, die man nun in ihr findet. Da ist zum einen ihre Herkunft, das kleine Städtchen Tromsø im Norden Norwegens: Abseits von allen großen Szenen konnte dort ihr ganz individueller Ansatz an Songwriting und Gesang reifen. Zum anderen konnte sie dabei auf intensive familiäre Unterstützung und Hilfe bauen, da ihre Eltern beide ebenfalls Profimusiker sind. So entwickelte sie einen ganz eigenen Stil: euphorisch und fröhlich, aber dennoch tiefgründig und insbesondere in der gesamten Klangästhetik innovativ. So sprechen Eingeweihte der norwegischen Musikszene bereits seit 2012 davon, dass sich in Dagny ein kommender Star des handgemachten Female-Pop findet; erst recht, nachdem die junge Künstlerin auf Konzerten im Vorprogramm von Stars wie Elton John und Bryan Adams auftrat.

Über die nationalen Grenzen hinaus verbreiterte sich die Wahrnehmung ihres ebenso überraschenden wie eingängigen Sounds aber erst nach ihrem Umzug nach London, wo sich ihre Musik noch einmal grundlegend veränderte: Weg von der reinen Folk-Musik und hin zu postmodernen Pop-Entwürfen und elektrischer Band-Verstärkung. Erreicht hatte sie diese Transformation durch verschiedene Kooperationen mit Londoner Musikern und Produzenten. Bei einer Solchen mit Sam McCarthy entstand aus einer Jamsession heraus dann der Song, der sie unmittelbar in den sozialen Netzwerken bekannt machte: „Backbeat“. Ein Lied, das den unheimlich seltenen Spagat schafft, leicht und fröhlich und gleichzeitig enorm nachhaltig und wertvoll zu sein. Seither landeten zahlreiche Songs von ihr in den norwegischen Singlecharts und konnten über 30 Millionen Spotify-Plays erreichen, darunter „Love You Like That“ oder „Somebody“ aus ihrem ersten Album „Strangers/Lovers“.

Parallel ging Dagny viele Kollaborationen ein, darunter mit Steve Aoki, Børns, Kohib, The Wombats oder dem EDM-Duo Seeb, deren Single „Drink About“ bis auf Platz 2 der norwegischen Charts stieg und aktuell bei über 105 Millionen Spotify-Plays steht. Auch für ihr in Los Angeles und London aufgenommenes Debüt-Album nahm sie wieder zahlreiche Angebote zu Zusammenarbeiten an, um ihren Sound weiterzuentwickeln. Unter den Kollaborateuren, mit denen sie arbeitete, finden sich namhafte Songwriter und Produzenten wie Tommy English (Børns, Tigertown, Ladyhawke), Dave Bassett (Elle King, Fitz and the Tantrums), Mattman & Robin (Tove Lo, Ellie Goulding, Taylor Swift) und Justin Tranter (Selena Gomez, Justin Bieber). Entsprechend vielseitig und teils überraschend fallen die Songs auf „Strangers/Lovers“ aus, die jedoch von einer bedeutenden Klammer zusammengehalten werden: Dagnys überragender Stimme, von deren Präsenz und Eindrücklichkeit man automatisch in den Bann gezogen wird. Davon kann man sich im Rahmen ihrer drei Live-Shows im April 2021 in München, Berlin und Hamburg ein weiteres Mal überzeugen.

Die Singer-Songwriterin aus Nashville kündigt internationale Tournee an.

Genre: Singer Songwriter / Country / Pop

Frankfurt, 26. Juli 2021 – Ingrid Andress kündigte heute ihre internationale Headliner-Tour The Feeling Things an, die diesen Herbst in Boston beginnt und mehrere Stationen in den USA und Europa macht. Neben zwei Auftritten in Deutschland in Berlin (31.01.) und Hamburg (01.02.) sind Auftritte in Irland, Nord-Irland, Schottland, England, Frankreich, Niederlande, Dänemark und Schweden geplant bevor sie in Oslo, Norwegen, endet. Die Feeling Things Tour ist die erste Headliner-Tour des aufstrebenden Nashville-Stars seit ihrer US- und Europa-Tour 2019 und gibt Andress die Möglichkeit, ihr GRAMMY-nominiertes Debütalbum Lady Like live zu präsentieren.
Ab Mittwoch, dem 28. Juli 2021 – 10:00 Uhr bieten die Ticketanbieter CTS Eventim und MyTicket Presales an. Der allgemeine Vorverkauf für die Auftritte in Deutschland beginnt am Donnerstag, dem 29. Juli 2021 – 10.00 Uhr. Tickets sind unter www.myticket.de sowie telefonisch unter 01806 – 777 111 (20 Ct./Anruf – Mobilfunkpreise max. 60 Ct./Anruf) und bei den bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.
„Ich freue mich sehr, mein Debütalbum Lady Like auf die Bühne zu bringen und diese Songs zu performen, die in den letzten Jahren ein so großer Teil meines Lebens waren“, sagte Andress. „Noch wichtiger ist, ich kann es kaum erwarten, all die Fans zu sehen, die ich in den letzten 18 Monaten vermisst habe. Als Songwriter ist die menschliche Verbindung mit der wichtigste Teil des gesamten Tourerlebnis, also freue ich mich wirklich darauf.“
Billboard bezeichnete Ingrid Andress jüngst als „ein Aushängeschild für moderne weibliche Komplexität“. In diesem Jahr erhielt die bei Warner Music Nashville / Atlantic Records unter Vertrag stehende Künstlerin drei GRAMMY-Nominierungen und war die einzige Country-Künstlerin, die es mit einer Nominierung als „Best New Artist“ in eine der „Big Four“-Kategorien schaffte. Damit löste sie gleichzeitig Miranda Lambert als meistnominierte Country-Künstlerin des Jahres ab. Die vierfache ACM-Award-Nominierte und zweifache CMA-Nominierte hat jeden Song auf ihrem Debütalbum Lady Like mitgeschrieben und mitproduziert. Auf dem Album befinden sich ihre zweifach US-Platin-zertifizierte #1-Debüt-Single „More Hearts Than Mine“ sowie ihre Single „Lady Like“, die derzeit die Country-Radio-Charts erobert.
Darüber hinaus erhielt die 2020 für die CMA, ACM und CMT Music Awards nominierte Sängerin sowohl bei den MusicRow-Awards als auch bei den NSAI’s Nashville Songwriter-Awards die Auszeichnung „Song of the Year“. Zudem war sie die erste weibliche Country-Künstlerin, die es in das Up Next-Programm von Apple Music schaffte. Für den Kurzfilm „A Lady Like That“, der Einblicke in das Leben des aufstrebenden Stars gewährt, kollaborierte Andress zuletzt mit Amazon Music.
Mit über 600 Millionen globalen Streams wurde der Künstlerin seitens der Medien große Anerkennung zuteil – darunter von The New York Times, NPR, HUFFPOST, Entertainment Weekly, ELLE, Teen Vogue, WWD, PAPER und Wonderland, um nur einige zu nennen. Darüber hinaus ist Andress in mehreren US-TV-Shows aufgetreten, darunter ELLEN, The Late Show with Stephen Colbert, The Late Late Show with James Corden, Jimmy Kimmel Live!, TODAY, Late Night with Seth Meyers, The 54th Annual CMA Awards, The 2020 CMT Music Awards und 2021 CMT Music Awards.
Die versierte Sängerin und Songwriterin hat bereits Songs für Künstler:innen wie Charli XCX, Bebe Rexha, Dove Cameron und FLETCHER geschrieben. Keith Urban lud Andress ein ihn auf ausgewählten Terminen seiner Tour zu begleiten. Im Herbst dieses Jahres wird sie sich erneut Dan + Shay im Rahmen ihrer fortgesetzten Arena-Tour anschließen.

