Genre: Folk

„Everything’s Shifting“. Alles verändert sich. Im Falle von Madison Violet hat sich einiges zum Guten verändert. Fakt ist, in ihren zwanzig gemeinsamen Jahren sind Madison Violet längst zu einer festen Größe in der internationalen Musikszene avanciert und gelten neben Tegan and Sara als das wohl populärste kanadische Duo. Nach einigen Jahren des musikalischen Experimentierens und der stilistischen Neujustierung kehren die beiden Sängerinnen und Multi-Instrumentalisten Brenley MacEachern und Lisa MacIsaac nun zu alter Stärke und zu ihrem musikalischen Markenzeichen zurück: Das neue Studioalbum „Everything’s Shifting“ bietet exzellent produzierten Folk-Pop mit den gewohnt beeindruckenden Gesangsharmonien, gediegenen Gitarrenklängen, betörenden Melodien und authentisch-aufwühlenden Songtexten. Das neue Album enthält denn auch zahlreiche herzerwärmende Balladen, die im stilistischen Umfeld von Americana und Indie-Folk, Country und Pop angesiedelt sind. Auch wenn die Melodien Wärme und Zuversicht ausstrahlen, erweisen sich Madison Violet in den Songtexten als sehr nachdenklich.

Genre: Indie / Rock

Critics have declared Lauren Ruth Ward as a cross between Janis Joplin, Florence Welch and Courtney Barnett. And while the consumer compass inside of us grasps at these to feel safe, comparisons donʼt feel just when trying to describe such a singular presence as Lauren. Her debut album „Well, Hell“ garnered accolades from NYLON, Noisey, Consequence of Sound, the Los Angeles Times, Indie Shuffle and more. With a growing reputation for stealing the show.

Now, having falling in love with the process of recording to tape, she is set to record her next album with LA producer/guru in the making, Matt Linesch. Talent met in equal parts with work ethic and a prolific writing process that she shares with guitar wizard Eduardo Rivera.

Genre: Folk

Shaped by the two oceans on the shores of South Africa, JPson has ridden the wave of life to Europe and defined a musical style that can best be described as „Fresh Folk“. Music that let’s you open up to the groove of the moment, whilst forgetting the troubles of daily life.

Having taught himself to play the guitar on the beaches of Cape Town, South Africa, JPson spent his youth surfing the Atlantic Ocean and exploring vast musical territory, yielding his very own sunbaked infusion of Folk & Roots music. Through his lyrics JPson shares the essence of life that drives him around the world and the lessons he learns whilst traveling. Not only is his music incredibly uplifting but his rhythms and beats will get you grooving in a festive and unifying spirit, bound to inspire reflection and new connection.

JPson left South Africa right after school to go discover his European roots inheritated from his Swiss father. What seemed like a 10- month joy trip away from home turned into a 10-year journey around Europe, which JP refers to as his University of life. Through his travels he realised on a regular basis how he would constantly find peace within lyrics and melodies. Even though the life of a wary traveler can sometimes be extremely tiring, he would often gather warmth and support from the music he listened to and find guidance in the music he created.

Guidance that taught him how to open up, to be happy and live life to the fullest as it is a wonderful gift that should be cherished with every single breath.
Since 2017 JPson has released 3 EPs (Coming Home, Children of the Light and A Whole New Road), performed over 150 shows in Europe supporting acts such as Bukahara, Sean Koch, Will and the People, Jon and Roy and Current Swell, including his own sold out headline shows, toped the Submit Hub TOP 50 FOLK CHARTS, reached #36 with his single “A Whole New Road” on the German College airplay charts including features by major German radio stations such as SWR3, and accumulated over 1.5 million streams on Spotify without a debut album or any label support. JPson is now ready to share his 4th independent EP release “Wolves at War” with the world which will be out in September 2021.

Genre: Alternative, Indie

Palace Winter melden sich nach über zwei Jahren mit neuer Musik und Tournee zurück. Die Band um den australischen Songwriter Carl Coleman und den dänischen Songwriter und Produzenten Caspar Hesselager wird am 23. Oktober 2020 ihr drittes Album ›…Keep Dreaming, Buddy‹ via Tambourhinoceros veröffentlichen.

Genre: Indie, Folk

Platon Karataev, named after a Leo Tolstoy character, was formed in 2016. With their music, the Hungarian indie quartet wanders around the core of existence, seeking answers through paradoxes, contemplating on questions by observing elements on an atomic level or viewing them from an astronomical perspective. After For Her’s (2017) instant success the band gradually moved away from their acoustic sound to a more broader one. Atoms (2020), with a heavier instrumentation, focuses on speaking about the most universal but on the most personal level with catharsis being a key element of the album. The upcoming new record (Nov 2021) will continue diving into the collective subconscious and will be followed by the band’s first Europe tour. In the past four years Platon Karataev not only gained attention on a local level but was recognized internationally, too with more than 5 million streams on Spotify mostly from the USA, the UK, and Germany. Besides three different German tours the band already performed at major festivals like Sziget, Reeperbahn, Zandari Festa Seoul, Moscow Music Week, and Liverpool Sound City.

Genre: Alternative / Rock

The rock heavyweights from Hastings stamped their name firmly onto the hide of the UK rock scene in 2019. Peddling a unique mixture of explosive riffs, bone-crushing live shows, and ear worming melodies of the duel-lead vocals and guitar.

Renowned for their live ferocious live shows, on stage is where Kid Kapichi really come alive. Fronted by Jack Wilson & Ben Beetham (joint lead guitar/vocals), with the other half of their ear-shattering sound emanating from George Macdonald (drums) & Eddie Lewis (bass). Having shared the stage with the likes of Frank Carter & The Rattlesnakes, Fidlar and Slaves; Kid Kapichi’s name is hot on the lips of the UK live music circuit.

Storming into 2019 with the aptly named titled track, ‘2019’ is a reflection of the current state of social and political affairs, and its impact on a voiceless generation. ‘2019’ was the first song to gain traction across the airwaves. Subsequent singles ‘Glitterati’ and ‘Death Dips’ received strong support Jack Saunders Indie Show and plays from Annie Mac, Steve Lamacq, Huw Stephens, Phil Taggart, Tom Robinson and more. ‘Glitterati’ was BBC Radio 1’s ‘Hottest Record in the World’ and ‘Death Dips’ featured on the BBC Radio 1 playlist.

With momentum building, Kid Kapichi dropped their hotly anticipated EP ‘Sugar Tax’ in July 2019. In the latter part of the year, the band made their mark at Reading & Leeds Festivals, sold out headline shows in London and Brighton, and toured Europe with Frank Carter & The Rattlesnakes in the autumn.

The Hastings-four-piece show no signs of slowing down, with a busy touring schedule which includes a UK and European Tour in spring 2020 and a series of festivals to be announced.

Genre: Deutsch-Pop, Singer-Songwriter

Ein Jahr nach dem Erfolg seiner EP-Kampagne kommt vom Berliner Produzent, Sänger und Songwriter BRUNKE mit 4 Wänden endlich neue Musik für die Fans. Nachdem BRUNKE 2018/19 monatlich einen neuen Song mitsamt Video veröffentlicht und so seine Community auf die persönliche Reise „Richtung Ich“ mitgenommen hat, wurde es ruhiger um ihn. Anstatt weiter nach vorne zu gehen, blieb er einmal stehen um inne zu haltend und Vergangenes zu reflektieren.

Machmal braucht es Zeit um neue kreative Impulse zu bekommen. Doch was hat sich geändert? Alle Jahre wieder die selben Geschichten, die selben Gesichter, die selben Versprechen und das sich stets wiederholende Gefühlskarussell. Irgendwie wurde doch auch schon alles erzählt. BRUNKE hat sich bewusst das letzte Jahr in seinem Heim-Studio eingeschlossen. Vier weißen Wänden wurden so zum ganz eigen Kosmos seiner Kreativität. Was dabei raus kam, waren die Ideen und Empfindungen, die durch die blanken Wände reflektiert und direkt aufgenommen wurden. Seine neue Musik schlägt für deutschsprachige Musik dabei neue Wege ein. Irgendwo zwischen eingängigen Pop und alternativen Klängen liegt die Ästhetik seines Sound-Verständnisses. Selten hat Popmusik aus Deutschland so natürlich international geklungen ohne gewollt zu wirken. Vielmehr hört man ihre ungefilterten Aussagen direkt heraus ohne dass sie sich hinter künstlichen Mauern aus Poesie und Image verstecken würden. Direkt, auch wenn es weh tut.

Im Herbst 2020 geht es dann auch endlich wieder auf die Bretter, die die Welt bedeuten ALLE JAHRE WIEDER – TOUR 2020. Der junge Songwriter, Multiinstrumentalist und Producer nimmt seine Band dabei wieder mit auf Tour.

Genre: Folk / Soul

A Montreal-born Grenadian-Canadian, Kaia Kater grew up between two worlds: her family’s deep ties to folk music and the years she spent soaking up Appalachian music in West Virginia. Her old-time banjo-picking skills, deft arrangements, and songwriting abilities have landed her in the spotlight in North America and the UK, garnering critical acclaim from outlets such as NPR, CBC Radio, Rolling Stone, BBC Music, and No Depression

Kaia started her career early, crafting her first EP Old Soul (2013) when she was just out of high school. Since then, she’s gone on to release two more albums, Sorrow Bound (2015) and Nine Pin (2016). Her second album wove between hard-hitting songs touching on social issues like the Black Lives Matter movement (“Rising Down”) and more personal narratives speaking to life and love in the digital age (“Saint Elizabeth”). Nine Pin won a Canadian Folk Music Award, a Stingray Rising Star Award and sent Kaia on an 18-month touring journey from Ireland to Iowa, including stops at The Kennedy Center, Hillside Festival and London’s O2 Shepherd’s Bush. For her third album, Grenades (October 2018, Folkways/acronym Records), she took a decidedly different direction, choosing to lean into a wider array of sounds and styles, in order to convey a wider array of emotions and topics, most notably her paternal ancestry. Grenades was nominated for a 2019 JUNO award for Contemporary Roots Album of the Year and long-listed for the Polaris Music Prize.

„…plaintive, mesmerizing…writes and performs with the skill of a folk-circuit veteran…“ -Rolling Stone
„Where bluegrass meets Nina Simone“ – The Guardian

Genre: Neue deutsche Kindermusik

herrH ist da! – Das KinderMitmachKonzert für die ganze Familie!

herrH alias Simon Horn ist Kinderheld aus Berufung, oder besser gesagt, ein Familiensoundtrack auf zwei Beinen. Er versteht die Welt der Kinder und Familien, kann diese in Worte fassen, dazu Töne finden und in mitreißende Songs verwandeln und gilt als Mitbegründer der Neuen Deutschen Kindermusik: zeitgemäß und kindgerecht!

Seine Musik hat in vielen Familien mittlerweile ihren ganz festen Platz. Ob im Kinderzimmer, im Auto, auf einem Konzert oder wo man sonst noch gemeinsam Musik hört – herrH ist festes Familienmitglied. Seine Geschichten lassen Kinderaugen leuchten und bringen Eltern zum Schmunzeln. Seine Beats sind druckvoll und vielfältig: Gekonnt mischt er von Elektro, Pop, Rock, Funk und HipHop alles was in die Beine geht und Herzen bewegt. Seinen Stil könnte man „modern“ oder „am Puls der Zeit“ nennen, aber wenn man die Kinder fragt, dann ist herrH einfach nur „in“ und „cool“.

Energiegeladen, mitreißend & authentisch: Von der ersten Sekunde an besteht auf seinen über 200 KinderMitmachKonzerten pro Jahr die höchste Ansteckungsgefahr, wenn er mit seiner Neuen Deutschen Kindermusik loslegt! Der Name ist dabei Programm: von der Ostsee bis zu den Alpen wird gesungen, gesprungen, getanzt, geklatscht, gelacht und kräftig Vollgas gegeben.

