Skalitzer Straße 85-86, Berlin Kreuzberg
Genre: Indie Pop
Viele Jahre macht Simon Lewis Straßenmusik und spielt an Ubahnausgängen, um seinen selbst geschriebenen Songs Gehör zu verschaffen.
Anfang 2017 durchlebt Simon Lewis eine Trennung, und setzt alles auf eine Karte, kündigt seinen Job in einem Callcenter und zieht sich in das alte Haus seiner verstorbenen Großmutter in die Berge nach Kufstein zurück, um die Songs für sein Debutalbum zu schreiben. Dass das die richtige Entscheidung war, zeigt sich kurz darauf, als Ö3 seinen Song „All I Am“ auf Rotation nimmt. Es geht darum, zu sich selbst zu stehen und seine Träume zu leben. Damit trifft er den Nerv von sehr vielen Menschen. „All I Am“ läuft in ganz Europa über 5000 Mal im Radio. Auch mit seinem Trennungslied „Hey Jessy“ landet Simon Lewis in den großen Radiostationen. Er wird sogar als bester Songwriter für den Amadeus Award nominiert, etwas, von dem Simon Lewis sich ein Jahr zuvor nicht mal zu träumen gewagt hatte.
Nun ist das Debutalbum „Pilot“ fertig aufgenommen und erscheint am 21.9.2018. Das Label Karmarama hat ihn mit offenen Armen aufgenommen. Das Album wird großartig aktuell und zeitlos, am besten zu beschreiben als eine Mischung aus „The Calling“, „Lifehouse“ und „James Morrison“, gemischt mit Folkeinflüssen, manchmal kommen auch „Mumford & Sons“ durch. Und dann diese verrauchte Stimme von Simon Lewis, die einen alles vergessen lässt, die einen in seinen Bann zieht und nicht wieder los lässt.. Am 11.12. präsentiert er mit seiner Band sein Debutalbum im WUK. Danach geht es auf Tour durch Österreich und Deutschland.
Genre: Indie-Pop
Popfans aufgewacht – hier kommt MAX FROST! Geradewegs aus Texas, best gelaunt und mit frisch gepresstem Debüt-Album namens GOLD RUSH (VÖ: 05.10.2018). Die vitalen und positiven Tracks des 25jährigen Sängers bieten Freunden gut gelaunter Radio-Grooves den perfekten Start in den Tag. Um mit solcher Musik erfolgreich zu sein, muss man als Songwriter früh aufstehen.
Zunächst spielte sich MAX FROST als Drummer und Gitarrist durch nahezu alle Amateurbands des Staates Texas und wurde von vielen lokalen Stilen beeinflusst. So finden sich Blues-, Jazz- oder Hip-Hop-Anleihen in seinem vielschichtigen Pop-Sound. Dank seiner Umtriebigkeit reifte der talentierte Musiker zu einem bühnenerprobten Multiinstrumentalisten, der auch ohne Band im Stande ist, abendfüllende Konzerte zu geben. Das kommt an: Bald tourte MAX FROST mit Größen wie Gary Clark Jr. oder Fitz and The Tantrums – und gewann deren Frontman, Michael Fitz, für sich.
Das Mastermind hinter Hits wie „Moneygrabber“ oder „Handclap“ produzierte MAX FROSTs Debüt und wurde zu seinem „Songwriting Fitness Coach“. So gelang es, die ansteckende Energie des Sängers in einem Electro-Soul-Album mit Guter Laune- und Mitsing-Garantie zu bündeln.
Erfrischend, dachten sich PEPSIs Marketing-Strategen und pickten den ausgekoppelten Weckruf „Good Morning“ zum Einführungssong ihres neuen Sparkling-Drinks. Den gibt’s noch nicht in Deutschland, aber MAX FROST kommt: Ausgeschlafen, sprudelnd und bereit, auch auf unseren Bühnen durchzustarten.
VVAVES was raised in Halifax, Canada surrounded by music, exposed through dance lessons and a highly musical family. She started writing music at the age of 10, and taught herself to play instruments to write her own songs and make YouTube cover videos.
VVAVES blends her singer/songwriter roots with current pop productions, creating a melodic, catchy and danceable sound. She moved to Europe and started writing for and with other artists. In 2018 she signed to Universal Music.
The single “Alive” was premiered on stage as part of Felix Jaehn’s “iLive Tour” where VVAVES joined as a special guest.
Genre: Indie, Folk, Pop
*** english version below ***
… sind ein Duo moderner Storytelling-Nomaden. Ihr Debütalbum „Before It Gets Dark“ wird am 25. Januar 2019 bei AdP Records erscheinen. Wolf & Moon’s Musik lebt von der Dichotomie ihrer Stimmen und vereint verträumten Indie-Folk mit elektronischen Elementen.
Um “Before It Gets Dark” aufzunehmen haben Wolf & Moon ihr komplettes Leben in ein Auto gepackt und einen langen Sommer in Schweden verbracht. In Stockholm trafen sie auf den Multi-Platin dotierten, Grammy-nominierten Produzenten John Andersson, der sofort zum Freund wurde und schließlich auch das Album produzierte.
An diesem speziellen Album-Release-Abend werden sie zum ersten Mal mit einer kompletten Band auftreten. Macht euch also bereit für einen unvergesslichen Abend!
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… is a duo of modern-day storytelling nomads about to release their debut album ‘Before It Gets Dark’ (out 25th Jan 2019). Wolf & Moon’s music lives through the dichotomy of their voices and marries dreamy indie folk with electronic elements.
The album was recorded when they packed their whole lives into one car and went off for a long Swedish Summer. In Stockholm they met multi-platinum Grammy nominee, John Andersson, who became an instant friend and the producer of the album.
On this special album release night they will perform in a full band setting, for the first time. Get ready for an unforgettable performance!
*** english version below ***
… ist das Solo-Synth-Pop-Projekt der australischen Musikerin und Produzentin Alexia Peniguel. Wenn St. Vincent, Laurie Anderson und Christine and the Queens in einer Tiefseegrotte mit einer Drum-Machine, einem Mellotron-Orchester und einem synthetischen Saxophon-Quartett zusammenkämen, könnte das Ergebnis ähnlich klingen: durchdringend, zart und raubtierartig.
ALEX ST JOAN freut sich die Veröffentlichung ihrer zweiten Single „Unbroken Thread“ von ihrer bevorstehenden E.P. mit Wolf & Moon im Privatclub am 25. Februar zu feiern.
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… is the solo, synth-pop project from Australian musician and producer Alexia Peniguel. If St Vincent, Laurie Anderson and Christine & the Queens got together in an underwater cave with a drum machine, a mellotron orchestra and synthetic saxophone quartet, it might sound something like this: bold, tender and carnivorous.
ALEX ST JOAN’s is thrilled to be celebrating the release of her second single, “Unbroken Thread”, at Privatclub with Wolf & Moon on February 25.
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Dieses Projekt wird von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa aus Mitteln des Europäischen Fonds für regionale Entwicklung gefördert und von Ticketmaster unterstützt.
Genre: Indie
Odetta Hartmans neues Album „Old Rockhounds Never Die“ ist ein wundervolles Sammelsurium, dem man anmerkt, dass die New Yorkerin ihre universitäre Abschlussarbeit über den legendären Soundsammler Alan Lomax geschrieben hat. Hartman arbeitet genauso gern mit Field Recordings und trägt ihr Aufnahmegerät stets bei sich, wie sie die Klänge und Töne auf der Platte häufig aus dem Alltag fischt. Aus dem Rauschen des Wasserhahns wird die Snare Drum und eine Pfeffermühle benutzt sie ebenso selbstverständlich als Perkussionsinstrument wie Schlüssel, die entlang der Heizung klappern, und Pistolenschüsse. Entscheidend dabei ist, dass das niemals zum Jux oder Selbstzweck wird, sondern immer im Dienste der Musik steht. Das unterscheidet Hartman von anderen simplen Sample-Königen: Sie entwickelt eine neue Ton- oder Geräuschsprache und fügt sie nahtlos in ihre elektronisch verfremdete Klangwelt ein, die sie wahlweise als „Cowboy Soul“ oder „Future Folk“ bezeichnet. Sie spielt ihre Instrumente selbst, die quietschende Violine, das lustige Banjo, das klimperige Western-Piano, alles.
Keinesfalls darf dabei die Arbeit ihres Produzenten Jack Inslee unterschätzt werden, mit dem sie gemeinsam all die Töne zu einem zutiefst harmonischen und wunderbar einheitlichen Gebilde zusammengefügt hat – bis hin zum Ende, dem ruhigen Ausklingen im Vogelgezwitscher; wären da nur nicht die seltsam verfremdeten Intro und Outro, die fast wie eine Rahmenhandlung das Geschehen umschließen. Odetta Hartman – sehr passend übrigens benannt nach der Folk-Göttin und Stimme des Civil Rights Movements Odetta Holmes – singt, flüstert, krächzt, heult und schreit dazu über eine Vielfalt von Themen und über Beats, die sie selbst zusammengebastelt hat und dabei genauso Gespür für HipHop beweist wie für verquere Blues-Rhythmen. Ob das Folk für den Rest des 21. Jahrhunderts ist oder eine neue urbane Landlust-Musik, sollen andere entscheiden.