Genre: Blues / Funk / Rock’n’Roll

Neal Francis hat mit seinen 30 Jahren schon mehrere Leben gelebt. Der in Chicago geborene Musiker wird von den Medien aber nicht nur deswegen gefeiert, seine Musik steht im Vordergrund. Craig Charles (BBC Radio 6) findet, er sei die „Reinkarnation von Allen Toussaint“, der Radiosender KCRW erinnert ihn an Leon Russel, Dr. John und JJ Cale, die Winnipeg Free Press sieht ihn als „Künstler, auf den man absolut achten“ solle und Cincinnati CityBeat spricht von „klassischem Funk, Soul und R&B“.

„Ich möchte einfach in allem ehrlich sein, von meinen musikalischen Einflüssen bis zu meiner Geschichte“, erklärt Neal Francis. Denn nach jahrelangem Drogenkonsum hat er sich selbst wieder befreit, die Musik als Therapie genutzt: Die erinnert an die längst vergangene Blütezeit des R&B, macht aber nicht Halt vor neuen Einflüssen. Da gibt es eine tiefe Verbindung zwischen den Sounds seiner Kindheit (Dr. John) und weiteren Vorbildern wie Allen Toussaint und Leon Russell, dem Pubrock der Rolling Stones, dem Gospel Soul von Billy Preston und der Roots-Musik von The Band.

Geboren wird er als Neal Francis O’Hara, als 18-jähriges Piano-Wunderkind tourt er mit Muddy Waters’ Sohn durch Europa und mit diversen Bands durch die USA. 2012 steigt er bei der populären Instrumental Funk-Band The Heard ein. Mit ihm als kreativem Kopf werden The Heard zu einer nationalen Größe, man tourt mit The New Mastersounds und The Revivalists. Aber mit dem steigenden Erfolg sinkt Neal Francis immer mehr in die Abhängigkeit. So wird er 2015 gefeuert, aus seinem Apartment geworfen und steht kurz vor dem Ende. Nach einem alkoholbedingten Anfall, bei dem er sich schwer verletzt, erkennt er die Notwendigkeit einer Reha an.

Die lange Reise von Krankenhausbett zu einer Solokarriere ist weder vorhersehbar noch einfach; ein steiniger Weg mit allem, was dazu gehört. Aber seine kreative Energie treibt ihn an und er kann sich aus der Falle befreien. „Das Trinken hat meine Musik irgendwie gehemmt, sie zurückgehalten. Erst nachdem ich nicht mehr getrunken habe, kam alles heraus, was in mir steckt.“

Er stellt ein profundes Team zusammen, um seine Ideen zu verwirklichen: Bassist Mike Starr (The Heard) und Drummer PJ Howard (The Revivalists, The Heard). Er engagiert den Produzenten Sergio Rios (Orgone, Cee Lo Green, Alicia Keys) und finanziert Studiozeit im Killion Sound in Los Angeles für die Aufnahmen. „In diesem Raum habe ich gelernt, meinen Instinkten zu vertrauen“, erinnert er sich. Das dabei herausgekommene Material spiegelt die gesamte Historie der Meister aus seligen Rock- und Soul-Zeiten.

Neal Francis beendet die Aufnahmen für sein Debüt „Changes” im Februar 2018 in Los Angeles, die folgenden Monate gehören den Overdubs, die er in Chicago mit Engineer Mike Novak aufnimmt, der auch schon für die Demos verantwortlich zeichnet.