Mit jeder Menge preisgekrönter Ohrwürmer bewegt er kleine und große Tanzbeine und lässt Herzen schneller schlagen. Jedes Konzert wird dabei zu einem einmaligen Erlebnis und zu einer Riesenparty mit “Kuscheltier-Stagedive” und hat alles, was zu einem ordentlichen Konzertbesuch – für einige kleine Menschen ist es das erste Konzert – dazugehört: Ein einmaliges KinderMitmachKonzert für die ganze Familie – Autogramme, Selfies und ein „High 5“ nach dem Konzert inbegriffen!

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Genre: Pop / Singer-Songwriter

Ist das nicht der von „Cordula Grün“, dem Überraschungshit des Jahres 2018. Ist er! Dieser Song hat dem sympathischen Wiener (zurecht) die deutsch-österreichischen Chartspitzen und einen tollen Karrierestart eröffnet. Doch nein, es ist bei weitem nicht der einzige starke Song auf seinem Debüt-Album „Von Mädchen und Farben“, das seit letztem Jahr erhältlich ist und das er am liebsten live präsentiert.

Vor seinem Durchbruch studierte Josh. Instrumental- und Gesangspädagogik, brach das Studium jedoch ab und arbeitete anschließend in der IT-Branche. Unter seinem bürgerlichem Name Johannes Sumpich veröffentlichte er 2014 seine erste Single, 2016 folgte mit „Kein Sommer für einen allein“ (ein Duett mit Kathi Kallauch) der Radio-Wien-Sommerhit 2016.

Der große Durchbruch aber folgte 2018 mit „Cordula Grün“ unter dem Künstlernamen „Josh.“ – nur echt mit Punkt hinter dem Namen! Die Zahlen sprechen für sich: Nummer eins auf iTunes, Radio-Powerplay, mehr als 35 Millionen Video Views auf YouTube, über 29 Millionen Streams auf Spotify.

Nicht schlecht für jemanden, der im Interview verrät: „In meinem Leben gibt es keine Cordula Grün. Ich saß im Tonstudio, arbeitete gerade an einem anderen Song, war unzufrieden. Ich dachte mir: ‚Eigentlich will ich was über Farben und Mädchen schreiben.‘ Also nahm ich mir Stift und Zettel und schrieb die erste Farbe und den ersten Frauennamen auf, der mir in den Sinn kamen. Cordula Grün war geboren.“ Es folgten ausverkaufte Konzerte, Platin-Status, und die Auszeichnung mit dem Amadeus Austrian Music Award 2019 für den „Song des Jahres“ in Österreich sowie Gold-Status in Deutschland.

Nach eigener Aussage ist die Bühne sein „eigentliches Zuhause“. Dass man sich bei seinen Konzerten aber auf jeden Song in seiner Setlist freuen darf, beweisen die Folgesingle „Vielleicht“ sowie die neue Single-Version von „Reden“ und das emotionale Duett mit der österreichischen Singer-Songwriterin Ina Regen „Weil ich’s nicht weiß“.

Die Zeit bis zum neuen Album überbrückt Josh. mit seiner Eskalation-Tour durch Österreich und Auftritten bei Festival- und Einzel-Shows in Deutschland. Und egal ob auf Platte oder Live: Bei Josh. können wir uns immer auf eine gehörige Portion Wiener Schmäh, witzige Texte und jede Menge Rock’n’Roll freuen. Eskalation eben!

Genre: Singer-Songwriter / Blues / Rock

Willy Mason ist wieder da. „Already Dead“, sein erstes Album seit 2013, erscheint am 6. August 2021 via Cooking Vinyl.

Magic, miracles, ghosts, world leaders; these days it seems there is little left to believe in. Lies outweigh truth and even truth can be dangerous. Raising everyone’s spirits Already Dead – the fourth album and the first for nine years from Willy Mason – explores honesty and deception, anonymity in the digital age, good intentions with unexpected consequences, freedom, colonialism, love, god, and purpose because, its storyteller says, now is the time to restore some much-needed faith.

“Already Dead is a spiritual state to aspire to; it is freedom from the trappings and inhibitions of one’s ego, culture, and mythology. It is freedom and love and freedom to love in the face of death,” tells Willy of the philosophy behind the writing. “It’s about the necessary destruction of one’s mythology; mythology of species, sex, race, nation, self. It’s about the pain and tragedy that comes with such destruction, but also about the freedom, possibility and opportunity for reconciliation; reconciliation with the natural world and with each other.”
Sparkling opener and first single ‘Youth On A Spit’ is one of Willy’s heaviest tracks to date; “I feel no pain I’ve already bled / You can’t kill me I’m already dead,” he taunts, through double-sided declaration of invincibility before embarking upon a biting, bold, and caring tour through the purgatory of life in 21st century North America. „Youth On A Spit is about the struggle for freedom and identity that comes from growing up in an advertising based culture. The refrain ‘you can’t kill me im already dead’ is about the liberation that comes with disillusionment.“

Already Dead arrives at a time when certain words must be said. It is a quest for love in a society which fears and discourages it; for truth and justice in a society which prioritises convenience and profit. “I ended up diving so deeply into this record because it felt at the time, like the only way I could hope to do some good for somebody,” Willy says. “All the concern and care I have for people, fear, frustration and sadness, all came pouring out.“

Genre: Hip Hop / Rap

„Mäd Löve“, das jüngste Mädness-Album nach 15 Karrierejahren, dreht sich um Beziehungen – zu Menschen, zur Gesellschaft, zu Gewohnheiten. Es ist privat, intim und manchmal egozentrisch im besten Sinn. Trotzdem geht es nicht darum, sich um Verantwortung zu drücken. Mädness spielt mit Spannungen und Ambivalenz und trifft uns genau deshalb so unmittelbar, weil er mit seinen eigenen Widersprüchen Frieden schließt. Konsum und Enthaltsamkeit. Selbst- und Nächstenliebe. Positionierung und Eskapismus.

Die Empathie und Gelassenheit, die „Mäd Löve“ ausmachen, finden ihre klangliche Entsprechung in einem warmen, weit offenen Sound, der mal klingt wie eine große Soul-Kapelle, mal wie ein winziges Kammerorchester, mal wie verschleppter, moderner Boom Bap. Detailverliebte Arrangements prägen ein kompaktes, homogenes Album, das auf der Bühne nicht minder souverän umgesetzt wird. Mädness-Konzerte leben von einer ganz unmittelbaren Energie, die man sonst nirgends fühlt – diese Energie ist „Mäd Löve“.

Photocredit: Alexander Wurm

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Genre: Indie / Rock

Ihr neues Album „Little Did They Know“ präsentiert die 4-köpfige Live-Band live auf Tour.

Zwei Musiker treffen sich in einer Bar. Open-Mic-Session, ein paar Bier. Tom trifft Evan Beltran, der als „The Strangest“ von sich reden macht. „Gleiche Wellenlänge“ beschreibt nur annähernd, was dann passiert, die beiden sind musikalisch ein perfect match. Ihre kulturgeschichtlichen Idole sind die gleichen, sie haben die gleichen Ambitionen. Der mexikanische Gitarrist und der britisch-deutsche Songwriter entscheiden an Ort und Stelle, dass sie ab sofort als „TOM ALLAN & THE STRANGEST“ weiter machen. Tom hat die Songs, Evan die Licks, die Attitüde, den rauen Gitarren-Sound. Sie sind einfach zwei Typen gegen den Rest der Welt, Freunde mehr als Kollegen, in Leder gekleidet, mit Gitarren, großartigen Songs und einer Tugend bewaffnet, die in der heutigen Rock-Musik schmerzlich vermisst wird: Ehrlichkeit.

Nach ihrem Debütalbum „Dear Boy“ ist „Little Did They Know“ nun ihre nächste Evolutionsstufe. Erstmals gemeinsam geschrieben und live auf analogem Tape in den Clouds Hill Studios aufgenommen, jenem künstlerischem Refugium also, in dem auch Pete Doherty ein- und ausgeht, ging es Tom und Evan nicht um Perfektionismus, makellose Musikalität oder einen möglichst klaren Sound. Stattdessen haben sie ein Album aufgenommen, dessen Live-Sound dich von den Füßen holt, deine Ohren klingeln und deinen Körper kribbeln lässt. „Diese Musik ist dafür gemacht, live gespielt zu werden“, sagt Tom mit absoluter Gewissheit. Evan sieht es natürlich genauso: „Die Energie einer Live-Show bestimmt diese Musik. Es wird nicht besser als auf einer Bühne.“

Genre: Alternative / Progressive-Rock / Rock

In Folge der andauernden Corona-Pandemie, müssen die für Oktober 2020 geplanten Auftritte der Psychedelic-Rock Band Mother’s Cake verschoben werden.

Im neuen Tour-Zeitraum, der für März/April 2021 terminiert wurde, können alle für 2020 geplanten Deutschland-Konzerte wie folgt nachgeholt werden: am 22. März 2021 in München im Strom, am 23. März 2021 in Frankfurt im Nachtleben, am 24. März 2021 in Köln im Blue Shell, am 27. März 2021in Hamburg im headCRASH, am 28. März 2021 in Berlin im Privatclub (verlegt vom Cassiopeia), am 29. März 2021 in Dresden im Beatpol, am 31. März 2021 in Bochum im Rockpalast und am 1. April 2021 in Stuttgart im Universum.

Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit.

Es gibt für die deutschen Fans eine weitere gute Nachricht, denn die Österreicher erweitern ihre Deutschland-Tournee 2021 um eine Zusatzshow am 25. März 2021 in Hannover (Lux). Tickets sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Infos weiter unten im Text.)

Das international phänomenale Psych-Rock-Trio Mother’s Cake gibt sich auch auf ihrem fünften Album passend: sky high, far out und trotzdem erdig. Über ein Jahr vorbereitet, an mehreren 72-Stunden-Sessions inkl. Schlafentzug produziert, konzentrieren sich Mother’s Cake in den zwölf neuen Tracks von „CYBERFUNK!“ auf das Wesentliche: sie bündeln ihre roughe Live-Energie zu einem dynamisch dichten und immer wieder überraschenden Album, das nach Vintage-Wahnsinn klingt und voll in den Moment passt. „CYBERFUNK“ erscheint am 18. September 2020. (Label/Vertrieb: Membran/Membran)

Genre: Blues / Country / Rock

Bereits im März 2020 wurde die für April 2020 geplante Tour der UK-Rocker Broken Witt Rebels verschoben. Aufgrund der andauernden Corona-Pandemie werden die Live-Termine zum zweiten Album „OK Hotel“ (13.03.20 Snakefarm / Universal) erneut verlegt.
Das Quartett aus Birmingham tritt nun in folgenden Städten auf: in Köln am 2. Dezember 2021 im Blue Shell, in Berlin am 3. Dezember 2021 im Privatclub und in Hamburg am 4. Dezember 2021 in der Nochtwache. Bereits gekaufte Karten für die verschobenen Termine behalten weiterhin ihre Gültigkeit.