Ganz sicher aber ist das, was Odetta Hartman hier vorlegt, große Kunst, und man darf gespannt sein – in diesem Fall stimmt diese Floskel wirklich – wie sie ihre Musik im Februar live umsetzt.
Genre: Singer Songwriter
Angelo de Augustine besitzt eine lange und komplizierte Beziehung zum Songwriting. Schon seit jüngsten Jahren ist Musik für ihn generell verknüpft mit Trennung und Herzschmerz, und „Tomb“, sein nunmehr drittes Album – und zugleich das erste, das er in einem richtigen Studio aufnahm – rundet all diese Erlebnisse ab, bringt sie nicht nur zu einem Ende, sondern zu einem neuen Anfang. Der Titel (zu Deutsch: „Grab“) sei dabei eine metaphorische Anspielung auf all die unverarbeiteten traurigen Emotionen, die jeder von uns tief in seinem Herzen begräbt. Mit diesem Album, produziert von dem großartigen Klangschmied Thomas Bartlett (Sufjan Stevens, Glen Hansard, Ryhe), gelingt es dem Kalifornier de Augustine auf berührende Weise, seine bislang sehr spartanisch orchestrierten Songs in einen größeren musikalischen Kontext zu stellen. Angelo de Augustine wird die Songs von „Tomb“, das am 18. Januar erscheint, im Rahmen einer exklusiven Berlin-Show am 27. Februar 2019 erstmals live in Deutschland präsentieren.
Ursprünglich war Musik für Angelo de Augustine enorm negativ behaftet. Der Sohn eines Schlagzeugers und einer Sängerin musste nämlich im Alter von fünf Jahren miterleben, wie sein Vater die Familie verließ; hierfür machte er in einem größeren Zusammenhang stets die Musik verantwortlich, beziehungsweise die vielen Tourneen, die sein Vater spielte. Schon deshalb hatte er nicht nur kein Interesse, seinen Eltern beruflich nachzueifern, seine Aversion ging noch weiter: „Bis in meine späten Teenagerjahre konnte ich einfach keine Musik aus Genussgründen hören. Es ging schlicht nicht.“ Stattdessen war sein Plan eine Profikarriere als Fußballer, die anfangs auch sehr erfolgversprechend schien. Kurz bevor er den internationalen Profizirkus betrat, machte ihm eine schwere Verletzung jedoch einen Strich durch seine Rechnung. An eine Fußball-Karriere war danach nicht mehr zu denken.
Stattdessen fand er plötzlich doch Halt in der Musik. Noch während er an seiner Verletzung laborierte, installierte er in seinem Badezimmer ein technisch höchst minimalisiertes Homestudio und begann, eigene Songs aufzunehmen. Schon sein erstes, sehr spartanisch gehaltenes Album „Spirals of Silence“ wies dabei eine hohe kompositorische Qualität auf, gepaart mit einer Stimme, die sich in ihrer emotionalen Brüchigkeit unmittelbar im Gehörgang festsetzt. Mit ähnlich minimalen Mitteln nahm er auch sein zweites Album „Swim Inside the Moon“ auf, mit dem er die Aufmerksamkeit von Sufjan Stevens auf sich zog, der sowohl das Album als auch Angelo de Augustine selber daraufhin für sein eigenes Label Asthmatic Kitty unter Vertrag nahm. Tourneen durch ganz Nordamerika folgten.
Am 20. Dezember 2017 kündigte sodann eine E-Mail in seinem Postfach die Trennung von seiner damaligen Freundin an. In den Gründen für die Trennung fand de Augustine erschreckend viele Parallelen zu jenen, die damals zur Trennung seiner Eltern geführt hatten. Vieles von damals kam hoch, lange übertünchte Emotionen suchten sich freie Bahn, und de Augustine verwandelte all diese ernüchternden Gedanken und Gefühle in neue Songs. Vier Tage später, am Weihnachtsabend, hatte er sämtliche Songs für das neue Album „Tomb“ geschrieben – eine selbsttherapeutische Arbeit von selten kreativer Dichte.
Im Frühjahr flog er sodann nach New York und nahm erstmals in einem richtigen Studio und geführt von Thomas Bartlett diese neuen Songs auf, die nun Mitte Januar als eines der intensivsten Herzschmerz-Alben erscheinen werden, die die Welt je gehört hat. Es ist gleichwohl ein leiser Herzschmerz, die Art universelles Gefühl, die sich im Laufe der Jahre aufstaut und nach einer Erlösung herbeisehnt. Trotzdem ist „Tomb“ kein klassisches Trennungsalbum geworden, es stellt für de Augustine vielmehr einen Neuanfang dar – sowohl emotional als auch in seiner Karriere.
Genre: Garage Rock, Punk
Mit ungeheurer Wucht und einer selten erlebbaren Spielfreude scheppert das New Yorker Duo Bass Drum Of Death durch eine Vielzahl an Genres zwischen Punk, Noise, Indie, Pop und Blues. Stets stehen dabei im Mittelpunkt zwei kontrastierende Aspekte: Zum einen die kraftvollen Melodien ihres Frontmanns John Barrett, zum anderen die angriffslustig krachende Musik aus Schlagzeug und Gitarre, die bewusst immer wie ein kleines bisschen übersteuert wirkt. Seit zehn Jahren treibt die Band ihr Unwesen im Underground und hat in dieser Zeit vier Alben veröffentlicht. Nach einer längeren Pause erschien am 27. Juli mit „Just Business“ ihr vierter Longplayer, der in den einschlägigen Gazetten erneut höchst gelobt wurde. Derzeit touren Bass Drum of Death durch die USA, bevor sie im Frühjahr nach Deutschland kommen: Zwischen dem 11. und 14. März spielt die Band drei Shows in Köln, Hamburg und Berlin.
Mal abgesehen davon, dass Bass Drum Of Death ein geradezu genialer Name für eine Noise- und Punk-Band ist, hat der Name auch durchaus einen faktischen Hintergrund: Denn die erste Inkarnation dieser Formation war eine Ein-Mann-Band, bei der der Sänger und Gitarrist John Barrett zu seinen wütenden Punk-Kompositionen mit aller Kraft mit dem rechten Fuß eine Bass Drum bediente. In diesem „Line-Up“ nahm Barrett auch die ersten beiden Alben vollkommen allein auf: „GB City“ erschien 2011, „Bass Drum Of Death“ zwei Jahre später. Mit diesen Alben legte Barrett den Grundstein für ein treues Gefolge in den ganzen USA, mehrfach tourte er allein quer durch die Staaten. Als es ihm irgendwann zu anstrengend wurde, parallel Gitarre, Gesang und Schlagzeug zu bedienen, rekrutierte er mit Len Clark einen festen Schlagzeuger; seither ist die Bass Drum Of Death ein Duo.
In dieser Formation nahmen sie auch das dritte Album „Rip This“ auf, das 2014 erschien, weitere Tourneen folgten. Aufgrund des stets enorm hohen Energie-Haushaltes ihrer Konzerte verspürten beide Musiker nach den langen Tourneen zum dritten Album eine derart starke Erschöpfung, dass sie das Projekt für mehr fast zwei Jahre komplett auf Eis legten. Erst 2017 kamen Barrett und Clark wieder zusammen und gingen das aktuelle Album „Just Business“ an. Die Auszeit hat ihnen spürbar gutgetan: Die Platte ist ihre bei weitem Stärkste bislang, sie zerplatzt geradezu vor lauter Spielfreude, Druck und Punk-Noise, stets aber gepaart mit guten Pop-Hooks. Um der Brachialität dieser Platte gerecht zu werden, gehen Bass Drum Of Death nun generell als Trio auf Tournee, verstärkt um den zusätzlichen Gitarristen Josh Hunter. Die namensgebende Basstrommel des Todes steht dabei aber nach wie vor schön im Mittelpunkt ihres Punk gewordenen Wahnsinns.
Genre: Alternative Rock
Die Alternative Rock-Band aus dem schwedischen Örebro kommt für vier Headline Shows nach Deutschland, um ihr brandneues Album „White Flag“ erstmals live vor Publikum zu präsentieren.
Gegründet werden Normandie im September 2013 von den Sängern Philip Strand und Johan Lindström, den beiden Gitarristen Joel Felix und Håkan Almbladh, sowie Bassist Stefan Timmerholm und Schlagzeuger Jesper Malmberg in der schwedischen Stadt Örebro. Bereits wenige Tage nach der Bandgründung erscheint am 11. September eine selbstbenannte EP mit vier Titeln. Dann verlassen Johan Lindström und Joel Felix die Gruppe, diese macht als Quartett weiter. Im Februar 2016 veröffentlicht die Band ihr Debüt-Album „Inguz“ selbst, das nach ihrem Signing beim US-Indielabel InVogue Records nur einen Monat später erfolgreich neu aufgelegt wird. Platz 20 in den Billboard-Chart in der Rubrik ‚Alternative New Artist‘ und Platz 60 der Top New Artists‘ stehen zu Buche.