Danach geht es auf Tour. Nach dem Vertrag mit Paradigm Talent Agency, spielt Neal Francis seine erste US-Tour als Solokünstler mit den Australiern The Cat Empire. Die Resultate auf ihn und sein Debüt lassen aufhorchen, zahlreiche Radiosender wie KEXP, KCRW’s The Morning Becomes Eclectic, Lightning 100, The Current and BBC Radio 6 unterstützen ihn dabei. Neal Francis und seine vier Mann starke Band treten sogar auf dem New Orleans Jazz & Heritage Festival auf, teilen sich die Bühne mit The Meters und anderen Legenden. 2019 geht er allein auf Tour mit Black Pumas, Steel Pulse, Lee Fields & The Expressions, Dumpstaphunk und anderen. Neal Francis hat auch nicht vor, seine Tournee zu beenden, er möchte die Musik zu den Leuten bringen. „Ich tue dies, um den Antrieb in mir zu befriedigen, aber auch, um den Gaben, die mir in die Wiege gelegt wurden, gerecht zu werden. Und das alles mache ich aus immenser Dankbarkeit.”

Genre: Indie

In der Londoner Musikszene ist Matt Maltese längst kein Unbekannter mehr. Sein Debüt „Bad Contestant“ sicherte ihm vor drei Jahren den Status als talentierter Ausnahmekünstler. Der Nachfolger „Krystal“ setzte den Erfolg des Erstlingswerks schließlich ein Jahr später fort. Nun überzeugt der Brite mit kanadischen Wurzeln mit seiner jüngst veröffentlichten Single „You Deserve An Oscar“, mit der er Album Nummer drei ankündigt. „Good Morning It’s Now Tomorrow“ heißt die neue Platte, die am 8. Oktober 2021 erscheinen soll und jetzt schon als das bislang authentischste Werk des Sängers betitelt wird. Es sei ein Album voller Romantik. Ein Album über das Grübeln über die Liebe und die Zukunft sowie der Suche nach etwas Größerem als dem normalen Leben.

“We all put on a brave face in this life, and this is a song for everyone who still carries on despite the misery and chaos. The greatest actors aren’t in Hollywood – they’re the people walking by you on the street, pretending everything’s ok“, so der Musiker über „You Deserve An Oscar“. Der Song sei eine Ode an die Selbstachtung, bei der humorvolle Selbstverachtung auf tiefe Aufrichtigkeit trifft. Letztere soll uns daran erinnern, ein wenig sanfter zu uns selbst und den Menschen um uns herum zu sein. „The song is both sincerely congratulatory and self-deprecating about the movie-esque roles we all play in everyday life by just pretending things are ok when they’re not. We all act to a certain extent I suppose, and this is kind of a hug of appreciation for those that do it so convincingly“.

Seit Beginn seiner Karriere präsentiert der 23-Jährige qualitativ hochwertiges Songwriting und singt uns mit seiner sachten Stimme ein wenig mehr Mut und Zuversicht zu. “No matter how many people are dying and how much tragedy there is, society still moves forwards. I wanted to reflect on that and talk about how a lot of everyday life is about making peace with that powerlessness“, sagt er und präsentiert sich in Zeiten der Pandemie reflektierter als je zuvor. Immer darauf bedacht, diese Welt mit seiner Musik ein wenig besser zu machen.
Im Februar 2022 dürfen wir Matt Maltese dann live auf der Bühne erleben, wenn er für zwei Konzerte nach Berlin und Hamburg kommt.

Mit seinem zeitlosen Blue Soul hat das Projekt Tiflis Transit in den letzten Jahren aufhorchen lassen. Die Band um Fabian Till agiert dabei stets so zeitlos, dass auch eine nochmalige Verschiebung der ursprünglich für 2020 geplanten Tournee in das Jahr 2022 bei den Konzerten selbst kaum auffallen dürfte. Wegen der anhaltenden Corona-Pandemie und einer fehlenden Planungssicherheit wird dieser große Zeitsprung in der Konzertplanung leider notwendig. Da vereinzelt stattfindende Streaming-Konzerte die Live-Energie des Quartetts nur schwerlich transportieren werden können, wird an der Idee von echten Livekonzerten mit Publikum festgehalten. Im Februar 2022 wird die Band dann hoffentlich endlich wieder auf der Bühne stehen und bestimmt auch den einen oder anderen neuen Song zum Besten geben. Bereits gekaufte Tickets behalten für die neuen Termine ihre Gültigkeit.

Genre: Indie

„A Dim Daze“ heißt das zweite Extended Play von Tiflis Transit, das am 13. November 2020 bei Listenrecords erschienen ist. Anschließend an den Ende 2018 erschienenen, hochgelobten Erstling “Mondaene Dysfunction” trägt die Song-Kollektion erneut die charakteristischen Merkmale des Projekts um Fabian Till.

Der Sound oszilliert zwischen Studioband-Motown Soul und angejazztem Analog-Pop, bleibt aber nach wie vor eines: Blue Soul, der sich mit großer Spielfreude zwischen Traurigkeit und Groovyness schlängelt. Blue Soul, so blau wie der Himmel, Ozean und sämtliche Onkels und Tanten beim letzten Familientreffen zusammen.

Allgegenwärtig ist dieser Schleier, der die Songs durchweht – eine gewisse schummrige Benommenheit, a dim daze eben. Dieses Grundrauschen skandalisiert das Nicht-Durchdringen: Diskurse, die nicht geführt werden, weil sie zu bestimmten Entscheidern nicht durchdringen. Und deshalb nicht verstanden, geschweige denn gelöst werden, nach Jahrtausenden des Fehlverhaltens. Um das Schweigen zur falschen Zeit rotiert die Stimme von Fabian Till in allen irgend möglichen Stimmlagen. Frei nach dem Grundsatz Singen ist silber und besser geht immer.

In phyischer Form gibt es “A Dim Daze” als eine Art “Split”-Album der besonderen Sorte: Auf der A-Seite tummeln sich die aktuellen Songs, „A Dim Daze“, auf der B-Seite finden sich jene von „Mondaene Dysfunction“, die 2017 durch ein analoges Tape-Recording ihre Ewigkeit fanden. Bisher waren sie nicht als Tonträger erhältlich.