Es gibt nicht wenige Stimmen in der Fachpresse, die bescheinigen den Broken Witt Rebels aus Birmingham eine rasante Karriere. Und ihr neues Album „OK Hotel”, das zweite für Snakefarm/Universal, gibt dieser Prophezeiung weitere Nahrung. „Nächste Ausfahrt: Stadion!“, schreibt das deutsche Classic Rock Magazin über das am 13. März veröffentlichte Album und das Rocks Magazin sieht „Roots-Sound und Moderne vereint“. Auch die Band selbst sieht es so, denn „das Album wurde für die großen Arenen geschrieben“. Dieses Selbstbewusstsein kommt nicht von irgendwo her: Seit ihrer Gründung 2015 haben die ‘Brummie Kings Of Leon’ schon mehrmals auf großen Bühnen ihre Tauglichkeit unter Beweis gestellt, auf dem Download oder dem Wacken Open Air zum Beispiel. Aber den richtigen Kick gab es auf großer US-Tour mit den Texanern Whiskey Myers. „Je größer das Publikum, desto öfter möchte man vor noch mehr Leuten spielen“, erklärt Bassist Luke Davis dazu. „Dieses Ziel haben wir verinnerlicht.“

Am 30. Oktober 2020 veröffentlicht die Band ihre neue Single „Take It“, welche sie exklusiv für das neue Videospiel „Dirt 5“ geschrieben haben.

Genre: Folk / Rock / Singer-Songwriter

Seit fünfzehn Jahren ist Scott Matthews (bitte nicht zu verwechseln mit dem Australier Scott Matthew) bereits aktiv und konnte seitdem mit seiner geisterhaften, eindringlichen und hypnotischen Stimme viele Menschen in seinen Bann ziehen. Dies gelang ihm gleich mit seinem Debütalbum “Passing Stranger“ aus dem Jahre 2006. In den folgenden Jahren veröffentlichte Scott weitere fünf Studioalben, wunderbare Platten voller großer Songs, die bewegen und berühren. Seine von Folk und Jazz beeinflusste Musik erinnert an Nick Drake und John Martyn. Dass Scott Matthews in der Songwriter-Szene kein Unbekannter ist, beweisen Kollaborationen und Auftritte mit Künstlern wie Robert Plant, Rufus Wainwright oder den Foo Fighters.

Nun aber geht Scott wieder einmal neue musikalische Wege: auf seinem demnächst erscheinenden neuen Album wird er sein klangliches Spektrum erweitern um elektrische Gitarrenklänge und elektronische Rhythmen, und auch bei seinen Auftritten wird er dieses klangliche Konzept live umsetzen: “It will be one man and a guitar with a wave of electronica washing over me. I am fascinated by thought provoking sounds and how they totally immerse the listener and encourage them to dig a little deeper into their being. I think these songs will prick people’s ears up. They’ll keep people on their toes and hopefully their electronic grace will sweep them off their feet too.“

Genre: Folk / Pop / Indie

Zwischen dunklem Folk, Pop, Chanson und einer ganz wunderbaren Poesie bewegt sich das Duo von Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri. Mit Akkordeon, Gitarren und anderen zauberhaften Instrumenten sowie zwei außerordentlichen Stimmen, bringen Poems for Laila die ganze Breite menschlicher Abgründe auf die Bühne. Bodenlose Traurigkeit, blanker Zynismus, höchste Freude, emotionale Wagnisse, Experimente und immer mit dieser hoffnungsvollen Melancholie. Wenn Poems for Laila die Bühne betreten, erinnern sie an andere große Paare wie Hazlewood & Sinatra oder Gainsbourgh & Birkin.

Mit genau der gleichen Gelassenheit und Tiefe ziehen sie die Zuhörer in ihren Bann.

DARK TIMBER Das neue Album von Poems for Laila wurde in einer Jurte im Havelland aufgenommen. In absoluter Abgeschiedenheit, in einem Wald mit wirklich schwarzen Nächten, umgeben von Zeltwänden aus Holz, Filz und Wolle entstanden 12 mystische Songperlen mit größter Intensität und ungreifbarer, dunkler Atmosphäre und dennoch spürbarem Lebensgefühl.

DARK TIMBER ist neu. Auch, weil hier erstmals beide, Nikolai Tomás und Joanna Gemma Auguri, Songs geschrieben haben. Ein gelungenes Gemeinschaftswerk.

Genre: Country-Blues

Reverend Peyton’s Big Damn Band has built its reputation the long, slow, hard way. After 12 years of playing as many as 300 shows each year, Rev. Peyton, the world’s foremost country blues finger-style picker, along with the biggest little band in the country has pieced together one of the most dedicated followings out there. This following is sure to eat up the band’s latest offering, Poor Until Payday, (the second on their own Family Owned Records label through hip Nashville indie Thirty Tigers) out October 5th, a country blues record that was made the right way — two feet on the ground and both hands getting dirty.

With all the power of a freight train, the Big Damn Band is known for its live shows. Rev. Peyton delivers guitar pyrotechnics the old fashioned way — ten fingers, a 6 string and an amp cranked at full tilt. In the country blues style, he plays the bass with his thumb, while picking the lead with his fingers at the same time. When he lifts the guitar behind his head to play there’s nothing but skill and 16 gauge nickel strings to make the sounds coming out of the speakers.
Beside him on stage are just two other people. His wife, “Washboard” Breezy Peyton playing with all the nuance and percussive power of a New Orleans drum line, and keeping the train moving is Max Senteney on a lean drum kit including a 5 gallon maple syrup bucket. Together they play Peyton’s wildman country blues that’s as much ZZ Top as it is Bukka White.

On Poor Until Payday Peyton wanted a sound as live and electric as the records made in the heyday of 45 rpm blues classics from Chess, Stax and Sun Records. Playing his beloved custom-made National steel resonator, a 1949 Harmony Archtop, a 1954 Supro Dual Tone and a 1955 Kay Speed Demon through a 1949 Supro amp, Rev wanted to restore the “warmth, pops and hisses” mostly eliminated by modern-day compression. The band played in a room together with minimal micing (using only the best classic pieces they could get) with the main effect being tape saturation.
That’s it.
The result is an album that is direct, soulful and demands to be played loud.
The themes of songs like the title track, “You Can’t Steal My Shine” and “I Suffer I Get Tougher” offer the antidote to today’s hard times by touting “perseverance, inspiration and hope… being your authentic self despite everything lined against you, a light at the end of the tunnel.” With a vocal style reflecting both the soulfulness and bite of his idols, Rev has added world-class singer to his already-renowned skills as a finger-pickin’ guitar phenom. Breezy and Max also contribute background vocals to most of the songs, with “The Miss Elizabeth of Country Blues” actually taking the spotlight with a sultry call-and-response showcase on “Dirty Swerve,” in which she also contributed to the writing.
Peyton’s blues pedigree is well established. Woodshedding since he was 12, Peyton has kept alive a tradition of finger picking pioneered by the likes of Mississippi John Hurt. However, Peyton plays with the energy and attitude of a Howlin’ Wolf. Indeed if it has strings he can play it whether that’s a custom-built National, a cigarbox, an axe or even a shotgun (seriously, Google it.).

He’s done his homework and been given the blessing of the gatekeepers of the tradition — even befriending and touring with some of the last of the great Delta Blues and Hill Country blues legends like David “Honeyboy” Edwards, T-Model Ford (whose grandson calls him Unk), and Robert Belfour.
Rev and Breezy make their home in rural southern Indiana near the adopted home of bluegrass legend Bill Monroe, among national parks and forests in what began as an artist’s colony. “Most of the people here can both paint a picture and skin a deer,” laughs Breezy.
There’s nothing dusty or sentimental about Peyton’s music, though. There’s no songs about picking cotton. They aren’t a museum piece. The Big Damn Band have taken nearly a century of blues songsmanship and crafted a thing all their own. There is not a single act out there that sounds like this.
The Big Damn Band make friends and fans every place they go — and there are few places they haven’t been, having performed in 37 countries. After Poor Until Payday, the only people who won’t be on the big damn bandwagon will be people who haven’t heard or aren’t paying attention.
This is real, from the heart, handmade music made by people, for people who don’t have time for BS.

PRAISE FOR REVEREND PEYTON’S BIG DAMN BAND
“The latest from Reverend Peyton’s Big Damn Band…. is, in short, a revelation. An amazingly well crafted, controlled explosion of talent, the range and depth of the music performed by the trio is remarkable.” – American Blues Scene
“… the reincarnated Mississippi moan of guys like Son House… a burly soul punishing the senses with a Deltapunk attack and a heavy helping of rural realism. You can’t ignore his Big Damn Band’s gospel.” — Elmore
“The tent revival, almost punk energy of the Big Damn Band is a refreshing splash of coldwater to the face. Between The Ditches doesn’t keep it in the road – it takes up both lanes as it barrels along.” — Living Blues
“The country blues is a gift of 20th century American music, and it’s awesome to see a band tap into its legacy with so much gusto and original vision.” – Music City Roots
“With his wife, Breezy, serving as a one-woman amen corner, and Max laying down the floppy-boot-stomp drums behind Peyton’s spiky, waspish National steel slide guitar on tracks like “Something for Nothing”, the result is a peculiarly infectious blues crusade, touching on themes of money, morality and social responsibility.” – The Independent (UK)
The Reverend Peyton’s Big Damn Band is a twenty-year-old bourbon in a room of vodka Red Bulls and PBRs; vintage yet timeless, exciting and still welcoming…” –MXDWN.COM
“The focal point and ring leader Reverend J. Peyton is the star of the show here flashing a guitar style that elates the ear, at times flying all over the fret board and equally delicately picking with ease.”  – Glide Magazine

Genre: Pop, Singer-Songwriter

Nach seiner erfolgreichen Europatournee in 2020 in dessen Rahmen Christopher fünfmal in Deutschland auftrat, kündigt der begnadete Sänger nun eine exklusive Deutschlandtournee für April nächsten Jahres an. Erst kürzlich veröffentlichte der Däne seine neue Single „Leap Of Faith”. Der Song handelt von all den Entscheidungen, die wir im Leben treffen müssen, und wie wir am Ende mit ihnen umgehen. Es ist Christophers zweite Single in diesem Jahr und folgt auf „Ghost“, die im Januar erschien und sich für mehrere Wochen auf #1 der dänischen Airplay Charts hielt. Auch hierzulande stellte der Künstler seine neue Single bereits vor. Er war u.a. im ZDR Morgenmagazin zu Gast, wo er eine akustische Version des Songs präsentierte. Zudem stellte er sich auf YouTube den Fitness-Challenges von Pamela Reif, mit der er verschiedene Workouts passend zu seinen Songs durchführte.

Christopher über „Leap of Faith“: „Leap Of Faith“ ist ein Song, den ich schreiben musste. Es ist der Song, in dem ich mich hauptsächlich dazu ermutige, Risiken einzugehen und Veränderungen in meinem Leben herbeizuführen. Es ist der ultimative Fortschrittssong und ein Song über all die Entscheidungen, die du in deinem Leben treffen musst und die große Verantwortung, die sich in dich hineinschleicht, je älter du wirst.

Eins ist klar, auf seiner Deutschlandtour im nächsten Jahr wird Christopher einige neue Songs im Gepäck haben, die er mit seiner Band live präsentieren wird. Tickets gibt es ab sofort.

Genre: Indie / Elektro

ok.danke.tschüss ist mit über drei Mitarbeitern der größte (und einzige) Unterhaltungsdienstleister der Einhorn-Rock-Branche. Vom Hauptsitz Mannheim aus beliefern wir unsere Kunden mit innovativem und umfassendem Klamauk.
Wir schenken kleinen Kindern so lange Süßigkeiten, bis sie sich übergeben müssen. Alten Menschen helfen wir über den
Zebrastreifen, ob sie wollen oder nicht. Kleiner Scherz am Straßenrande!
Wir suchen Sie als Zuschauer (m/w/d):
Gewünschte Eigenschaften:
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Das bieten wir:
• anständige Musik mit unanständigen Worten,
• die höflichste Rebellion der Welt,
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• Texte, die sich über irgendetwas beschweren,
• eine angemessene Vergütung in Form von Körperwärme.
Das kann man bei uns lernen:
• kuriose Tanzbewegungen.
Bitte reichen Sie Ihre vollständigen Bewerbungsunterlagen im Rundschreiben unter
+491788842556 oder auf www.okdanketschuess.de ein. Optional auch im persönlichen Gespräch
(bitte beachten Sie die aktuell geltenden Konzerttermine).