Im Oktober 2018 erschien dann ihr aktuelles Album „White Flag“. Allein in der ersten Woche erreichte das Album mehr als 2 Millionen Streams auf Spotify. Nun holen wir die schwedische Rock-Band für vier Shows nach Deutschland.
Genre: Indie, Folk, Pop
The Strumbellas haben einen Plan. Das Sextett mag ja vor zwei Jahren mit „Spirits“ einen Welthit gelandet haben und mit der zugehörigen Platte „Hope“ ihrer Musik und dem Folkrock eine neue Richtung gegeben haben. Für die jüngste Single „Salvation“ geht es aber wieder an die Anfänge ihrer Karriere zurück. Dabei werden Ideen verarbeitet, die schon 2009 bei den Arbeiten an ihrer Debüt-EP entstanden sind. Musik machen sei wie ein Puzzle, sagt Sänger, Gitarrist und Songwriter Simon Ward; man finde immer wieder T eile, die zusammenpassen. Ein kleiner Tempowechsel, eine Modifikation in der Melodie, und schon zündet es. So war es auch im Falle des neuen Songs. Nachdem jedes Mitglied seine Gedanken geteilt und seinen Beitrag geleistet hat, wurde aus den alten Ideen ein neuer Sound. Waren The Strumbellas bislang eher für ihre dunklen Sounds und Themen bekannt, ist „Salvation“ eine geradezu fröhliche Hymne, hoffnungsvoll und positiv. Das steht den Kanadiern durchaus gut zu Gesicht und ist das, was sich die Band schon lange vorstellt: „Unser Traum war es immer, coole, kanadische Kleinstadt-Musik zu machen, mit viel Spaß und einem poppigen Gefühl“, sagt Ward, „mit jeder Platte kommen wir diesem Ziel näher.“ Wie gesagt: The Strumbellas haben einen Plan. Dabei darf man sich sicher sein, dass sie sich auf ihrem neuen Album, an dem sie gerade arbeiten, nicht gar zu weit von ihren Ursprüngen entfernen werden, schließlich war dieser Wechsel zwischen dem melancholischen Herzschmerz mit ehrlichen Texten und dem gut gelaunten Alternative Folkrock schon immer ihr Markenzeichen. Im März kommen The Strumbellas dann mit ihren neuen Songs zurück auf unsere Bühnen.
Genre: R'n'B, Soul
If life was at all fair Ural Thomas would be a household name, his music slotted into countless sweet, seductive mixtapes between James Brown, Otis Redding, and Stevie Wonder (all of whom Thomas has performed with.) Straddling the line between hot soul shouter and velvety-smooth crooner, Thomas released a few singles in the late 60’s and early 70’s; most notably “Can You Dig It”, which featured backing vocals from soul luminaries Merry Clayton, Mary Wells and Brenda Holloway. Thomas played over forty shows at the legendary Apollo Theater before turning his back on an unkind business and heading home to Portland, OR.
It goes without saying that a man practically built out of rhythm would never stop playing music. Thomas began hosting a regular Sunday night jam session at his home that ran for nearly twenty years. A de facto mentor to many of the younger players, Thomas reminds us all that “If you care about what you’re doing, you need to build those muscles and do the work. Don’t get discouraged, do it for love. Even if you’re digging ditches, do it with passion.”
In 2014, local soul DJ Scott Magee sat in on drums. The two became fast friends and at Magee’s urging Thomas decided to give his musical career another shot. Magee became the musical director, they put together a band, and in 2016 released a self-titled album on Mississippi Records.
In 2017 Thomas signed with Tender Loving Empire and began work on what, in many respects, will be his debut full length. Diving deep into lifetime of melodic creativity, Thomas and his band got to work. Recorded in Magee’s studio Arthur’s Attic, The Right Time features the air-tight work of Magee on drums, percussion, and backing vocals, Bruce Withycombe (The Decemberists) on baritone sax, Portland jazz scene fixture Brent Martens on guitars and vibraphone, Arcellus Sykes on bass, Steve Aman (Lady Rizo) on piano and organ, Dave Monnie on trumpet, Willie Matheis (Cherry Poppin’ Daddies) on tenor sax, and Jasine Rimmel, Joy Pearson, Sarah King, Rebecca Marie Miller on backing vocals. The Arco Quartet performed the strings, and the record was engineered and mixed by Jeff Stuart Saltzman (Blitzen Trapper) and mastered by JJ Golden (Sharon Jones, Ty Segall).
One might think after a sizeable taste of early success Thomas would be more than a touch bitter – yet the opposite is true. “We have to be positive if we want the world to get better” Thomas advises. “We’ve come a long way, but if you carry a grudge with the whole world you’ll stop your growth. We’re a family, all just brothers and sisters, descendants of Adam. You can’t get anywhere without an open heart.”
A developing artist at nearly eighty years old, for Thomas music has always been about bringing people together. “If we play for twenty people we cook it like it’s twenty thousand” says Thomas. “If we make someone smile we’re satisfied. They’re ain’t no difference between us. It’s all love and brotherhood. If folks listen to my record and feel that I’ll feel very blessed.”
Standing in bold defiance of the idea that aging is a reason to slow down and stop living, for Thomas the right time to get down is the next time someone plugs in a guitar or puts on a record. Ural is ready – are you?
Genre: Deutschrock, Indie-Rock
Kapelle Petra ist zurück. Und zwar nackt. Und zum Glück für alle Beteiligten nicht im naheliegenden körperlichen Sinne. Viel mehr hat sich die Kapelle musikalisch und inhaltlich etwas freier gemacht. Auf das Wesentliche beschränkt: Drei Musiker in einem Raum spielen live zusammen ein. Ohne viel Schnickschnack. Das ergibt ein Soundbild, das nun viel mehr dem ähnelt, was bei Kapelle Petra schon seit Jahren auf der Bühne passiert. Eine druckvolle, bestens aufeinander eingespielte Band, die jeden Konzertbesucher vom Feinsten unterhält. Denn neben ihrer musikalischen Versiertheit (die man nach 21 Jahren Bandgeschichte nun auch wirklich zurecht erwarten darf) und textlicher Raffinesse, darf vor allem eines nicht zu kurz kommen: Die Unterhaltung. Und die bekommt man von Ficken Schmidt, Opa und Siepe serviert. Mit dem ganz großen Löffel – und zwar erst recht in 2019.
Genre: Hip Hop, Rap
Multiinstrumentalist, Produzent, Sänger. Der im Jahr 1997 geborene Nugat ist all das und noch viel mehr: ein eigenständiger Künstler mit einer Vision, viel Talent und noch mehr Ehrgeiz. Seine Musik: Ein Spiegel seines zerrissenen Innenlebens, musikalisch wie inhaltlich.
Kein Künstler mag die Betitelung als Wunderkind. Wer ist schon gern ein »Wunder«? Bedeutet das nicht auch gleichzeitig man sei früh vollendet, also bereits so gut, dass man nichts mehr zu verändern braucht, beziehungsweise soll? Nugat ist genau das passiert, vor gut vier Jahren, als er noch in seinem Jugendzimmer in einer Kleinstadt lebte und wegen seiner ersten veröffentlichten Songs von der Musikpresse (JUICE, Noisey u.v.m.) mit Vorschusslorbeeren überschüttet wurde. Der Grund: seine EP »Beats x Beer x Green«; eine Samplelastige Arbeit im Sinne deutschsprachiger BeatKoriphäen wie Dexter oder Brenk.
Aus dem schmalen Korridor, den Nugat am Anfang seiner musikalischen Laufbahn bespielte, ist mittlerweile gewissermaßen ein großzügig geschnittenes Apartment geworden, in dem eine Mischung aus kontemporären Rap & R’n’B musikalisch wie lyrisch den offensichtlichsten Platz einnimmt, allerdings neben vielfältigen Pop& RockEinflüssen. Die Wichtigste Veränderung: Seine Musik ist mittlerweile deutlich Vocallastiger. Die Gesangsstimme? Nugat selbst. »Der Gesang war tatsächlich immer meine große Leidenschaft, schon als Jugendlicher«.
Das Schlüsselerlebnis, das in Nugat das Bedürfnis auslöste, Lyrics zu schreiben und selbst einzusingen war ein Düsteres: 2016 wurde er wegen Depressionen und einer Persönlichkeitsstörung ins Krankenhaus eingeliefert. Noch während Nugat darum kämpfte eine eigentlich unkontrollierbare Krankheit unter Kontrolle zu bringen, entstand auf Station 8 mittels Laptop, Mic & MidiKeyboard die EP »Ward 8«, auf der er Einsamkeit, Persönlichkeitsstörungen, irrationale Ausraster und Identitätskrisen lyrisch und musikalisch verarbeitete. Seine Stimme hatte Nugat auf Englisch gefunden, weil die Fremdsprache es ihm ermöglichte tonnenschwere, persönliche Themen auf eine wie er findet gelassenere, weichere Art und Weise auszudrücken.
»Wer bin ich?« Das ist seitdem die zentrale Frage, die Nugat versucht mit seiner Musik zu beantworten. Und obwohl diese Musik oft von Realitätsverlust und Angstzuständen erzählt, vergisst sie aufgrund ihrer Schönheit und Energie zu keiner Zeit: da ist Hoffnung. Und das ist es vermutlich letztlich, was den NugatSound so greifbar, identifikationsstiftend und fühlbar für seine Hörererinnen und Hörer macht: Er entsteht aus der Dunkelheit heraus, in der nur ein Funken Licht glimmt, nimmt diesen und macht aus ihm ein Feuerwerk.