Songs von Tiflis Transit liefen und laufen bei Radiosendern wie radioeins, FluxFM und EgoFM auf Rotation. Live waren sie u.a. bereits auf dem alinae lumr, WattEnSchlick, der c/o Pop sowie im Vorprogramm von Fenster und Buck Meek (Big Thief) zu hören.

„einer der Überraschungscoups dieses Jahr“ – JMC Magazin

„Vom Gehörgang ins Herz und dann zurück zum Verstand – so bewegend kann Musik aus Deutschland klingen“ – E1nenhabichnoch

„Die Band flirtet zwischen viel DIY-Pop und lässigen Gitarren mit dem Soul. Klarer Fall für die Kategorie ‚Im Auge behalten‘“ – That New Music Blog

„Durch den zurückhaltenden Einsatz von Schlagzeug und Synthesizer erzeugen Tiflis Transit einen rauen und ungeschliffenen Sound, der mit seiner Melodik an Künstler wie Timber Timbre erinnert“ – The Postie

Photocredit: Laura-Lynn Petrick

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Genre: Indie

Alexandra Savior kommt mit neuen Songs zurück nach Deutschland! Ihre für Mai 2020 geplante Tournee musste aufgrund der aktuellen Umstände mehrmals verschoben werden. Dafür wird sie nun neben ihren ursprünglich geplanten Konzerten Berlin und Köln noch zwei Zusatzshows in Hamburg und München spielen.

Wer die musikalischen Klänge der Retro-Seligkeit einer Lana del Rey liebt, wird sich auch vom besonderen Gesang Alexandra Saviors verführen lassen. Mit 14 Jahren entdeckt die junge Amerikanerin ihre Leidenschaft zum Songwriting und findet ein Ventil, mit dem schwierigen Alltag ihres Teenager-Lebens in Portland klarzukommen.

Knapp drei Jahre später veröffentlicht sie auf ihrem YouTube-Kanal eine Coverversion des Angus & Julia Stones Hit „Big Jet Plane“ und gewinnt damit die Aufmerksamkeit von Prominenten wie Linda Perry, Courtney Love oder Alex Turner von den Arctic Monkeys. Letzterer ist es dann auch, der Alexandra Savior bei ihrem Debütalbum „Belladonna of Sadness“ (2017) unterstützt und es produziert, ihren Songs und der Platte eine Struktur gibt, sowie ihren selbstgeschriebenen Texten den letzten Feinschliff verpasst.

Bereits „Belladonna of Sadness“ strotzt vor Nostalgie-Pop und kreiert Bilder von Sehnsucht, Herzschmerz und jeder Menge Leidenschaft. Die Platte mit ihren elf Songs sorgt international für erste Aufmerksamkeit und beschert ihr Vergleiche zu Stars wie Lana del Rey oder Fiona Apple. Schon bei diesem Album entwirft Alexandra Savior das Plattencover und dreht die Videos zu ihren Singles selbst. Sie beschreibt ihre Musik als „feminist angst horror film feel“ – und genau das ist es.

Mit einem melancholischen und gleichzeitig desorientierten Ausdruck blickt uns Alexandra Savior auf dem Cover ihres im Januar letzten Jahres erschienenen Albums „The Archer“ an. Der Longplayer schreit förmlich nach Unabhängigkeit und strahlt wie das Debütalbum angemessen pompös im dunklen Retro-Pop-Gewand, statt im Einheitsbrei zu versinken.

Im Februar 2022 kommt Alexandra Savior wieder nach Europa und wird vier exklusive Konzerte in Deutschland geben. Erlebt die Künstlerin mit ihrer einzigartigen Stimme am 04. Februar im Privatclub Berlin, am 05. Februar im Kölner Artheater, am 27. Februar in der Münchner Milla, sowie am 28. Februar im Nochtspeicher Hamburg

Genre: Pop

Ms Nina kommt für eine exklusive Show nach Berlin!

Genre: Hip Hop / Latin

Bereits im Februar dürfen sich die Fans der gebürtigen Argentinierin freuen. Ihr Style beweget sich zwischen Hiphop, Reggaeton, Cumbia und Dembow. Lyrisch geht’s um Themen wie Freiheit, Toleranz und Feminismus wo sie kein Blatt vor dem Mund nimmt.
2017 konnte sie Platz 1. in Spanien auf Spotify mit ihrer Single „Tu Sicaria“ sichern. Später wurde der Release für die Netflix-Serie „ELITE“ verwendet und erreichte über 105 Mio. Streams auf Spotify. Für Fans von Rosalia, Nathy Peluso und Princess Nokia.
Am 8. Februar kommt Ms Nina samt neuer Musik im Rahmen ihrer ersten Europa Tournee in den Berliner Privatclub. Tickets sind ab sofort auf Eventim.de erhältlich!

Genre: Metal, Power-Metal

Achtzehn Monate war es ruhig um SERIOUS BLACK, eine vergleichsweise lange Zeit für eine Band, die seit ihrer Gründung 2015 maximal ein Jahr bis zur Veröffentlichung eines neuen Albums verstreichen ließ. Wer nun allerdings vermutet, die Powermetaller hätten sich auf ihren Lorbeeren ausgeruht und auf der faulen Haut gelegen, wird Anfang 2020 eines besseren belehrt: SERIOUS BLACK sind zurück! Mit einem Paukenschlag und einer Killerscheibe namens „Suite 226“ im Gepäck. Nach drei erfolgreichen Alben und über 120 weltweit gespielten Konzerten, haben sie die verdiente Auszeit dazu genutzt, neue Konzepte zu entwerfen, an frischem Material zu feilen, und, so ganz nebenbei, auch noch ein eigenes Studio zu bauen. Bassist Mario verkündet stolz: “Das Warten hat nun ein Ende, wir sind frisch und ausgeruht zurück. Vor allem sind wir aber hungrig, auf die Bühne zurückzukehren.“ Was die Band sicherlich bei der Tour mit Hammerfall und auf der Headliner Tour im Herbst 2020 unter Beweiss stellen wird.