Genre: Indie / Electro-Pop

Zwei Berliner Bands geben sich zum ausklingenden Jahr 2020 die Ehre, in den Privatclub in Kreuzberg mit einer Doppelshow zu laden!

ADAM IS A GIRL und NINA, beide bekannt vom „Synth-Pop goes Berlin“-Festival und diversen Auftritten im Vorprogramm bei DE/VISION und anderen, präsentieren überdies ihre neuen Alben: NINA stellt ihr neues Album „Synthian“ vor, ADAM IS A GIRL veröffentlichen ihr neuestes Schaffen auf dem Werk namens „Now or never“.

Sowohl von ADAM IS A GIRL als auch NINA kann man ein breites Spektrum an Hits aus ihrem neuen Album als auch von älteren Titeln erwarten. Beide Acts erhalten die gleiche lange Spielzeit, ergo freuen wir uns auf dieses Doppelkonzert an einem Abend!

Genre: Blues / Bluesrock / Rock

Mit ihrem furiosen Debüt-Album Devil on the Loose öffneten sich für das Quartett aus dem schwedischen Bollnäs vor fünf Jahren die Türen der Blues- und Rock Fans weltweit, jetzt melden sich Black River Delta mit ihrem neuen Album Shakin‘ und einer Reihe von Live-Terminen im Dezember 2021 zurück. Bestätigt sind Konzerte in Hamburg (10.12.), Köln (12.12.), München (13.12.), Wien (14.12.), Frankfurt (15.12.), Dresden (17.12.) und Berlin (19.12.). Unterstützt werden Black River Delta von Special Guest Dorian Sorriaux, dem ehemaligen Gitarristen der Blues-Rock-Superstars Blues Pills.

Black River Delta haben kürzlich ihre neueste Single Burning And Burning über Sofaburn Records veröffentlicht. Der rasante Track ist die zweite Single aus dem kommenden Studioalbum Shakin‘, das auf die bisherigen Alben Devil on the Loose (2016) und Vol. II (2018) folgt. Der düstere Blues-Rock-Sound der Band schöpft aus klassischen Blues-Legenden wie Robert Johnson, dem rohen Stil von R. L. Burnside und modernen Bands wie The Black Keys, Gary Clark Jr. und Black Rebel Motorcycle Club. Ihre Fähigkeit, uralten Blues mit modernem Rock zu verbinden, hat mehrere Tourneen durch Europa und Nordamerika ermöglicht und die Aufmerksamkeit von Künstlern wie der Blueslegende Joe Bonamassa erregt, der Vol. II als eines der besten Alben des Jahres 2018 bezeichnete und die Band sogar zu seinem jährlichen Kreuzfahrtfestival einlud.

Genre: Electronic Dark Pop

Innerhalb von wenigen Jahren haben sich EMPATHY TEST aus London in die Herzen der Liebhaber elektronischer Popmusik gespielt. Unzählige Auftritte im Vorprogramm anderer Größen sowie bislang zwei Tourneen mit mehreren ausverkauften Shows in Deutschland wurden zu ihren ersten beiden Alben gespielt. Im April erscheint die neue Single “Monsters”, dem Titeltrack zum gleichnamigen Album, welches dann im Mai folgt.

Zu dieser Album-Veröffentlichung begeben sich EMPATHY TEST auf ausgedehnte Deutschland-Tournee im September 2020, zu der sie keine geringeren als die postpunk-liebenden THE FOREIGN RESORT (www.theforeignresort.com) aus Dänemark im Gepäck haben.
2020 wird DAS Jahr für EMPATHY TEST!

Das dänische Trio THE FOREIGN RESORT spielt melodischen und atmosphärisch dichten Post-Punk und New Wave. Effektvolle Reverb-Gitarren erinnern gekonnt an Grössen wie The Chameleons, The Cure oder The Jesus & Mary Chain, aber auch an Joy Division oder My Bloody Valentine.

Im vergangenen Jahr ist mit dem eindringlichen Ohrwurm She Is Lost eine Vorab-Single zum aktuellen Album Outnumbered erschienen, das im ersten Halbjahr 2019 über das kanadische Label Artoffact Records (ACTORS, Kælan Mikla, GOLD, Front Line Assembly) das Licht der Welt erblickte.

THE FOREIGN RESORT teilten sich schon die Bühne mit Szene-Grössen wie The Soft Moon, She Past Away, The KVB oder Ash Code. Seit 2010 spielte die Band mehr als 450 Shows in Nordamerika und Europa, darunter auch Festivals wie zum Beispiel das WGT 2019 (Wave Gotik Treffen),W-Festival 2019, NCN 2018 (Nocturnal Culture Night) oder Amphi Festival 2020.

Genre: Folk / Sea Shanty / Singer-Songwriter

Nathan Evans wäre es im Traum nicht eingefallen, dass er mit nur einem Song einen Internet-Hype auslöst. Das globale Phänomen um den Hit „Wellerman“ wurde mit der Chartspitze gekrönt. Ein sensationeller Erfolg für den schottischen Shootingstar, der erst vor wenigen Wochen seine Shanty-Version von „Wellerman“ auf TikTok hochgeladen und damit ein weltweites Shanty-Fieber ausgelöst hat. Zu seiner minimalistischen Version der neuseeländischen Walfänger-Ballade formierte sich auf der Plattform ein vielstimmiger digitaler Seemannschor, der Nathan Evans ordentlich Aufwind verschaffte.

Freunde multi-harmonisierter Folkmusik haben Grund zur Freude, denn der charismatische Sänger Nathan Evans kommt für seine erste Live-Tour im Januar 2022 nach Köln, München, Zürich, Berlin und Hamburg.

Nathan Evans, ein ehemaliger Postbote, widmete sich schon immer seiner Leidenschaft, dem Singen. Auf TikTok lädt er mit „Leave Her, Johnny“, seinen ersten Shanty-Coversong hoch. Pünktlich zum Jahreswechsel folgt „Wellerman“. Die Coverversion der neuseeländischen Walfänger-Ballade aus dem 19. Jahrhundert holt innerhalb einer Woche acht Millionen Aufrufe.

Nachdem der sympathische Schotte die Offiziellen Deutschen Charts eroberte, erhält er schnell einen Plattenvertrag, hängt seinen Job als Postbote an den Nagel und widmet sich nur noch der Musik. Auch der dazugehörige Remix der britischen Produzenten 220 Kid und Billen Ted wurde zu einem viralen Hit und katapultiere den Song auf Platz zwei der britischen Singlecharts.

Nathan Evans hat es mit seinem Song „Wellerman“ geschafft, dass alte Seemannslieder einen enormen Aufschwung erleben und im Mainstream ungeahnte Beachtung finden. Allein auf TikTok finden sich mehr als 3,2 Milliarden Videos mit dem Hashtag #seashanty und sorgen für millionenfache Duette auf der Plattform.

Genre: Alternative / Indie-Rock

Young Knives (die Brüder Henry Dartnall und The House of Lords) haben ihr neues Album Barbarians veröffentlicht. Ihr erstes Album seit sieben Jahren, nach der 2013 gefeierten Sick Octave. Barbarians ist ein Sprung in das klangliche und thematische Experimentieren einer Band, die es gleichermaßen liebt, zu verwirren und zu unterhalten. Geschrieben, aufgenommen und gemischt von Young Knives in ihrem Studio in der Nähe von Oxford, sagt Henry über Barbarians: “ We broke down all the barriers to creativity and made the most cathartic and noisy album of our career.”

Als die Brüder sich an das Buch des Philosophen John Gray aus dem Jahr 2002 wagten, wurden sie dazu inspiriert, sich in die gewalttätige, brutale Natur des Menschen einzuwählen.

Henry kommentiert:“As with every Young Knives album, me and House always need a good reason to make it. We often start with some high concept that we feel passionate about and use it like a framework to build lyrics and motifs around. As confirmed but self-aware nihilistic miserabilists we often have to dig our way out of a spiralling bleak world view that would make for a super depressing listen. This album is no different. But I think that’s the point of the records we make: how can we turn the worse aspects of humanity into something really fucking entertaining? Obviously there was a lot going on around the world at the time we were writing the record, with the rise of the alt-right and politics designed to divide us. All this fed into a sense that humans are always going to have this battle between our collective existence and the existence of the individual, some days we give and some days we take.
I read Straw Dogs after having put it off for years because of the hype. It’s something you can’t un-read. Its key point is that no matter what scientific progress we have made, what advances we have made in our understanding of how the universe works, we have not become better humans, we are no less barbaric. I just thought that it was such an undeniable point; we are obsessed with self and social improvement, but we don’t get any better as human beings. What if cruelty to others is just part of who we are? How do we live with that?”
In der Lead Single ‘Sheep Tick’ werden diese Fragen frontal angegangen. Henrys erster Text, „Cruelty, I let you back in / I’m wondering why“, gibt den Ton für ein beunruhigendes Zuhören an, begleitet von einem Video, das unangenehm und unerwartet ist. Henry sagt weiter: „Music videos are awful and we wanted to lean into that. The idea behind this one was to make a video that you couldn’t have pitched. We just started shooting without knowing what it was, our goal to make it as baffling and entertaining as possible. Weirdly, the great thing is that some of the video started to make sense with the song after we had finished it: House’s goblin character is the voice inside that tells you how worthless you are, and you have to make peace with him. Most of it doesn’t make any sense though.“

Photo: Sandrine And Michael

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Genre: Pop

Dagny kam buchstäblich aus dem Nichts und überwältigte die – insbesondere virtuelle – Welt mit ihrer Debüt-Single „Backbeat“ nahezu über Nacht. Nachdem der renommierte BBC-DJ Zane Lowe ihre Single in seiner „Beats 1“-Show vorgestellt hatte, sammelte Dagny innerhalb weniger Wochen mehr als neun Millionen Spotify-Plays ein, mittlerweile sind es rund 42 Millionen. Im Anschluss kultivierte die 30-jährige Norwegerin im Rahmen zahlloser Kooperationen ihre Erfahrung und Identität als Künstlerin, bevor sie im September 2016 mit ihrer Debüt-EP „Ultraviolet“ weithin begeisterte. Nun, vier Jahre und zahllose Kollaborationen später, erscheint mit „Strangers/Lovers“ endlich ihr lang erwartetes Debütalbum, digital in zwei Teilen: Die A-Seite ist seit Ende Mai erhältlich, die B-Seite folgt am 02. Oktober. Im kommenden Jahr geht Dagny mit ihrer Band auf Tournee und wird zwischen dem 17. und 22. April auch drei Deutschland-Shows in München, Berlin und Hamburg spielen.

Dagny Norvoll Sandvik hatte bei genauerer Betrachtung geradezu perfekte Startbedingungen, um zu dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin zu werden, die man nun in ihr findet. Da ist zum einen ihre Herkunft, das kleine Städtchen Tromsø im Norden Norwegens: Abseits von allen großen Szenen konnte dort ihr ganz individueller Ansatz an Songwriting und Gesang reifen. Zum anderen konnte sie dabei auf intensive familiäre Unterstützung und Hilfe bauen, da ihre Eltern beide ebenfalls Profimusiker sind. So entwickelte sie einen ganz eigenen Stil: euphorisch und fröhlich, aber dennoch tiefgründig und insbesondere in der gesamten Klangästhetik innovativ. So sprechen Eingeweihte der norwegischen Musikszene bereits seit 2012 davon, dass sich in Dagny ein kommender Star des handgemachten Female-Pop findet; erst recht, nachdem die junge Künstlerin auf Konzerten im Vorprogramm von Stars wie Elton John und Bryan Adams auftrat.