Und nun: Wir spulen vor. Es ist der Rekordsommer 2018, Nugat hat ihn beinahe komplett im Studio verbracht und ein paar Dutzend Songs recordet, die er nun – nach und nach – der Öffentlichkeit präsentiert. Den Anfang macht er mit dem Track für Track veröffentlichten »Intelligence«Projekt, dessen komplette Bandbreite seine Hörer erst dann verstehen werden, wenn im November 2018 der letzte Baustein auf das Fundament gesetzt wurde. Es ist – nach dem Mixtape »Antisocial« – der zweite Teil einer Trilogie, die Anfang 2019 mit der »The Intelligence of an Anti Social«EP vollendet sein wird.
Genre: Soul | Funk | Indie
Stone Foundation have raised the bar higher once again with their stunning new studio album Everybody, Anyone released on August 24 th .
Everybody, Anyone features 11 new songs and as before, there’s a sprinkling of guest musicians who feature on the album including Kathryn Williams, Dr Robert, Mick Talbot, Steve White, The Average White Band’s Hamish Stuart. And unable to stay away, Paul Weller (who produced and featured on the last album) sneaks back in with a bit of piano, guitar and BVs on a couple of tracks.
The Midlands based band’s 5th studio album was recorded at Paul Weller’s Black Barn Studios in Surrey and produced by Stone Foundation founding members Neil Jones and Neil Sheasby and engineered by Charles Rees.
The band, buoyed & encouraged by the reception to their last album Street Rituals (chart position: 25), have taken a slightly different direction and hit upon a creative formula that clearly works. After a long period of extensive touring, which included headline shows at Shepherds Bush Empire and a storming set at Glastonbury, the band were so stoked that they went straight back to the studio to start work on Everybody Anyone while the creative juices were still flowing.
Everybody, Anyone sees a harder, heavier funk vibe than it’s predecessor but with the great grooves comes great songs. Talking about the album, bassist Neil Sheasby says: “In recent years I’ve heard a lot of records with great grooves but there’s no song, the message & melodies were still key to the records creation. To me it sounds like a very cohesive collection of tunes, a body of work that hangs well as a complete album. The next natural step for Stone Foundation”
Singer and guitarist Neil Jones adds “We wanted to make tunes that would unite people no matter what their background or beliefs may be and also for the first time in a while explore topics closer to home that effect us all, such as family, loss and finding comfort in some of the darker times we all face. It was important we changed the sound and made it harder and heavier and ultimately funkier and to me these 11 tracks sound like 8 musicians maturing and developing as players (with a little help from some good friends)”
Genre: Singer-Songwriter
Als einzige Sängerin aus Malaysia, die es weltweit zu Starruhm gebracht hat, ist es YUNA gewöhnt, Erwartungen zu übertreffen. Die junge Sängerin und Songschreiberin wird zwar oft mit Norah Jones, Feist, Ellie Goulding und Adele verglichen, hat mit ihrer Musik aber längst eine eigene Spur gefunden. Das zeigte sich schon 2012, als sie ihr erstes internationales Album “YUNA” herausbrachte, das den von Pharrell Williams produzierten Hit “Live Your Life” enthielt. Mit dem zweiten Album “Nocturnal” folgte der nächste Hit “Falling”, den sie gemeinsam mit dem Produzenten Robin Hannibal (Rhye, Kendrick Lamar, Cee Lo Green, Chairlift) schrieb. Mit ihrem jüngsten Album “Chapters” ließ sie ihre Einflüsse Folk, Jazz und Pop hinter sich und prägte einen eigenen Stil. Hip-Hop und R’n’B der 90er vereinen sich auf dem Album ebenso wie DJ Premier, Usher oder die Neo-Soul-Sängerin Jhené Aiko. Produziert wurde vom Grammy nominierten Duo Fisticuffs und einer Legende der Zunft, David Foster (Whitney Houston, Michael Jackson, Madonna, Beyoncé). Die Zusammenarbeit mit diesem Kreativ-Team zählt zu den Erfolgen ihres langen Weges, der sie von Malaysia in die USA und dort in die Top-Liga der Studio-Szene führte.
YUNA begann ihre Karriere als Sängerin mit 14 Jahren auf den Bühnen der Jazzcafés und Kaffeehäusern von Kuala Lumpur. Sie war noch ein Teenager, als sie mithilfe von sozialen Medien zu einem nationalen Superstar aufstieg. Übergesiedelt nach L.A. erregte sie mit ihren Alben und einer Coverversion des Beatles-Songs “Here Comes The Sun” u.a. Oliver Stones Aufmerksamkeit, der den Song in seinem Film “Savages” einsetzte. Während sich ihre Musik über H&M-Werbekampagnen verbreitet, bereitet YUNA emsig ein neues Album vor. Die Arbeiten daran verzögern ihre für diesen Herbst angesetzte Release-Tour. Der für November geplante Termin in Berlin verschiebt sich daher auf den 1. April 2019. Die Tickets für die ursprünglich auf den 20.11.2018 terminierte Show im Berliner LIDO behalten keine Gültigkeit und müssen zurückgegeben werden. Tickets für die in den Privatclub verschobene Show im April gibt es an unten genannten VVK-Stellen.
Genre: Indie-Pop
Lazy Day nahm seinen Ursprung 2014 als Schlafzimmer-Solo-Projekt von Tilly Scantlebury. Die Britin nahm ihre Songs mit Hilfe von Garageband auf, veröffentlichte sie auf ihren Online-Kanälen und wurde instantan von Blogs und Musik-Websites entdeckt. Die Nachrichten über diese ungewöhnliche Künstlerin verbreiteten sich so rasch, dass sie ziemlich schnell ihre inzwischen vierköpfige Band zusammenstellen musste. Die Debüt-EP „Ribbons“ erschien 2017 und beruht mit ihren vier Songs und den drei titelgebenden und Genre-fremden kurzen Interludes ebenfalls auf einem ungewöhnlichen Konzept. Wobei die Frage nach dem Genre sowieso nicht ganz einfach zu beantworten ist. Dieser verschattete Garagenrock speist sich aus impressionistischen Soundsplittern ebenso wie aus gradem Rock, aus nervösem Schlagzeug und aus Scantleburys verhangenem Gesang. Das Fachblatt Noisey zog den Songwriter Elliott Smith als Referenz heran, aber auch die halligen Shoegazer von Slowdive und den sensiblen Pop von Kate Bush. All das sorgt zusammen für ein kleines und immer wieder überraschendes Indie-Rock-Klangwunder. Nach der EP folgten eine erste Headline- Tour, etliche ausverkaufte Shows in ganz UK und in diesem Jahr, neben weiteren Auftritten, die Arbeit an einer zweiten EP, die Anfang 2019 erscheinen soll. Im April kommen Lazy Day dann erstmals für eine Tour nach Deutschland.
Nachholtermin vom 26.09.2018. Bereits erworbene Tickets behalten ihre Gültigkeit.
Genre: Singer-Songwriter
Der 26-jährige Sänger, Pianist und Komponist Billy Lockett blickt bereits auf einen weit verzweigten künstlerischen Weg: Seit 2013 veröffentlicht er seine Songs online und hat seither zwei radikale stilistische Wendungen vorgenommen, die sich auch in jeweiligen Umzügen ausdrückten. Nach einigen Jahren in London ist er 2015 in seine Heimat Northampton zurückgekehrt und hat seine Musik noch einmal komplett neu gedacht – wie sich nun auch auf seiner ersten offiziell über Warner veröffentlichten EP „Burn It Down“ zeigt, die direkt auf Platz 8 der britischen iTunes-Album-Charts schoss und bislang über 6 Millionen Mal gestreamt wurde. Mit „Empty House“ erschien im Frühjahr die erste Single seines kommenden, derzeit noch unbetitelten Debütalbums, das in diesem Jahr erscheinen soll. Am 26. September kommt Billy Lockett für ein exklusives Konzert nach Berlin.
Billy Lockett war Anfang 20, als er begann, in seinem Schlafzimmer-Studio erste Songs zu produzieren, die er anschließend online stellte. Erst trug sich die Kunde seiner gefühlvollen Musik, die ebenso an Bon Iver erinnert wie an die versponnenen Arrangements von Radiohead, durch die Region Northamptons – und von dort weiter nach London. Nach diesen ersten Songs entschied er deshalb, nach London zu ziehen, um dort sein Glück als Profimusiker zu suchen.