Nachdem sich 2013 bei Gitarrist Roland Grapow und Basser Mario Lochert die Idee manifestiert, eine sechsköpfige Melodic Metal Band zu gründen, ist es nur eine Frage der Zeit, dass sich die Truppe von Vollblutmusikern, die sich ihre Sporen bis dahin bei FIREWIND, RHAPSODY, TAD MOROSE, EDENBRIDGE, VISION OF ATLANTIS und DREAMSCAPE verdient haben, in der Melodic Metalscene etabliert.

2015 veröffentlichen die deutsch-amerikanische All-Star-Band ihr Debut „As Daylight Breaks“, das sogar einen Charteinstieg verzeichnen kann, und absolvieren anschließend ihre erste Headliner-Tour. Die Fans sind begeistert, die Musikpresse ebenso, es folgen drei weitere erfolgreiche Alben, unter anderem mit Liveaufnahmen und der Unplugged-Version „First Light“, nach der sich die Band 2017 in die Kreativpause verabschiedet.

2020 ist es nun endlich wieder soweit, SERIOUS BLACK präsentiert das mit Spannung erwartete vierte Studioalbum „Suite 226“. Und das wird die Herzen der Powermetalgemeinde höher schlagen lassen. Im Gegensatz zu „Mirrorworld“ und „Magic“, bei denen es weitaus rockiger zur Sache geht, findet man auf „Suite 226“ wieder mehr treibende Gitarren, eingängige Hooks und Riffings, so wie man es von „As Daylight Breaks“ kennt. Wagte man sich mit „Magic“ das erste Mal an ein Konzeptalbum, bei dem es um die Story des mysteriösen Mr. Nightmist, einer Hexe und einer Menge Magie geht, wird auf „Suite 226“ die Geschichte eines geistig verwirrten Mannes thematisiert, der zwischen seiner Traumwelt, Realität und dem Bösen hin und her gerissen ist. Im wahren Leben wird der Protagonist seit vielen Jahren in einer feuchten, kalten Gummizelle gefangen gehalten, die die Nummer 226 trägt, die unmenschlichen Zustände in der alten Psychiatrie haben in längst in den Wahnsinn getrieben. In seiner Phantasie hingegen ist er der mächtige Herrscher, der in seinem feudalen Schloss, umgeben von Kurtisanen, gutem Essen und Wein, lebt und über ein unbesiegbares Heer befiehlt. Taumelnd zwischen Illusion und Wirklichkeit gerät er immer weiter in den Sog des Wahnsinns, sein Leben wird zu einem Ritt durch das Fegefeuer, begleitet von Dämonen, Panikzuständen und Verfolgungswahn. Auch musikalisch nimmt die Band den Hörer mit auf diese Reise zwischen Himmel und Hölle, „Suite 226“ ist der perfekte Soundtrack für den Trip zum Ort der Verdammnis. Unbarmherzige Riffs treffen auf eingängige Melodien, angetrieben wird das Ganze von einer manischen Rhythmussektion, die hochkarätigen, entfesselten Vocals von Sänger Urban Breed steuern die nötige Portion Irrsinn bei. Nach dem Hören des Albums darf man sich die Frage stellen, was tatsächlich Fiktion, was Realität ist. Und wer weiß, vielleicht vernehmt ihr auch diese leisen Stimmen im Kopf. Sagt nicht, wir hätten euch nicht gewarnt!

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Genre: Singer-Songwriter

Zuletzt konnte man den kanadischen Virtuosen an der Slide-Gitarre vor zwei Jahren mit The Bros Landreth in Deutschland live erleben, nun kündigt Ariel Posen für Februar 2022 seine Rückkehr auf die deutschen Bühnen mit Auftritten in Köln (11.2.), Berlin (12.2.) und Hamburg (13.02.) an. Karten für die drei Konzerte sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Termine und Ticketinfos weiter unten.)

Ariel Posens Musik nimmt den Raum zwischen den Genres ein. Es ist ein sehr rootsiger Sound, der zu seinen Einflüssen nickt – Heartland Rock & Roll, elektrifizierter Americana, blue-eyed Soul, R & B, Beatles-inspirierter Pop -, während er sich weiter vorwärts bewegt und Posen in ein Territorium drängt, das einzigartig für ihn ist. Mit seinem aktuellen Soloalbum „Headway“ nimmt der Songwriter und Virtuose an der Slide-Gitarre eine Bestandsaufnahme seines persönlichen und musikalischen Fortschritts vor.

Als lebenslanger Musiker gibt es nur wenige Rollen, die Ariel Posen nicht gespielt hat. Obwohl Posen in Winnipeg geboren wurde, verbrachte er einen Großteil seiner Kindheit auf Reisen und reiste mit seinen Musikereltern von Show zu Show. Mit 9 Jahren begann er Gitarre zu spielen und startete eine Karriere, in der er schließlich für seine eigenen Auftritte um die Welt reiste, darunter auch Shows als Mitglied der mit dem Juno Award ausgezeichneten Roots-Rock-Band The Bros. Landreth.

Einige Zeit später begann Posen an einem eigenen Album zu arbeiten und verfolgte seine neuen Songs in demselben Studio, in dem seine Eltern einst ihre Alben aufgenommen hatten. Das 2018 veröffentlichte Album „How Long“ markiert Posens lang erwartetes Solo-Debüt und zeigt nicht nur seine Fähigkeiten als Instrumentalist, sondern auch seine Talente als vielseitiger Songwriter.