Über die nationalen Grenzen hinaus verbreiterte sich die Wahrnehmung ihres ebenso überraschenden wie eingängigen Sounds aber erst nach ihrem Umzug nach London, wo sich ihre Musik noch einmal grundlegend veränderte: Weg von der reinen Folk-Musik und hin zu postmodernen Pop-Entwürfen und elektrischer Band-Verstärkung. Erreicht hatte sie diese Transformation durch verschiedene Kooperationen mit Londoner Musikern und Produzenten. Bei einer Solchen mit Sam McCarthy entstand aus einer Jamsession heraus dann der Song, der sie unmittelbar in den sozialen Netzwerken bekannt machte: „Backbeat“. Ein Lied, das den unheimlich seltenen Spagat schafft, leicht und fröhlich und gleichzeitig enorm nachhaltig und wertvoll zu sein. Seither landeten zahlreiche Songs von ihr in den norwegischen Singlecharts und konnten über 30 Millionen Spotify-Plays erreichen, darunter „Love You Like That“ oder „Somebody“ aus ihrem ersten Album „Strangers/Lovers“.

Parallel ging Dagny viele Kollaborationen ein, darunter mit Steve Aoki, Børns, Kohib, The Wombats oder dem EDM-Duo Seeb, deren Single „Drink About“ bis auf Platz 2 der norwegischen Charts stieg und aktuell bei über 105 Millionen Spotify-Plays steht. Auch für ihr in Los Angeles und London aufgenommenes Debüt-Album nahm sie wieder zahlreiche Angebote zu Zusammenarbeiten an, um ihren Sound weiterzuentwickeln. Unter den Kollaborateuren, mit denen sie arbeitete, finden sich namhafte Songwriter und Produzenten wie Tommy English (Børns, Tigertown, Ladyhawke), Dave Bassett (Elle King, Fitz and the Tantrums), Mattman & Robin (Tove Lo, Ellie Goulding, Taylor Swift) und Justin Tranter (Selena Gomez, Justin Bieber). Entsprechend vielseitig und teils überraschend fallen die Songs auf „Strangers/Lovers“ aus, die jedoch von einer bedeutenden Klammer zusammengehalten werden: Dagnys überragender Stimme, von deren Präsenz und Eindrücklichkeit man automatisch in den Bann gezogen wird. Davon kann man sich im Rahmen ihrer drei Live-Shows im April 2021 in München, Berlin und Hamburg ein weiteres Mal überzeugen.

Mit seinem zeitlosen Blue Soul hat das Projekt Tiflis Transit in den letzten Jahren aufhorchen lassen. Die Band um Fabian Till agiert dabei stets so zeitlos, dass auch eine nochmalige Verschiebung der ursprünglich für 2020 geplanten Tournee in das Jahr 2022 bei den Konzerten selbst kaum auffallen dürfte. Wegen der anhaltenden Corona-Pandemie und einer fehlenden Planungssicherheit wird dieser große Zeitsprung in der Konzertplanung leider notwendig. Da vereinzelt stattfindende Streaming-Konzerte die Live-Energie des Quartetts nur schwerlich transportieren werden können, wird an der Idee von echten Livekonzerten mit Publikum festgehalten. Im Februar 2022 wird die Band dann hoffentlich endlich wieder auf der Bühne stehen und bestimmt auch den einen oder anderen neuen Song zum Besten geben. Bereits gekaufte Tickets behalten für die neuen Termine ihre Gültigkeit.

Genre: Indie

„A Dim Daze“ heißt das zweite Extended Play von Tiflis Transit, das am 13. November 2020 bei Listenrecords erschienen ist. Anschließend an den Ende 2018 erschienenen, hochgelobten Erstling “Mondaene Dysfunction” trägt die Song-Kollektion erneut die charakteristischen Merkmale des Projekts um Fabian Till.

Der Sound oszilliert zwischen Studioband-Motown Soul und angejazztem Analog-Pop, bleibt aber nach wie vor eines: Blue Soul, der sich mit großer Spielfreude zwischen Traurigkeit und Groovyness schlängelt. Blue Soul, so blau wie der Himmel, Ozean und sämtliche Onkels und Tanten beim letzten Familientreffen zusammen.

Allgegenwärtig ist dieser Schleier, der die Songs durchweht – eine gewisse schummrige Benommenheit, a dim daze eben. Dieses Grundrauschen skandalisiert das Nicht-Durchdringen: Diskurse, die nicht geführt werden, weil sie zu bestimmten Entscheidern nicht durchdringen. Und deshalb nicht verstanden, geschweige denn gelöst werden, nach Jahrtausenden des Fehlverhaltens. Um das Schweigen zur falschen Zeit rotiert die Stimme von Fabian Till in allen irgend möglichen Stimmlagen. Frei nach dem Grundsatz Singen ist silber und besser geht immer.

In phyischer Form gibt es “A Dim Daze” als eine Art “Split”-Album der besonderen Sorte: Auf der A-Seite tummeln sich die aktuellen Songs, „A Dim Daze“, auf der B-Seite finden sich jene von „Mondaene Dysfunction“, die 2017 durch ein analoges Tape-Recording ihre Ewigkeit fanden. Bisher waren sie nicht als Tonträger erhältlich.

Songs von Tiflis Transit liefen und laufen bei Radiosendern wie radioeins, FluxFM und EgoFM auf Rotation. Live waren sie u.a. bereits auf dem alinae lumr, WattEnSchlick, der c/o Pop sowie im Vorprogramm von Fenster und Buck Meek (Big Thief) zu hören.

„einer der Überraschungscoups dieses Jahr“ – JMC Magazin

„Vom Gehörgang ins Herz und dann zurück zum Verstand – so bewegend kann Musik aus Deutschland klingen“ – E1nenhabichnoch

„Die Band flirtet zwischen viel DIY-Pop und lässigen Gitarren mit dem Soul. Klarer Fall für die Kategorie ‚Im Auge behalten‘“ – That New Music Blog

„Durch den zurückhaltenden Einsatz von Schlagzeug und Synthesizer erzeugen Tiflis Transit einen rauen und ungeschliffenen Sound, der mit seiner Melodik an Künstler wie Timber Timbre erinnert“ – The Postie

Genre: Metal, Power-Metal

Achtzehn Monate war es ruhig um SERIOUS BLACK, eine vergleichsweise lange Zeit für eine Band, die seit ihrer Gründung 2015 maximal ein Jahr bis zur Veröffentlichung eines neuen Albums verstreichen ließ. Wer nun allerdings vermutet, die Powermetaller hätten sich auf ihren Lorbeeren ausgeruht und auf der faulen Haut gelegen, wird Anfang 2020 eines besseren belehrt: SERIOUS BLACK sind zurück! Mit einem Paukenschlag und einer Killerscheibe namens „Suite 226“ im Gepäck. Nach drei erfolgreichen Alben und über 120 weltweit gespielten Konzerten, haben sie die verdiente Auszeit dazu genutzt, neue Konzepte zu entwerfen, an frischem Material zu feilen, und, so ganz nebenbei, auch noch ein eigenes Studio zu bauen. Bassist Mario verkündet stolz: “Das Warten hat nun ein Ende, wir sind frisch und ausgeruht zurück. Vor allem sind wir aber hungrig, auf die Bühne zurückzukehren.“ Was die Band sicherlich bei der Tour mit Hammerfall und auf der Headliner Tour im Herbst 2020 unter Beweiss stellen wird.

Nachdem sich 2013 bei Gitarrist Roland Grapow und Basser Mario Lochert die Idee manifestiert, eine sechsköpfige Melodic Metal Band zu gründen, ist es nur eine Frage der Zeit, dass sich die Truppe von Vollblutmusikern, die sich ihre Sporen bis dahin bei FIREWIND, RHAPSODY, TAD MOROSE, EDENBRIDGE, VISION OF ATLANTIS und DREAMSCAPE verdient haben, in der Melodic Metalscene etabliert.

2015 veröffentlichen die deutsch-amerikanische All-Star-Band ihr Debut „As Daylight Breaks“, das sogar einen Charteinstieg verzeichnen kann, und absolvieren anschließend ihre erste Headliner-Tour. Die Fans sind begeistert, die Musikpresse ebenso, es folgen drei weitere erfolgreiche Alben, unter anderem mit Liveaufnahmen und der Unplugged-Version „First Light“, nach der sich die Band 2017 in die Kreativpause verabschiedet.

2020 ist es nun endlich wieder soweit, SERIOUS BLACK präsentiert das mit Spannung erwartete vierte Studioalbum „Suite 226“. Und das wird die Herzen der Powermetalgemeinde höher schlagen lassen. Im Gegensatz zu „Mirrorworld“ und „Magic“, bei denen es weitaus rockiger zur Sache geht, findet man auf „Suite 226“ wieder mehr treibende Gitarren, eingängige Hooks und Riffings, so wie man es von „As Daylight Breaks“ kennt. Wagte man sich mit „Magic“ das erste Mal an ein Konzeptalbum, bei dem es um die Story des mysteriösen Mr. Nightmist, einer Hexe und einer Menge Magie geht, wird auf „Suite 226“ die Geschichte eines geistig verwirrten Mannes thematisiert, der zwischen seiner Traumwelt, Realität und dem Bösen hin und her gerissen ist. Im wahren Leben wird der Protagonist seit vielen Jahren in einer feuchten, kalten Gummizelle gefangen gehalten, die die Nummer 226 trägt, die unmenschlichen Zustände in der alten Psychiatrie haben in längst in den Wahnsinn getrieben. In seiner Phantasie hingegen ist er der mächtige Herrscher, der in seinem feudalen Schloss, umgeben von Kurtisanen, gutem Essen und Wein, lebt und über ein unbesiegbares Heer befiehlt. Taumelnd zwischen Illusion und Wirklichkeit gerät er immer weiter in den Sog des Wahnsinns, sein Leben wird zu einem Ritt durch das Fegefeuer, begleitet von Dämonen, Panikzuständen und Verfolgungswahn. Auch musikalisch nimmt die Band den Hörer mit auf diese Reise zwischen Himmel und Hölle, „Suite 226“ ist der perfekte Soundtrack für den Trip zum Ort der Verdammnis. Unbarmherzige Riffs treffen auf eingängige Melodien, angetrieben wird das Ganze von einer manischen Rhythmussektion, die hochkarätigen, entfesselten Vocals von Sänger Urban Breed steuern die nötige Portion Irrsinn bei. Nach dem Hören des Albums darf man sich die Frage stellen, was tatsächlich Fiktion, was Realität ist. Und wer weiß, vielleicht vernehmt ihr auch diese leisen Stimmen im Kopf. Sagt nicht, wir hätten euch nicht gewarnt!

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Genre: Singer-Songwriter

Zuletzt konnte man den kanadischen Virtuosen an der Slide-Gitarre vor zwei Jahren mit The Bros Landreth in Deutschland live erleben, nun kündigt Ariel Posen für Februar 2022 seine Rückkehr auf die deutschen Bühnen mit Auftritten in Köln (11.2.), Berlin (12.2.) und Hamburg (13.02.) an. Karten für die drei Konzerte sind ab sofort im Vorverkauf erhältlich. (Alle Termine und Ticketinfos weiter unten.)

Ariel Posens Musik nimmt den Raum zwischen den Genres ein. Es ist ein sehr rootsiger Sound, der zu seinen Einflüssen nickt – Heartland Rock & Roll, elektrifizierter Americana, blue-eyed Soul, R & B, Beatles-inspirierter Pop -, während er sich weiter vorwärts bewegt und Posen in ein Territorium drängt, das einzigartig für ihn ist. Mit seinem aktuellen Soloalbum „Headway“ nimmt der Songwriter und Virtuose an der Slide-Gitarre eine Bestandsaufnahme seines persönlichen und musikalischen Fortschritts vor.