Es entstanden weitere Songs, oft getragen von seinem gefühlvollen Pianospiel und seiner markanten Stimme, meist allerdings im Anschluss angereichert durch zahlreiche Schichten an zusätzlichen Instrumenten und Klangschnipseln. Ein tragischer Einschnitt in sein Leben veränderte alles: Als 2014 sein Vater, der renommierte Maler und bildende Künstler John Luce Lockett, verstarb, stellte der Sohn seine eigene Kunst auf den Prüfstein. „Ich fragte mich, warum ich diese Songs, die ich geschrieben hatte, so gestaltete, wie ich es bis dahin getan hatte“, erzählt er. „Und fand die Antwort darin, dass ich damit letztlich nur eines wollte: berühmt werden. Als mir das klar wurde, habe ich London sofort wieder verlassen und bin zurück in meine Heimat gezogen.“
Zwei Jahre ging Billy Lockett in eine Art innere Klausur und überprüfte seine Kunst auf ihre Aufrichtigkeit. Jeder Ton, der nicht seiner tiefsten Empfindung entsprach, wurde gelöscht, zum Vorschein kam ausschließlich die reinste Authentizität – die sich, wie seine neuen Songs beweisen, nun in einer beachtlichen Reduktion auf das Wesentliche äußert. „Meine Musik ist nichts für Partys, sie ist gedacht für intime Momente der Innenbetrachtung, etwa bei langen nächtlichen Autofahrten.“
Mit diesem neuesinger sonn, reduzierten Sound wuchs die Beachtung für ihn immens. Die erste EP in diesem neuen Klang, seine offizielle Debüt-EP „Burn It Down“, geriet entsprechend zu einem vielbeachteten Stück Musik auf allen Musikdiensten und wurde viele Millionen Mal gestreamt. Bei Support-Shows für Lana del Rey, Birdy, Leon Bridges und andere Künstler bewies der junge Komponist, dass sich seine Songs in der Live-Situation wieder ganz anders darstellen. „Ich mag den Gedanken sehr, dass ein Künstler live ganz anders klingt als im Studio“, sagt er. „Erst dadurch wird ein Song für mich zu einem echten Kunstwerk.“ Live sind Billy Locketts Songs Ende September dann auch in Deutschland zu erleben.
Genre: Dance, Electro, Pop, Rock
Es ist ziemlich kalt. Nebel liegt über dem kleinen Idyllischen Dorf im Frankenland. Auf einem der Bauernhöfe begrüßt ein Hahn lautstark den Morgen. Warmes Licht fällt aus den Fenstern und vermischt sich mit den zaghaften Sonnenstrahlen, die sich durch den winterlichen Nebel kämpfen. Motorengeräusche durchbrechen plötzlich das ländliche Idyll. Der schwarze Transporter am Straßenrand erwacht zum Leben. Die Scheinwerfer wie Augen in die Ferne gerichtet. Hin zu den Städten, zu den Metropolen. Es ist soweit. Good Weather Forecast geht auf Clubtour.
Mit im Gepäck die Songs von ihrem neuesten Album Superhumans (Starwatch Entertainment). Songs die so gar nicht nach fränkischer Beschaulichkeit klingen. Viel eher nach den Metropolen dieser Welt. Da ist die Single “Superhumans” so groß und schillernd wie New York. Songs wie “House Of Cards” und “Even If”, die mit ihrem urbanen Sound eher an die schmutzigen Straßen Berlins erinnern. “Dancing with Dragons” ist ein verrauchter Pub in London und “Steal Your Time” das pulsierende Leben in LA.
Jeder Song eine andere Welt. So vielfältig wie das Leben selbst. Man darf sich auf die Live Umsetzung dieser Platte freuen. Zumal die Jungs von Good Weather Forecast auf eine beeindruckende Live Erfahrung mit über 500 Konzerten auf drei Kontinenten zurückgreifen können. So viel ist sicher. Es ist wird ein vielschichtiger Abend. Voller Energie, voller Leben. Großer Momente und intimen Tönen. – Die Good Weather Forecast „Superhumans“ – Club Tour 2019.
Genre: Hip Hop / Rap
Verschnaufpause? Für den Augsburger Rapper ERRDEKA ein Fremdwort. Stattdessen veröffentlichte er mit »Liebe« gleich das zweite Album in einem Jahr – und legte am 05.10.2018 nach tiefgründiger Sinnsuche und experimentellem Soundbild auf »Solo« eine straighte HipHop-Platte mit entspanntem Vibe vor. Produziert wurden die 15 Tracks auf »Liebe« komplett von dem Augsburger DVNNY DRVMV, der als Daniel Bortz mit seinen DJ-Sets und über Label-Institutionen wie trndmusik, Suol und Pastamusik veröffentlichten Tech-House-Edits und Tracks von Ibiza bis Chicago für Aufsehen sorgt.
Im April geht ERRDEKA auf kleine Le Tour de L’Amour-Tour durch sechs Städte!
Genre: Singer/Songwriter
Frankfurt, 24. Oktober 2018 – Nachdem der Release der ersten gemeinsamen Veröffentlichung der Frankfurter Musiker Aren Emirze und Chima Onyele feststeht, hat sich auch der Tourkalender der Beiden für 2019 ordentlich gefüllt. Die EP „Von nun an glücklich“ kommt am 15. Februar 2019 via Soulfood in den Handel und ab dem 2. April 2019 stellen Aren & Chima diese in elf Städten in Deutschland. Die ursprünglich für November angedachten Termine in Frankfurt und Mannheim finden nun ebenfalls im April 2019 statt. (Alle Termine weiter unten)
Aren, gebürtiger Armenier, und Chima, gebürtiger Nigerianer, sind beide mit starken kulturellen Einflüssen ihrer Herkunft in Frankfurt aufgewachsen. Der Umgang mit einschränkenden Lebensräumen, schlechten Kompromissen, Vorurteilen, Identitätsfindung und der Sehnsucht nach einer völlig überladenen, nie wirklich ausformulierten Idee von Heimat sind Parallelen, die sich in den Lebensgeschichten der beiden Musiker wiederfinden.
Das thematische Fundament für die fruchtbare Zusammenarbeit bildet jedoch eine andere und weitere Gemeinsamkeit von Aren und Chima: die Auseinandersetzung mit Paar-Beziehungen, ihre ganz persönliche Schwierigkeit; diese zu halten, sie auszuformulieren, durch sie schonungslos ehrlich gespiegelt zu werden, bis hin zu belastenden Trennungen von denen am Ende auch unschuldige Dritte betroffen sind.
„Von nun an glücklich“ umarmt die Krisen des Lebens liebevoll und akzeptiert am Ende, dass sie eben zu einer gesunden Biographie dazugehören. „Glücklich-sein“ ist, nach Auffassung von Aren und Chima, kein Geschenk sondern vor allem eine Entscheidung, die jeder für sich selbst treffen kann. Im November 2017 gaben die Musiker in Berlin und Frankfurt ihr Live-Debüt und stellten die ersten Songs aus ihrer Debüt-EP vor.
Die dominierenden Dynamiken der Songs sind Emotionen wie Leidenschaft, Eifersucht, Zweifel und Schuldgefühle aufgrund von Untreue. Spannend ist dabei die Erkenntnis der beiden (Männer), dass sich ihre Vernunft kaum gegen diese überwältigenden Gefühle durchsetzen kann und eigene Verlustängste längst notwendige Entscheidungen auf unbestimmte Zeit hinauszögern.
Genre: Deutschpop
MORITZ GARTH ist einer der erfolgreichsten deutschen Social Media Stars mit über 480.000 Abonnenten auf Youtube und 358.000 Followern auf Instagram. Als „einer der ganz großen Durchstarter der YouTube-Musikszene“ (WAZ), hat er nicht zuletzt mit seiner Single „Bumerang“ eindrucksvoll bewiesen, dass er auch über die Plattform hinaus mit seiner Musik begeistert – und wurde dafür bereits in 2018 mit dem ABOUT YOU Award und der Goldenen Kamera digital ausgezeichnet.
Mit fünf Singles auf dem Markt ist MORITZ Teil der neuen Generation deutscher Singer-Songwriter und kann mit erfolgreichen Künstlern wie Wincent Weiss und Max Giesinger allemal mithalten. Seine elektrisierenden und emotional aufgeladenen Popsongs schreibt der 23-Jährige selbst und in Zusammenarbeit mit anderen Songwritern wie Philipp Klemz (Glasperlenspiel, „Geiles Leben“), Mathias Ramson (Ben Zucker) oder auch Lukas Loules. Während seiner 1Live „Wahnsinns-Tour“ oder auf seinen Shows im Rahmen der Glow Convention, der VideoDays oder der Stylorama, konnte er bereits sein Talent auf der Bühne beweisen. Ab Oktober 2018 wird er Singer-Songwriterin LEA als Special Guest unterstützen und sich auf seine eigene große Headliner-Tour im April 2019 vorbereiten.
Genre: Indie Folk
Die fragilen, kleinen Songs von Hollie Fullbrook entfalten ihren ganzen Charme besonders in der Live-Darbietung. Die Neuseeländerin mit der rauchig-zarten Stimme ist Poetin, Songwriterin und Pop-Chanteuse zugleich und mit ihrer Band Tiny Ruins nicht weniger ein Erlebnis. Wer auf Nick Drake-artigen Indie-Folk mit Frontfrau extraordinaire steht, sollte am 10.04.2019 in den Privatclub gehen, um der Dame zu lauschen. Es lohnt sich!