Wenn „How Long“ seine Einführung in die Welt der Roots-Musik gewesen wäre, dann wäre sein neues am 5. März via Manitoba Film & Music erschienenes Werk „Headway“ etwas anderes: eine scharf definierte Momentaufnahme eines Musikers, der seinen Sound wirklich kristallisiert hat. Wie der Titel schon sagt, dreht sich bei „Headway“ alles um Wachstum. Ariel Posen, der bereits als Frontmann, Multiinstrumentalist und Produzent gefeiert wurde, erreicht mit seinem zweiten Album eine neue Bestmarke – ein Album, das vor allem das Songwriting in den Vordergrund stellt und den Fortschritt eines lebenslangen Musikers zeigt, der sich noch mitten in einer Aufwärtsbewegung befindet.

“he comes across like a laidback Springsteen, building an anthemic groove.” – Rolling Stone

“Ariel Posen is guitar’s man for all seasons – he’s got the songs and the voice but he’s also a stellar slide guitarist with a gutsy, expressively melodic style”– Guitarist Magazine UK

“Posen is a rare breed of guitar player. He has managed to meld a keen sense of theory and half a centuries worth of influences into a unique style that is all his own.” – Reverb.com

Genre: Pop

Weitere Infos folgen

Genre: R&B / Soul

Children of Zeus ist ein Soul-Projekt, bestehend aus zwei der angesehensten Künstler Manchesters, Konny Kon & Tyler Daley. Konny Kon ist ein DJ, MC und Beatmaker, der vor allem als ein Drittel von Broke’N’English an der Seite seiner Kollegen DRS und Strategy aus Manchester bekannt ist. Tyler Daley, auch bekannt als Hoodman, hat sich vom angesehenen MC und Schauspieler zu einem der gefragtesten Soulsänger der letzten Zeit entwickelt. Er stellt seine Stimme und seine Texte für Musik von Goldie, LSB, Caron Wheeler von Soul II Soul, Lenzman, Lisa Mafia, Bugsy Malone und anderen zur Verfügung.

Die Reise von Children of Zeus begann mit der gemeinsamen Liebe zu Piratensendern im Manchester der 90er Jahre, wo sie von Hip Hop, R&B und Street Soul über Lovers Rock bis zu Dancehall, Garage und Bassmusik alles hörten. Es folgten Jahrzehnte des Auftretens, Schaffens und der Zusammenarbeit in verschiedenen Formen. Nach der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Travel Light“ 2018 – u.a. von BBC zum Album of the Year gekürt – verbrachten Tyler Daley und Konny Kon die nächsten zwei Jahre damit, ausgiebig durch Großbritannien, Europa, Australien und Südafrika zu touren.

Aufgrund von Corona konnten sie sich viel Zeit für den zweiten Longplayer „Balance“ (2021) nehmen: 50 Minuten klassisch-britische Soulmusik, die Hip-Hop, Neo-Soul, Gospel und R&B umfasst. Die Albumproduktion nahmen Children of Zeus größtenteils selbst vor. Aber auch Grammy-Gewinner Beat Butcha, u.a. Produzent für Jay Z, Beyonce und Nipsey Hussle, hatte seine Hände im Spiel, sowie Produzent Cay Caleb.

Children of Zeus touren ab Herbst 2021 mit dem neuen Album durch Europa und kommen im Februar 2022 für fünf Termine nach Deutschland. Ein großartiges Soul-Spektakel für die Hip-Hop-Generation!

Genre: Folk Rock / Indie

„In Heaven“ heißt das neue und bereits achte Studioalbum von Strand of Oaks, welches am 1. Oktober 2021 veröffentlicht werden wird. Tim Showalter, wie Strand of Oaks mit amtlichen Namen heißt, reflektiert darin über ganz grundsätzliche Themen wie Liebe, Verlust und Erleuchtung. Er verarbeitet eigene Trauer in tiefgründigen Songs, die aber getränkt sind von Hoffnung, Freude und neu gefundener Stärke.

„’In Heaven’ was created with so much love and my greatest hope is that it connects with people and provides a momentary space for reflection, joy, catharsis and whatever else someone might be looking for in their life. Music is magic and I feel like the luckiest person in the world that I’m allowed to share it.” (Strand of Oaks).
Das Album wurde im Oktober 2020 in Los Angeles aufgenommen, mit einer großartigen Bandbesetzung: zusätzlich zu Tim Showalter an Gitarren/Gesang und Kevin Ratterman am Schlagzeug sind zu hören Carl Broemel und Bo Koster von My Morning Jacket (Gitarre und Keyboards) sowie Cedric LeMoyne (Alanis Morrissette, Remy Zero) am Bass und Scott Moore an der Violine, dazu als Special Guest auf dem Song „Easter“ noch James Iha (The Smashing Pumpkins). „In Heaven“ ist der Nachfolger des 2019 erschienenen Albums „Eraserland“, das nicht nur von NPR Music zu einem der Top-Alben des Jahres gekürt wurde. Auch Pitchfork kommentierte damals: “The result is a cosmic tour-de-force, soars in both its booming and hushed moments, a testament to the skills of this lockstep outfit. These seasoned players navigate Showalter’s emotional cosmos with equal parts professionalism and empathy.”

Genre: Indie / Rock

Critics have declared Lauren Ruth Ward as a cross between Janis Joplin, Florence Welch and Courtney Barnett. And while the consumer compass inside of us grasps at these to feel safe, comparisons donʼt feel just when trying to describe such a singular presence as Lauren. Her debut album „Well, Hell“ garnered accolades from NYLON, Noisey, Consequence of Sound, the Los Angeles Times, Indie Shuffle and more. With a growing reputation for stealing the show.

Now, having falling in love with the process of recording to tape, she is set to record her next album with LA producer/guru in the making, Matt Linesch. Talent met in equal parts with work ethic and a prolific writing process that she shares with guitar wizard Eduardo Rivera.