Als lebenslanger Musiker gibt es nur wenige Rollen, die Ariel Posen nicht gespielt hat. Obwohl Posen in Winnipeg geboren wurde, verbrachte er einen Großteil seiner Kindheit auf Reisen und reiste mit seinen Musikereltern von Show zu Show. Mit 9 Jahren begann er Gitarre zu spielen und startete eine Karriere, in der er schließlich für seine eigenen Auftritte um die Welt reiste, darunter auch Shows als Mitglied der mit dem Juno Award ausgezeichneten Roots-Rock-Band The Bros. Landreth.

Einige Zeit später begann Posen an einem eigenen Album zu arbeiten und verfolgte seine neuen Songs in demselben Studio, in dem seine Eltern einst ihre Alben aufgenommen hatten. Das 2018 veröffentlichte Album „How Long“ markiert Posens lang erwartetes Solo-Debüt und zeigt nicht nur seine Fähigkeiten als Instrumentalist, sondern auch seine Talente als vielseitiger Songwriter.

Wenn „How Long“ seine Einführung in die Welt der Roots-Musik gewesen wäre, dann wäre sein neues am 5. März via Manitoba Film & Music erschienenes Werk „Headway“ etwas anderes: eine scharf definierte Momentaufnahme eines Musikers, der seinen Sound wirklich kristallisiert hat. Wie der Titel schon sagt, dreht sich bei „Headway“ alles um Wachstum. Ariel Posen, der bereits als Frontmann, Multiinstrumentalist und Produzent gefeiert wurde, erreicht mit seinem zweiten Album eine neue Bestmarke – ein Album, das vor allem das Songwriting in den Vordergrund stellt und den Fortschritt eines lebenslangen Musikers zeigt, der sich noch mitten in einer Aufwärtsbewegung befindet.

“he comes across like a laidback Springsteen, building an anthemic groove.” – Rolling Stone

“Ariel Posen is guitar’s man for all seasons – he’s got the songs and the voice but he’s also a stellar slide guitarist with a gutsy, expressively melodic style”– Guitarist Magazine UK

“Posen is a rare breed of guitar player. He has managed to meld a keen sense of theory and half a centuries worth of influences into a unique style that is all his own.” – Reverb.com

Photo: Daniel Dorsa

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Adult Mom gehen im Frühjahr 2022 auf Tour und spielen insgesamt vier Shows in Berlin, Hamburg, München und Köln! Mit im Gepäck hat die Indie-Pop Band ihr neues Album „Driver“.

Genre: Indie Pop

Ursprünglich begann Adult Mom 2012 als Solo-Projekt von Stevie Knipe in einem Studentenwohnheim. Mittlerweile ist Adult Mom ein Bandprojekt mit den befreundeten Musikern Olivia Battel und Allegra Eidinger. Am 5. März veröffentlichte die Indie-Pop Band ihr drittes Studioalbum “Driver” und kündigte gleichzeitig eine Tour inklusive vier Shows in Deutschland an. Die 10 Songs auf „Driver“ sind geprägt von 00’s Pop-Rock Gitarren und Stevie’s Goming-Of-Age Lyrics und liefern damit den perfekten Soundtrack zu einer queeren Rom-Com.

Obwohl Adult Mom mittlerweile ein Bandprojekt ist, steht Stevie Knipe weiterhin im Mittelpunkt der Band. Stevie identifiziert sich als gender-queer / non-binär – also weder als Mann noch als Frau (Pronomen: they / their). Stevies Lyrics handeln von Liebe, Freundschaft, Romantik, Identität und der allzeit gegenwärtigen Frage: Was Nun?

Die Frage nach dem „was nun?“ beantworten uns Adult Mom hoffentlich im März 2022, wenn sie ihren sehnsüchtigen Indie-Pop Sound in Berlin, Hamburg, München und Köln auf die Bühne bringen.

Genre: Singer-Songwriter

Intim, ergreifend, authentisch und tiefgründig: Meadows gibt sein Innenleben preis. Manchmal düster, manchmal hoffnungsvoll, aber immer voller Leben und Emotionen. Geboren und aufgewachsen ist der Fingerstyle Gitarrist und Songwriter Christoffer Wadensten in der Kleinstadt Söderköping an der Ostküste Schwedens. Er hat die letzten paar Jahre unter dem Pseudonym Meadows die Welt bereist und mit seiner introspektiven, akustischen Musik zahlreiche Clubs und Wohnzimmer erfüllt und verzaubert. Seine Musik vereint Menschen, macht Fremde zu Freunden und Fans, die in seiner Musik Zuflucht und Vertrauen finden.

Seine erste EP „The Only Boy Awake“ wurde im Jahr 2016 durch das deutsche Label „What We Call Records“ veröffentlicht. Der Titeltrack wurde in die Netflix-Serie „Tote Mädchen lügen nicht“ („13 Reasons Why”) aufgenommen. Mittlerweile kann Meadows über 30 Millionen Streams vorweisen.

Der Titel von Meadows’ neuem Album – „The Emergency Album“ – ist inspiriert vom amerikanischem Lyriker Frank O’Hara. Es erzählt von der Fähigkeit einen Gefühlszustand während eines Notfalls zu fassen und spüren. Das Album markiert einen Wendepunkt in Wadenstens Leben und schafft Platz für einen neuen Zyklus in dessen Musik: Tiefsinnig, betrübt und wunderschön zugleich.

Photo credit: Daniel Harris

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Genre: Alternative / Reggae

Wenn sich eine Band direkt nach einem Festivalbesuch gründet, ist es fast logisch, dass Ihr Sound auf die großen Bühnen abzielt.

Die vier Mitglieder von Will And The People trafen sich 2010 auf dem legendären Glastonbury Festival und legten kurz darauf richtig los: Ihren eklektischen Sound, der irgendwo zwischen Reggae, Ska, Rock, Folk und Punk angesiedelt ist, schliffen sie auf unzähligen Konzerten so lange rund, bis er sichergestellt war, dass jede und jeder im Publikum komplett abgeholt wurden. So wurden ihre Shows schon bald zu inklusiven Happenings, bei denen wirklich alle mit offenen Armen empfangen wurden.

Noch im ersten Jahr ihres Bestehens veröffentlichte das Quartett die ersten Singles, bevor 2012 ihr selbstbetiteltes Debütalbum folgte. Nachdem Will and the People damit besonders in den Niederlanden großen Erfolg hatten, tourte die Band unablässig durch das Vereinigte Königreich, Europa und Australien, spielte große Festivals wie Lowlands und Pinkpop. Mit ›Friends‹ (2013) und ›Whistleblower‹ (2014) legten sie neben einem Dutzend Singles zwei weitere Alben nach.

Ihre 2019 veröffentlichte 13. Single ›Gigantic‹ liefert einen Vorgeschmack auf das vierte Album, das 2020 erscheinen soll.

Genre: Indie / Pop

Genre: Folk

Seth Lakeman zählt zu den wegweisenden Pionieren der blühenden britischen Folkszene. Von der Times als „new folk hero“ gefeiert, wurde Lakeman bereits mit zwei BBC Folk Awards ausgezeichnet und 2005 für den Mercury Prize nominiert.

Sein Album „Poor Man’s Heaven“ (2008) schaffte es bis in die UK Top Ten und verkaufte über 100.000 Einheiten, was für ein Folkalbum einen immensen Erfolg bedeutet. Dem Multiinstrumentalisten ist es gelungen die traditionelle englische Folkmusik mit seinen energetischen Shows und diversen Charthits im Mainstream zu platzieren, wodurch er den Weg für Bands wie Mumford & Sons erst geebnet hat.

Auch in Deutschland kamen seine bisherigen Tourneen und Alben sehr gut an: „Exquisite Band –exzellent aufeinander eingestellt“, lobte der Tagesspiegel Seth Lakeman und seine Band. Das Magazin Stern kürte seinen UK-Top-20-Erfolg „Hearts & Minds“ sogar zum Album der Woche.

Als ‚ Special Guest ‚ von Runrig spielte er vor mehr als 40000 Zuschauern und wurde frenetisch gefeiert.
Anfang 2020 kommt Seth Lakeman nun endlich wieder auf Europatournee, nicht nur mit seinen Hits der vergangenen Jahre, sondern auch mit brandneuen Songs.

Erneut weiss Seth Lakeman zu überraschen und überzeugt in seinem Bestreben die Grenzen der Folkmusik zu erweitern. Von diesem jungen und blendend aussehenden Folkhelden mit der charismatischen Stimme darf man mitreißende Auftritte erwarten, wenn er sein Publikum mit z.b. ‚Kitty Jay’ und ‚King & Country’ ‚ auf abenteuerliche musikalische Reisen entführt.

Ein Handwerk, auf das sich Seth Lakeman perfekt versteht.

Genre: Singer Songwriter / Indie / Folk

Mit dem Ausklingen des einleitenden Crescendos breitet sich eine atmosphärische Klanglandschaft aus, über der eine Stimme liegt, so in sich ruhend und körperhaft präsent, dass sie genauso gut im eigenen Kopf singen könnte. Gleich von den ersten Takten weg entpuppt sich Christian Kjellvanders neues Soloalbum also als das, was man eine große Platte nennt. Die sieben Songs bauen sich sachte auf, mäandern, nehmen unerwartete Kurven, pausieren sogar dann und wann, um einen Blick über die eigene Schulter zu wagen. Vier von ihnen enden weit jenseits, einer knapp vor der Sieben-Minuten-Marke.

Man mag es kaum glauben, aber dieser Sound, dessen Dynamik von Beinahe-Stille bis zu zügellos expressivem Breitwand-Format reicht, wurde von einer minimalen Dreierbesetzung in einem Stockholmer Kellerstudio in größtenteils live eingespielt:
– Per Nordmark am Schlagzeug

– Pelle Anderson an Fender Rhodes, Prophet 5 und Korg Prologue
– Christian Kjellvander: Stimme, Gitarren und was immer ihm sonst in die Hände fiel.

Dieses Trio traf sich im Mai 2020, als sich bekanntlich ganz Europa im strikten Lockdown befand. Ganz Europa außer Schweden. Aber Kjellvander behauptet zurecht, dass die Arbeit im Studio immer auch eine Form der Selbstisolation mit sich bringt: „Wenn ich nicht auf Tour bin, bin ich in einer Art von Lockdown. Ich lebte acht Jahre auf dem Land, in einer umgebauten Kapelle mitten im Nirgendwo.“

Allerdings ist About Love And Loving Again das Album, auf dem Christian Kjellvander sich von jener alten Kapelle draußen in der schwedischen Wildnis verabschiedet, wo in den vergangenen Jahren so viel von seiner Musik geschrieben und aufgenommen wurde: Jener „Baptist Lodge“, die dem Eröffnungssong ihren Titel leiht. “Meanwhile at the Baptist Lodge there is new paint on an old Dodge,” singt Kjellvander da, “Once it goes east it ain’t ever coming back.” In einer seiner Kernzeilen kombiniert der allegorische Text das Bild des archetypischen amerikanischen Autos mit einer Fahrt an die äußersten Ränder von Schweden: “I drove down to the southernmost beach in our country”

“Ich dachte nie, dass das in meinen Texten unterschwellig zum Vorschein kommen würde“, sagt Kjellvander, “aber nachdem ich in den USA aufgewachsen und dann nach Schweden gezogen war, fühlte ich mich für viele, viele Jahre wie ein Einwanderer. Erst nach ungefähr zwanzig Jahren wurde es mir bewusst: ‚Warte mal, ich hab Kinder hier, ich wohne nun wirklich hier, das ist mein Leben.‘ Als in den späten Neunzigern das ganze Americana-Ding angesagt war, gehörte ich natürlich zu dieser Szene. Aber ich habe mich weiterbewegt, und meine Musik ist heute in Schweden oder grundsätzlich in Europa angesiedelt.”