Genre: Pop
„Spätestens seit seiner Debütsingle Please Don’t Lie will uns HUGO HELMIG einfach nicht aus dem Kopf gehen“ – Eine Aussage, mit der Radio Energy wohl vielen Fans aus der Seele spricht. Mit dem Release seiner ersten Single hat der Zwanzigjährige die dänische Musikszene komplett auf den Kopf gestellt: Nicht nur, dass der energetische Popsong in seinem Heimatland der meistgespielte Song des Jahres 2017 war, auch brachte er ihm zwei Gaffa Awards ein. Die Reaktionen in Deutschland sind ähnlich: Sowohl seine Debütsingle, als auch seine Single „Wild“ kletterten bis auf Platz 3 der Offiziellen Airplay-Charts.
Der große Erfolg hierzulande ist für den talentierten Singer-Songwriter eine Überraschung: „Ich hoffte, dass ich mit Please Don’t Lie in Dänemark einen Anfang machen kann. In meinen wildesten Träumen hätte ich nicht damit gerechnet, dass das passiert.“ Mit inzwischen über 50 Konzerten im In- und Ausland mit Halt in Hamburg, Köln, Berlin und München hat HUGO HELMIG bewiesen, dass er nicht nur on-air, sondern auch live überzeugt. Mit großen Schritten bewegt sich der Däne nun auf sein Debütalbum zu, welches Anfang 2019 erscheinen soll. Bei seiner Frühjahrs-Tour 2019 ist eine geballte Ladung neue Musik somit gesichert.
Genre: Indie folk, Singer- Songwriter
Durch die Netflix Serie „13 Reasons Why“ (deutsche Fassung: „Tote Mädchen lügen nicht“) wird die Stimme dieses Mannes in Millionen Wohnzimmer auf der ganzen Welt gebracht. Und er bekommt nicht nur wundervolle Bestätigung durch tausende „Shazams“ am Tag, sondern auch herzliches und enthusiastisches Feedback von vielen, neuen Fans weltweit.
Stellt Euch vor, Glen Hansard wäre der Tallest Man On Earth, im beschaulichen Örebrö in Schweden als „Bad Guy“ aufgewachsen und durch unzählige DIY-Konzertreisen auf fast allen Kontinenten dieser Welt, zu einem der fantastischsten & weltmännischsten Menschen dieser Erde geworden. Mehr als 15 Millionen Streams auf seiner Debüt-EP „The Only Boy Awake“ und über 500.000 monatliche Hörer. So viele Individuen begeistern sich schon für Meadows, erobert durch seine wohltuend tiefe Stimme und sein außergewöhnliches Akustik-Gitarrenspiel. Deutschland ist für den Schweden zu einer Art zweitem Zuhause geworden. Nicht zuletzt durch die freundschaftliche Beziehung zu seinem Hamburger Label „What we call Records“ und zahlreiche Konzerte in der Indie-Club-Landschaft.
Dieser Mann ist genau das Juwel, von dem immer alle so gerne reden. Intim, mitreißend, authentisch und tiefgehend kehrt Meadows sein Inneres nach Außen und erzählt die Geschichten seines Lebens. Mal düster, mal hoffnungsvoll, aber immer voller lebendiger Emotionen.
Genre: Indie, Singer-Songwriter
Sie spielte bereits bei bedeutsamen europäischen Festivals wie Roskilde, Primavera Sound oder auch Haldern Pop und war Anfang 2017 zuletzt auf Tour in Deutschland. Im April 2019 kommt Julia Jacklin zurück, um ihr am 22. Februar erscheinendes, zweites Studioalbum „Crushing“ bei vier Shows in Köln, Hamburg, Berlin und München zu präsentieren. Ursprünglich aus den australischen Blue Mountains, wuchs sie mit Billy Bragg und Doris Day auf, sang als Kind in Musicals und begann mit Anfang 20 ihre eigenen Lieder zu schreiben. Ihr erstes Album „Don’t Let The Kids Win“ veröffentlichte sie 2016, das von der internationalen Presse begeistert aufgenommen wurde „impressive indie country debut from Australia.“ (The Guardian).
Nach der Veröffentlichung tourte Julia Jacklin nahezu pausenlos. So entstand „Crushing“ während eben dieser fast zweijährigen Tourphase und wurde anschließend von Burke Reid (Courtney Barnett, The Drones) produziert.
Genre: 80s' | Dark Wave | Cold Wave | New Wave | Post Punk | Minimal | Synth | Electro | EBM
Am Kar-Freitag. wird es schaurig-schön im Privatclub: Vom Nebel verhüllt tanzen wir durch die Nacht zu Post Punk, Dark Wave, Goth und Synth-Klängen. Wir tauchen ein in die düster, morbide Atmosphäre zwischen schwarzen Rosen und Patchouli-Duft. Aus den Boxen dröhnen Xmal Deutschland// The Cure// Martin Dupont// Sisters of Mercy// Lebanon Hanover// She past away// The Danse Society// Message// Linea Aspera//Anne Clark und vieles mehr.
Unter die Haut legen sich Dj Raben Schwarz (und seine Freunde der Nacht) dir mit auf ewiglich….
Genre: Singer-Songwriter
Lucy Spraggan ist zurück: Mit ihrem neuen Album ‚Today Was A Good Day‘, welches im April 2019 veröffentlicht wird, geht sie direkt auf Deutschlandtour!
Der ein oder andere mag die junge Sängerin aus Sheffield aus der 2012 ausgestrahlten X-Factor-Staffel noch kennen, doch Lucy Spraggan ist keine gewöhnliche Castingshow-Kandidatin. Sie ist die erste Teilnehmerin in der Geschichte X-Factor’s, die eine Single und ein selbstveröffentlichtes Album in den Top 40 vorweisen konnte, bevor die Liveshows überhaupt ausgestrahlt wurden. Ihr Debutalbum bei einem Majorlabel (Columbia Records) erreichte 2013 Platz 7 in den UK Charts.
„The mark of excellence of a singer songwriter for me is if you fall in love with the lyrics of a song and can tell there’s a beating heart inside them.“ (musiceyz)
Wir lernen hier eine Frau kennen, untrennbar von ihrer Gitarre, mit versiertem und unglaublich aufrichtigem Songwriting, gewürzt mit dem richtigen Maß an Witz, deren Musik stark an eine bunte Mischung aus Kate Nash, Lily Allen und Ed Sheeran erinnert.
Wer Lucy Spraggan schon live gesehen hat, weiß, welche Intensität die Singer/Songwriterin und Geschichtenerzählerin auf die Bühne bringt, wenn sie ihre Songs zum Besten gibt. Hier wird niemand stillstehen können!
Genre: Indie
Seit einigen Wochen wurde bereits wild spekuliert, dass die Lush-Frontfrau Miki Berenyi nach dem Ende ihrer grandiosen 90s-Indie-Band eine neue Formation zusammenstellt. Nun gibt es Gewissheit: Das frisch gegründete Quartett hört auf den Namen Piroshka und besteht neben Berenyi aus Gitarrist KJ McKillop (ehemals Moose), Bassist Michael Conroy (Modern English) sowie dem ehemaligen Elastica-Schlagzeuger Justin Welsh. Erst Ende September wurde dieses Line-up öffentlich bekanntgegeben, zu hören gibt es von der Band bislang noch nichts. Ihr erstes Konzert überhaupt werden Piroshka Ende November in London spielen, Anfang kommenden Jahres soll die erste Veröffentlichung folgen. Am 27. April 2019 kommen Piroshka dann für ein Konzert nach Deutschland, sie gastieren in Berlin.
Über die fantastischen Lush muss man wohl nicht viele Worte verlieren. 1988 gegründet, galten sie schnell als Vorreiter des so genannten Shoegaze, einer introvertierten Variante des Indie-Rock. Im Verlauf der zehn gemeinsamen Jahre veränderte sich der Sound allerdings in Richtung Britpop, wurde zugänglicher und freundlicher. Zwischen 1989 und 1996 erschienen elf LPs und EPs von Lush, häufig unter der kompositorischen Federführung von Miki Berenyi, bevor sich die Band 1998 auflöste. 2016 erschien sie noch einmal kurz auf der Bildfläche, brachte eine neue EP heraus und spielte ein paar Konzerte. Hier mit von der Partie: Justin Welsh, von 1992 bis 2001 Schlagzeuger der britischen Alternative-Rocker Elastica, mit denen er zwei Longplayer und zwei EPs einspielte. Nach diesem kurzen Intermezzo mit den reformierten Lush schrieb Berenyi über Welsh: „Er ist dermaßen gut, dass ich ihn ab dem Moment nicht mehr aus den Augen verloren habe.“ Es schien also klar, dass Welsh bei der Piroshka-Bandneugründung dabei sein würde.
Die anderen beiden Mitglieder von Piroshka haben eine ebenso lange Geschichte in der Indie-Musik Großbritanniens, obschon zumeist nur den Eingeweihten wirklich bekannt. Die ebenfalls dem Shoegaze zuzurechnenden Moose, deren Kopf KJ McKillop war, blieben ungerechterweise über ihre gesamte Existenz zwischen 1990 und 2000 stets ein Geheimtipp. Und dies trotz vier hervorragender Alben, die in der Szene andächtig gefeiert wurden. Als erfolgreicher erwies sich die Post-Punk- und New-Wave-Band Modern English, die mit Unterbrechungen seit 1979 besteht und in den 80er Jahren sogar mehrere Alben in den Top 5 der UK-Indie-Charts sowie sieben erfolgreiche Singles vorweisen konnte. Bassist Michael Conroy gehört der Band, die offiziell die einzige derzeit nicht aufgelöste Vorgänger-Band der Piroshka-Mitglieder ist, seit 1979 an.