Photo: Daniel Dorsa

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Adult Mom gehen im Frühjahr 2022 auf Tour und spielen insgesamt vier Shows in Berlin, Hamburg, München und Köln! Mit im Gepäck hat die Indie-Pop Band ihr neues Album „Driver“.

Genre: Indie Pop

Ursprünglich begann Adult Mom 2012 als Solo-Projekt von Stevie Knipe in einem Studentenwohnheim. Mittlerweile ist Adult Mom ein Bandprojekt mit den befreundeten Musikern Olivia Battel und Allegra Eidinger. Am 5. März veröffentlichte die Indie-Pop Band ihr drittes Studioalbum “Driver” und kündigte gleichzeitig eine Tour inklusive vier Shows in Deutschland an. Die 10 Songs auf „Driver“ sind geprägt von 00’s Pop-Rock Gitarren und Stevie’s Goming-Of-Age Lyrics und liefern damit den perfekten Soundtrack zu einer queeren Rom-Com.

Obwohl Adult Mom mittlerweile ein Bandprojekt ist, steht Stevie Knipe weiterhin im Mittelpunkt der Band. Stevie identifiziert sich als gender-queer / non-binär – also weder als Mann noch als Frau (Pronomen: they / their). Stevies Lyrics handeln von Liebe, Freundschaft, Romantik, Identität und der allzeit gegenwärtigen Frage: Was Nun?

Die Frage nach dem „was nun?“ beantworten uns Adult Mom hoffentlich im März 2022, wenn sie ihren sehnsüchtigen Indie-Pop Sound in Berlin, Hamburg, München und Köln auf die Bühne bringen.

Genre: Kinder-Konzert

Hits für Kids ist die brandneue Kinderlieder-Serie aus dem Hause Tapete Records. Jede der CDs enthält 20 tolle Lieder mit einer Kombination aus den beliebtesten Kinderlieder-Klassikern im neuen Gewand sowie tolle Eigenkompositionen. Hier darf mitgemacht, gelacht, gesungen, getanzt und einfach nur zugehört werden. Hits für Kids sind liebevoll arrangiert und von hochkarätigen Musiker*innen mit echten Instrumenten eingespielt. Und psssst! Das werden nicht nur die Kleinen lieben, sondern auch die Großen.
Nach den bisher vier Veröffentlichungen der „Hits für Kids“-Reihe („Hits für Kids…zum Lachen“, „Hits für Kids…mit Tieren, „Hits für Kids…im Winter“ & „Hits für Kids…auf Reisen) wird es nun allerhöchste Zeit für „Hits für Kids..LIVE!“. Bei zunächst vier exklusiven Konzerten wird eine hochkarätige Band im Keks & Kumpels- Style die größten, schönsten, wildesten und beliebtesten Hits für Kids zum Besten geben, welche Klassiker sowie die eigens neu komponierten Kracher enthalten.
Hits für Kids – jetzt auch mit tollen musikalischen Gästen live zu erleben!

Genre: Singer-Songwriter

Josh Rouse und Vetiver haben sich beide vor geraumer Zeit dem Folk-Pop verschrieben und mit ihren musikalischen Projekten und Veröf f entlichungen internationale Erf olge gefeiert. Nun haben die beiden Musiker beschlossen, im Herbst 2021 gemeinsam auf Tour zu gehen. Anfang Oktober kommen sie für zwei Konzerte nach Hamburg und Berlin.

Was aus den Federn von Josh Rouse und Andy Cabic, alias Vetiver, stammt, sind melancholische Folksongs – empathisch und eindringlich.
Der in Nebraska geborene Josh Rouse gab sein Debüt im Jahr 1998 in Nashville, wo er sein erstes Album „Dressed Like Nebraska“ aufnahm. Nach der Veröffentlichung des Erstlingswerkes ging es für Josh Rouse auf ausgedehnte Tour. Zwei Jahre später brachte er auf dem nachfolgenden Album „Home“ den Song „Directions“ hervor, den der amerikanische Regisseur Cameron Crowe in seinem Film „Vanilla Sky“ verwendete. Sein bahnbrechendes Album „1972“ veröffentlichte Josh Rouse im Jahr 2003 und spielte damit auf sein Geburtsjahr an, ebenso wie auf die 70er, in denen er musikalisch vor allem von den „warmen Klängen der damaligen Alben“ angezogen wurde.

Von solchen warmen Klängen sind auch die Alben des Singer-Songwriters seit jeher geprägt. Josh Rouses Musik zu genießen, ist nicht schwer. Seine Songs präsentieren sich einem mit offenem Herzen und überzeugen durch eine in gewisser Weise angeborene Intelligenz. Jede Liedzeile steckt voller Details, sowohl musikalisch als auch textlich. Seinem Stil bleibt der Folk-Musiker dabei treu. „Ich war schon immer von einem anderen Musikstil fasziniert. Aber so experimentierfreudig ich auch war, am Ende sind es immer meine Stimme und die melodische Sensibilität, die die Dinge zusammenhalten“, erzählt Josh Rouse.

Das musikalische Wesen von Andy Cabic, alias Vetiver, ist hingegen vielseitig. Wenn der aus Virginia stammende Musiker nicht gerade wieder einen seiner melancholischen Folk-Rock-Diamanten in seinem Studio in Nordkalifornien schleift, lässt er Tanzflächen mit House-DJ-Sets zum Leben erwachen. Eben dieses musikalische Facettenreichtum färbt nun auch sein aktuelles Album „Up On High“. Das Herzstück jedes dieser zehn Songs ist Andy Cabics sanfte und zärtliche Stimme. Komponiert habe er das Werk auf seiner Akustikgitarre, da dies in Momenten der Inspiration das am einfachsten zu erreichende Instrument sei. Das Grundgerüst des neuen Albums entstand bei einer gemeinsamen Bandsession auf dem Boden im Haus eines Freundes in der Wüste Kaliforniens. Und so gelang Vetiver wieder ein intimes und gefühlvolles Werk, bei dem man die Leidenschaft für das gemeinsame Musizieren mindestens genauso deutlich heraushört, wie man Josh Rouse und Vetiver die Freude am gemeinsamen Spielen auf der Bühne anmerkt.