“Cultural Spain”, den formal am dichtesten durchkomponierten und -arrangierten Song des Albums, vollendete Kjellvander unter dem Eindruck einer rasenden Fahrt über den halben alten Kontinent, von Spanien bis zurück in die skandinavische Heimat, kurz bevor die Länder, die er dabei passierte, ihre Grenzen schlossen. Wie in vielen Songs auf diesem Album, strotzt der halb abstrakte Text nur so vor komplexer Beziehungsthemen: “I heard women talk about other women / I’d just slipped into one of those men / I’d swallowed her sorrows / Because I knew how to use them”

Man braucht kein indiskreter Promi-Schnüffler zu sein, um zu erraten, dass viele der in About Love and Loving Again verarbeiteten Geschichten autobiographischen Ursprungs sind. Tatsächlich ist jene Göttin, die im Eröffnungssong dem Meer entsteigt (“out of the water and straight into my family”) keine geringere als die schwedische Sängerin Frida Hyvönen, die auch auf “Cultural Spain” Backing Vocals beisteuert und das Coverfoto eines sich im Halblicht im Bett räkelnden Christian geschossen hat.

Indessen spielen Zeilen wie “Love turns to past and past turns to fiction / And the happiness is the first thing we forget” aus “Actually Country Gentle” offensichtlich auf das Ende von Kjellvanders 13-jähriger Ehe an. Aber sie werden für alle, die ähnliche Lebenserfahrungen durchgemacht haben, “when trouble fell in love with itself” (aus “Trouble”) vertraut, schmerzlich und tröstlich zugleich klingen. Denn Christian Kjellvander beschreibt hier eine Welt, die viel größer ist als sein privates Ich. Und doch: “Da liegt eine Verwundbarkeit drin, das ist mir jetzt klar geworden. Wenn man mitten drin ist und einfach schreibt, gelangt man schließlich an den Punkt, wo es Momente der Klarheit gibt, die Sinn ergeben und einen bewegen. Und sobald man diesen Bereich wieder verlassen hat, fühlt sich das ziemlich nackt an. Ich habe immer über Dinge geschrieben, die mir am Herzen liegen, aber diese Platte ist eine besondere. Sie ist sehr offen. Das ist, worauf ich es anlegte. Ich wollte wahrhaftig und verwundbar sein.”

Der möglicherweise verstörendste Moment, angekündigt vom seltenen Auftritt einer verzerrten Gitarre, ereignete sich in „No Grace“, einem Song, der tief in den Kindheitserinnerungen des Autors gräbt. “I thought back to that time I was spit in the face by my own mom / Or when my father broke my nose / And the whole family had to wait until he was in good enough shape.”

Ganz am Ende des Albums entlässt Kjellvander die Hörer mit “Process of Pyoneers”, einem Song, der eine kleine Brise Ironie und eine quasi-spirituelle Offenbarung bereit hält: “I’ll play a new rock’n’roll guitar and find God eventually / But every god is a chance / Every god is only a dream / But maybe every god is not just an idea.“ Als ein Künstler der auf der Suche nach neuen Wegen “ständig unter verschiedene Steine guckt” (sein letztes Album nahm er spontan mit einer schwedischen Jazz-Band auf), hat Christian Kjellvander gelernt, sich mehr auf seinen Instinkt als die Intention zu verlassen. “Ich versuche meist meiner Lust zu folgen. In der Musik muss es immer Lust geben“, sagt er, „Alle große Kunst ist letztendlich nur die Sicht einer Person auf die Dinge und sollte nicht als mehr als das betrachtet werden. Je älter ich werde, desto mehr vertraue ich darauf. Fühlt es sich für mich gut an? Fühle ich, dass es etwas sagt, das ich nicht schon einmal gehört habe? Gut, dann machen wir von hier aus weiter.”

Robert Rotifer, Canterbury, Juli 2020

Genre: Electro-Pop / Pop / Singer-Songwriter

Liebe, Trennung, Zweifel und Self-Empowerment – FRANZI HARMSEN macht Electro- Pop, der direkt ins Herz geht. Emotionale Texte auf tanzbaren Beats, denn Gegensätze ziehen sich an: Das weiß auch FRANZI HARMSEN, die für eine neue Generation von jungen, tiefgründigen und ehrlichen Singer-Songwriterinnen steht.

Ihre Debütsingle „Vielleicht ist nicht genug“ führt vom Herzen direkt auf die Tanzfläche. Mit ihrer zweiten Single „Dein Shirt“ knüpft sie nahtlos an dieses Feeling an und setzt auf catchy Summer-Vibes in Kombination mit ihrer elektrisierenden Stimme. Thema: Eine aufregende Liebesbeziehung, deren Status noch nicht klar definiert scheint. Der Song entstand beim ersten gemeinsamen Writing mit ihrem Produzenten Pascal „Kalli“ Reinhardt (u.a. LENA, Nico Santos, Alma).

Mit Lyrics aus dem Leben will FRANZI HARMSEN vor allem eines erreichen – die Menschen berühren: „Mir ist es wichtig, dass in meinen Songs alles authentisch bleibt. Ich bin kein Fan davon, mit riesigen Metaphern oder Umschreibungen zu arbeiten. Vielmehr bringe ich lieber alles auf den Punkt.“ Nachdem sie im Jahr 2019 als Support-Act für Moritz Garth und Glasperlenspiel ihr erstes eigenes Set spielte, wird sie 2021 mit weiteren energetischen Electro-Popsongs aus ihrem Debütalbum ihre erste große Headliner-Tour antreten.

Genre: Deutschpop-Rock

ANTIHELD, ursprünglich eine Band von der Stuttgarter Straße. Von heut auf morgen findet man sich plötzlich im richtig dicken Major Business wieder, schießt beide Alben in die Charts, spielt auf Southside, Hurricane und co, spielt Touren mit ausverkauften Shows, um dann keine 3 Jahre später mit allem zu brechen und sich zu erinnern, wo man eigentlich herkommt. Um mit „disturbia“ ein Album zu schreiben, dass es so in der deutschsprachigen Welt bisher noch nicht gab.

Der erste Eindruck der Plattenfirma „Arising Empire“ skeptisch, nahezu kritisch. Zu wenig Pop, zu wenig Radio. Der zweite Eindruck; Zitat: „Das kann das Album des Jahres werden.“

Man kennt diese Entwicklung von vielen Bands. Man strotzt vor Credibility und schreibt seine Musik nicht für die Geld-machende-anti-Kunst-Industrie. Dann merkt man, dass es immer schwerer wird den Kühlschrank voll zu machen und springt mit dem Kopf voraus in die inhaltslose, austauschbare Radio-Landschaft. Den fünf Stuttgartern erging es ähnlich, nur eben anders herum.

Nachdem die Band mit dem ersten großen Major-Deal so unverhofft wie heftig in das Haifischbecken krachte, folgte mit dem 2. Album „Goldener Schuss“ und dem damit verbundenen Labelwechsel zu Arising Empire eine erste musikalische Emanzipation. Raus aus der Welt voller Einheits-Pop, hin zu einem Album, für das es noch keine vordefinierten Zielgruppen gibt. Die Lyrics deep & bitter, der Sound nicht der einer klassisch deutschen Rockband. Ein Mix aus Highly Suspect & Thrice, mit ein bisschen Grunge, Punk und Rap-Attitüde.

Ende 2020 bringen ANTIHELD ihr drittes und bisher wichtigstes Album. Ein Album wie ein Film von Scorsese -düster, geschrieben auf Weißwein in der Isolation einer Pandemie. Das politische Bullauge der in Privilegien lebenden mit Blick auf das Elend scheinbar unendlich weit entfernter Menschen, die Selbstreflexion des menschlichen Versagens, das Ersticken der Ängste im exzessiven Rausch, die Abrechnung mit der Kirche, die Auseinandersetzung mit dem Tod des eigenen Managers, bis hin zur Hoffnung auf Gretas vermeintliche Rettung der Welt und unser längst überfälliges Umdenken. Belanglose Popmusik ist tot.

Genre: Singer-Songwriter

Native Young is Yannick Meyer along with a rotating collection of African talent that he uses to perform his uplifting ‚Kasi pop‘ soundtrack to youth and beauty.

Describing the live show as a “constantly evolving tapestry of culture, emotion and melody” – Yannick and his band are blurring lines and breaking cultural barriers through his own distinct brand of alt pop. In 2015 the project attracted the interest of UK indie label PIAS, who helped this independent artist gain support from BBC radio and Triple J in Australia. 2016 saw the live band performing at prestigious international festivals like Lake of Stars in Malawi, Les Escales in France and an opening slot at Fusion festival Germany. A year later Native Young’s debut LP ‚Kings‘ won a SAMA (South African Music Award) for Best Alternative Album. Music is that ephemeral expression that seems to connect us all and It’s this sentiment that boldly shines in the raw and colourful tale of Native Young.

Genre: Indie

Mit ihrer neuen Single „La Hata Vitoye“ schlagen The Bland aus Schweden ein neues spannendes Kapitel auf. Sie kreieren einen Sound, der in seiner Verspieltheit und Neuartigkeit überrascht. In der fiktiven Welt von „La Hata Vitoye“ trifft ihr bewährter Indie-Pop auf Latin-Vibes und strotzt vor tanzbarer Energie.

Axel Öberg, Sänger und Songwriter der Band sagt: „Als wir im Februar auf Deutschlandtour waren, hörten wir von den ersten Corona-Fällen. In den kommenden Monaten beobachtete ich als praktizierender Arzt, wie die soziale Isolation den Menschen schadet. Mit „La Hata Vitoye“ wollen wir den Versuch unternehmen, das Leben wieder anders zu betrachten. Wir wollen zusammenrücken und ein positives Lebensgefühl teilen.“ The Bland erfinden mit „La Hata Vitoye“ eine Geschichte, die im 13. Jahrhundert beginnt. Sie kreieren Figuren und schreiben Geschichten über sie. Alles beginnt in einer kleinen Bar an der Küste – ein Ort, an dem reisende Entertainer nach langen Touren Zuflucht suchen. Ein Juwel, von dem jeder Geschichten erzählt – Geschichten, die zu gut klingen, um im echten Leben zu existieren.

„La Hata Vitoye“ hat seine eigene Kultur. Jeder Charakter, den es in die Stadt zieht, bringt etwas Neues mit und sowie die Welt davon erfährt, entwickeln sich historische Ereignisse.
Auch die eigene Bandgeschichte begann ähnlich romantisch.

Die beiden Songwriter Axel Öberg und Anton Torstensson trafen sich als Teenager auf Reisen in Neuseeland. Nachdem sie sich musikalisch ineinander verliebt hatten, beschlossen die Freunde, gemeinsam die Straßen und Clubs der Welt zu bereisen. Über die Jahre sind zahlreiche Songs entstanden, die in ihrem Studio „Röda Paradise“, einer roten Holzhütte im Süden Stockholms, aufgenommen wurden. Die fünfköpfige Band spielte jüngst ihre größte Tournee mit Konzerten in ganz Europa und wurde zu wegweisenden Showcases wie dem Reeperbahnfestival in Hamburg eingeladen. Ihre wilden Live-Shows, bei denen sie Abend für Abend ein hingerissenes Publikum hinterlassen, werden auch von den Medien hochgelobt.

Genre: Folk

“It’s not Americana or alt anything, it’s really just soulful folk music,” Ben Harper says of Best of Luck, the new album by Christopher Paul Stelling, which he produced.

Harper and Stelling met a few years back when the Grammy award winning musician- producer invited Stelling to open a series of shows. “Ben gave me a true gift back then,” Stelling says. “I’d been on the road for a long time and he put me onstage in front of his fans. He took me to the Beacon, The Ryman, Massey Hall, all these legendary rooms. Just to see that what I could do would even translate in spaces like that was revelatory.”