Angesichts der Herkunft und jahrzehntelangen Expertise der Mitglieder wird es hochspannend sein zu hören, mit welcher Art von Musik uns Piroshka überraschen werden. Nur eines ist dabei absolut klar: der Sound dürfte zutiefst verwurzelt sein im klassischen Indie-Rock.
Genre: Deutschrock
Deine Cousine ist nicht irgendwer. Sie ist deine beste Freundin, deine größte Feindin und deine Geliebte in einem. Du möchtest mit ihr Pferde stehlen, auf den Dächern dieser Stadt tanzen, sich dabei den Kiez von oben anschauen und auf ihn runter spucken. Deine Cousine geht dahin wo es wehtut und kuschelt sich dann wieder ganz geschmeidig an deine Schulter.
„Mein Wille mein Kopf, mein Weg.“ Eine Zeile aus „Kiez oder Kinder“ und eine Kampfansage, die klar macht, dass Deine Cousine keine Kompromisse eingeht, sondern gerade heraus ihrer Linie folgt. Mit Champagner in den Adern und Dreck in der Stimme erzählt sie Geschichten über Menschen die man nie kennenlernen durfte, über Süchte, Prostituierte die sich nicht unterkriegen lassen, Stalker, beste Freunde und über die schönen und grausamen Seiten unserer Gesellschaft. Sie redet über die letzte Partynacht mit genau so starker Intensität wie über gesellschaftskritische Themen. Ihre Songs sprühen vor Energie und wenn man ihr dabei zuschaut denkt man nicht selten an ein Kind das gerade das erste Mal ohne Aufsicht ist.
Genre: Singer / Songwriter
Benjamin Francis Leftwich wird im Frühjahr nächsten Jahres auf Europatour gehen und auch in Deutschland vier Konzerte geben.
Anfang November hat er mit der wunderschönen Single ‚Gratitude‘ einen ersten Einblick in sein neues Album gegeben, welches nächstes Jahr im Frühling bei Dirty Hit veröffentlicht wird. ‚Gratitude‘ beruht auf dem Fundament der bisher veröffentlichten EPs, bringt aber mehr elektronische Elemente mit ein. Die Single ist düsterer und wesentlich aufwendiger produziert als die vorherigen Alben, gleichzeitig behält der Sound seine greifbare Emotionalität, die schon immer in Leftwichs Songs zu hören war. Weit und überweltlich klingt seine neue Idee von Musik, gleichzeitig ist sie noch immer in dem hölzernen Körper mit den sechs Saiten verwurzelt. Dadurch erscheint der Sound wundervoll einfach und erzählt seine erlebten Geschichten.
Nach dem Release seines hochgelobten Debüts Last Smoke Before The Snowstorm (VÖ 03.07.11 | Dirty Hit) änderte sich Leftwitchs Lebensweg in eine unerwartete Richtung, als er durch die härteste Phase seine Lebens ging: Der Verlust seines Vaters, der wichtigsten Inspirationsquelle des Künstlers. Nach fünf langen Jahren kam schließlich sein zweites, sehnsüchtig erwartetes Album After The Rain (VÖ 19.08.16 | Dirty Hit) heraus. Nochmal drei Jahre müssen seine Fans warten, bis sein drittes Album im Frühjahr 2019 endlich erscheint. Nach ‚Gratitude‘ ist jedoch klar, dass auch dieses Album ein einzigartiges Meisterwerk von Benjamin Francis Leftwich werden wird.
„For me it represents the searching for a whole new horizon following the cyclical and self destructive nature of pain and struggle…“ (Benjamin Francis Leftwich via Twitter)
Genre: Singer-Songwriter
Die irische Sängerin, Gitarristin und Multi-Instrumentalistin Bridie Monds-Watson alias SOAK griff zwar erst relativ spät erstmals zu einer Gitarre – damals war sie 14 Jahre alt –, das positive Feedback auf ihre erste Veröffentlichung war dennoch gewaltig. Mit ihrer brüchigen Stimme performt sie tiefschürfende Gedichte, die sie in ein eigenwilliges Klangbett gießt. Das beweist bereits ihr Künstlername SOAK, ein Zusammenschluss aus ‚Soul‘ und ‚Folk‘ – und selbst diese Genre-Bezeichnungen geben ihren außergewöhnlichen Stil nur unzureichend wieder. Seit Veröffentlichung ihres Debütalbums „Before We Forgot How To Dream“ im Jahr 2015 erhielt sie nicht nur weltweit überwältigende Kritiken, sondern obendrein eine ganze Reihe an renommierten Preisen, darunter den Choice Music Award für das beste Album des Jahres, je einen Northern Irish Music Prize und einen European Border Breaker Award, sowie als eine der jüngsten Künstlerinnen überhaupt eine Nominierung für den Mercury Prize. Nach ausgiebigen Tourneen durch Europa kündigte die mittlerweile 22-Jährige mit der Anfang Oktober erschienenen Vorab-Single „Everybody Loves You“ die Veröffentlichung ihres zweiten Albums an, das für das Frühjahr 2019 erwartet wird. Im Mai kommt SOAK sodann für drei ihrer stets höchst nahbaren Konzerte nach Deutschland, mit Stationen in Hamburg, Berlin und Köln.
Musik sei, so berichtete die aus dem irischen Derry stammende Bridie Monds-Watson in einem Interview, anfangs nichts weiter gewesen als ein Vehikel, um ihre lyrischen Gedanken in konkretere Formen zu bringen. Ihre ersten Gehversuche auf der Bühne unternahm sie sodann mit einer – wie sie sagt – „eher miesen Band“, bevor sie sich dazu entschied, ihre Musik alleine aufzunehmen und live zu performen. Bereits ein Jahr nachdem sie mit dem Gitarrespielen begonnen hatte, blickte sie auf eine gewisse lokale Berühmtheit – ihre intimen Shows wurden beschrieben als eindringliche, berührende Momente, die den Blick in die Gedanken und Emotionen eines reflektierten Teenagers erlauben.
Eine erste, selbst aufgenommene EP mit dem Titel „Sea Creatures“ fand viel Anklang auf YouTube und Soundcloud, und so wurde die Band Chvrches auf SOAK aufmerksam und ermöglichte ihr, mit „Blud“ ihre erste offizielle EP sowie im Mai 2015 auch ihr Debütalbum „Before We Forgot How To Dream“ zu veröffentlichen. Auch für diese Veröffentlichungen spielte sie alle Instrumente selbst ein – schon deshalb, um über die große Intimität ihrer sehr persönlichen Gedanken auch bei der klanglichen Ausgestaltung weiterhin die volle Kontrolle zu behalten.
Seit der Veröffentlichung von „Before We Forgot How To Dream“ ist das Feuilleton der arrivierten britischen Tageszeitungen voll des Lobes für SOAK. Der Guardian etwa beschrieb ihre Musik als einen „jungen Paul Brady, der in der Tonlage von Joni Mitchell das Tagebuch der Anne Frank singt“, während der Telegraph ihre Musik bereits mit Größen wie „Cat Power im Chillwave-Feeling von Bands wie Beach House und Best Coast“ verglich. SOAK selbst sagt, ihre größten Einflüsse fänden sich zwischen Abba und Pink Floyd, und dass sie keine Ahnung habe, wie man ihre Musik kategorisieren könne: „Ich habe keine Idee, in welches Genre ich passe. Was ich tue, ist schon ein wenig schräg, ebenso sehr Alternative wie Folk.“
Spannend bleibt es damit allemal, inwieweit sich der Sound ihres kommenden, zweiten Albums verändert hat. Mit der unmittelbar einnehmenden Vorab-Single „Everybody Loves You“, einer selbstironischen Abrechnung mit dem Konzept, mit sich selber stets sehr gnädig zu sein, bestätigt sie den Eindruck ihres ersten Albums nachdrücklich, dass sie eine herausragend musikalische, ebenso ätherisch wie selbstbewusst agierende junge Künstlerin zwischen Poesie und hinreißenden Songs ist.
Genre: Indie Pop
Die Unverfrorenheit ungeschliffenen Slacker Rocks und die catchige Melancholie moderner Indiepop-Acts: Das ist der Boden, auf dem Some Sprouts gedeihen. Vintage-Synth-Sounds geben die Nährstoffe, die markante Stimme von Sänger Joshua das Wasser, sodass der Entfaltung der Sprouts keine Grenzen gesetzt sind.
So tourten die fünf Regensburger mit ihrer Debut-EP „Florescer“ quer durch Deutschland – erregen dabei aber Aufsehen, das über die deutsche Indie-Szene hinausgeht: Etablierte Gröflen aus den USA wie We Are Scientists oder Albert Hammond Jr (The Strokes) wurden auf Some Sprouts aufmerksam und machten sie zum Deutschlandsupport für ihre eigenen Touren.