Im Oktober nächsten Jahres dürfen wir die beiden Singer-Songwriter bei uns in Hamburg und Berlin begrüßen.

Genre: Alternative Rock

Nach langem Warten ist es nun endlich so weit: Die US-amerikanische Band THE DANGEROUS SUMMER kehrt im Frühjahr 2022 für fünf exklusive Konzerte nach Deutschland zurück.

2006 in Ellicott City, Maryland (USA) gegründet, sind THE DANGEROUS SUMMER mit sechs veröffentlichten Alben und gemeinsamen Auftritten mit Alternative-Rock-Größen wie The Faim, Our Last Night, State Champs und Simple Plan mittlerweile dem „Geheimtipp-Status“ entwachsen. Doch seitdem die Band, deren Name auf dem gleichnamigen Buch von Ernest Hemingway beruht, zuletzt in Deutschland gespielt hat, ist einige Zeit vergangen – um genau zu sein, sogar über drei Jahre! Umso größer dürfte die Freude der hiesigen Fans nun sein: Vom 23.02.–27.02.2022 wird THE DANGEROUS SUMMER im Rahmen von fünf Terminen quer durch die Republik touren. Dann werden Sänger AJ Perdomo und Gitarrist Matt Kennedy nicht nur die Songs der bisher veröffentlichten Alben, sondern auch das ein oder andere neue Stück dabeihaben. Diese veröffentlichen THE DANGEROUS SUMMER seit 2020 übrigens in Eigenregie unter dem Independent Label „Molly Water Music“.

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Genre: Singer-Songwriter / Lofi Pop

Wolfgang Müller, Jahrgang 1975, macht seit 2005 Musik, seit 2012 auf seinem eigenen Label Fressmann. Sechs Studio-Alben sind bis jetzt erschienen, und„jedes einzelne Lied strahlt das hohe Gut der Ataraxia, der Gemütsruhe selbst noch im Angesicht der Katastrophe aus.“ schreibt die FAZ, und dann muss es ja stimmen. Das neue Album heißt „Die Nacht ist vorbei“, erscheint am 19. November und wurde von Philipp Kraus produziert. Es ist eine Reise ins Ich, und das ist nichts für Feiglinge. Wer sich aber traut, wird belohnt. „Müller hat sich durch Minimalismus befreit, mit Konzentration auf den Kern und größtmöglicher Aufrichtigkeit. Er hat da was freigelegt. ‚Die Nacht ist vorbei’ ist voller Licht, und es kommt von Herzen.“ (Tino Hanekamp) Live tritt Wolfgang Müller bei der Album-Tour alleine und im Trio auf.

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Genre: Alternative / Rap

Der in Kalifornien lebende Rapper und Produzent Lund geht Anfang 2022 auf Deutschlandtour!

Indem er Gitarrenakkorde, 808-Drums, flinke Reime, eindringliche Melodien und schräge Beats miteinander verknüpfte, sprengte Lund Genre-Grenzen und baute sich seine eigene Welt. Die Fähigkeit des Künstlers, zwischen Hip-Hop, Pop und Alternative zu springen, bescherte ihm eine weltweite Fangemeinde sowie eine halbe Milliarde Streams und Views auf den bekannten Streaming Kanälen.

Aufgewachsen etwa 65 Meilen von Los Angeles entfernt in Moreno Valley, entwickelte Lund schon als kleines Kind eine ausgeprägte musikalische Perspektive. Als Sohn von Eltern im Highschool-Alter lebte er bei seinen Großeltern väterlicherseits, während seine Mutter mit Drogen kämpfte und sein Vater mit schweren psychischen Problemen zu kämpfen hatte. Lunds Großvater brachte ihm das Gitarrespielen bei, als er gerade sechs Jahre alt war. Zur gleichen Zeit hörte er alles von den Red Hot Chili Peppers, Radiohead und Coldplay bis hin zu N.W.A. und Gravediggaz. Er spielte während der gesamten Mittelstufe Trompete und nahm sogar an der Marching Band und dem Orchester teil. Die Entdeckung von Ableton erweiterte seinen klanglichen Horizont weiter. In der elften Klasse begann er, seine eigenen Produktionen zu erstellen und Vocals aufzunehmen. In seinem Heimstudio entwickelte er alles von Grund auf neu und gestaltete die Produktion, die Instrumentierung und den Gesang.

2016 veröffentlichte Lund „Broken“. Langsam aber sicher erlangte der Song eine unglaubliche Popularität. Mit seiner luftigen Gitarre, dem echoartigen Trap-Beat und den kathartischen Melodien generierte „Broken“ bisher unglaubliche 250 Millionen Spotify-Streams. Die rohe Herangehensweise des Tracks fand sofort Anklang. Außerdem startete er 2020 seine allererste Tournee, die in ganz Nordamerika ausverkaufte Shows zur Folge hatte. Anfang 2022 dürfen sich dann auch seine Deutschlandfans auf Luns erste Live-Shows in Berlin, Hamburg und München freuen!

Genre: Singer-Songwriter

Hi friends, Better Days are coming, I can feel it.

Join me and my band as we venture out onto the road again early next year, singing and playing our hearts out for you as we travel from city to city.

I miss touring in Europe so much and can’t wait to come back and see you all when all of this awfulness is behind us.

See you soon, Nick