Harper says he instantly recognized a kindred spirit in Stelling’s virtuosic finger picking and soulful delivery. “It was like finding a John Fahey or Leo Kottke that was a really great singer,” he explains.

The recording of Best Of Luck culminated on a rainy night in Los Angeles, but the whole thing really began back in North Carolina. Stelling calls Asheville home, though he has been in a state of near constant motion for years. Leaving Florida while young to roam and perfect his craft, he made stops in Colorado, Boston, Seattle, New York and even- tually North Carolina – all interspersed with relentless touring – hundreds of perfor- mances a year, in bars, coffee houses, nightclubs and theaters.

“The lifestyle of constant touring was gaining on me,” Stelling says. “And then I was back home, and in the abrupt silence, there was a clarity. The fumes of hubris I had been running on for years were all but gone and my relationship with my environment and myself had turned toxic. I was scared but resolved to persevere. On Christmas Day, after a few false starts, I gave up drinking and decided to take a look at myself.”

And then, as if following some greater cosmic narrative, an email arrived that New Year’s Day. It was Harper asking if he would be interested in making a record in Los An- geles. “I had never worked with a producer before,” Stelling says. “I had always con- trolled everything; it was how I had survived. But I needed a mentor and a friend; I was too far from shore.“

Stelling accepted an artist’s residency at the Stetson Kennedy House outside of Jack- sonville Florida to prepare. Kennedy had been a folklorist and comrade of Woody Guth- rie and Zora Neale Hurston. Woody stayed there for extended periods as well. “I moved into this little house in a North Florida swamp just an hour from where I was born and raised,” Stelling says. “And I proceeded to freak out. It was the first time I’d just sat still for years. Mostly, I took inventory of myself. But I left feeling like I’d found a thread. After that, I would send Ben demos. He would respond with encouragement and tell me to keep digging, so I’d keep digging. Looking back, the whole process was the medicine I needed.”

Best Of Luck is a supremely accessible and finely crafted record that deftly merges gen- res. Harper, who has previously produced records by Mavis Staples, Rickie Lee Jones, The Blind Boys of Alabama and others, recruited an all-star rhythm section with Jimmy Paxson (Stevie Nicks, Dixie Chicks) on drums and upright bass player Mike Valerio (Randy Newman, LA Philharmonic) to lend a versatility and finesse. “I really believe this record is the intersection where folk and soul meet,” Harper says.

The album’s title, Best Of Luck, mirrored perfectly the emotional landscape in which it was created. “Depending on how you say it, it can either be a blessing or a dismissal,” Stelling says. “And that was exactly the point I was coming to with myself, my career as an artist, as a friend and as a person.”

The first track, “Have To Do For Now” is a haunting evocation of a moment between an unexamined past and an uncertain future. The guitar refrain evokes a beautiful sense of wistfulness about the past. “It’s a song about the fear of losing memories and the relief of letting them go,” Stelling explains. “It was written in one sitting. A flood of memories moving back to when I was very young and I fell from a tree house and split my head open. I’d never really processed that trauma but it’s one of my earliest and most visceral memories. I can’t help but wonder how that day and others like it have influenced my life.”

The sonic simplicity of “Lucky Stars” reveals a richness of melody and emotionality. “It’s part love song, part lullaby,” Stelling says of the track, “with a gentle touch from the band and Ben’s haunting lap steel matching my guitar in the instrumental section, addi- tional vocals by my partner. It’s about gratitude and the mysteries of the universe. Even to just be here and marvel at it all is enough for me most times. Even if it’s meaningless, it’s beautiful.”

Throughout the record, discontent and self-doubt are transformed into messages of re- silience and hope. “Trouble Don’t Follow Me” captures this perfectly, with an upbeat al- most anthemic rhythm and soulful, gospel-tinged vocals. “It comes as no surprise to me that one of my most optimistic songs could be written in the most difficult hour,” Stelling says. “When all I needed was a little hope and a song I could play night after night and not get tired of. Something that captured the basic recipe for endurance. A song about marching on, a warning to anything that might stand in your way, and needing to feel strong for the people around you, so you can inspire them to do the same.”

There is an uninhibited defiance to “Until I Die,” a revved up folk-blues featuring a beau- tifully raw guitar and beat. “This song is a kaleidoscope in the hall of mirrors, a psyche- delic rant,” Stelling says. “One thing is for certain amidst the chaos and uncertainty, and that is having someone to love and who loves you back is unrivaled.”

When Harper talks about his admiration for Stelling, he refers to his family’s legendary folk music store, filled with instruments and a fluid merging of styles and genres. “When I listen to Chris, I hear my grandparent’s store in Claremont,” Harper says. “He’s carry- ing on that tradition. A guy that can play any instrument from any country and play it with real feeling. He crosses genres but manages to respect them; he is a folk singer with an unusual soulfulness. He understands where this music comes from and why it’s remains so essential. Of all the record’s I have produced, this is one I’m most proud of.”

For his part, Stelling says, “This record was about learning to trust the people around me. If anything, after years of closely guarded decision-making I’m delighted by the re- sults of this collaboration. This record has an undeniable sense of clarity. The songs are lean but never feel incomplete. Ben knew how to coax me out of my well-worn comfort zones, how to move fast and spontaneously and put me on the spot, and how to retreat and give me space to process things. People who know me have said they hear a lot more of me in this album than anything before. Realizing I couldn’t heal the world, I started to heal myself, and I couldn’t be more pleased by how that sounds.”

DIE ÄRZTE – auuus Berlin, IN Berlin! (!!!) – Die (festhalten, dann umblättern) BERLIN TOUR MMXXII !!

Genre: Rock / Pop / Punk

Spree-Athen: Kennedy, Kreuzberg, Kebabträume. Hier trifft sich die Scene. Und die ärzte sind die selbsternannten Koffer aus Berlin. Bekannt und beliebt bei Wilmersdorfer Witwen und dem King vom Prenzlauer Berg. Die aus der Milchbar genauso schallen wie aus dem Ballhaus Spandau oder dem Damenklo im Bahnhof Zoo.

Und nach einer viel (vielvielviel) zu langen Pause kommen sie zurück und spielen eine komplette Tour in ihrer Heimatstadt: 13 (dreizehn, Alter!) Konzerte in allen Größen, von der standhaften Mitte-Perle Schokoladen bis zum weniger intimen, dafür umso größenwahnsinnigeren Flughafen Tempelhof.

Dit is LIEBE!!

Mit den drei Piepels von der Besten Band der Welt (= Berlin, Alter, wat sonst?!)

1980er
Bela B und Farin Urlaub gründen nach dem Split von Soilent Grün, ihrer ersten gemeinsamen Band, 1982 in Westberlin mit Bassist Sahnie die ärzte. Es folgen eine Menge Bravo-Storys und ein paar Skandale und Indizierungen. 1986 wird Hagen Liebing Live-Bassist. In Westerland auf Sylt gibt die Band ihr Abschiedskonzert. Bis dahin hat sie 254 Konzerte gespielt.

1990er
Nach diversen Solo-Aktivitäten melden sich die ärzte 1993 mit Bassist Rodrigo González und der Single „Schrei nach Liebe“ zurück. 1994 sind sie das letzte Mal auf dem Titel der Jugend-Zeitschrift Bravo. 1998 wird das Band-eigene Label Hot Action Records gegründet und mit bademeister.com die eigene Homepage begründet. Die Single „Ein Schwein namens Männer“ wird prompt ihre erste Nummer-1-Single. Sie veröffentlichen vier Studio-Alben und geben 311 Konzerte – darunter einige als Vorband von Kiss.

2000er
Anfang 2001 sorgt das Proberaum-Wunschkonzert „Üben Unsichtbarer!“ für einen neuen Standard an Internet-Aktionismus. Im gleichen Jahr gehen d i e ä r z t e mit ihrer ersten offiziellen Biografie „Ein überdimensionales Meerschwein frisst die Erde auf“ auf Lesetour. Im Sommer 2002 verfolgen auf dem Kreuzberger Mariannenplatz 35.000 Menschen „15 Jahre Netto“, im Herbst erscheint mit „Rock’n’Roll Realschule“ der Mitschnitt eines „MTV Unplugged“-Konzerts in der Aula eines Hamburger Gymnasiums. Außerdem spielt die Band weitere 245 Konzerte, darunter einige Clubshows in Japan und Südamerika und kultiviert das Spielen von „geheimen“ Clubshows unter Namen wie Die Zu Späten oder Nackt unter Kannibalen.

2010er
2011 sorgen Konzerte für nur jeweils Frauen oder Männer an zwei aufeinanderfolgenden Tagen für strikte Fan-Geschlechtertrennung. 2012 setzt die Berliner Fashion-Week mit Orange und Rot die Farbtrends für 2013. Nach dem Album „auch“ und weiteren 85 Konzerten, darunter 11 „Ärztivals“ machen die ärzte Pause, widmen sich ihren Soloprojekten, erlauben eine weitere Biographie (Das Buch Ä) und melden sich – von einem einzelnen Kurzauftritt auf dem Antinazifestival Rockt den Förster in Jamel abgesehen – erst 2019 mit einer Europa-Clubtour, Headliner-Shows bei Rock am Ring/Rock im Park sowie der Downloadsingle „Drei Mann – Zwei Songs“ wieder zurück.

2020er
Die die ärzte nehmen, von den Umständen gebeutelt, nur auf ihren Mobiltelefonen spontan „Ein Lied für Jetzt“ auf und verteilen es unter den Leuten. Und dann? Etliche Konzerte sind geplant. Im Sommer 2020 erscheint mit MORGENS PAUKEN die erste Vorab-Single aus HELL. Es ist das ungefähr 24. Album. die ärzte sind Bela B, Farin Urlaub, Rodrigo González.

Genre: Rock / Pop

Wir feiern! Die Zuckerwatte wird am Konzerttag veröffentlicht worden sein.

Genre: Pop / Singer-Songwriter

2019 war ein turbulentes Jahr für HUGO HELMIG – sowohl musikalisch, als auch privat. Nach dem erfolgreichen Release seines Debütalbums „Juvenile“ stürzte der dänische Künstler in eine tiefe Krise, in der er sich selbst eine Pause von all dem Trubel verordnete und Hilfe suchte. Pünktlich zu seinem Comeback 2020 bekommt er eine weitere helfende Hand gereicht – von niemand geringerem als Dänemarks größtem Pop-Künstler Lukas Graham. Mit der gemeinsam geschriebenen Single „Sooner or Later“ kehrt HUGO HELMIG zu seiner gitarrengetriebenen Popmusik zurück – selbstbewusster, ausgeglichener und motivierter als je zuvor. Seine Anfang 2020 veröffentlichte EP „LULU Vol.1“ dokumentiert seine Ängste, Zweifel und offenen Fragen in der schwierigsten Zeit seines Lebens. Benannt nach dem Kosenamen, den seine Mutter ihm als Kind gab, ist es die persönlichste und gleichzeitig dunkelste Veröffentlichung seiner Künstlerkarriere.

Mit dem Release seiner ersten Single „Please Don’t Lie“ hat HUGO HELMIG die Musikszene komplett auf den Kopf gestellt: Nicht nur, dass der energetische Popsong in seinem Heimatland der meistgespielte Song des Jahres 2017 war, auch brachte er ihm zwei Gaffa Awards ein. Die Reaktionen in Deutschland waren ähnlich: Sowohl seine Debütsingle, als auch seine Single „Wild“ kletterten bis auf Platz 3 der offiziellen Airplay-Charts. Zwei Jahre nach seiner letzten Liveshow in Deutschland wird er 2021 mit neuer Musik auf Tour gehen.