Im Oktober 2018 veröffentlichten Some Sprouts ihre neue EP „IMMT“. Die EP zeigt die Entwicklung der Band, die sie seit ihrer Debut-EP durchlaufen hat und verbindet noch klarer ihre zwei Haupteinflüsse aus vorantreibenden Indie-Rock und träumerischen Pop/Folk Sound.
Nach der grandiosen IMMT TOUR 2018 gehen Some Sprouts 2019 erneut auf Tour und sind am 25. Mai live im Berliner Privatclub zu sehen.
Genre: Indie
Toronto singer, producer and multi-instrumentalist MorMor returns to share a new single. „Pass The Hours“ expands upon the blueprint for his own brand of pop music that he showcased with his critically-acclaimed debut EP Heaven’s Only Wishful released earlier this year. The dynamic new track is a sweeping demonstration of MorMor’s own interpretation of pop song structures, bringing a renewed energy to the genre.
Along with the new track, MorMor is announcing headlining tours supported by a full band to happen in both Europe and North America in 2019. Following a European jaunt that launches in late March, he will return to the US for a 12-date tour beginning April 16 in Washington DC before wrapping in Los Angeles on May 7th.
Genre: Singer-songwriter, Americana, Indie Folk
Singer-songwriter, Americana, Indie Folk, Acoustic – these are all labels that could aptly apply to Australia’s Mark Wilkinson, but ultimately he lends his voice to the human condition. Those moments in life that bear memory, those questions that drive us all. So universal they aren’t bound by time or place, but so few can ever put into words.
„He truly has a gift for poetic lyrics…There’s a glow of warm around him and richness to his supreme voice, sending shivers down spines as he pulls you into the soul of him.“
– Hazel Buckley, TheMusic.com.au
It’s this simple but all too rare ability to connect that’s brought him acclaim the world over. His music has risen the charts on two continents, his shows have sold out in half a dozen countries more. He’s shared arena stages with some of music’s most enigmatic names like Brian Wilson and Rodriguez, but he can still be found performing on the street, forging connections through song without barrier or contrivance.
With three full length albums under his belt already, 2019 sees Wilkinson return to the live stage in support of his fourth record, „Blue Eyed Girls“. Set for release in March 2019, this new collection of songs comes hot on the tail of „Wasted Hours“ which hit #1 on the Australian independent album charts in early 2018.
The ‚Blue Eyed Girls‘ tour will encompass a lengthy run across Australia throughout March, April and May before heading to North America in June and onto Europe through July and August for a slew of shows in the northern hemisphere.
Don’t miss the chance to catch one of his powerful and moving live performances as he showcases songs from his new album along with fan favourites from his ever growing catalogue.
Genre: Singer-Songwriter
Ami braucht nicht viele Worte, um zu sagen, was sie sagen will. Ihre Texte wirken ungefiltert, unverbogen und direkt. Und diese Direktheit macht den großen Charme von Amis Songs aus. Nichts ist verklausuliert, trotzdem zeichnet die Klarheit der Sprache Bilder zu den Melodien, die im Kopf bleiben.
Ami kann voll und tief singen, dann wieder klar und leicht. Ihre Stimmfarben passen perfekt zusammen. Und sie passen perfekt zu ihren neuen Songs, die sie – wie auch schon für die beiden Vorgängeralben – selbst komponiert hat.
Nach der Veröffentlichung ihres ersten Albums „Part of me“ 2014 wird die junge Münchnerin mit Wurzeln in Aruba von den Feuilletons als eine der vielversprechendsten Newcomerinnen Deutschlands gehandelt. „Seasons“, das zweite Album, wird 2016 veröffentlicht – und klingt ganz anders als sein Reggae- und Bluesgefärbter Vorgänger. Reifer, gelöster, mit hypnotischen Beats und souligen Balladen. Gleichzeitig – und von Anfang an – schreibt Ami auch deutsche Songs. Leichte, poetische Lieder, ohne erhobenen Zeigefinger, ohne Pathos, aber sehr berührend. Amis Kunst ist, durch ihre Worte eine große Vertrautheit zu schaffen, eine Nähe zu ihren Zuhörern, durch die man sich angenehm verstanden fühlt. Ihre Songs wirken entspannt und sind gleichzeitig von einer Intensität, die sofort berührt. Amis Publikum ist hingerissen, und was zunächst nur ein kleiner Teil des Live-Programms war, wird immer mehr eingefordert. Das neue Programm ist komplett auf Deutsch. Nicht kitschig, nicht überladen – sondern einfach: Ami. Mit einfachen Worten und einzigartiger Stimme macht sie eine ganz neue Gefühlswelt auf, mit der man sich sofort verbunden fühlt. Ami singt aus dem Herzen, mehr denn je.
Genre: Pop
Die vier Jungs aus dem hohen Norden sind der Geheimtipp schlechthin. In Schleswig-Holstein so gut wie alle ihrer Konzerte ausverkauft, 1000 Fans am Abend die Regel, Monate vor der Show das Hamburger Knust ausverkauft, Schleswig-Holstein beim Bundesvision Songcontest vertreten und mit den großen Namen des Popbusiness’ auf Du – all das hat sich ausbezahlt, denn sie sammeln fleißig ihre Fans ein, waren auf Tour mit Bands wie Silbermond, Johannes Oerding, Philipp Dittbrenner und Mark Forster.
Mit ihrem deutschen Pop, der die Tiefe nicht scheut und den Frohsinn sucht, laden Jeden Tag Silvester auf ihren Konzerten zum Träumen, Nachdenken und Mitsingen ein. Zwischen Clueso, Revolverheld und internationalen Acts wie Coldplay und den Killers schaffen sie sich mit unfassbaren Melodien ihre Nische. JTS konstruieren ihre Musik nicht. Müssen sie auch nicht, denn die Antwort ist so einfach wie klar: handgemachte, melodische, introvertierte Feuerwerke, die durch ihre melodischlyrischen Ummantelungen, echte Instrumente, warmen Sound und einer tollen Stimme direkt ins Herz gehen und jede Sekunde authentisch und glasklar sind.
Jeden Tag Silvester führen einmal mehr vor Augen, dass die deutsche Sprache im Klangtext melodischer Vertonungen mitreißen und berühren kann und wirklich bewegt. Ihr Werdegang ist beeindruckend und es ist schön zu sehen, wie die Band vom Norden her die Republik nach und nach aufrollt und bei jedem ihrer Konzerte beweisen, dass Norddeutschland viel mehr zu bieten hat als Fischbrötchen und Friesennerze. JTS die mitreißende Kombination aus musikalischem Anspruch und Authentizität. Perfekt und echt. Und eines ist sicher. Es wird in ihrer unaufhaltsamen Karriere noch viele Feuerwerke geben, denn Jeden Tag ist Silvester!
Genre: Dark Wave, Rock, Electronic
Szenekennern braucht man nicht zu sagen: Wer oder was die legendären Clan of Xymox sind…
Aber dennoch hoffen wir immer noch auf Neuzugänge und deswegen nochmal kurz zusammen gefasst:
Clan of Xymox gibt es seit den 80er Jahren und gehörten somit in den 80igern zu den wichtigsten Vertretern der Dark Wave Szene. Mit mehr als 30 produzierten Alben tourten die Clan of Xymox in ihrer Laufbahn durch viele Länder der Welt und haben sich in den Jahren eine sehr teure Fanbase erspielt.
Wichtigste Songs und die wir immer wieder auf Konzerten hören sind zum Beispiel: Louise, A Day, Medusa und viele andere.
Zuletzt veröffentlichten die Clan of Xymox ihr Album Days of Black in dem Jahr 2017.
Die Clan of Xymox sind immer wieder sehens- und erlebenswert. Wie bereits in 2017 geschrieben: dunkle Tage erfordern dunkle Musik. Nicht auszudenken also, was wir tun würden, wenn es Menschen wie Ronny Moorings nicht gäbe. Menschen, die seit vielen Jahren die Seele einer Szene sind, mit wachem Blick und offenen Ohren durch die Welt gehen und all das Besorgniserregende, all das Beunruhigende, all das Aufwühlende da draußen in düstere, aber genau deswegen so heilsame Musik fließen lassen.
Sicherlich kann man einem wie ihn nichts vormachen, sicherlich muss man einer der prägendsten, wichtigsten und populärsten Dark-Wave-Bands der Achtziger nicht erklären, wie sie Atmosphäre erzeugen und somit befinden sich Clan of Xymox bis heute auf einem beispiellosen Karrierehoch.
Als Special Guest laden wir dazu Auger aus den UK ein, die bereits in 2018 in Deutschland mit Stoneman auf Tour waren.
Auger siedelt sich im Dark Wave, Industrial, Gothic an. Die Band gründete sich erst in 2017 und hatte sofort Erfolge zu verzeichnen. Ihre Debüt Single wurde in sehr vielen Radios gespielt und dass bis hin nach Amerika, weiterhin spielten sie größere Konzerte mit den bekannten Bands wie The Crüxshadows, Ost+FRONT und Gothminister.
AUGERS knallharter Sound ist eine einzigartige Fusion von Darkwave, Industrial, Electronica, Gothic Rock und Metal. Im März 2018 erschien ihr neues Album „The Awakening.
